Alice Brill pintora, fotógrafa y crítica de arte germanobrasileña.

Alice Brill (Colonia, 13 de diciembre de 1920 - Itu, 29 de junio de 2013) fue una pintora, fotógrafa y crítica de arte germanobrasileña.​

Nació en una familia judía que huyendo del nazismo se fue refugiando en España, Italia y Holanda antes de asentarse definitivamente en Brasil. Su padre murió en el campo de concentración Jungfernhof en 1942.

Con 16 años estudió con el pintor Paulo Rossi Osir, que influenció su producción de fotografías y pinturas en batik. Participó en el Grupo Santa Helena, asociación informal de pintores paulistas, donde conoció a Mario Zanini o Alfredo Volpi. En 1946, ganó una beca de la Fundación Hillel para estudiar en la Universidad de Nuevo México y en la Art Students League of New York.

Al regresar a Brasil, continuó sus estudios con maestros como Yolanda Mohaly. Comenzó entonces una larga serie de exposiciones, tanto colectivas (entre ellas la I Bienal de São Paulo, en 1949) como individuales, en Brasil y en el extranjero. Hoy en día, sus obras forman parte de las colecciones de importantes museos.

Pero también es conocida por su trabajo como fotógrafa, que ejerció durante 10 años, en la década de 1950, y cuyas imágenes obtuvieron un gran reconocimiento en la década de 1990. Alice fue una de las homenajeadas de la Colección Pirelli/MASP de fotografías (1997), tiene imágenes en la colección digitalizada del Itaú Cultural y, en el año 2000, su archivo de negativos fue donado al Instituto Moreira Salles. Además de la exposición fotográfica itinerante El mundo de Alice Brill, del IMS, en 2005, la exposición Transeuntes, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC/USP), le dedicó una sala.

 Fundadora del Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM/SP), del Club de Artistas y Amigos del Arte de São Paulo y de la Asociación Brasileña de Investigadores en Arte, Alice se licenció en Filosofía Pura por la PUC/SP en 1975, y posteriormente realizó un máster y un doctorado en Estética en la USP. 

Es autora de tres libros: «Mário Zanini e seu Tempo» (Ed. Perspectiva, 1984), resultado de su tesis de maestría, «Da Arte e da Linguagem» (Ed. Perspectiva - 1988) y «Flexor» (Edusp, 1990), galardonado como Mejor Libro del Año 1990 por la Asociación Paulista de Críticos de Arte y reeditado en 2005. Su tesis doctoral, «Viagens Imaginárias - transformação de uma técnica milenar em linguagem contemporânea» (Viajes imaginarios: transformación de una técnica milenaria en lenguaje contemporáneo), sobre el batik, sigue sin publicarse. Entre otras colaboraciones, Alice también es autora del capítulo sobre artes plásticas del libro «O Expressionismo» (El expresionismo), organizado por Jacó Guinsburg (Ed. Perspectiva, 2002).

Además de tantas actividades profesionales, Alice,  estuvo casada más de 50 años, y fue madre de cuatro hijos . También ha impartido clases de arte en las Facultades de Filosofía, Ciencias y Letras Nossa Senhora do Patrocínio, en Itu, y en la Facultad Santa Marcelina, en São Paulo, además de tener algunos alumnos en su taller.

Reconocimientos

Obtuvo más de diez premios, como el Premio Adquisición del XIV Salón Paulista de Arte Moderno de São Paulo (Pintura - 1964). 

https://historiadaparte.wordpress.com/alice-brill/

https://es.wikipedia.org/wiki/Alice_Brill

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2014/03/pintores-brasilenos-alice-brill.html

https://www.itu.com.br/cultura/noticia/biografia-alice-brill-20100202

https://www.flaviasantosleiloes.com.br/peca.asp?ID=12506577

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Louise Dahl-Wolfe fotógrafa

Louise Emma Augusta Dahl conocida también como Louise Dahl-Wolfe (San Francisco, 19 de noviembre de 1895 – Nueva Jersey, 11 de diciembre de 1989) fue una fotógrafa estadounidense autora de retratos y fotografía de moda en la que destacó por el uso del color y la luz natural. Fue conocida especialmente por su trabajo para la revista Harper's Bazaar a partir de los años 1930 con la editora de moda Diana Vreeland. Abrió el camino a las mujeres fotógrafas y su trabajo está considerado a la altura de sus colegas contemporáneos de profesión Edward Steichen, Irving Penn o Martin Munkácsi.

Hija de padres noruegos, Louise Dahl-Wolfe estudió pintura y diseño en Nueva York.

Inició sus estudios en 1914 en la Escuela de Bellas Artes de California. Tras un paréntesis a causa de la muerte de su padre decide trasladarse a Nueva York en 1923 para continuar formándose en decoración de interiores, diseño y arquitectura.

En 1926 fallece su madre. Inicia entonces un viaje a Europa y Túnez junto a su amiga Consuelo Kanaga, fotógrafa del San Francisco Chronicle. En este viaje conoce a su futuro marido, el escultor Meyer Wolfe quien le apoyó durante toda su carrera y construyó los decorados de un gran número de sus fotografías.​ Ya casada regresa a San Francisco en 1930 donde entra en contacto con Edward Weston y Dorothea Lange tomando la decisión de convertirse en fotógrafa profesional.

En 1933 se traslada a Nueva York y tres años después empieza a trabajar en la revista Harper's Bazaar donde publicará casi un centenar de portadas. En dos décadas realiza centenares de retratos y fotografías de moda. Su formación en dibujo y estudios de anatomía le ayudó a realizar sus composiciones fotográficas "Con ello aprendí a calibrar el espacio y a saber distribuir formas y volúmenes" explicaba a sus 92 años en 1987 con motivo de la exposición retrospectiva del National Museum of Women in the Arts de Washington.

Realizó 86 portadas para Harper's Bazaar y su mirada fue considerada revolucionaria siendo pionera en utilizar la luz natural en localizaciones exteriores, destacando especialmente su uso del color. Llevó a sus modelos a América del Sur, África, Cuba o España, dando nacimiento a lo que se llamará la fotografía de moda "medioambiental". En 1939 fue premiada por sus experimentos en color por el Art Directors Club of New York. ​ Desde los años 30 a 50 presentó el trabajo de diseñadores de la talla de Chanel, Balenciaga y Dior así como de Claire McCardell y Clare Potter.

En Harper's Bazaar experimentó también con el retrato que ella prefería a la fotografía de moda que la hizo célebre. Entre los retratos importantes que realizó pueden citarse los de: Mae West, Cecil Beaton, Eudora Welty, W.H. Auden, Christopher Isherwood, Orson Welles, Carson McCullers, Edward Hopper, Colette o Joséphine Baker.

En 1943 fotografió a Betty Bacall (luego rebautizada como Lauren) para la portada de Harper's Bazaar y poco después la joven modelo de 17 años firmó el contrato para protagonizar su primera película, Tener y no tener, dirigida por Howard Hawks y con Humphrey Bogart.

Tuvo una gran influencia sobre fotógrafos como Irving Penn y Richard Avedon y abrió el camino a cientos de mujeres fotógrafas. Uno de sus asistentes fue Milton H. Greene.

Aunque en 1939 recibió la medalla y en 1941 el premio del Art Directors Club of New York, tras su retiro en 1960, su obra se sume en un cierto olvido hasta la década de los 1980 en que publica su libro de memorias A Photographer's Scrapbook (1984) y es animada por la Staley-Wise Gallery a exponer  en Nueva York. A partir de ahí, comienza el reconocimiento y su obra es objeto de exposiciones en The Grey Art Gallery, New York University, Nueva York, 1983; el Museum of Contemporary Photography, Columbia College, Chicago, 1985; el Museo Nacional de Mujeres Artistas, Washington, 1987 y 2009; el Fashion Institute of Technology Museum, New York y el Center for Creative Photography, Tucson, Arizona, 2000 etc.

En 2017 el Fashion and Textile Museum de Londres le dedicó la primera retrospectiva  en Gran Bretaña.

https://www.barnebys.es/blog/louise-dahl-wolfe-la-madre-de-la-fotografia-de-moda
https://es.wikipedia.org/wiki/Louise_Dahl-Wolfe

https://www.nga.gov/artists/47721-louise-dahl-wolfe

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Maribel Longueira: Esa Luz

Hay personas que a lo largo de su vida van dejando un rastro que nos maravilla como una suerte de milagro: todo cuanto tañen aparece tocado por una luz nueva que descubre otra cara del mundo. Es el caso de Maribel Longueira (A Coruña, 1951-2025) quien nos dejó el pasado 18 de octubre, en un día muy soleado, irradiado por su luz. Así fue ella hasta el último instante, capaz de alejar las sombras. Las que dañaban a los demás, las que podían empañar la propia existencia. Una capacidad que, tal vez, tuviese que ver con su condición fraternal y hospitalaria, interesada por cuanto acontecía a su alrededor desde una perspectiva ética, liberada de prejuicios. Su idea del ser humano se resolvía en la práctica con una naturalidad que la llevaba a relacionarse de modo semejante con un premio Nobel y con cualquier otra persona, alcanzando en todos los casos una receptividad plenamente cordial.

Una atención afectuosa que aplicó tanto en lo personal como en su quehacer artístico. En este sentido, fue, sin duda, en la fotografía donde Maribel Longueira desarrolló con más afán su ansia expresiva que, apuntalada por su formación como licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y doctora en Patrimonio y Fotografía por la UNED, abarcaba la pintura, el grabado, la estampa textil con tintes naturales y otras disciplinas. Habitualmente asida a sus cámaras, no buscaba: era capaz de encontrar con la fortuna de quien posee esa percepción, dispuesta a captar y acoger compasivamente lo que acontece para después ponerlo en contexto de cómo debería ser. Porque jamás fue aliada del silencio cobarde, sino valiente en la contestación y en la protesta hacia lo injusto o falaz. A través de su fotografía siempre estuvo donde había que estar para defender el patrimonio histórico, el medio ambiente, la emigración, a los seres más vulnerables. No podemos olvidar aquí ese testimonio sorprendente sobre el «barrio chino» de A Coruña que Maribel Longueira con sus imágenes y Luísa Villalta con sus poemas erigieron contra la hipocresía y la desmemoria en el volumen Papagayo. La huella de los sentidos. Con otros y otras poetas, Maribel Longueira participó de los libros Alguien espera que vuelva allí (2008) con fotografías de habitantes de La Habana; Entremiradas. Galicia-Buenos Aires (2009) y Entremiradas Galicia-Cuba (2009) sobre el asunto de la migración. Del mismo modo, su preocupación medioambiental se concreta en el monográfico Gente en medio (2009). Al mismo tiempo, en este campo de la fotografía ha realizado exposiciones en espacios diversos del Estado español, Cuba, Francia, Finlandia, Gran Bretaña y E.E.U.U. Igualmente trabajó en la poesía visual desde una preocupación ecológica y humanista, en piezas como Dónde está el amor, Grafías de viento y agua, URBS, Moon y Suit Habana.

Desde muy joven participó en la formación de grupos y actividades en los más diversos campos de la cultura gallega. Como estudiante colaboró con Luciano García Alén en la recogida de datos de cerámicas tradicionales de Galicia. En Puerta de Aires de A Coruña, creó un espacio en el que restauraba y comercializaba piezas antiguas de cerámica procedentes de las aldeas gallegas. De Maribel son las fotos y la filmación, depositados en el CGAI, que prueban que la embarcación de cuero del Proyecto Breogán, dirigido por el profesor Fernando

Alonso Romero, a pesar de no poder cumplir su cometido, llegó a navegar. Maribel formó parte del grupo de teatro El Facho encargándose del decorado y maquillaje. Se especializó en Gestión de Patrimonio y Bienes Culturales en la Universidad de A Coruña.

Además de publicar sus propios volúmenes de fotografía, acompañó con sus imágenes numerosos libros de su compañero de vida F. X. Fernández Naval y participó en numerosas obras colectivas.

Imágenes que atesoran momentos vívidos personales y colectivos, que Maribel salvó disparando sin filtros, con inocencia, al corazón del mundo. La outsider que sigue interrogándonos frente a ese espejo y conquista así lo real. La que nos regala su conversación interminable con las arenas, el viento, la luz...

Texto: Eva Veiga. Traducción as castellano: Luz Darriba.

https://www.lavozdegalicia.es/noticia/coruna/2025/10/18/fallece-fotografa-maribel-longueira-74-anos/00031760800637238636672.htm

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Eve Arnold fotógrafa

Eve Arnold nacida  Cohen (21 de abril de 1912 - 4 de enero de 2012​) fue una fotógrafa estadounidense, perteneciente a la agencia Magnum desde 1951.​

Nació en Filadelfia en el seno de una familia de inmigrantes judíos provenientes de Rusia, siendo sus padres el rabino William Cohen (nacido Velvel Sklarski), y su esposa Bessie (Bosya Laschiner). Sus primeros intereses se dirigieron hacia la literatura y el baile, pero en 1940 comenzó a interesarse en la fotografía y realizó sus primeras imágenes. Entre 1947 y 1948 estudió fotografía y cine con Alexei Brodovitch en la New School for Social Research de Nueva York.

A partir de 1951 formó parte de la agencia Magnum como miembro asociado y en 1957 se convirtió en miembro de pleno derecho y sus reportajes fotográficos empezaron a publicarse en revistas como Life, Paris Match, Stern, Sunday Times o Vogue, convirtiéndose en la primera reportera de la agencia.

Dos de sus fotografías más conocidas son retratos de Marlene Dietrich y Marilyn Monroe durante un descanso en su trabajo y las tomó de un modo directo sin aviso previo. Aunque también ha realizado reportajes sobre Joan Crawford, Clark Gable, James Cagney y Paul Newman.

En 1961 se trasladó a vivir a Londres de un modo definitivo, aunque realizó diversos viajes a países como la Unión Soviética, Afganistán, Sudáfrica, Egipto y China. En sus reportajes solía hacer énfasis en los aspectos sociales.

Su primera exposición individual con carácter itinerante la realizó en 1980 y tuvo como título In China, además ha realizado exposiciones ligadas a la agencia Magnum en el Museo Tampa de Florida en 1983 y en el Centro de Arte Reina Sofía en 1989. Su obra está representada en el Museo Ludwig y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

En 2015 la Fundación Magnum publicó una biografía ilustrada de Eve Arnold.

Eve Arnorl (Havana, Cuba, 1954)

“Lo que he tratado de hacer es involucrarme con la persona a la que estaba fotografiando, para hacerle entender, sin decirlo, que iba a utilizar lo que quisiera darme”, dijo Arnold en una entrevista radiofónica en 2008 con John Tusa.

“Si eres cuidadoso con las personas y si respetas su privacidad, ellos te ofrecerán parte de si mismos que puedes usar y, este es el gran secreto, tiene que ver más con la relación del fotógrafo con el sujeto que con cualquier otras cosa que pueda estar pasando”.

Reconocimientos

A lo largo de su vida recibió numerosos reconocimientos entre los que se pueden destacar el Doctorado Honorario de la Universidad de Saint Andrews y de Staffordshire, el título de Maestro en Fotografía otorgado por el ICP y la Orden del Imperio Británico.

https://es.wikipedia.org/wiki/Eve_Arnold

www.magnumphotos.com/photographer/eve-arnold

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Alma Siedhoff-Buscher diseñadora

 

Alma Siedhoff-Buscher (4 de enero de 1899 - 25 de septiembre de 1944), nacida como Alma Buscher, fue una diseñadora alemana. Se formó en la Escuela Reimann de Berlín, el Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums Berlin y la Bauhaus.

Buscher nació  en la ciudad de Kreuztal en Renania de Norte-Westfalia (Alemania).​ A partir de 1917, estudió en la Escuela Reimann de Berlín y luego en la Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums Berlin, antigua escuela de artes aplicadas vinculada al Museo de Artes Decorativas de Berlín 

Buscher comenzó sus estudios en 1922 en la Bauhaus, en Weimar. Inicialmente, al igual que el resto de sus compañeros, asistió al curso preliminar dirigido por Johannes Itten y a las clases de Paul Klee y Wassily Kandinsky. Más tarde fue aceptada en el taller de tejido, dirigido por Georg Muche, pero en 1923 se cambió al taller de escultura en madera que lideraba Josef Hartwig. En 1923 formó parte de la primera exposición de la Bauhaus, para la que diseñó muebles para habitaciones de niños en el Haus am Horn en Weimar, así como un teatro de títeres y otros juguetes.

En 1924, cuando Buscher era todavía estudiante, el Zeiss Kindergarten en Jena fue equipado con muebles diseñados por ella. Ese mismo año, sus diseños de muebles y juguetes se mostraron en una congreso celebrado en Jena para profesores de jardín de infancia, líderes juveniles y prestadores de cuidados infantiles, y también en la exposición Bienestar Juvenil en Turingia celebrada en Weimar.

Se casó con el actor y bailarín Werner Siedhoff (1899-1976) y cuando la Bauhaus se trasladó a Dessau, en 1925, ella y su marido también se trasladaron a este enclave industrial. Se graduó en 1927 y permaneció en Dessau hasta 1928.​ Tuvo dos hijos con Siedhoff, el actor Joost Siedhoff, nacido en 1926, y Lore, nacida en 1928. A partir de 1928, debido a la profesión de actor de su marido, la familia tuvo que trasladarse en varias ocasiones.

Siedhoff-Buscher pereció durante un bombardeo en la Segunda Guerra Mundial en Buchschlag, cerca de Fráncfort, el 25 de septiembre de 1944.

Dos de sus obras más conocidas son el Kleine Schiffbauspiel ("Pequeño juego de construcción de barcos") que realizó en 1923, el cual consta de 32 piezas de madera de colores, y Große Schiffbauspiel, realizada en 1924, que lo forman 39 piezas. También creó en 1923 las Wurfpuppen (muñecas de cuerda flexible con cabezas de madera) y en 1927 los kits de recortes para grúas y botes de vela, publicados originalmente por Otto Maier-Verlag en Ravensburg. A partir de 1977, tanto los juegos de construcción de barcos como los kits recortables estuvieron disponibles nuevamente.

El Haus am Horn de 1923, representó un prototipo revolucionario para la vida moderna a la que Siedhoff-Buscher aportó su diseñó de muebles. La Bauhaus y sus sedes en Weimar, Dessau y Bernau forman parte del Patrimonio de la Humanidad desde 1996.​ En 2018 la Bauhaus se sometió a una importante restauración con motivo de la celebraciones del centenario en 2019.​

Reconocimientos 

En 2004-2005 el Museo Bauhaus, Weimar organizó una exposición individual de su trabajo titulada Alma Siedhoff-Buscher: Eine neue Welt für Kinder (Alma Siehoff-Buscher: un nuevo mundo para niños) y otras en el Archivo de la Bauhaus de Berlín en 2006.

Lotte Brendel, el personaje principal de ficción en la película de la televisión alemana Lotte am Bauhaus, emitida por primera vez en ARD en febrero de 2019, está inspirado en la historia de la diseñadora Alma Siedhoff-Buscher.

https://es.wikipedia.org/wiki/Alma_Siedhoff-Buscher

https://www.siwiarchiv.de/ausstellung-alma-siedhoff-buscher-tochter-dieser-stadt/

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Karimeh Abbud fotógrafa palestina

 

Karimeh Abbud (Shefa-'Amr, 18 de noviembre de 1896 – Nazaret, 27 de abril de 1940), en árabe كريمة عبّود, fue una fotógrafa profesional y artista palestina que vivió y trabajó en Palestina en la primera mitad del siglo xx.​ Fue una de las primeras mujeres fotógrafas en el mundo árabe.

Comenzó a interesarse por la fotografía en 1913, después de recibir una cámara como regalo por su decimoséptimo cumpleaños. Sus primeras fotos retrataban su familia, amistades y paisajes de Belén. Su primera fotografía firmada está fechada en octubre de 1919.​

Karimeh estudió literatura árabe en la Universidad Americana de Beirut, en Líbano. Durante ese tiempo viajó a Baalbek para fotografiar yacimientos arqueológicos. Instaló un estudio casero y consiguió ingresos fotografiando a mujeres, niños, bodas y otras ceremonias. También sacó numerosas fotografías de espacios públicos en Haifa, Nazaret, Belén y Tiberíades.

En la década de 1930 ya era fotógrafa profesional, haciéndose notoria en Nazaret, donde la familia Abbud era bien conocida por su abuelo, farmacéutico del Hospital de Nazaret, y por su padre, pastor que también había servido allí.​ Cuando el  fotógrafo Fadil Saba de Nazaret se mudó a Haifa, el estudio de Karimeh fue muy requerido para bodas y retratos en particular. El trabajo producido en este periodo fue estampado con el sello en árabe e inglés: "Karimeh Abbud - Lady Photographer  - كريمة عبود: مصورة شمس". A mitad de la década de 1930 comenzó a ofrecer copias pintadas a mano de sus fotografías de estudio.

Ahmed Mrowat, director del Proyecto de los Archivos de Nazaret, ha estado recopilando copias originales del extenso portafolio de Abbud. En el año 2006, Boki Boazz, un coleccionista de antigüedades israelí, descubrió más de 400 copias originales de Abbud en una casa del barrio jerosolimitano de Qatamon cuyos dueños la habían abandonado después de la ocupación israelí en 1948. Mrowat ha expandido su colección mediante la compra de las fotos a Boazz, muchas de las cuales están firmadas por la artista.

Abbud se hizo conocida por su estilo de retrato, que difería del retrato de estilo europeo cuidadosamente escenificado de la época. En cambio, Abbud fotografió a la gente en sus hogares, dejando que su trabajo reflejara esos espacios.

Trabajando en Palestina y el Líbano  Karimeh capturó vastos paisajes, muchos de los cuales no existen hoy. A través de su arte, podemos experimentar la belleza de estas regiones tal como ella las vio.

Google dedicó un doodle a la fotógrafa el 18 de noviembre de 2016 en honor al 123.º aniversario de su nacimiento. El doodle fue difundido en todos los países del mundo árabe.

https://www.onefineart.com/artists/photographers/Karimeh-Abbud

https://twitter.com/juditvela8/status/1213463113057677313/photo/4

https://es.wikipedia.org/wiki/Karimeh_Abbud

https://doodles.google/doodle/karimeh-abbuds-123rd-birthday/

https://x.com/juditvela8/status/1213463113057677313

https://x.com/MartaMachoS/status/1725746299444642255?s=20

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Lourdes Almeida fotógrafa mexicana

Lourdes García Noriega, más conocida como Lourdes Almeida (Ciudad de México, 2 de junio de 1952) es una fotógrafa mexicana.

Realizó sus estudios de fotografía en Florencia, Italia.​ Fue alumna del taller "Charlas de otoño" impartido por Manuel Álvarez Bravo. Desde 1978 ha tenido 100 exposiciones individuales en importantes museos de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. Ha participado en más de 300 exposiciones colectivas alrededor del mundo. Es considerada la maestra de la fotografía Polaroid experimental en México.​ Ha impartido varios talleres y conferencias de fotografía en varias Universidades de México como la UNAM, ITESO, la Universidad Iberoamericana, Tecnológico de Monterrey.

Su trabajo es parte de diferentes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran: La colección internacional de Polaroid (Cambridge, MS), Museum of Fine Arts (Houston); Southeast Museum of Photography, Daytona Beach Community College (Florida); Fundación Castilnovo en España; Museo Universitario del Chopo (UNAM, México); Casa de la Américas, La Habana, Cuba; Centro Wilfredo Lam, La Habana, Cuba; El Museo de los Ángeles, Turégano, España.​

Premios y distinciones

1982 Mención honorífica en la Bienal de Fotografía, Instituto Nacional de Bellas Artes, Ciudad de México.

1985 Mención honorífica en la Bienal Internacional de Fotografía de Belgrado.

1992 Beca para creadores intelectuales FONCA.

1993 Premio de selección en el 53 Salón Internacional de Fotografía de Japón.

Medalla de bronce en el concurso mundial de Fotografía 1993 del Centro Cultural Asiático de la Unesco (ACCU).

1994 Premio de selección en el 54 Salón Internacional de Fotografía de Japón.

1995 Medalla de plata en el Salón 1 CPEX del Hasselblad, 4th Austrian Super Circuit 1995. Linz, Austria.

Mención honorífica de la FIAP en 4th Austrian Super Circuit. Linz, Austria.

1996 Premio Camera de la Unesco a la mejor revista cultural Saber-Ver con el proyecto Retrato de Familia.

1998 Premio Ariel por ambientación de la película De noche vienes Esmeralda.

Premio Ariel por escenografía de la película De noche vienes Esmeralda.4​

Premio Ariel por vestuario de la película De noche vienes Esmeralda.4​

1999 Mención honorífica en la 2a. Bienal Puebla de los Ángeles, artes visuales.

2003 Miembro del Sistema Nacional de Creadores, FONCA, Ciudad de México 2003-2006.

2004 Primer lugar en el concurso de cartel del XXXII Festival Internacional Cervantino, compartido con Luis Almeida.

2017 Medalla al Mérito Fotográfico en el 18º Encuentro Nacional de Fototecas.

Cine

Ha colaborado como directora de arte en cuatro proyectos con el director mexicano Jaime Humberto Hermosillo:

1997 - De noche vienes Esmeralda, película con la que obtuvo en 1998 tres Premio Ariel.

2002 - eXXXorcismos.

2003 - El Edén.

2004 - Dos Auroras.

Libros monográficos con su obra de autor

Corazón de mi corazón, Instituto Nacional de Bellas Artes, Ciudad de México, 1993, texto de David Huerta.

Retrato de Familia, la nación mexicana (Revista Saber-Ver, México 1994), tiene un proemio del Dr. Silvio Zavala. Este libro tiene innumerables citas en múltiples estudios de sociología de diferentes universidades en México.

La Familia Mexicana (Presidencia de la República, México 1994), con la introducción de Ernesto Zedillo.

Los Caminos de la leche (Liconsa, México 1996)

México Mosaïque, portraits d’objets avec ville (Autrement, País, Francia 2000) de Christine Frèrot .

"Lo que el mar me dejó" Artes de México, colección "Luz Portátil", México, D.F. 2010.5​

Publicaciones en las que ha participado

México Splendors of Thirty Centuries. Metropolitan Museum of Art de Nueva York, 1990.

Imágenes Guadalupanas Cuatro Siglos. Fundación Cultural Televisa, México, 1987.

Moreno Villa. Ministerio de Cultura de España, 1987.

El Arte de la Platería Mexicana, 500 años. Fundación Cultural Televisa, México, 1989.

Oaxaca, Tesoros del Centro Histórico. Grupo Azabache, México 1991.

Oaxaca, Tesoros de la Alta Mixteca. Grupo Azabache, México 1991.

Grandes maestros del Arte popular. Fundación Cultural Banamex, México, 1998.

Surreal Eden, Edward James and las Pozas, Margaret Hooks, Princeton Arquitectural Press, N.Y., 2007

https://es.wikipedia.org/wiki/Lourdes_Almeida

https://www.school-photography.com/lourdes-almeida-dijo-sobre-la-fotografia/

https://leviatan.mx/2024/02/27/con-mi-camara-me-transformo-en-una-ilusionista-lourdes-almeida/

https://inba.gob.mx/prensa/13595/complice-de-lourdes-almeida-exposicion-abierta-hasta-el-19-de-enero-en-la-galeria-jose-maria-velasco

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Sabine Weiss última representante de la corriente de la fotografía humanista francesa

Sabine Weiss​ (Saint-Gingolph, 23 de julio de 1924 - París, 28 de diciembre de 2021)​ fue una fotógrafa de origen suizo naturalizada francesa que se puede encuadrar en la corriente de la fotografía humanista.

Atraída desde muy joven por la fotografía, comenzó a hacer fotos a los doce años con un aparato que consiguió con el dinero de su paga. Su padre la apoyó en su afición y aprendió más tarde la técnica fotográfica, entre 1942 y 1945, al lado de un fotógrafo de estudio de Ginebra: Frédéric Boissonnas.

Obtuvo su diploma de fotografía y abrió su estudio personal antes de marcharse definitivamente a París en 1946. Se convirtió entonces, a los 22 años y por recomendación de un amigo, en la asistente del célebre fotógrafo de moda Willy Maywald; con él trabajó en unas condiciones inmejorables pero, al tiempo, entendió la importancia de la luz natural como fuente de emoción.

Sabine Weiss, autoretrato

Trabajó entonces distintos estilos fotográficos: apasionada de la música, hizo retratos de las grandes figuras de la música (Ígor Stravinski, Benjamin Britten, Pablo Casals, Stan Getz…), pero también de la literatura y el arte en general (Francis Scott Fitzgerald, Fernand Léger, Jean Pougny, Alberto Giacometti, Robert Rauschenberg, Jan Voss, Jean Dubuffet…); colaboró también en varias revistas y periódicos conocidos en América y Europa por su relevancia publicitaria e informativa (Vogue, Match, Life, Time, Town and Country, Holiday, Newsweek, etc.). Recorrió además el mundo como fotógrafa de prensa.

Desde 1950, estuvo representada por la  primera agencia de prensa francesa 

Weiss se casó ese mismo año con el pintor estadounidense Hugh Weiss, a quien había conocido en un viaje a Italia tiempo antes, y entabló amistad con personalidades del medio artístico como Jean Cocteau, Maurice Utrillo, Georges Rouault y Jacques Henri Lartigue. Con este último, compartía el amor por la humanidad y el gusto por las visiones íntimas de la vida.

A pesar de sus éxitos y de la publicación de un monográfico titulado 100 photos de Sabine Weiss pour la liberté de la presse por RSF en 2007, Sabine Weiss fue una personalidad discreta y poco conocida por el gran público.

Su trabajo personal está ligado a la vida en su cotidianeidad, a las emociones y a las gentes. Mezcla hábilmente poesía y observación social, por lo que se ha encuadrado su obra en la corriente de la fotografía llamada « humanista »; ella misma expresó : «Mis fotos expresan un cierto amor personal por la vida»

Sabine Weiss, como el fotógrafo Bernard Plossu, rechazó el estatuto de artista; en su opinión, su función consistía más bien en dar testimonio que en crear. En este sentido, consideraba que una foto debía exponer una particularidad de la condición humana, incluso con la intención de denunciar las injusticias.

Weiss utilizó esencialmente el blanco y negro, y cuidaba con precisión el encuadre, la calidad de la luz, los ambientes, etc.

Exploró las calles de París, frecuentemente de noche, en busca de sujetos variados pero que expongan la apariencia humana en su universalidad: escenas de calle, soledades, niños, creencias, figuras humanas en la niebla, fugacidad de las emociones, etc. Los niños, los ancianos, las sonrisas de las estrellas, son habituales en su obra, todo ello relacionado por la característica común de la espontaneidad y la sencillez.​“La última representante de la corriente de la fotografía humanista francesa”, Sabine Weiss falleció el 28 de diciembre de 2021 a la edad de 97 años en su casa de París.

Sus fotografía forman parte de diversas colecciones prestigiosas en todo el mundo:

Museos de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y Kioto

Metropolitan Museum of Art

Art Institute of Chicago

Musée de l'Élysée, Lausanne

Centre Georges-Pompidou

Maison européenne de la photographie

Kunsthaus de Zúrich

Musée français de la photographie

En 1955, Edward Steichen eligió tres de sus fotografía para la exposición The Family of Man.

Durante una subasta en 2005, una de sus fotos, « La sortie du metro », fue adjudicada por 11500 €.

Publicaciones

1962 J'aime le théâtre, Editions Rencontres, Suisse.

1969 Une semaine de la vie de Daniel, Editions Mac Millain, USA.

1978 En passant, Editions Contrejour, France.

1982 Marchés et Foires de Paris, Editions ACE, France

1989 Intimes convictions, Editions Contrejour, France

1992 Hadad, Peintres, Editions Cercle d'Art

1992 Vu à Pontoise, Editions municipales

1995 La Réunion, Editions de la galerie Vincent, Saint Pierre

1996 Bulgarie, Editions Fata Morgana

1997 Giacometti, Editions Fata Morgana

1997 Des enfants, texte de Marie Nimier, Editions Hazan, ISBN 2-85025-574-2

2000 Poussettes, charrettes et roulettes, musée de Bièvres

2000 André Breton, texte de Julien Gracq, Edition Fata Morgana

2003 Sabine Weiss soixante ans de photographie, par Jean Vautrin et Sabine Weiss aux Editions de La Martinière.

2004 Claudia de Medici par Sabine Weiss

2006 Musiciens des villes et des campagnes par Sabine Weiss, Gabriel Bauret, et Ingrid Jurzak

2007 See and Feel , aux Editions ABP (Pays-Bas).

Condecoraciones

1999, Officier en la Ordre des Arts et des Lettres

https://es.wikipedia.org/wiki/Sabine_Weiss

https://sabineweissphotographe.com

https://www.facebook.com/photo/?fbid=6960453873994984&set=pb.100064863271173.-2207520000.

https://librosnocturnidadyalevosia.com/sabine-weiss-la-fotografa-humanista/

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Donna Ferrato fotógrafa conocida por su cobertura de la violencia machista dentro del hogar

Donna Ferrato ( 5 de junio de  1949) es una periodista fotográfica y activista conocida por su cobertura de la violencia machista dentro del hogar que  denomina mal como "violencia domestica" porque si bien se da dentro del ámbito domestico en una violencia del hombre hacia la mujer que repercute en los hijos de las parejas reproduciendo esos comportamientos en los niños . Tambien Donna  documentó sobre el  vecindario de Tribeca en la ciudad de Nueva York .

Ferrato ha trabajado para Life , Time , People , The New York Times y Mother Jones.  Sus fotografías han ganado varios premios y han aparecido en exposiciones individuales en museos y galerías. Ha sido miembro de la Junta Directiva Ejecutiva del Fondo Conmemorativo W. Eugene Smith y fue presidenta y fundadora de la organización sin fines de lucro Concientización sobre el abuso doméstico (501-c3).

Ferrato nació  en Waltham, Massachusetts y creció en Lorain, Ohio . Su padre, Peter John Ferrato, era un cirujano de tórax vascular que conoció a su esposa, Ann O'Mally, mientras estaba internada en el Hospital Bellevue en la ciudad de Nueva York . La pareja tuvo tres hijos: Donna, Peter (Pizzo) y Louis T.  Donna Ferrato se graduó de la Escuela Laurel en Shaker Heights, Ohio en 1968. Fue reconocida en 1992 como una de las Alumnas Distinguidas de la Escuela Laurel.  Ferrato asistió a Garland Junior College en Boston, donde conoció y se casó con Mark Webb, graduado de Harvard.

En 1971, Ferrato y Webb se mudaron a San Francisco, donde Ferrato trabajó como secretaria legal. En 1975, Ferrato y Webb se divorciaron, y Ferrato comenzó a fotografiar y viajando por todo Estados Unidos. En San Francisco, realizó trabajos ocasionales, incluida una temporada como fotógrafa en el hotel Hilton. Estudió fotografía en el Instituto de Arte de California en San Francisco, donde tomó cursos con el sociólogo Howard S. Becker .

En 1977, Ferrato conoció al artista Michael Bowen y viajó con él y su familia para unirse a una colonia de arte en Portugal. Ferrato se separó de Bowen y comenzó a hacer autostop en Bélgica y Francia , donde fotografió la cultura de la baguette en París. También en París, trabajó en la galería de fotografía Contrejour de Claude Nori .

 En noviembre de 2016, la revista TIME anunció su fotografía de una mujer golpeada por su esposo (1982) como una de las "100 fotografías más influyentes de todos los tiempos"

En 1979, Ferrato se mudó a la ciudad de Nueva York , donde comenzó a fotografiar en clubes de sexo y clubes nocturnos, documentando la cultura de dichos clubs  de finales de los 70 y principios de los 80 en establecimientos legendarios como Studio 54, Mudd Club , Xenon y Area . Ferrato comenzó a visitar el famoso Retiro de Platón del club de intercambio de parejas  para la  revista New York Magazine y luego fue encargada de fotografiar a una pareja abierta  conocida como Garth y Lisa. Ferrato se sumergió en la vida de Garth y Lisa, y se mudó con la pareja a la mansión de Saddle River . "Estuve allí tanto para las orgías como para los típicos momentos familiares", escribe Ferrato en Love & Lust . "Sin embargo, a medida que pasaba el tiempo, comencé a darme cuenta de que Garth no era el marido devoto y benigno que parecía ser ... y una noche, presencié una escena horrible: Garth atacó a Lisa y la golpeó sin piedad  en el baño principal. Esa noche me cambió para siempre, y también modificó la dirección de mi trabajo durante los siguientes diez años" Jane se vio impulsada a revelar las cosas indescriptibles que estaban sucediendo detrás de las puertas cerradas . "Tomé la foto porque sin ella sabía que nadie creería que sucedió", dijo Ferrato a Time en 2012.

Durante la siguiente década, Ferrato viajó por todo el país fotografiando la violencia machista, viajando en autos de la policía, durmiendo en refugios y quedándose en los hogares de mujeres golpeadas. Su trabajo condujo a la publicación de Living With the Enemy ( Aperture Foundation , 1991), una exposición del mundo oculto de la violencia machista y sus consecuencias. The New York Times escribió: " Vivir con el enemigo es angustioso y conmovedor. Con su impactante inmediatez, estas fotografías ofrecen el tipo de llamado urgente a la acción que proporcionan todas las grandes fotografías documentales".  Viviendo con el enemigo , junto con exposiciones y conferencias en todo el mundo, provocó una discusión nacional sobre la violencia sexual y los derechos de las mujeres. En 2011, Ferrato lanzó la campaña I Am Unbeatable , que tiene como objetivo exponer, documentar y crear conciencia sobre la violencia doméstica mediante la creación de un archivo de historias, fotografías y narraciones en video. 

Junto a su trabajo con la violencia machista, Ferrato continuó fotografiando clubes de sexo, eventos de swingers y otras formas de experimentación sexual y relaciones sexuales. A fines de la década de 1980 y principios de la década de 1990, Ferrato publicó historias con The Philadelphia Inquirer y Stern sobre el grupo de parejas abiertas, y en 2008, trabajó con la periodista Claudia Glenn para la serie Oxygen "Sex Lives on Videotape. " En 2004, publicó su tercer libro, Love & Lust , una mirada a la intimidad humana. En 2008, apareció en American Swing, un documental que narra la historia de Plato's Retreat y Larry Levenson desde mediados de los setenta hasta finales de los ochenta.

http://www.phe.es/exposicion/donna-ferrato-holy/

https://en.wikipedia.org/wiki/Donna_Ferrato

https://loeildelaphotographie.com/en/ny-donna-ferrato-domestic-violence/

http://www.donnaferrato.com/books

https://marble.nd.edu/item/2012.097

https://www.icp.org/browse/archive/objects/jane-recalled-the-night-she-was-beaten-with-my-friends-he-acted-nasty-but-he

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Ruth Orkin fotógrafa, fotoperiodista y cineasta

Ruth Orkin (3 de septiembre de 1921 - 16 de enero de 1985) fue una fotógrafa, fotoperiodista y cineasta estadounidense, vinculada a la ciudad de Nueva York y Hollywood. Mejor conocida por su fotografía An American Girl in Italy (1951). Fotografió a muchas celebridades y personalidades, incluidas Lauren Bacall , Doris Day , Ava Gardner , Tennessee Williams , Marlon Brando y Alfred Hitchcock . 

Ruth Orkin nació el 3 de septiembre de 1921 en Boston , Massachusetts , hija de Mary Ruby y Samuel Orkin.  Ruth creció en Hollywood, debido a la carrera de su madre como actriz de cine mudo. En 1931, recibió su primera cámara, una Univex de 39 centavos, y pronto comenzó a experimentar tomando fotografías de sus amigos y maestros en la escuela.  A la edad de 17 años, decidió moverse en bicicleta por su país, comenzando en Los Ángeles y terminando en la ciudad de Nueva York para la Feria Mundial de 1939 . Ella completó el viaje en tres semanas, tomando fotografías en el camino. 

Ruth asistió brevemente a Los Angeles City College para realizar reportajes fotográficos en 1940,  antes de convertirse en la primera chica mensajera en MGM Studios en 1941, citando su deseo de convertirse en directora de fotografía. Dejó el cargo después de descubrir las prácticas discriminatorias del sindicato que no permitían miembros femeninos.  Se unió al Cuerpo Auxiliar del Ejército Femenino durante la Segunda Guerra Mundial , en 1941,  en un intento de adquirir habilidades cinematográficas, como prometían los anuncios que promovían al grupo. Sin embargo, el intento no fue fructífero, y lo abandonó en1943 sin ningún entrenamiento en cine. 

En 1943, Orkin se mudó a la ciudad de Nueva York en busca de una carrera como reportera gráfico independiente. Comenzó a trabajar como fotógrafa de un club nocturno y recibió su primera asignación en 1945 de The New York Times por fotografiar a Leonard Bernstein.  Poco después, su carrera independiente creció  viajando a nivel internacional contribuyendo con  fotografías a las revistas ,Mira , Ladies' Home Journal , y otras.  A Orkin se le atribuye haber entrado en un campo muy masculino.

La imagen más famosa de Orkin es An American Girl in Italy (1951).  El tema de la fotografía ahora icónica era Ninalee Craig, de 23 años (conocida en ese momento como Jinx Allen). La fotografía era parte de una serie originalmente titulada "No tengas miedo de viajar solo".  La imagen representaba a Craig como una mujer joven que caminaba con confianza junto a un grupo de hombres italianos que mas bien la comían  con los ojos en Florencia.

 En artículos  más recientes, Craig afirmó que la imagen no fue puesta en escena, y fue una de las muchas tomadas durante todo el día, con el objetivo de mostrar la diversión de viajar solo. 

En 1952 se casó con Morris Engel fotógrafo y cineasta. Orkin y Engel colaboraron en dos grandes largometrajes independientes, "Little Fugitive" (1953) y "Lovers and Lollipops" (1955).  Después del éxito de las dos películas, Orkin volvió a la fotografía, tomando fotos en color de Central Park como se ve a través de la ventana de su apartamento. Las fotografías resultantes se recopilaron en dos libros, "Un mundo a través de mi ventana" (1978) y "Más imágenes de mi ventana" (1983). 

Orkin enseñó fotografía en la Escuela de Artes Visuales a fines de la década de 1970 y en el Centro Internacional de Fotografía en 1980.  Después de una larga batalla privada contra el cáncer, Orkin murió de la enfermedad en su departamento de Nueva York el 16 de enero. 1985.

 Reconocimientos 

Ganadora del 3er premio, Concurso de fotógrafos jóvenes de la revista LIFE, 1951

Una de las diez mejores fotógrafas de los EE. UU., Fotógrafos profesionales de América, 1959

1er Premio Cultural Anual de Manhattan, Fotografía, 1980

 

https://youtu.be/GlS56CDXiRo

https://en.wikipedia.org/wiki/Ruth_Orkin

https://www.xatakafoto.com/fotografos/ruth-orkin-la-pasion-por-fotografiar-como-un-estilo-de-vida

https://www.kutxa.eus/es/actualidad/10-arte/2469-kutxa-kultur-artegunea-2022-ruth-orkin-la-ilusion-del-tiempo.html

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Ellen Auerbach fotógrafa

Ellen Auerbach (Karlsruhe, Alemania, 20 de mayo de 1906 — Nueva York, Estados Unidos, 30 de julio de 2004) fue una importante fotógrafa alemana de las vanguardias, inicialmente conocida por su nombre de soltera, Ellen Rosenberg.

Su formación artística comenzó inicialmente en su entorno geográfico, en Karlsruhe y en Stuttgart, antes de desplazarse a Berlín. Allí, a fines de los años 1920, fundó el estudio fotográfico ringl + pit junto con Grete Stern, fotógrafa que se había formado en la Escuela de la Bauhaus. Ellen Rosenberg también recibió formación de uno de los antiguos profesores de esta afamada escuela, Walter Peterhans, gracias al cual conoció a la propia Grete.

Entre sus colaboraciones, aparte de su trabajo junto a Grete Stern, también trabajó con el director de cine argentino, Horacio Coppola, con el cual coincidió en la Bauhaus, y con el mismo Walter Auerbach, escenógrafo, con quien se casaría para poder emigrar a Estados Unidos.

Debido a su origen judío, con la llegada de Adolf Hitler al poder abandonó Alemania con su marido en dirección al Mandato de Palestina, aunque posteriormente vivieron en Londres y terminarían emigrando a Estados Unidos (en 1937).

Su trabajo no tardó en hacerse conocido y considerado en la capital alemana, principalmente en los campos de la publicidad y el retrato.

También experimentó con el cine, creando la película experimental en blanco y negro Heiterer Tag auf Rügen (Día bochornoso en la isla de Rügen) y un corto dramático mudo, Gretchen hat Ausgang (Gretchen tiene éxito). En Londres conoció a Bertolt Brecht e hizo un cortometraje mudo donde se le ve recitando poemas.

Homenajes

2006: Retrospectiva „Hommage à Pit“ con motivo del 100 aniversario de su nacimiento. Pinakothek der Moderne (Munich)

https://es.wikipedia.org/wiki/Ellen_Auerbach

https://rancholasvoces.blogspot.com/2005/07/ellen-auerbach.html

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Vivian Maier fotógrafa

Vivian Maier (Nueva York, 1 de febrero de 1926 - Chicago, 21 de abril de 2009)​ fue una fotógrafa estadounidense. Su obra, muy focalizada en la vida cotidiana de la calle, gozó de una gran repercusión gracias a coleccionistas estadounidenses y, póstumamente, es hoy popular entre el público y la crítica de América del Norte, Asia y Europa.

Hija de la francesa Maria Jaussaud Justin y el austríaco Charles Maier, Vivian Maier nació en Nueva York, aunque pasó gran parte de su juventud en Francia.

Pasó su infancia entre Francia y Estados Unidos. Hacia 1930, su padre abandonó la familia. Junto a su madre convivió una temporada con una pionera de la fotografía, la surrealista Jeanne J. Bertrand, de quien pudo obtener su interés vocacional por la fotografía.​

En 1951, con 25 años y sin su madre, se mudó a Nueva York y empezó a trabajar como niñera, labor que continuará profesionalmente durante el resto de su vida. Adquiere al año siguiente su célebre cámara Rolleiflex.

En 1956 se trasladó a Chicago, a una zona cercana al Rogers Park.​ Allí, la familia para la que trabajaba le permitió tener un pequeño cuarto de baño junto a su habitación, que Maier comenzó a utilizar como cuarto oscuro para revelar algunas de sus fotografías. Sin embargo, a medida que los niños crecían y tenía que cambiar de familia, se veía abocada a dejar sin revelar carretes que poco a poco se iban acumulando. En esta época comienza Vivian Maier a tomar fotografías en color, utilizando carretes Kodak y distintos tipos de cámaras réflex. Junto a esto, la temática de las fotografías de Maier fue cambiando para centrarse en graffitis y objetos abandonados en lugar de en las ocupaciones diarias de la gente.

En la década de los 80, Maier  se tuvo que enfrentar con la inestabilidad en su trabajo de niñera, viéndose obligada a cambiar cada poco de familia. Esto le impidió seguir revelando sus fotos, por lo que los carretes sin revelar se seguían acumulando. A finales de la década de los 90 o principios de los 2000, Maier tuvo que guardar y almacenar su cámara y sus pertenencias mientras intentaba mantenerse a flote. En una situación precaria, logró trabajar con una familia que le permitió mantener durante algún tiempo un pequeño estudio.​ A pesar de esto, nuevamente se vio en una mala situación económica, lo que obligó a Maier a vender sus fotografías. Fueron subastadas junto con otros objetos y finalmente adquiridas por John Maloof.

Maloof resume la descripción que hacían de ella algunas personas a las que cuidó cuando eran pequeñas:

Era socialista, feminista, crítica de cine y campechana. Aprendió inglés yendo al teatro porque le encantaba. Solía llevar chaqueta de hombre, zapatos de hombre y un sombrero grande. Estaba tomando fotografías todo el tiempo y luego no se las enseñaba a nadie.

En diciembre de 2008, cuando caminaba sobre hielo, se cayó por una alcantarilla y se golpeó en la cabeza. Fue llevada a un centro psiquiátrico en Oak Park donde, después de varios intentos de fuga y múltiples automutilaciones, falleció a los 83 años a causa de una mordedura de rata americana.

Maier no revelaba muchos de sus carretes porque no se lo podía permitir. Solo tomaba fotos sin descanso y sin que pareciera importar el resultado final.

También coleccionaba libros de arte y las esquelas de los periódicos. De una de ellas sacó el relato de una de sus películas en Super 8: la historia de una madre y un hijo asesinados. Maier fue con su cámara y rodó primero el supermercado donde la madre trabajaba; luego, la casa donde vivía con el hijo, y así, uno a uno, todos los lugares en los que ellos habían estado. En una de las cintas que el coleccionista John Maloof encontró, Maier había filmado su idea del paso de la vida:

Tenemos que dejar sitio a los demás. Esto es una rueda, te subes y llegas al final, alguien más tiene tu misma oportunidad y ocupa tu lugar, hasta el final, una vez más, siempre igual. Nada nuevo bajo el sol.

En 2007 John Maloof estaba buscando información para escribir un libro de historia sobre Chicago NW Side llamado Portage Park y acudió a una subasta donde compró un archivo de fotografías por unos 380 USD. La casa de subastas había adquirido sus pertenencias de un almacén guardamuebles porque había dejado de pagar las cuotas.

John Maloof comenzó a revisarlo y lo desechó para su investigación. Decidió revelar una parte y revenderla en Internet. Fue entonces cuando el reputado crítico e historiador de fotografía Allan Sekula se puso en contacto con él para evitar que siguiera dispersando aquel material prodigioso y lleno de talento. Maloof, consciente del tesoro rescatado prácticamente de la basura, empezó un minucioso trabajo de investigación, recuperación y protección del archivo de Vivian Maier. Aquello le movió a hacer fotografías similares. Compró la misma cámara Rolleiflex que tenía Vivian Meier y fue a los mismos lugares para hacer fotografías.

Investigó sobre su vida y localizó una tienda de fotografía llamada Central Camera donde Vivian solía acudir a comprar rollos de película. Prefería los carretes extranjeros en lugar de los estadounidenses.

Gracias a la familia Gensburg, para la que Vivian había trabajado durante diecisiete años, John Maloof pudo recuperar dos cajones grandes que iban a ser tirados a la basura. Contenían correspondencia, recortes de periódico y carretes fotográficos en color.​ De los 100.000 negativos, unos 20.000 o 30.000 todavía estaban en los carretes sin revelar desde 1960 a 1970. John Maloof consiguió revelar los carretes con éxito.​ Los negativos que reveló Vivian estaban colocados en tiras y tenían la fecha y la localización escritas en francés.​ John Maloof buscó más información en internet y encontró que había fallecido dos días antes de la búsqueda.

En noviembre de 2010 habían escaneado 10.000 negativos y tenían pendientes de escanear otros 90.000. También quedaban unos cientos de carretes en blanco y negro y unos 600 carretes de color por revelar.​ Su trabajo muestra escenas callejeras de Chicago y Nueva York en las décadas de 1950 y 1990.

https://mymodernmet.com/vivian-maier-couples-photography/

https://www.clasesdeperiodismo.com/2016/03/24/documental-finding-vivian-maier-ya-esta-en-netflix/

https://es.wikipedia.org/wiki/Vivian_Maier

http://www.vivianmaier.com/

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