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miércoles, 9 de septiembre de 2026

Zinaida Gippius escritora rusa


Zinaída Nikoláievna Guíppius, conocida también por el seudónimo Antón Krainy​ (cirílico ruso Зинаи́да Никола́евна Ги́ппиус; Beliov, gobernación de Tula, Imperio ruso, 8 de noviembre de 1869-París, Francia, 9 de septiembre de 1945)​ fue una escritora y poeta rusa notable de la Edad de Plata de la literatura rusa, considerada figura clave del simbolismo ruso.

Autora de numerosas poesías, diarios personales y artículos críticos en diferentes revistas que fueron publicados bajo varios seudónimos masculinos. Fue una mujer influyente entre la sociedad rusa del siglo XIX y del XX, organizó reuniones sociales con los intelectuales simbolistas más destacados del momento. Inició su actividad literaria en torno al pensamiento de Charles Baudelaire, Friedrich Nietzsche y Maurice Maeterlinck.

Fue la impulsora de la Nueva conciencia religiosa, una corriente basada en renovar el cristianismo.​ Contraria a la revolución rusa se exilió a Polonia y Francia donde residió hasta su fallecimiento en 1945.​


Nació en Belev el 8 de noviembre de 1869. Hija de un jurista alemán, fiscal jefe adjunto del Senado residente en Rusia, y nieta del jefe de policía de Ekaterimburgo, fue la mayor de cuatro hermanas. Aficionada a edad temprana –a los siete años– a la poesía y a la escritura de diarios, se inició en la escritura en 1876. Tuvo una formación académica discontinua debido a los desplazamientos por cambio de destino de su padre tras ser nombrado presidente del tribunal de Nizhyn. Cursó un año en el Instituto de Mujeres de Kiev en 1877. Apasionada de los clásicos se acercó a la obra de los autores rusos en especial a la obra de Dostoievski, que influencia su obra posterior.

Su padre falleció a causa de la tuberculosis en 1881, por lo que la familia se trasladó a Moscú y de nuevo, a causa de la enfermedad de una de sus hermanas, se mudaron a Crimea y más tarde, en 1885, se instalaron en Tiflis. Ese año durante unas vacaciones en Bordzhomi, conoció al poeta y escritor Dmitri Merezhkovski. Publicó sus primeras obras en el Séverny Véstnik (Heraldo del Norte) en 1888 con las iniciales Z.G. Poemas encaminados hacia el concepto simbolista.


Contrajo matrimonio con Dmitri Merezhokovski el 8 de enero de 1889 y fijaron su residencia en San Petersburgo. Su residencia se convirtió en poco tiempo en el centro de las reuniones sociales y culturales, a través de las que contactó con intelectuales simbolistas como Yákov Polonski, A. Máikov, D. Grigoróvich, A. Pleschéiev y P. Veinberg con los que compartió opiniones y fue haciéndose un lugar destacado. Inició su actividad literaria en torno a la revista Séverny Véstnik donde expuso la ideología de Baudelaire, Nietzsche y Maeterlinck. Publicó artículos en las revistas Séverny Véstnik, Véstnik Yevropy (Heraldo de Europa), Rússkaya Mysl (Pensamiento ruso) entre otras publicaciones, dichos artículos fueron reunidos en el libro Nóvyie liudi (La gente nueva), que se publicó en San Petersburgo en 1896 y en Zerkalá (Espejos) publicado en la misma ciudad dos años después, en 1898.

Entre 1899 y 1901, trabajó para la revista Mir iskusstva (Mundo del Arte) que se encontraba en el círculo ideológico de Serguéi Diáguilev, publicando sus primeros artículos literarios bajo los seudónimos de Antón Krainy, Lev Puschin, Camarada Herman, Román Arenski, Antón Kirsha, Nikita Vécher y V. Vítovt.


Tener

[Poema - Texto completo.]


Zinaida Gippius

En el ruido verde de las hojas primaverales

o en el susurro verde de la ola,

espero siempre las flores extranjeras

de la primavera que aún no nace.


El Enemigo, cercano en la hora desesperada,

susurra: es mejor morir…

Alma, aléjate de las tentaciones,

sabe desear, sabe tener.


Lloro como una niña por las noches

y me cansa este corazón débil,

pero no pierdo el buen camino

de mi inocencia.


Que la subida sea abrupta, blancos los escalones.

Quiero llegar, quiero conocer,

y abrazando Sus rodillas,


morir allí y resucitar.



Renunció a las nuevas ideologías por considerarlas decadentes y adoptó las propuestas religiosas de Dmitri Merezhkovski, adoptando una posición activa en su desarrollo publicando una serie de artículos de tema religiosos y filosófico que vieron la luz en Mir iskusstva. Tanto Guíppius como Merezhkovski crearon la idea de una nueva iglesia con la intención de renovar el cristianismo según sus propias convicciones. Bajo este planteamiento entre 1901 y 1903 organizó encuentros de pensamiento del nuevo renacer religioso y filosófico. En estas reuniones se dieron cita intelectuales y representantes del clero para debatir sobre el rol del cristianismo, la religión y la cultura en la sociedad, llegando a fijar la dirección de las inquietudes en la materia a principios del siglo XX. Fueron frecuentes en los debates Vladímir Soloviov, defensor de la filosofía de la unidad total –espiritual y carnal–, Vasili Rózanov, Valentín Ternávtsev y Dmitri Filosófov quienes buscaban modernizar el cristianismo generando la corriente denominada Nueva conciencia religiosa. Dentro de esta nueva corriente religiosa se llegó a querer instaurar un nuevo sacramento, hecho que encontró la fuerte oposición de la iglesia rusa, que censuró las reuniones poniéndoles fin en 1903. Zinaída creó la revista Nóvy put (El nuevo camino) para la difusión de las mismas entre la sociedad rusa con publicaciones de poemas y críticas firmadas como Antón Krainy; la revista fue cerrada en 1905.


En este periodo publicó El tercer libro en 1902 y La espada escarlata en 1906, ambos en San Petersburgo. Coeditó además la revista Novy put, entre 1903 y 1904, realizando la crítica bajo el seudónimo de Antón Krainy.



Durante el periodo de la Revolución rusa, entre 1905 y 1907, incorporó a su obra temas sociopolíticos que había evitado hasta entonces, e incorporó la prosa a su producción literaria, colocándose en una posición contraria a la posición  estatal. Viajó a París donde se instaló en 1906, y desde allí publicó en francés obras de tinte antimonarquico, se relacionó con revolucionarios cercanos al escritor Borís Sávinkov, mientras se adentraba más en los temas políticos rusos de la revolución. Esta inclinación quedó de manifiesto en su obra, cuya temática se hizo cada vez más controvertida, son ejemplos los cuentos publicados bajo la colección Blanco y negro (1908), Muñeca del diablo (1911) y Román zarévich (1912). En 1908, fue la crítica de Libra, cuyos artículos seleccionó para publicarlos en Diario literario. En este último publicó diferentes artículos a modo de conversación íntima con el lector, en la que reflexiona sobre asuntos de la vida y la literatura dentro de la corriente del simbolismo.


Sus enfrentamientos con la revolución hicieron que se exiliase, junto a Merezhkovski a Polonia el 24 de diciembre de 1919, país que abandonaron ante el trato dado a los bolcheviques por parte del gobierno de Pilsudski. En 1920, el matrimonio se instaló en Francia. En París, Zinaída organizó en 1927, nuevas tertulias literarias y filosóficas bajo en nombre de la Lámpara verde, el grupo reunió a emigrantes y tuvo un papel importante la sociedad intelectual procedente de los primeros migrantes a Francia. Los participantes acudían bajo invitación, previa selección, fueron asiduos Iván Bunin, primer ruso Premio Nobel de Literatura en 1933, el escritor Borís Záytsev, los filósofos Lev Shestov y Gueorgui Fedótov, historiador y ensayista ruso.


Desde el país galo publicó poesía, memorias y artículos periodísticos en contra de la Rusia soviética, destacan Rostros vivos (Живые лица, Praga 1925), Resplandores (Сияния, París, 1939), obras en las que de nuevo puso de manifiesto sus tendencias ideológicas sociales y políticas.


Falleció el 9 de septiembre de 1945 en París. Fue enterrada en la misma tumba que su esposo Merezhkovski, fallecido en 1942, en el cementerio ruso de Sainte-Geneviève-des-Bois en Essonne, cerca de París.


La parte del legado que dejó Zinaída Guíppius más interesante se compone de cinco colecciones de poemas: Colección de poemas 1889-1903, publicado en 1904; Poemas recopilados. Libro dos. 1903-1909 que se publicó en 1910; Los últimos poemas. 1914-1918, que vio la luz en 1918; Poemas. Diario. 1911-1921 se publicó en Berlín en 1922 y Resplandores publicado en París en 1938.

Parte de su obra son poemas y artículos de tema amoroso, entre los que destaca El amor tan solo es uno (1896) que fue traducido al alemán por el poeta austriaco Rainer-Maria Rilke. La poesía gira en torno a la búsqueda de la armonía y el pensamiento metafísico.


¿Qué hacer con la muerte? No lo sé…

[Poema - Texto completo.]


Zinaida Gippius

¿Qué hacer con la muerte? No lo sé.

Y ustedes, ¿saben?

Solo ocultan que lo ignoran.

Pero yo no escondo mi ignorancia.


Vivas como vivas, la vida no te lo responderá,

¿acaso se vence la muerte con la vida?

Es sabido que la muerte se vence con la muerte,

esto es: te encontrará en todos los caminos.


Y yo odio a la muerte de cualquiera,

solo amo a la mía, a la desconocida.

La quiero por eso, porque la ignoro,

porque al morir no veré sus ojos.



Obra literaria


«Los pozos», poema de Zinaída Guíppius dedicado a Aleksandr Blok

Zinaída Guíppius fue una poeta simbolista. Fue autora también de cuentos y novelas, destacó en la poesía de temática asociada a la naturaleza y a los acontecimientos de la vida, el amor y la muerte. A través su obra es posible conocer la vida de figuras como Valeri Briúsov, Aleksandr Blok poeta simbolista, del filósofo Vasili Rózanov pertenecientes a la Edad de Plata o acmeísmo ruso. Parte de sus poemas han sido traducidos varios idiomas (alemán, italiano, español) escribió en ruso y francés. Fue la autora de Diarios de Petersburgo:5​12​


Antología de poesías (1889 - 1903)

Antología de poesías (1903 - 1909)

Poesías. Diario de 1911 - 1921.

La gente nueva, cuentos, 1896

Espejos, cuentos, 1898

El libro tercero de cuentos, 1901

La espada bermeja, cuentos, 1907

Negro sobre blanco, cuentos, 1908

Le Tsar et la Revolution, 1909

Hormigas de luna, cuentos, 1912

Niño del demonio, novela, 1911

Román-zarévich, novela, 1913

Anillo verde, drama, 1916

Poemas. Un diario 1911-1921. Publicado en París en 1939.7​

Dmitri Merezhkovski, obra póstuma inacabada 1941, publicada en París en 1951.7​

Poemas en español

El amor tan solo es uno (1896), traducción de Kséniya Tókareva.12​

Cuando es de noche (1904), traducción de Kséniya Tókareva.12​

Zinaída Hippius, poemas elegidos. Colección de poemas, traducidos por Jorge Ferrer y Ernesto Hernández Busto ISBN 978-84-120754-6-5



https://ciudadseva.com/autor/zinaida-gippius/poemas/

https://www.facebook.com/centrorusomadrid/posts/zinaida-nikolaevna-gippius-vida-y-obrazinaida-nikolaevna-gippius-naci%C3%B3-el-8-20-d/1125960515675615/

https://es.wikipedia.org/wiki/Zina%C3%ADda_Guipius

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domingo, 30 de agosto de 2026

Guisela López poeta


  Guisela Lopez Ramirez poeta y minificcionista feminista guatemalteca. Comunicóloga y Especialista en Género por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Doctora en “Género, Feminismos y Ciudadanía: Perspectivas para un Nuevo Siglo” por la Universidad Internacional de Andalucía. 
Investigadora, docente y asesora en programas de Posgrado en Estudios de Género, Derechos Humanos de las Mujeres y Metodología de investigación, en la Universidad de San Carlos de Guatemala, Universidad Mariano Gálvez y el Centro de Investigaciones en Ciencias y Humanidades CEICH/UNAM.

 Guisela, amiga dessde hace muchos años,  tuvo un papel fundamental en nuestros libros  SABIAS Y SAVIA  I y II  acercandonos a mujeres referentes latinomamericana y contandonos su propia experiencia activista.



Presentes

Llegamos aquí presurosas…
Hemos venido,
convocadas por un sueño.

Las mujeres
recorremos las plazas del mundo
desplegando palabras.

Hemos llegado de todas partes
unas tristes,
otras alegres
algunas rotas.
Trazando arcoiris
con nuestros colores de piel,
constelaciones
con nuestras miradas.

Nos encontramos
proclamando la soberanía de nuestros cuerpos,
defendiendo la libertad de nuestros pasos.
Haciendo resonar nuestra voz.
de continente a continente.

Transgrediendo mandatos,
construyendo metáforas amables
con la fuerza de nuestros deseos.

Enlazándonos,
más allá de nuestra edad
y nuestras nacionalidades.
Acarreando esperanzas
en la desesperanza.

Tejiendo redes,
laboriosas arañas.

Construyendo ciudadanía
centímetro a centímetro.
Transformando la realidad
con nuestros caminares,
incursionando el viento
vestidas de cometas,
despeinadas de flores,
deliberadas,
presentes,
en esta marcha por la vida.



Es fundadora y promotora de espacios literarios para mujeres como la Colectiva de Mujeres en las Artes; el Seminario de Literatura Feminista y la Cátedra Alaíde Foppa. Coordinación de eventos internacionales como el Festival Grito de Mujer (Ciudad Guatemala). El Eje de Literatura Escrita por Mujeres del XIX Congreso Internacional de Literatura Centroamericana; el Eje de Arte y Literatura del II Encuentro Mesoamericano de Estudios de Género y Feministas, Simposio Internacional “Escritoras y personajes femeninos del siglo XIX: Una visión ampliada del Bicentenario de las independencias y la Mesa de Historia y Género del XVII Congreso Centroamericano de Historia.

Ha publicado diez poemarios entre ellos Brujas (2006) y Zapatos chinos Poesía feminista para descalzarse el patriarcado (2021); dos libros de minificción y obra incluida en 51 antologías. Ha participado en la Coordinación y coautoría de libros académicos en Guatemala, El Salvador, México y España, entre ellos: Escritoras del siglo XIX en Guatemala una lectura crítica de sus textos y contextos (2021), Luz Méndez de la Vega, pensamiento crítico con perspectiva feminista (2020), Mujeres al centro. Relatos y ficciones de escritoras centroamericanas. (2019), Comunicación para la equidad (2017); Mujeres que se crean a sí mismas: Antología de poetas salvadoreñas, (2017); Mujeres trascendiendo fronteras: Poetas de Cuba y Guatemala (2015); El derecho de las mujeres a una vida digna, discurso y realidad en Guatemala (2012); Relatos de Mujeres Nuevas (2011); Literatura Feminista y Ciudadanía (2010); Mujeres, Discurso y Ciudanía (2010); Donde están las Mujeres: Experiencias Metodológicas para la Investigación con Enfoque de Género y Feminista (2008).



Su obra literaria y feminista ha sido reconocida nacional e internacionalmente: “Universitaria destacada” por el Instituto Universitario de la Mujer; Mención Honorifica ”Categoría Estudios de la Mujer” Premio Casa de las Américas; Medalla Oficina Nacional de la Mujer; Premio Investigadora del año DIGI/USAC; Primer Lugar Certamen Académico para Mujeres Mayas-Garífunas-Xinkas-Mestizas. 



Es Necesario 

Es necesario
revertir el hechizo.

Ese,
que borra a las mujeres
de los libros de historia,
de las esferas de poder,
de las antologías.

Ese,
que las encierra
entre cuatro paredes,
con solo
colocarles un anillo.



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viernes, 28 de agosto de 2026

Montserrat Vayreda poeta

 

Montserrat Vayreda i Trullol. ( Lladó, Gerona 28 de agosto de 1924 - Figueras, 8 de noviembre de 2006) fue una escritora  catalana.

Nieta del famoso botánico, Estanislau Vayreda, y miembro de una familia de notables intelectuales catalanes, estudiaba bachillerato al estallar la guerra civil, debiendo interrumpir su formación. En la década de los 40 recibió estudios en letras en la Universidad de Barcelona.

Su primera obra sale a la luz en 1955 (Entre el temps i l’eternitat). A partir de ese momento en distintos círculos literarios empieza a ser conocida, de tal suerte que Carmen Conde la incluye en su Antología de la Poesía femenina española. 





Obras

Entre el temps i l'eternitat (1955)

Ofrena de Nadal (1965)

Un color per cada amic (1977)

Afirmo l'esperança (1980)

Joan Sibecas (1979)

Joaquim Vayreda (1982),

Els pobles de l'Alt Empordà (1984-89)

L'Empordà màgic (l'Alt Empordà) (1987)

La màgia del Baix Empordà (1991


 Reconocimientos 

En 1999 recibió la Creu de Sant Jordi.

https://es.wikipedia.org/wiki/Montserrat_Vayreda

https://www.escriptors.cat/autors/vayredam/castellano

https://www.nuvol.com/llibres/montserrat-vayreda-agraida-a-arada-i-a-arrel-392933


https://www.diaridegirona.cat/comarques/2007/11/04/primer-aniversari-mort-poetessa-montserrat-49737889.html

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sábado, 22 de agosto de 2026

Margot Alt misionera y poeta neerlandesa


 Margaretha Adriana (Margot) Alt ( La Haya , 22 de agosto de 1883 – Arnhem , 22 de marzo de 1962 ) fue una misionera y poeta neerlandesa .

Alt nació siendo la segunda de cuatro hijos. Su madre falleció cuando ella tenía cuatro años, y ella y su hermano fueron criados por sus abuelos reformados . Desde muy joven, decidió unirse a la misión. A los 19 años, puso en práctica sus deseos y viajó a las Indias Orientales Neerlandesas . En su primer día en Batavia , contrajo malaria , enfermedad que padeció el resto de su vida. Posteriormente, Alt comenzó a trabajar como enfermera en una institución psiquiátrica en Porong .

A mediados de 1908, Alt profundizó en su fe cristiana y, como resultado, rompió con su pareja, que no se había convertido. Una colega suya era miembro de la Iglesia Bautista del Séptimo Día . Alt se convenció de la validez del bautismo por inmersión y se bautizó de esa manera. También comenzó a observar el sábado como día de descanso. Dado que era el día de mayor actividad laboral en su departamento, renunció y se fue a trabajar como misionera en un asilo de pobres en Tajoe .


Alt enfermó en 1913 y terminó viviendo con una familia holandesa en Temanggoeng , en Java Central . Posteriormente se instaló en una antigua y ruinosa plantación de café a unos 20 kilómetros de la ciudad. En los pueblos de los alrededores, el islam apenas había penetrado y los habitantes eran predominantemente animistas .

 Margot Alt fundó una escuela donde los aldeanos podían aprender a leer y escribir gratis. Tras varios años, se formó una congregación de más de 300 personas bautizadas. A mediados de 1918, Java fue azotada por una epidemia de peste que diezmó aldeas enteras . Alt acogió a cuarenta huérfanos, lo que le valió el apodo de Moesje . Entró en contacto con varios pentecostales . En julio de 1926, durante una conferencia en Surabaya , experimentó el bautismo del Espíritu Santo y, posteriormente, comenzó a hablar en lenguas . De regreso en su congregación, continuó difundiendo el mensaje pentecostal, haciendo especial hincapié en la sanación por la fe . En parte gracias a los esfuerzos de Alt, miles de indonesios se convirtieron al cristianismo.

Junto con treinta hijos, Alt se mudó a Surabaya alrededor de 1927. Comenzó a escribir para la revista Pinksterkracht , que pasó a llamarse Gouden Schoven en 1928. También apareció una edición indonesia de la revista: Gandoem Mas . Casi al mismo tiempo, comenzó a publicar el himnario Glorieklokken , que siguió siendo la fuente de canciones más utilizada dentro del movimiento pentecostal hasta mucho después de la Segunda Guerra Mundial , cuando el Opwekkingsbundel lo reemplazó.


En 1935, Alt fundó una nueva congregación en Lawang con el nombre de Misión Pentecostal. A partir de ahí, se establecieron nuevas iglesias en varios puestos avanzados de Java Oriental. Continuó con esta labor hasta la invasión japonesa a finales de 1941. El 24 de agosto de 1943, fue internada en un campo japonés . En un momento dado, los japoneses la condenaron a muerte , pero debido a que tenía más de 60 años, la sentencia no se ejecutó. Tras la derrota de los japoneses, permaneció en el campo durante un tiempo, ya que no era seguro para los holandeses viajar solos durante la Guerra de Secesión . En 1947, se estableció de nuevo en Surabaya y, junto con sus nueve congregaciones en Java Central y Oriental, se unió a las Asambleas de Dios .


Alt partió hacia la Nueva Guinea Neerlandesa en 1951 y fundó una nueva congregación en Manokwari . En 1961, todos los neerlandeses tuvieron que abandonar Nueva Guinea debido a la transferencia a Indonesia . Alt regresó a los Países Bajos en octubre de 1961 y asumió el liderazgo de una pequeña congregación pentecostal en Arnhem , sucediendo a Johan Maasbach . Permaneció activa en esta iglesia, llamada Pinksterzending , durante algunos meses más antes de fallecer repentinamente en marzo de 1962.


https://resources.huygens.knaw.nl/vrouwenlexicon/lemmata/data/Alt

https://nl.wikipedia.org/wiki/Margot_Alt

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miércoles, 19 de agosto de 2026

Ángela Reyes poeta



Ángela Reyes (Jimena de la Frontera, Cádiz, 19 de agosto de 1946) es una escritora española, dedicada desde 1980 a la creación literaria y a la promoción cultural junto a su marido Juan Ruiz de Torres.


En 1980 fue cofundadora, junto con su esposo Juan Ruiz de Torres, de la Asociación Prometeo de Poesía (Madrid), desarrollando desde entonces una amplia labor cultural. Ha coordinado la organización de la Escuela de Poesía de Madrid y varios encuentros nacionales e internacionales de poesía en dicha capital como Ferias, Bienales de poesía y encuentros literarios Luso-Españoles. Participó, junto a Juan Ruiz de Torres, en la creación de la Academia Iberoamericana de Poesía y la "Casa del Tiempo" (biblioteca y foro cultural).[1]​ En el programa de acercamiento de la poesía a los más jóvenes, ambos realizaron lecturas poéticas y charlas en diversos Institutos de la Comunidad de Madrid. A nivel universitario, en la Escuela de Ingenieros Industriales de Madrid, llevaron a cabo la Revista Oral Poética. Colaboró en las revistas literarias "Cuaderno de poesía nueva", "Valor de la palabra" y "La pájara pinta", así como en la creación y dirección del premio de poesía "Encina de la cañada", patrocinado por el Ayuntamiento de Villanueva de la Cañada. Durante varios años colaboró en la página Tercera del diario El Día de Toledo. Ha sido jurado en certámenes de poesía y de narrativa. En la actualidad dirige la tertulia literaria Tardes de Prometeo, siendo dicha tertulia una de las más antiguas de Madrid.

Su poesía aborda diferentes situaciones. Su poemario La muerte olvidada es un canto a la mujer guerrillera del Frente Polisario; en Lázaro dudaba cuestiona la existencia de Dios; Cartas a Ulises de una mujer que vive sola habla de la soledad y el olvido que padece la esposa del héroe; Breviario para un recuerdo es un tributo a Miguel Hernández; No llores, Poseidón, lo dedica a la figura del hombre en su tercera edad; Fantasmas de mi infancia tiene un tono autobiográfico y se centra en sus años vividos en Granada y en la relación con su madre.




LO QUE APRENDÍ DE ELLOS 

A lo largo de mi vida, en esta sucesión de etapas asignadas por los vaivenes de la pasión y por el esplendor de la tierra, la poesía se ha ordenado y nacido ⎯para mí⎯ a partir del asombro de cada instante... ( Enrique Molina: Antología 1941-1995). Hago mías las palabras del poeta argentino, a quién conocí en 1981. Creo que, en todo arte y sobre todo en la poesía, tienen que darse esas tres cualidades: asombro, ordenación y nacimiento. Al menos, en mi caso es así, además de un largo aprendizaje que, todavía hoy, sigue su curso. No tengo inconveniente en decir que todo cuanto soy en poesía, se lo debo a muchos y a muy distintos poetas de lengua española. Nada me ha sido dictado, como he oído decir que les ocurre a algunos. ¡Que envidia! Mis poemarios han surgido tras la mucha lectura y el mucho trabajo.


En plena adolescencia aprendí de Gustavo Adolfo Bécquer lo que era la comunicación armoniosa y romántica. El tono íntimo que, junto a la rima y el ritmo, impregnaba sus poemas de un aire melancólico de amado no correspondido. Fue tal el impacto que en mi se produjo, que me esforcé por memorizar muchos de sus poemas.


Años después, en la madrileña Cuesta de Moyano, donde se pueden adquirir libros antiguos a muy buen precio, me hice con bastante obra de poetas sudamericanos. De entre ellos, destaco a Pablo Neruda. Leyendo al chileno, volví a sentir nuevamente aquel asombro que en plena adolescencia me produjera Bécquer. Bien es verdad que la obra y la vida del sevillano en nada se parecían a las del chileno. Si el provinciano Bécquer murió de pulmonía, pobremente y cantando a su único amor no correspondido, Julia Espín, Neruda derrochó vitalidad, fue un hombre universal y cantó y fue correspondido por sus esposas Maria Antonia Hagenaar, Delia del Carril y Matilde Urrutia. Si Bécquer no llegó a ver impreso El libro de los gorriones que recogía toda su obra (publicado a su muerte por los amigos, con el título Rimas y leyendas), Neruda dejó en su haber una extensa obra, premios, reconocimientos y hasta el Nóbel. Si Bécquer me enseñó la concisión del poema, del chileno aprendí lo que era el poema río. El poema que ensanchaba las márgenes de la imaginación hasta desbordarse. Neruda ha sido el poeta de la abundancia, de las ideas superpuestas unas sobre otras, creando un clima espeso y envolvente. Sus poemas inacabables exprimían el idioma hasta extraerle la última gota de jugo.


En 1980, y como miembro de la Asociación Prometeo de Poesía, fundada por Juan Ruiz de Torres, se afianzó mi etapa de formación poética. Durante quince años asistí y participé de los talleres dirigidos por su fundador. Allí aprendí los diversos estilos de estrofas poéticas, a depurar el lenguaje poético y a desentrañar la obra de los maestros. En sus talleres encontramos al nicaragüense Ernesto Mejía Sánchez, al peruano Javier Sologuren, al argentino Enrique Molina, al puertorriqueño Francisco Matos Paoli, al mejicano Hugo Gutierrez Vega, a los españoles Luis Rosales, Gloria Fuertes, Carlos Murciano, Concha Zardoya; a Juan Ruiz de Torres, que fue el verdadero maestro durante los aquellos quince años.


En los años 80, descubrí a Vicente Huidobro. Me impactó el Altazor surrealista y simbolista. Si bien es verdad que con el Aeroplano desaparecía la comunicación, el ritmo y hasta la coherencia del lenguaje, nacía la libertad del poeta para crear su propio mundo, así como un lenguaje original e innovador.


Pero aún me quedaba por acercarme al núcleo sabroso del poema: la magia. Ese difícil arte de la palabra, la visión fugaz, la sensación que nunca se revela pero que se entrevé. Emily Dickinson, dice: "Muévete entre intuiciones y, escasamente un grado, entre los raciocinios". Poetas mágicos hay muchos, pero mencionaré los que, durante un tiempo, consideré mis maestros: los gaditanos Rafael Alberti, en su primera etapa, y Ángel García López, y el argentino Enrique Molina. En la obra de los tres abundan las fantasías oníricas, la voluptuosidad de las metáforas, la desmesura a la hora de hablar de los dones del cuerpo. En los tres, la mujer es elemento principal, la mujer con toda su exuberancia o decadencia. Ellos me enseñaron a ser libre a la hora de escribir, a soltar los refajos y tabúes que oprimían mi mente. Con ellos aprendí que se puede escribir de todo, siempre que se haga en un contexto no ofensivo.


A lo largo de los años, mis emociones poéticas han cambiado bastante. Hoy me quedo con los últimos años poéticos del granadino Luis Rosales. En “La casa encendida”, “Diario de una resurrección” y “El contenido del corazón”, hallé la prosa poética más hermosa que nunca había leído. Félix Grande, dice: “El contenido del corazón” ¿qué es? ¿Un poema? ¿Un relato? ¿Un ensayo? Es las tres cosas a la vez”. Y ¿por qué prosa poética? Quizás, porque estoy trabajando en poesía y en novela a un tiempo, y la una bebe de la otra, y viceversa, se necesitan. O, mejor dicho, las necesito yo. 
Ángela Reyes






Obra
Poesía
1981: Amaranta, Col. Poesía Nueva, APP, Madrid.
1984: La muerte olvidada, Col. Puerta de Alcalá, APP.
1987: Lázaro dudaba, Col. Julio Nombela, A.E.A.E., Madrid.
1991: La niña azul (plaqueta), Corona del Sur, Málaga.
1991: " El cuerpo y sus lenguajes, Col. Pequeños tesoros, Asoc. Castilla-La Mancha, Madrid
1992: Cartas a Ulises de una mujer que vive sola, Diputación de Soria.
1997: Breviario para un recuerdo, Ayuntamiento de Valencia.
2000: Hija de la Frontera (miniantología), Altorrey Edit., Madrid.
2001: Carméndula, Col. Julio Nombela, A.E.A.E., Madrid.
2008: No llores, Poseidón, Edit. Vitruvio, Madrid.
2011: Fantasmas de mi infancia, Edit. Huerga y Fierro, Madrid.
2017: Mujer en la penumbra, Edit. Huerga y Fierro, Madrid.
2019: Vivir, valió la pena, Antología. Edic. Vitruvio, Madrid.
2022: " Los músicos dormidos", Edit. Huerga y Fierro, Madrid
2025: "Regreso a ti", Edit. Cuadernos del Laberinto, Madrid
En colaboración con Juan Ruiz de Torres
1985: Labio de hormiga, Col. Altazor, Madrid.
1987: Calendario helénico, Col. Altazor, Madrid.
1987: Viaje a la Mañana (y con Alfredo Villaverde), Col. Estrabón, A.P.P., Madrid.
1988: Sonetos para la vida, Col. Altazor, Madrid.
Narrativa
-Novela
1999: Morir en Troya, Editorial Verbum, Madrid.
2004: Adiós a las amazonas, Editorial Betania, Madrid.
2008: Los trenes de marzo (11-M), Editorial SIAL, Madrid.
2009: Benedicamus Domino (Alabemos al Señor) Editorial Everest, León, 1.ª edic.; Editorial Vitruvio, Madrid, 2º edic.[2]​
2015: Verónica y el hombre bello, Editorial Vitruvio, Madrid.
-Cuento
1991: Crónica de un lirista naufragado (prosa poética), Col. Río Aulencia.
2005: Cuentos en la Arganzuela, Editorial Altorrey Editorial, Madrid.
2015: Historias sin cuento, Col. Las dos orillas, El Salvador C.A.
2017: Cuentos de la luna nueva, Col. Las dos orillas, El Salvador C.A.
2019: Cántico del alba, Editorial Deslinde, Madrid.

Reconocimientos
Premio a poemarios
1986: Premio San Lesmes Abad", Burgos, por su libro Lázaro dudaba
1991: "Leonor", Soria, por su libro Cartas a Ulises de una mujer que vive sola
1991: "Villa de La Roda", La Roda, por su libro La niña azul
1994: "Ciudad de Valencia-Vicente Gaos", Valencia, por su libro Breviario para un recuerdo
2000: "Blas de Otero", Majadahonda (Madrid), por su libro Carméndula
Premios de narrativa
-Novela
1999: Premio "Juan Pablo Forner", Mérida, por su novela Morir en Troya
2008: Premio "Ciudad de Majadahonda", Madrid, por su novela Benedicamus Domine
2005: Finalista "Premio de la crítica andaluza" con su novela Adiós a las Amazonas
-Cuento
2009: Premio “Calicanto”, Manzanares (Ciudad Real).
De su primer poemario, Amaranta, los estudiantes del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid musicalizaron algunos poemas bajo la dirección de Antón García Abril.

En 1995 su poemario "Cartas a Ulises de una mujer que vive sola" fue incluido en el Ensayo sobre "Eros femenino en la poesía española contemporánea" en San Juan de Puerto Rico. Trabajo realizado por la profesora de la Universidad de Puerto Rico Matilde Albert Robatto. Se publicó en la revista Estudios Hispánicos de dicha Universidad. También se publicó en la revista Prometeo Digital, Madrid con núm. FDP 103.

Basado en su poemario Lázaro dudaba, el profesor Daniel Webb de la Universidad de Mánchester, Great Britain, Methodology of Literary Traslation, hizo en 2006 su doctorado

En 2011 se creó en la Biblioteca "Leopoldo de Luis" de su pueblo natal, Jimena de la Frontera (Cádiz), el "Aula de Lectores 'Ángela Reyes'", para compartir sus libros y experiencias de lectura.



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jueves, 13 de agosto de 2026

Hettie Jones poeta


 Hettie Jones nacida Cohen( 15 de junio de 1934 – 13 de agosto de 2024) fue una poeta estadounidense. Escribió 23 libros, entre ellos unas memorias sobre la Generación Beat, tres volúmenes de poesía y publicaciones para niños y jóvenes, como «The Trees Stand Shining» y «Big Star Fallin' Mama: Five Women in Black Music».

Hettie Jones nació en Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia judía. Se crio en Laurelton, Queens. Ingresó en el Mary Washington College de Virginia en 1952. No se había alejado mucho de su hogar hasta la universidad y no había experimentado el antisemitismo hasta entonces: «Mis compañeras de habitación no querían vivir conmigo porque era judía».

Tras graduarse y regresar a Nueva York, Jones se casó con LeRoi Jones (más tarde conocido como Amiri Baraka), un escritor afroamericano. Su familia inicialmente la repudió por casarse con un hombre negro, pero la familia de su esposo la acogió con los brazos abiertos. A pesar de vivir en el diverso Lower East Side de Manhattan, a veces sufrían acoso público por ser una pareja interracial.

En 1957, la pareja fundó la revista literaria Yugen y la editorial Totem Press. Publicaron los primeros trabajos de figuras de la Generación Beat.

Para 1964, LeRoi se había involucrado activamente en el movimiento de las Artes Negras y su matrimonio se estaba deteriorando. Mientras aún estaba casado con Hettie, tuvo una hija, Dominique di Prima, con la poetisa Diane DiPrima. LeRoi se divorció de Hettie y se mudó a Harlem. Ella continuó escribiendo, editando y enseñando.

Jones publicó sus memorias, How I Became Hettie Jones, en 1990. En ellas detalla sus experiencias al crecer en una familia y comunidad judías, su pertenencia a la Generación Beat, sus inicios como escritora y las dificultades sociales de un matrimonio interracial y la crianza de hijos mestizos. En 1999, Jones ganó el Premio Norma Farber de la Poetry Society of America al Mejor Primer Libro por su primer poemario, titulado Drive. Según Booklist, la publicación de Drive la consagró como una poeta «potente y audaz».


Jones fue editora durante muchos años e impartió clases de poesía, narrativa y memorias en numerosas universidades, entre ellas la Universidad Estatal de Pensilvania, la Universidad de Nueva York, el 92nd Street Y, la Universidad de Wyoming y la Parsons School of Design. Fue presidenta del Comité de Escritura en Prisiones del PEN y, de 1989 a 2002, dirigió un taller de escritura en el Centro Correccional para Mujeres de Bedford Hills. Este taller fue aclamado como fuente de inspiración para la colección de Jones, distribuida a nivel nacional, titulada Aliens At The Border. Jones también fue coautora de unas memorias para Rita Marley, viuda de Bob Marley.  Recibió subvenciones para iniciar un programa de escritura en el Lower East Side de Manhattan, en el Lower East Side Girls Club Center for Community. Su libro, Love, H, una selección de 40 años de correspondencia con la escultora Helene Dorn, fue publicado por Duke University Press en octubre de 2016.


Jones tuvo dos hijas de su matrimonio con Amiri Baraka: Kellie Jones (nacida en 1959) y Lisa Jones Brown (nacida en 1961). Ambas  educadoras y escritoras.

Jones residía en el mismo apartamento del East Village, en el número 27 de Cooper Square, al que ella y LeRoi se mudaron en 1962. En 2005, lideró con éxito una campaña para salvar su edificio de apartamentos cuando iba a ser demolido para construir un hotel.

Jones continuó enseñando y escribiendo. Falleció en Filadelfia el 13 de agosto de 2024, a los 90 años.



Obras

Cómo me convertí en Hettie Jones: Memorias

Drive

Big Star Fallin’ Mama: Cinco mujeres en la música negra

No Woman No Cry

All Told

Doing 70






https://poetryalquimia.org/2022/06/15/4-poemas-de-hettie-jones/

https://en.wikipedia.org/wiki/Hettie_Jones




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sábado, 25 de julio de 2026

Pura Vázquez poeta gallega


Carmen Pura Vázquez Iglesias (Orense, 31 de marzo de 1918 - id., 25 de julio de 2006) fue una poetisa española en lengua gallega y española. Representante de la poesía de posguerra, apostó por una salida lírica y existencialista frente a líneas más combativas. Poeta en gallego y castellano, y hermana de la también escritora Dora Vázquez, se cuenta entre las escritoras gallegas vinculadas a la emigración. Fue la primera mujer que comenzó a publicar en gallego en los periódicos y revistas de Galicia y de la emigración gallega tras la Guerra Civil. También fue una de las pioneras en el campo de la literatura infantil y juvenil.


Nacida en el barrio orensano del Polvorín, se crio en la ciudad de La Coruña desde casi su nacimiento hasta los siete años, cuando regresó con su familia a Orense, después de que su padre, funcionario de Correos, hubiese sido trasladado a esa ciudad. Cursó allí los estudios primarios, el Bachillerato y la carrera de Magisterio. Opositó a maestra y sus primeros destinos fueron diversas localidades de la provincia orensana y luego en las provincias de Segovia, Toledo, Sevilla y Madrid. En Madrid se jubiló en 1985, cuando enviudó, y regresó definitivamente a Orense, donde vivió sus últimos veinte años de vida.

En 1955 viajó por primera vez a Venezuela, donde fue encargada por las autoridades venezolanas de organizar y dirigir un jardín de infancia piloto en Caracas. Un año después, fue llamada por la Universidad Central para ser secretaria de la Escuela de Periodismo, que entonces funcionaba dentro de la Facultad de Letras. Allí también mantuvo contactos con el ámbito literario de la emigración gallega. Regresó a la docencia en España en 1968.

Comenzó a escribir y publicar desde muy joven, en revistas y prensa gallegas, fundamentalmente orensanas. En 1944 la Diputación Provincial de Orense le publica su primer poemario en castellano. Antes, en 1943, le habían publicado ya personas particulares una edición de 18 ejemplares de otro libro también escrito en castellano, pero que incluía ya nueve poemas en gallego, lo que para aquella fecha era algo insólito. En este idioma publicó también, ya entonces, cuentos y poesías en periódicos y revistas gallegas de Galicia y de la emigración gallega, como en el del Centro Gallego de Buenos Aires.

En 1952 se editó como número dos de la Colección Xistral, su libro Íntimas totalmente ya escrito en gallego. En Galicia, y luego en el resto de España y en Venezuela, siguió publicando poesía, alternando el gallego con el castellano. Posteriormente atravesó un intervalo de cerca de nueve años sin escribir, por motivos familiares y de salud.

Ya jubilada y retornada a la casa familiar de As Mercedes, en Orense, publicó en 1990 y 1991 una antología poética en castellano y otra en gallego, donde recogió parte de la obra había ido editando en todos sus años anteriores. A partir de ese momento, siguió publicando poesía, fundamentalmente en gallego. Muchas de sus obras fueron editadas por ella misma, al margen de editoriales comerciales, y escritas a menudo a cuatro manos con su hermana Dora Vázquez.




Obras

A saudade e outros poemas, 1963

O desacougo, 1971

Monicreques, obra colectiva, 1974

Oriolos neneiros, obra colectiva, 1975

Dúas novelas galegas, 1978, donde se incluye su novela Segundo Pereira

Ronseles, obra colectiva, 1980

Viaxe ó país dos contos e da poesía, 1985

Antoloxía, 1991

Verbas na edra do vento, 1992

Man que escribiu no mar, 1993

A carón de min (Nova Antoloxía Poética), 1994

IV Festival da Poesía no Condado, obra colectiva, 1994

Desmemoriado río, 1994

Se digo Ourense, 1994

Orballa en tempo lento, 1995

Poesía de Pura Vázquez, 1995

Os Aldán foron a América, 1996

Daquelas que cantan. Rosalía na palabra de once escritoras galegas, obra colectiva de una docena de poetas, 1997

Terra matria dos soños, 1999

Teatro completo para nenos, obra colectiva, 2000

Manuel María, obra colectiva de homenaje, 2001

Náufragos da elexía, 2001

O mundo máxico das ideas, 2001

A música dos tempos, 2002

O frade era galego e outros relatos, 2002

Sempre irmá. Poesía en tón menor, 2002

Un niño para xílgaros cantores, 2002


Algunas de sus obras en castellano son:

Desde la niebla

Tiempo mío

Antología poética en castellano

Zodíaco, opúsculo, 1992

Los silencios de Alargán, 1994

Herida soledad hacia lo alto



Reconocimientos 

Forma parte de  Antología  de Poesía femenina española ( 1939-1950) de Carmen Conde

Académica correspondiente de la Real Academia Gallega desde 1949.

En 1950 gano un accésit al premio Boscán 

En 1992 un grupo de mujeres orensanas le dedican un homenaje durante el Día Internacional de la Mujer Trabajadora

En 1993 recibe el premio de Creación Cultural Femenina otorgado por la Junta de Galicia.

En 1995 Medalla Castelao

En 1996 le fue concedido el Premio Trasalba.

En 2002 recibió el Premio de las Letras y de las Artes de Galicia.

En 2005 recibió el homenaje de la Asociación de Escritores en Lengua Gallega.

Desde 2002 la Diputación Provincial de Orense convoca la edición de los premios de narración e ilustración infantil y juvenil Pura y Dora Vázquez. El premio tiene una primera fase de narraciones, y una segunda de ilustración, basada en la narración que obtuvo la victoria en el premio de ese año. 

https://es.wikipedia.org/wiki/Pura_V%C3%A1zquez

https://www.laregion.es/lri/protagonistas/pura-vazquez-escritora-gallega_1_20250908-3972395.html


https://www.cultura.gal/es/evento/70995/161/82209

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martes, 21 de julio de 2026

Margarita Michelena poeta, crítica literaria, periodista y traductora




Margarita Michelena  (Pachuca de Soto, Hidalgo, 21 de julio de 1917 - Ciudad de México, 27 de marzo de 1998) fue una poeta, crítica literaria, periodista y traductora mexicana. Fue fundadora del diario El Cotidiano; directora de El Libro y el Pueblo, Respuesta, La Cultura en México y Cuestión, y editora de Novedades y Excélsior. También trabajó como guionista para la XEW y como conductora en XEMX Radio Femenina.


Hija de Benita Rita Michelena y de Leopoldo Chillón y  (españoles), quienes vivieron en Francia antes de emigrar a México


Michelena curso algunos cursos en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México. Inició su carrera literaria en la revista América. Fue contemporánea de Emma Godoy, Griselda Álvarez y Guadalupe Amor. Incluso colaboró en publicaciones nacionales y extranjeras, como Examen, México en la Cultura; Américas, de la Unión Panamericana de Washington; Casa de la cultura, de Ecuador, entre otros. En 1949 se casó con el pintor nayarita Eduardo Cataño.

Hasta el año de 1962 fue directora de la revista literaria El libro y el Pueblo, parte de la Secretaría de Educación Pública (SEP). También dirigió la revista política Respuesta, y para el año de 1967 la nombraron directora general del Departamento de Información de Turismo. En 1978 constituyó Editorial Ara, S.A., para dar vida al periódico vespertino Cuestión, con el cual reunió a diversas escritoras y periodistas, con el objetivo de crear el primer diario a nivel mundial hecho únicamente por mujeres, y cuyo primer número salió a la venta el 21 de enero de 1980, con un tiraje de 5000 ejemplares que se distribuían en la Ciudad de México. Su lema era: «La expresión de la mujer en la noticia».​ Más adelante, colaboró para el periódico Excélsior, y para la revista Siempre!, en la cual dirigió un apartado titulado "La cultura en México".

La obra poética de Margarita, fue publicada durante su trayectoria como periodista, en los libros: Paraíso y nostalgia en 1945, Laurel del ángel en 1948, Tres poemas y una nota autobiográfica en 1953, La tristeza terrestre en 1954, El país más allá de la niebla en 1969, y una antología llamada Reunión de imágenes en 1969. Margarita optó, como algunos de sus contemporáneos, por los temas religiosos.


Se dice que Margarita Michelena se distinguió por una fina sensibilidad y pureza lírica de bien dibujados símbolos poéticos. Figura en antologías de poesía mexicana e hispanoamericana editadas en México, España y Argentina.​ Octavio Paz dijo que "sus poemas son cristalizaciones transparentes, poemas bien planteados en la tierra, pero movidos por una misteriosa voluntad de vuelo".​

A los 80 años tuvo una rara enfermedad que le produjo una parálisis facial, y finalmente murió en la Ciudad de México el 27 de marzo de 1998.


EXILIO

Vives en una patria que yo nunca he tocado

con estos ojos míos, nacidos en destierro,

con estas manos ciegas,

todavía raíces.


Sólo he sido un impulso por huir de la muerte.

Sobre mi débil tallo

soporto todo el peso de la noche que arde.

Y tú eres la gracia eficaz y ligera

que une las raíces con las cosas del aire

y disciplina el coro de los astros.


Yo pensé tu presencia hecha de virgen trigo

y tus ojos nutridos del océano del cielo.

Pero amé con mis ojos

con la muerte escondida

en mi carne y mi carne.

Y confundí tu rostro, tu divina sustancia,

con una voz que dice

mis oscuras palabras

y una materia efímera,

invadida por una selva azul y trágica.


Mis manos condenadas a raíces,

mis ojos ya sin esperanza,

mi ceniza que ríe,

encontrarán la muerte que sí mata

y no podrán ser nunca los viajeros

sin sombra y sin idioma

que arriben a tu patria.


Obras

Poesía

Paraíso y nostalgia, Nota de Jesús Sotelo Inclán, Tiras de colores, México, 1945.

Laurel del ángel, Edit. Stylo, México, 1948.

Tres poemas y una nota autobiográfica, Ilustr. de Eduardo Cataño, Edit. de la Sociedad de Amigos del Libro Mexicano, núm. 1, México, 1953.

La tristeza terrestre, portada e ilustr. de Eduardo Cataño, Eds. de la Revista Antológica América, México, 1954.

El país más allá de la niebla, 1969.

Reunión de imágenes, antología 1969.

Ensayo

Notas en torno a la poesía mexicana contemporánea, Editado por la Asociación Mexicana por la Libertad de la Cultura, México, 1959.

Reconocimientos 

En 2018, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y el gobierno de Hidalgo incorporaron su nombre al ahora Premio Bellas Artes de Traducción Literaria Margarita Michelena.

https://es.wikipedia.org/wiki/Margarita_Michelena

https://www.gob.mx/cultura/prensa/margarita-michelena-una-de-las-voces-poeticas-y-periodisticas-mas-autenticas-del-siglo-xx?idiom=es-MX

https://www.antoniomiranda.com.br/Iberoamerica/mexico/margarita_michelena.html

https://materialdelectura.unam.mx/poesia-moderna/16-poesia-moderna-cat/277-128-margarita-michelena?showall=1

https://poesiamaspoesia.com/286-poesia-mas-poesia-margarita-michelena/#LA-DESTERRADA

reforma.com/libre/acceso/accesofb.htm?urlredirect=/aplicaciones/articulo/default.aspx?id=1167246

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miércoles, 24 de junio de 2026

Meraud Guevara pintora




Meraud Guinness también conocida como Meraud Guevara (24 de Junio de 1904 – 6  de Mayo de 1993)  fue una pintora , escritora y poeta que vivió la mayoría de su vida en Francia con su marido Alvaro Guevara de quien luego se separo. 

Meraud Guevara, la número  doce de la  Exposición de 31 mujeres ,  y luego "Las mujeres", en la galería Art of This Century abierta por Peggy Guggenheim en Nueva York en octubre de 1942

Meraud Guevara fue una pintora británica / irlandesa  que realizó imágenes realistas surrealistas / mágicas, retratos, paisajes, collages, bodegones y composiciones abstractas sobre yeso. También fue escritora y poetisa. Aunque criada en Inglaterra y poseedora de un pasaporte irlandés, Meraud Guevara pasó casi toda su carrera activa en Francia.


Ella era una pintora imaginativa, técnicamente capaz que vivió sin concesiones la vida de un artista, pero antes de 1999  no aparece en historias de arte publicadas. Algunas de las primeras referencias de los periódicos la describen como una heredera popular que dio fiestas memorables. Esto es muy engañoso, dando la impresión de que Meraud era una anfitriona de la sociedad, cuando de hecho eligió vivir en el borde exterior de Bohemia. Una información  sobre  que ella vivió en una cueva con gitanos es también inexacta. 

 Por nacimiento Meraud, cuyo nombre es galés, era parte de una élite social rica. Ella nació Meraud Michael Guinness en Londres, de la familia Guinness enormemente ricos. Esta sociedad, incluido su propio padre, no podía comprender a una mujer bien educada, cuyo rechazo de las formas correctas de conducta era tan extremo como el de Meraud.

 Meraud de Guevara fue descrita por Buffie Johnson como una de un par de "... chicas fugitivas de distinguidas familias británicas."  Leonora Carrington era la otra. Ella y Meraud eran las únicas artistas nacidas británicas entre las 31 mujeres.  Meraud desafió con frecuencia los deseos de su padre y fue cortada por su padre durante 10 años, aunque más tarde se reconciliaron y su padre le dio un modesto subsidio. Bajo la ley británica Meraud, como mujer, no era automáticamente una heredera, después de la muerte de su padre la fortuna de la familia fue a su hermano menor.

 La historia de Meraud Guevara es tan colorida que corre el riesgo de oscurecer su arte, aunque se sabe que ha pintado más de 400 cuadros, apenas está representada en colecciones públicas. Sus influencias incluyeron Picasso, Picabia y Giacometti pero también Ingres y obras clásicas anteriores. Ella nunca tuvo miedo de experimentar y aunque su asociación con Picabia llevó a su clasificación como  surrealista, esto formó un período bastante breve en una larga carrera.   En Londres hay una pintura impresionante colgada en Tate Modern, como un artista que se olvida de otra manera.

 Su formación artística era seria. A los 19 años, fue a la Slade School of Art de Londres. Su tutor era el renombrado profesor Henry Tonks, que tenía un cariño por el trabajo de Ingres y enseñó a sus estudiantes las habilidades de dibujo y dibujo anatómico, aunque esperaba que usaran estas habilidades como herramientas para perseguir una búsqueda individual de estilo. 
 

 En 1926 Meraud fue a Nueva York durante un año, donde le enseñó el escultor cubista Alexander Archipenko. Aunque Meraud Guevara no era escultora, el trabajo de Archipenko con la figura humana en el espacio fue influir en sus pinturas posteriores, dándole a sus propias figuras bidimensionales la solidez de la escultura. Escribió artículos mensuales para la revista Vogue, comparando la vida en Londres y Nueva York. Más tarde asistió a clases en la Academia Julien y La Grande Chaumiere en París y tuvo clases más informales con Francis Picabia y Pierre Tal-Coat.

 Meraud se estableció en una carrera como artista con la aprobación de los padres y parece haber sido relativamente bien comportado hasta su veintitantos años. Luego conoció al pintor Christopher (Kit) Wood en el sur de Francia y se fue a París. La desaprobación de su padre llevó al fracaso de esta relación y es probable que Meraud tuviera un efecto más duradero en Wood que él en ella.

 Ella se rebeló otra vez moviéndose adentro con el anterior Dadaist Francis Picabia y su segunda esposa Germaine, que vivió cerca de Cannes. Ella hizo una impresión en Germaine, llegando en su Citroen pintado a mano con un perro grande y una cacatúa. Picabia también estaba impresionado, tomó a Meraud como su protegida, su modelo y su amante. Produjo una pintura de tres mujeres, mostrando a Meraud, Germaine y Olga Mohler, la niñera de sus hijos, una extraordinaria jactancia de su ménage a quatre.



 Como maestro, Picabia amplió el panorama artístico de Meraud, animándola a mirar más allá del clasicismo en el que había sido tutorizada y experimentar con estilos de collage y no-naturalistas. Él la presentó a Marcel Duchamp y otros miembros de la vanguardia incluyendo Cocteau, Leger, Picasso e Isadora Duncan. También organizó su primera exposición individual en la Galerie van Leer de París.   Picabia escribió la introducción al catálogo de la exposición de Meraud y ella recíprocamente, escribiendo un prefacio para una exposición suya, en Nueva York.

 Cuando llegó a París el primero de diciembre de 1928 para supervisar la colgadura de sus pinturas en la galería Van Leer, el expositor anterior estaba allí, sacando sus propias pinturas. Este fue el pintor nacido chileno Álvaro de Guevara, coincidentemente también un ex-estudiante Slade.  Después de menos de tres meses se casaron en Londres.  Los padres de Meraud dieron su aprobación cautelosa a este súbito y aparentemente rico americano, él ciertamente parecía una mejor apuesta que Kit Wood.

 Aunque tanto Álvaro como Meraud crearon retratos, no hay indicios de que influyeran mucho en el trabajo de cada uno; Álvaro pintó el conjunto de Bloomsbury, favoreció un estilo ampliamente representativo, expresionista con el uso convencional de pintura sobre lienzo. Su retrato de 1942 de Meraud, pintado en las semanas después de su boda, la muestra sentada en un gran sillón, con sus pies descalzos en el asiento y sus elegantes manos cubiertas sobre las rodillas levantadas.  Ella viste un sombrero elegante, en contraste con su postura informal y pies descalzos, indicando su antipatía de las normas sociales.

 Meraud, bajo la influencia de Picabia, todavía estaba experimentando con la fantasía y con el collage surrealista. El trabajo que había exhibido en la galería van Leer incluyó La Sirene, un cuadro grande de una sirena con un séquito de pescados fantásticos, aunque éste pudo haber sido el cuadro más convencional allí. Su retrato de Picabia mostraba su cara pintada dos veces, sobre lienzo y sobre una capa de celofán separada y pegada con alfileres. El retrato del joven hijo de Picabia, Lorenzo, era más simpático, con siluetas pintadas y collaged de los perros que rodeaban al muchacho. Otros retratos también utilizaron medios mezclados incluyendo la cadena y los sellos. Meraud consiguió varias ventas de esta exposición, aunque fue descrita como "algo inusual" por un corresponsal social obviamente desconcertado y críticos de arte también no estaban seguros de qué hacer de este último exponente de la "locura surrealista". Sólo más tarde en Nueva York su trabajo logró una aclamación positiva.

Los meses inmediatamente posteriores a su asentamiento en París fueron el momento en que las páginas de la sociedad de la prensa señalaban las cenas de los Guevaras, más informales que implícitas e implicaban a sus amigos de la vanguardia artística, incluyeron a los escritores Gertrude Stein y Ernest Hemingway, los pintores Pierre Tal-Coat, Picasso y el escultor surrealista Giacometti.  Meraud pintó el retrato de Stein, en un estilo que recuerda el retrato de Picasso de Stein de veinte años antes. Gertrude Stein no era feminista y se alía con la creatividad masculina, sin embargo, se ha declarado que declaró de Meraud Guevara, "¡La pintura es ella!" El contexto exacto para esta observación sigue siendo poco claro.

El idilio casado de Guevara fue abollado en enero de 1930, cuando la madre de Meraud murió, y su vida juntos no sobrevivió mucho después de la llegada de su hija, Alladine a finales de 1931. Para entonces los Guevara se habían trasladado de su pequeño estudio a una casa más grande de París , con sirvientes. Esto era todo pagado por el padre de Meraud, que Alvaro no habría sido enteramente feliz sobre. Pasaron días pintando murales en las paredes y celebrando partidos escandalosos.

Meraud no era domesticada y Álvaro, cuya  propia educación chilena dominaba su pensamiento, tenía ideas bastante rígidas sobre los deberes de una madre. La bisexualidad de Alvaro aumentó su confusión, aunque había confesado todo a Meraud, que era tolerante y perdonador. Todo esto se combinó para dar a Alvaro expectativas algo poco realistas de su esposa altamente poco convencional. Tendía a poner a las mujeres en pedestales y se ponía celoso y violento ante cualquier pequeña admiración que recibía. A Meraud le gustaban los hombres jóvenes, homosexuales y rectos, y ningún pedestal le convenía.

Durante las vacaciones de verano de Guevaras en 1932, Meraud dejó a Álvaro y a la bebé y se instaló en casa con el artista provenzal Martin Roch. Alvaro siempre había sido propenso a la depresión, después de desafiar a Roch a un duelo, dejó de pintar y se bebió en el olvido. Benjamin Guinness arregló para que su nieta fuera rescatada y atendida por una niñera. Una vez que Alvaro surgió de su desesperación, comenzó a visitar a su hija en los fines de semana. No vio a Meraud allí, Benjamin la había desheredado.

Meraud y Roch tomaron una granja provenzal donde las condiciones eran primitivas, sin electricidad ni agua corriente; Meraud disfrutó el desafío.  Vivió una vida rústica durante varios años, pintando y adquiriendo muchos animales como huéspedes de la casa. Varias de las relaciones de Roch compartían la casa, actuando en parte como amas de casa, también esponjándose sobre la supuesta fortuna de Meraud.  En algún momento Roch mismo se fue, mientras tanto Meraud siguió escribiendo a Álvaro y él escribió detrás.  Nunca se divorciaron; Meraud despreciaba el proceso legal requerido.


En 1939, los alemanes invadieron Polonia. Meraud y Álvaro estaban, por una vez, de acuerdo con su padre; Alladine, ahora  con ocho años , debería ser trasladada de Europa a la seguridad en Canadá. Meraud decidió quedarse en el sur de Francia. Álvaro, bajo la ilusoria seguridad de ser un chileno neutral, permaneció en París durante tres años después de que los alemanes invadieran Francia. Después de ser arrestado y viendo destruido su estudio, Álvaro se sintió deprimido y paranoico. Fue repatriado a Chile en 1943.

Meraud había enviado pinturas a su hermana Tanis en los Estados Unidos y en abril de 1939 tuvo una exposición individual en la Galería Valentine en Nueva York. Las 26 pinturas mostradas fueron bien recibidas, Meraud se había alejado de las ideas surrealistas más radicales, sus pinturas se compararon con Balthus. Hoy, la comparación con Balthus, pintor de muchachas jóvenes en comprometedoras actitudes pudo ser considerado un elogio dudoso para una artista  mujer.  Time Magazine dio una revisión de cortesía enfatizando su interpretación simplificada de un estilo en gran parte clásico. A pesar de su sencillez, no hay nada ingenuo en las mujeres fuertes y tranquilas de Meraud, que parecen autónomas si están solas,

Aunque su trabajo resultó popular en Nueva York, incluso en la 31 Exhibición de Mujeres, Meraud se quedó en Europa. Vivió en el borde de la guerra en Suiza y Francia, protegida en gran parte de la interferencia por su fluidez en la lengua francesa y su pasaporte irlandés neutral.  Encontró  brevemente a Álvaro en 1945 en Londres, donde había sido nombrado cónsul chileno después de que terminara la guerra. Luego se dirigió a Berna, Suiza, mientras Meraud volvía a Aix-en-Provence donde, financiada una vez más por su padre, creó un estudio en la planta alta de la ciudad. Regresó a la vida bohemia que era su preferencia, pintando durante el día y entreteniendo amigos con el vino y su famoso pot-au-feu en las tardes.

En diciembre de 1947, Benjamín Guinness murió, de ochenta años; El hermano de Meraud, Loel, ahora estaba a cargo de la fortuna de la familia. Aunque era menos crítico de su hermana poco convencional, decidió que Meraud debería ahora asumir la responsabilidad de su hija. Lamentablemente, nadie pensó en consultar a Alladine, de dieciséis años, que, mientras hacia el duelo a su abuelo, fue sacada de la escuela, donde acababa de instalarse y  se la envió a Aix con su madre. Seguíría  un tiempo difícil para Alladine, sin amigos de su edad. En Berna, Álvaro llevaba una vida solitaria como agregado cultural chileno, sin nada que hacer excepto escribir una novela. Se enfermó una vez más y Meraud decidió que el ambiente más agradable del sur de Francia le ayudaría. Tomó un piso cerca de Meraud y Alladine y su depresión disminuyó.

A partir de 1948 Meraud se involucró con los artistas locales, incluyendo Tal-Coat que ella había sabido antes de la guerra.   En 1950 tuvo una exposición conjunta con Balthus, continuando la yuxtaposición inesperada de su trabajo. También participó en una serie de exposiciones colectivas en las que participaron artistas como Salvador Dalí, Martín Roch, Talcoat y la expositora de 31 mujeres Leonor Fini, pero no tuvo otra exposición en solitario hasta 1959.   Comenzó a experimentar con técnicas de fresco y sus obras posteriores incluyeron frescos abstractos, paisajes y bodegones escultóricos, muy alejados de su antigua experimentación surrealista.

Con una contribución de su hermano, Meraud compró "La Tour de Cesar", una propiedad abandonada cerca de Aix . Meraud se mudó con Alladine, un pequeño caballo para transportar el carril de entrada desamparado y el gran perro marrón de Alladine. Estos animales y otros gradualmente proporcionaron el puente entre madre e hija, cuyas vidas muy diferentes los habían mantenido separados por tanto tiempo.

 

 En los años siguientes la propiedad fue modernizada y Álvaro volvió a ser parte integral de las vidas de Meraud y Alladine, aunque todavía vivían separadamente. Entonces Álvaro se enfermó de cáncer terminal. Durante sus últimos meses se mudó a la casa ahora renovada de Meraud, donde le cuidó hasta su muerte en  octubre de 1951. Alvaro Guevara fue enterrado en un cementerio de campo cercano y Meraud diseñó y pintó a mano un mosaico  para cubrir su tumba. También organizó dos exitosas exposiciones póstumas de su obra en Londres.  Meraud siguió viviendo y pintando en La Tour de Cesar, exponiendo su obra a lo largo de los años cincuenta y sesenta. Ella experimentó con el collage y con las técnicas del fresco, en 1959 exhibiendo una serie de trabajos abstractos gestuales en el yeso en una exposición individual en Londres.

Siguió siendo sociable, visitó París con frecuencia y registró las exposiciones que vio aquí en su diario que guardó a partir de 1956. Continuó viendo viejos amigos incluyendo, Pierre y Bronica Talcoat, Lucien Freud, Jean Dubuffet, Gabrielle Buffet-Picabia y Roberto Matta y haciendo nuevas como el poeta Allan Ginsberg. Durante más de una década a partir de 1950, el autor surrealista David Gascoyne se quedó con ella . Había sido un rebelde a una edad aún más joven que Meraud, huyendo a París con sólo 17 años y como Álvaro Guevara antes que él, Gascoyne era bisexual y sufría de depresión paralizante. Se retiró a La Tour de César y al cuidado de Meraud cada verano y cada vez que París se hacía demasiado para él. A veces Gascoyne se volvia demasiado para Meraud, una vez trató de estrangularla.

Gascoyne eventualmente regresó a Inglaterra para recibir tratamiento, Meraud vivía sola, aunque se mantenía ocupada y estaba lejos de ser una reclusa. A menudo visitaba París y en La Tour de Cesar había visitas constantes de amigos y familiares, así como la compañía de sus muchos animales. Dejó de pintar en 1986 y debido a la enfermedad se trasladó permanentemente a París, donde murió en 1993. Su hija  colocó las cenizas de Meraud en la tumba con Álvaro.

La colorida vida de Meraud Guevara puede haber consternado a su familia, pero su alegría de vivir y generosidad está grabada en la biografía de su hija, publicada en Francia en 2007. Sus mejores obras son sus retratos mágico-realistas de mujeres monumentales y misteriosas, algunas basadas en su amiga Bronica Talcoat.  El arte de Meraud es representado por su retrato poderoso, mujer asentada con el pequeño perro 1937, que se exhibe en la galería surrealista en Tate Modern en Londres.

     

  Agradecemos infinitamente a Sue por su brillante página que nos cuenta de maravilla la vida de estas interesantes artistas .      

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