Lotte Cohn arquitecta

Lotte Cohn en realidad Recha Charlotte Cohn  (20 de agosto de 1893, Charlottenburg , cerca de Berlín - 7 de abril de 1983, Tel Aviv ) fue una arquitecta israelí de origen judío alemán.

Lotte Cohn creció en Charlottenburg como hija  de Caecilie, de soltera Sabersky y del médico Bernhard Cohn  .

En 1912 comenzó a estudiar arquitectura en la Real Universidad Técnica de Berlín . La inscripción en Prusia sólo estaba abierta a las mujeres en 1909. Fue la cuarta mujer en la facultad después de Elisabeth von Knobelsdorff , Margarethe Wettke y Marie Frommer. Antes de la Primera Guerra Mundial, Gertrud Ferchland y Gertrud Sachs se unieron al grupo. Lotte Cohn permaneció en contacto con el grupo casi hasta el final de su vida. A finales de 1916 aprobó el examen de diploma y a partir de 1917 participó con su amiga Gertrud Ferchland en la reconstrucción de ciudades y pueblos de Prusia Oriental . En 1920/1921 trabajó en el despacho del arquitecto sionista Richard Michel, lo que la puso en contacto con Richard Kauffmann, para quien trabajó más tarde.

Emigró a Palestina con su hermana Helene Cohn en 1921 , donde fue la primera arquitecta en graduarse. Allí trabajó inicialmente como empleada/socia de Richard Kauffmann en Jerusalén. Ha estado involucrada en muchos de los proyectos más importantes de arquitectura y urbanismo. Se construyeron decenas de asentamientos comunales como kibutzim y moshavim en Emek Yizre'el , así como suburbios y zonas residenciales en Jerusalén y Haifa. Desarrolló sus propias ideas para la construcción de asentamientos apropiados para el país y, con Kauffmann, desarrolló las modernas ciudades jardín, las llamadas kibutzim. Rechazó las casas unifamiliares de estilo alemán porque, en su opinión, “seducían a los residentes a un estilo de vida burgués”. La mayoría de los proyectos se atribuyen a Kauffmann. También se la nombra como colaboradora en algunos planes.

El primer proyecto propio de Cohn fue la escuela agrícola para niñas en Nahalal , que constaba de dos casas. La primera Casa Aleph se construyó en 1925, la segunda Casa Beth  diez años después. En 1931 fundó su propia oficina en Tel Aviv, cuando en la década de 1930 se estaba construyendo la “ Ciudad Blanca ” .

En 1932 construyó la famosa casa de huéspedes Kæte Dan en la costa de Tel Aviv. Inicialmente, el edificio tenía dos plantas con 14 habitaciones, antes de que un año después se añadiera un tercer piso. Las 21 habitaciones fueron amuebladas según los estándares europeos y cada habitación contaba con teléfono interno. El sencillo edificio blanco se consideraba un símbolo de Tel Aviv. El edificio fue demolido en 1959.

El mismo año que la casa de huéspedes construyó un edificio de apartamentos en la calle Hayarkon, que se hizo famoso en 1934 con una fotografía y un fotomontaje “Tel Aviv se expande…”. En la década de 1930, un foco importante fue la planificación de asentamientos para la empresa constructora RASSCO (Rural and Suburban Settlement Company) , para la que desarrolló viviendas privadas y estándar. Muchos de sus edificios fueron publicados en la revista de arquitectura hebrea Habinyan, publicada entre 1934 y 1938. Cohn formaba parte de la asociación de arquitectos de Tel Aviv "Chug", que eran editores de la revista. Desde 1952 trabajó con Yehuda Lavie (de soltera Ernst Loewisohn; 1910-1998), también de Berlín. Visitó Alemania dos veces.

Lotte Cohn fue responsable de más de 100 proyectos de construcción durante casi 50 años. Tras retirarse de su carrera en 1967, se dedicó a escribir, publicando artículos sobre arquitectura y urbanismo, sobre su familia y amigos. A mediados de los años sesenta escribió sus memorias “Los años veinte en Eretz Israel: un libro ilustrado sin imágenes”. Ella permaneció soltera toda su vida. Después de su muerte en 1983, fue honrada como una de las maestras constructoras de Israel. 

Edificio de apartamentos en el número 20 de la calle Spinoza en Tel Aviv, 1936

Proyectos 

1925/1935: Escuela agrícola para niñas. (Nahalal)

1932: Pensión Kæte Dan , calle Hayarkon, 97 (Tel Aviv)

1932: edificio de apartamentos, calle Mapu 1/calle Hayarkon (Tel Aviv)

1935/1936: edificio comercial y de oficinas, 56 Allenby Street (Tel Aviv)

1932: Hogar de Lotte Helene y Rosa Cohn, calle Abrabanel 28 (Tel Aviv)

1932: Casa adosada para la familia de Gershom Scholem y Hugo Bergmann, calle Rambam 51/53 (Jerusalem)

1936: edificio de apartamentos, calle Spinoza 20 (Jerusalem)

1937: Villa para el  Dr. Theodor Zlocisti en Haifa (Jerusalem)

https://www.haaretz.com/israel-news/2021-10-16/ty-article-magazine/.highlight/why-was-a-pioneering-israeli-architect-erased-from-the-pages-of-history/0000017f-f426-d47e-a37f-fd3e1f7e0000

https://de.wikipedia.org/wiki/Lotte_Cohn

https://bauhaus-center.com/gallery-art-exhibition/lotte-cohn-pioneer-women-architect-in-israel/

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Ethel Charles primera mujer en formar parte del colegio de arquitectos británico

Ethel Mary Charles ( 25 de marzo de 1871 – 8 de abril de 1962) fue la primera mujer en ser admitida en el Instituto Real de Arquitectos británicos (RIBA) en 1898.​

Ethel Charles y su hermana Bessie se formaron como arquitectas en la oficina de Ernest George y Harold Peto. En 1893, ambas intentaron continuar su formación y asistir a la Architectural Association pero se les negó el ingreso. Ethel completó parte del curso ofrecido por la Escuela de Arquitectura Bartlett, donde recibió distinciones. Los dibujos de Ethel expuestos en la colección del RIBA documentan sus viajes a través de Inglaterra, Francia e Italia. Después de estudiar con Ernest George, comenzó a trabajar como ayudante de Walter Cave, donde estudió la arquitectura gótica y doméstica. En junio de 1898, aprobó los exámenes del RIBA para ser miembro asociado. A pesar de oposición inicial, su afiliación finalmente fue concedida, 51 votaron a favor y 16 en contra.

Incapaz de obtener encargos de proyectos de gran escala, los cuales estaban reservados exclusivamente para los varones, Ethel Charles estuvo forzada a trabajar en modestos proyectos habitacionales como viviendas para trabajadores. Con frecuencia trabajó junto a su hermana, la segunda mujer en ser miembro del RIBA en 1900. Charles declaró públicamente que las mejores oportunidades para las arquitectas eran los encargos comerciales pero la única referencia de su trabajo en diseños de gran escala es la premiada Iglesia realizada en Alemania en 1905. Ese mismo año le otorgaron la Medalla de Plata de RIBA.

Las axonométricas realizadas por Ethel Charles de las viviendas para trabajadores de 1895 son presentadas por el RIBA como un ejemplo de cómo el tradicional estilo inglés empezó a evolucionar hacia los movimientos de Arts and Crafts y Ciudad Jardín.

En su honor se celebró el 5 de julio de 2017 un día de campaña en las redes sociales reconociendo la labor de las mujeres en la arquitectura.

En 1898 también encontramos a la primera mujer que formó parte del Royal Institute of British  Architects (RIBA)Ethel Mary Charles (1871-1962).

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Lux Guyer arquitecta suiza

Lux (Louise) Guyer (20 de agosto de 1894, Zúrich, Suiza - 25 de mayo de 1955, Zúrich, Suiza) fue una arquitecta suiza, reconocida por sus aportes al desarrollo de la vivienda moderna sobre todo en su propuesta para la Exposición Suiza del Trabajo de la Mujer, SAFFA (Schweizerischen Ausstellung für Frauenarbeit) realizada en Berna en 1928.

Lux Guyer asistió a los cursos de Diseño Interior de Wilhelm Kienzle y de Modelado de Carl Fischer en la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich (1917) y fue alumno vocacional en la Escuela Politécnica Federal de Zúrich. Completó su formación haciendo prácticas en el estudio de Gustav Gull en Zúrich y de Marie Frommer en Berlín y a través de sus viajes de estudio a París, Londres y Florencia.

Guyer fue una de las primeras mujeres en ejercer como arquitecta en Suiza y abrió una oficina en Zúrich en 1924.2​ Con el Apartamento modelo para la Exposición Das neue Heim (El nuevo hogar) en el Museo de Artes Decorativas de Zúrich (1926) y la Colonia de viviendas para mujeres solteras Lettenhof (Zúrich, 1926-1927) logró destacarse desde sus primeros encargos.

Fue la arquitecta responsable del concepto arquitectónico general de SAFFA (Berna, 1928), la primera exposición de las mujeres suizas. En la misma se expusieron temas referidos a la agricultura, la industria, el trabajo doméstico, el trabajo remunerado, la ciencia, la educación y el arte. Guyer propuso una composición estrictamente axial de hangares que debió resolver con una tecnología de bajo costo y rápida ejecución. Además de los pabellones, la propuesta incluía una serie de casas tipo, entre otras, “la casa para una familia de clase media”, SAFFAhaus, construida con un sistema prefabricado de madera. Después de la exposición la casa fue comprada y llevada a Aarau y en 2003 nuevamente trasladada a Stäfa.3​ Lo innovador de su propuesta estaba en el diseño del mobiliario que permitía espacios polivalentes y flexibles y en la gran oferta de lugares de descanso y espacios de trabajo pensados para otorgar un lugar adecuado a cada tarea doméstica.

El tema central de su obra fue la renovación del estilo de vida de la clase media y su adaptación a las necesidades de diferentes colectivos. Además de viviendas unifamiliares, proyectó edificios de apartamentos y conjuntos residenciales para mujeres solteras, estudiantes y ancianos. Entre otros: el hogar para estudiantes y profesores Lindenhof (Zúrich, 1927-1928), la casa de vacaciones Coop-Ferienheim (Weggis, 1927-1928), la villa Kusentobel (Küsnacht, 1933) y el asilo de ancianos de Jongny-sur-Vevey (1942). También se dedicó al diseño de interiores y de muebles.

Los edificios de Guyer se caracterizan por un gusto moderno y sofisticado y por soluciones de diseño detalladas y a la medida de los usuarios. La simplicidad, durabilidad, confort y buen gusto eran preocupaciones centrales en su obra. Para Guyer, las exigencias prácticas contemporáneas como la racionalización del presupuesto debían estar en consonancia con el tradicional confort y las soluciones espaciales individuales. Sus fuentes de inspiración fueron la casa de campo inglés, el movimiento Arts and Crafts y la obra de Hermann Muthesius.​

https://www.hochparterre-buecher.ch/lux-guyer-1894-1955.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Lux_Guyer

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Helma Schimke pionera del montañismo femenino

Helma Schimke (16 de febrero de 1926 , Seekirchen am Wallersee - 7 de abril de 2018, Salzburgo ) fue una arquitecta austriaca y pionera del montañismo femenino.

Helma Schimke empezó a hacer montañismo a los 13 años. Después de graduarse en la Escuela Técnica Superior de Salzburgo , estudió arquitectura en Viena .

A partir de los años 50, ella y sus compañeros de escalada, entre ellos Fritz Wintersteller , Hermann Buhl , Marcus Schmuck , Christl Haas y Rudolf Bardodej, lograron numerosas y difíciles excursiones de montaña por ejemplo, el  flanco Brenva del Mont Blanc y Peutereygrat , la  cara oeste de Maukspitze ,  la intersección sureste de Fleischbank y  la cara este de Monte Rosa . 

En las décadas de 1950 y 1960 fue una de las mejores alpinistas del mundo . En los años 60 formó parte del equipo femenino de cuerdas con la esquiadora Christl Haas.

En el verano de 1961 quiso emprender una expedición con Rudolf Bardodej, su marido Konrad Schimke y el médico de Salzburgo Georg Scharfetter para realizar la primera ascensión al Diran ( 7270  m ) en Pakistán. A pesar de sus impresionantes logros en el montañismo, desde la perspectiva del comité administrativo   indicaron preocupaciones ... sobre la participación de una madre de tres hijos menores de edad.  La expedición no se llevó a cabo debido a la muerte de su marido. 

Se había  casado con un compañero de estudios después de la Segunda Guerra Mundial pero tras el nacimiento de su hijo, la relación se rompió y Schimke se divorció. En 1957 se casó con el juez Konrad Schimke,  con quien
compartía su amor por la montaña. Tuvo dos hijos más con él. Su marido murió en marzo de 1961 en una avalancha en la cara este de Watzmann . 

En 2002, Helma Schimke apareció en el documental Above Everything the Mountain de Ulrike Gschwandtner y Annette Mäser. 

 Trabajó como arquitecta independiente en Salzburgo .

https://de.wikipedia.org/wiki/Helma_Schimke

https://salzburg.orf.at/v2/news/stories/2906056/

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Renée Gailhoustet arquitecta y urbanista

Renée Gailhoustet (Orán, 15 de septiembre de 1929-Ivry-sur-Seine, 4 de enero de 2023) fue una arquitecta y urbanista francesa, trabajó durante cuarenta años canalizando su compromiso social en la reformulación de la vivienda colectiva. Influenciada por las ideas del Team X, lideró la renovación de la ciudad Ivry-sur-Seine. Su gran aporte a la arquitectura y el urbanismo de los años sesenta estuvo en la promulgación de la diversidad de usos, rechazando explícitamente los principios de separación de funciones reinantes en los grandes conjuntos habitacionales de la época.

Renée Gailhoustet cursó estudios literarios en la Sorbona de Paris donde obtuvo una licenciatura en Letras. En 1952 ingresó en la l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris y se unió al taller de Marcel Lods, André Hermant y Henri Trezzini, el único en ese momento que aceptaba estudiantes mujeres. Allí conoció a Jean Renaudie con quien tuvo una relación que duró hasta 1968 y con quien tuvo dos hijas. Durante el transcurso de su carrera universitaria, ambos militaron en las Juventudes del Partido Comunista Francés.

En 1958 dejó este taller para integrar el de Jean Faugeron y en 1961 obtuvo su diploma como arquitecta con un tema que por aquel entonces era una rareza: la vivienda colectiva de interés social. 

En 1964 fundó su propia oficina de arquitectura y colaboró en la planificación de varios municipios parisinos. También fue nombrada Arquitecta Consultora de Estado para el departamento de Nièvre.

Comenzó su actividad laboral en la Oficina de Planificación y Construcción de Seine-et-Oise bajo la dirección de Roland Dubrulle, en donde participó desde 1962 en el estudio para la renovación de Ivry-sur-Seine.

En 1969 asumió el puesto de Arquitecta Jefe de esta localidad para poner en marcha el proyecto de renovación del centro de Ivry e invitó a Jean Renaudie a participar en el proyecto, quien dejó ese mismo año el Atelier Montrouge fundado 10 años antes y desde donde desarrolló innovadoras teorías basadas en un urbanismo de la complejidad.

Gailhoustet diseñó para Ivry las torres Raspail, Lenine, Jeanne-Hachette y Casanova, el complejo de Spinoza y las construcciones de viviendas adosadas Le Liégat y Marat. Este proyecto de gran escala se extendió hasta mediados de 1980 está hoy catalogado como Patrimoine du XXe siècle. La construcción de las torres Raspail y Lenine en 1968 y 1970 formaron el primer hito en el programa de la ambiciosa renovación realizado por el Programa Público HLM –Habitation à Loyer Modéré– una política pública de Vivienda de renta controlada que el estado francés creó en 1950 para dar solución a la escasez de viviendas y a la creciente natalidad que siguió a la Segunda Guerra Mundial.

Las propuestas integrales de Renée Gailhoustet se desarrollaron y ejecutaron a lo largo de cuarenta años y correspondieron principalmente a operaciones de vivienda social. La mayoría de ellas se encuentran en los suburbios de París, sobre todo en Ivry-sur-Seine y Aubervilliers, pero también en Saint-Denis, Villejuif, Romainville y Villetaneuse.

Destaca también el desarrollo del barrio de La Maladrerie en Aubervilliers, terminado en 1984. Desarrolló además dos estudios urbanos para el municipio comunista de la isla de La Réunion.

Gailhoustet estuvo influenciada por los conceptos rupturistas del Team X, por las ideas de Georges Candilis, Alexis Josic y Shadrach Woods con quienes trabajaba, y también por las reflexiones inéditas de Jean Renaudie. Defendió una vivienda colectiva de interés social que apuesta por hacer ciudad mediante la diversidad tipológica y de equipamientos, servicios comunes, espacios públicos y comercios: una planificación de usos mixtos que favoreciera los encuentros, los intercambios y el bienestar. Su arquitectura se caracterizó por la construcción aterrazada, las plantas bajas destinadas a comercios, las viviendas en dúplex con tratamiento de medios niveles, grandes aperturas, espacios poco convencionales determinados por trayectos y fachadas, ocupación de las azoteas, terrazas jardín y una exploración formal del uso del hormigón armado.

Gailhoustet desempeñó actividad docente por un corto tiempo en la l’Ecole Spéciale d’Architecture desde 1973 a 1975. En 1993 publicó el libro Eloge du logement (Elogio de la vivienda) en el que hizo un recorrido por su obra y en 1998 Des racines pour la ville (Raíces para la ciudad).

Cerró su oficina en 1999 y se trasladó a vivir en una de los miles de viviendas sociales promovidas por ella misma.

En 2018 obtuvo la medalla de honor de la Academia de Arquitectura de Francia.​

https://es.wikipedia.org/wiki/Ren%C3%A9e_Gailhoustet

https://twitter.com/JoanieLemercier/status/1611469309091405834?t=z1Eihlt-dP3Ozi17boa2Zg&s=09

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Maya Ying Lin artista y arquitecta

Maya Ying Lin (Athens, Ohio, 5 de octubre de 1959) es una artista y arquitecta estadounidense conocida por su trabajo en escultura y arte de paisajes. Su trabajo más conocido es el Monumento a los Veteranos del Vietnam en Washington D. C..

Maya Lin recibió su licenciatura de la Universidad de Yale, donde estudió arquitectura y la escultura. Durante su último año ganó un concurso a nivel nacional para crear un diseño para el Vietnam Veterans Memorial. Su diseño minimalista despertó controversia, pero se ha vuelto muy popular entre el público en los últimos años.

Maya Lin es la hija de unos  intelectuales chinos que huyeron de su tierra natal en 1948, poco antes de la toma de posesión comunista 1949.

 Y a los 21 años, su  diseñó fue programado para ser construido en la esquina noroeste de la National Mall en Washington, DC

El diseño se presentó fue en agudo contraste con los monumentos de guerra tradicionales: Fue una pared de granito pulido, en forma de V, con cada lado que mide 247 pies, simplemente inscritas con los nombres de los más de 58.000 soldados muertos o desaparecidos en acción, que figuran en fin de la muerte o desaparición. El monumento fue agraciado y abstracto, construido para ser un poco por debajo del nivel del suelo, y se evitó el diseño heroica habitual a menudo asociados con este tipo de monumentos. Esto, por supuesto, hizo el controvertido trabajo.

Tan pronto como el diseño ganador se dio a conocer, un grupo de veteranos de Vietnam se opuso fuertemente a prácticamente la totalidad de sus rasgos fundamentales, refiriéndose a ella poco generoso como el "corte profundo negro de la vergüenza." Al final, después de un debate mucho más a nivel nacional que alcanzó los ciudadanos y los políticos , tres figuras realistas por igual de los soldados, junto con una bandera americana montada encima de un poste de 60 pies, se colocaron cerca del monumento -close suficiente como para ser una parte de ella, pero lo suficientemente lejos para preservar la visión artística de Lin.

Después de lo que resultó ser una experiencia drenaje de Lin, el monumento fue dedicado y se abrió al público el 11 de noviembre de 1982, Día de los Veteranos. Desde entonces se ha convertido en una masiva, y emocional, atractivo para los turistas, con más de 10.000 personas al día viendo la obra. Se ha señalado que su superficie pulida refleja la imagen del espectador, haciendo que cada visitante uno con el monumento. De la potencia de la obra, Lin escribió: "Me gusta pensar en mi trabajo como la creación de una conversación privada con cada persona, sin importar lo público es cada obra y no importa cuántas personas están presentes."

Por su poder de duración, el Instituto Americano de Arquitectos concede al monumento su premio de 25 años en 2007.

Después de que el fervor había terminado, Lin regresó a la vida académica, a sus  estudios de postgrado en arquitectura en la Universidad de Harvard. Dejó Harvard poco después, sin embargo, para trabajar por un arquitecto en Boston, y en 1986 terminó su maestría en arquitectura de vuelta en Yale. Dos años más tarde, Lin firmó con el Southern Poverty Law Center para diseñar un monumento al movimiento de derechos civiles. Una vez más se dio la vuelta al poder de la simplicidad en su diseño. El monumento consistía en sólo dos elementos: una pared de granito negro curvado inscrito con una cita de "Tengo un sueño" de Martin Luther King Jr. y un disco de 12 pies con inscripciones de las fechas de los principales eventos de los derechos civiles de la época y los nombres de los 40 mártires de la causa. Puntuada con un elemento de agua que fluye, el monumento fue dedicado en Montgomery, Alabama, en noviembre de 1989.

Lin volvería a la utilización de agua de nuevo en 1993, cuando se creó un monumento para conmemorar la presencia de las mujeres en Yale. A partir de ahí se dio la vuelta a los elementos naturales cada vez más, como se ve en Ann Arbor del campo de ondas (1995), de Miami trémolo (2005) y del estado de Nueva York Storm King Wavefield (2009), cada uno de los cuales se encontró Lin transformando paisajes cubiertos de hierba en las vistas que se asemejan las olas del mar.

En medio de estos proyectos, Lin fue el encargado de diseñar una obra para celebrar el bicentenario de la expedición de Lewis y Clark (2000). En cuanto a los elementos naturales, una vez más, Lin creó siete instalaciones de arte a lo largo del río Columbia que detallan el impacto histórico de la expedición tuvo sobre los pueblos originarios y el noroeste del Pacífico.

Lin también ha creado un parque Topiary en Charlotte, Carolina del Norte, en colaboración con el arquitecto del paisaje Henry F. Arnold ( Topo , 1991), y una instalación de 43 toneladas de vidrio de seguridad del automóvil destrozado en el Wexner Center for the Arts en Columbus, Ohio ( Groundswell , 1993). Groundswell  es significativo, ya que fue la primera obra importante de Lin con métodos y materiales que previamente había reservado para trabajos de estudio a pequeña escala y experimentos.

 

Aunque conocida principalmente como escultora, Lin también ha trabajado en varios proyectos arquitectónicos, que a menudo han sido conocidos por su énfasis en la sostenibilidad. Algunas de las obras de alto nivel en este campo incluyen la Biblioteca Hughes Langston (1999) y el Museo Chino en Estados Unidos en la Ciudad de Nueva York (2009). Nunca uno a caer en la complacencia artística, Maya Lin también ha creado ¿Qué falta? , Un multi-ubicación del proyecto que se centró en llevar la conciencia a la pérdida de hábitat multimedia.

Para el trabajo de su vida, Lin fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes en 2009, y una película sobre el artista, Maya Lin: una fuerte visión clara, ganó el Oscar 1994 al mejor documental. Lin ha servido como miembro de la junta del Consejo de Defensa de Recursos Naturales y miembro del jurado del diseño del World Trade Center Memorial.

http://www.mayalin.com/
https://es.wikipedia.org/wiki/Maya_Lin
http://www.biography.com/people/maya-lin-37259#synopsis

http://otromuro.blogspot.cl/2012/06/maya-lin.html

http://macavery.com/photography/portfolios/hudson-valley-views/

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Eileen Gray arquitecta y diseñadora

Eileen Gray (9 de agosto de 1878 - 31 de octubre de 1976) fue una artista de la laca, diseñadora de muebles, de interiores y arquitecta irlandesa bien conocida por incorporar el trabajo de la laca con lujo en el International style. Fue una de las primeras mujeres reconocidas internacionalmente en la actividad del diseño industrial.

Kathleen Eileen Moray nace en la casa familiar (Brownswood), en Enniscorthy (Condado de Wexford), Irlanda, el 9 de agosto de 1878. Su familia le cambió el nombre por el de Gray en 1893, después de que su madre, Lady Eveleen Pounden, heredase un título de nobleza de un tío suyo escocés, convirtiéndose en la baronesa Gray. Siendo la más joven de cinco hermanos, Eileen pasó su infancia entre las diversas casas familiares en Irlanda y la residencia de Londres. Heredó de su madre el interés y el buen gusto por la decoración, así como el espíritu de aventura de su padre, el pintor James Maclaren Smith, al que acompañó en varios viajes a Italia o Alemania.

 

 Al igual que muchas mujeres de su clase social, Gray recibió una educación formal; y aparte de los periodos intermitentes de estudio en un internado en Dresden, Alemania, fue educada desde el principio por institutrices. Hizo su primera visita a París en 1900, al acompañar a su madre a la Exposición Universal. Al año siguiente, 1901, se matriculó en dibujo en la Slade School of Art de Londres, y durante las visitas que realizaba al Museo Victoria y Alberto desarrolló su admiración por los trabajos asiáticos de la laca. Este periodo de aprendizaje le sirvió para independizarse de su familia, decisión que se vio precipitada a causa de una serie de modificaciones en la casa familiar de Enniscorthy en 1885, transformada en una mansión de estilo victoriano, cambio que desagradó por completo a Eileen.

En 1902 se estableció temporalmente en París para continuar sus estudios de dibujo en la École Colarossi, junto con sus amigas Kathleen Bruce y Jesse Gavin. Las tres ocuparon una pensión en la rue Barras , cerca de Montparnasse. Pronto fueron transferidas a la Académie Julian en la rue du Dragon, donde la enseñanzaba iba directamente enfocada a la preparación de los estudiantes para ingresar en la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes). Durante este tiempo Gray también realizó cursos de verano en Caudebec-en-Caux (Normandía), a cargo de la pintora neozelandesa Frances Hodgkin.

En 1905 regresa a Londres a causa de la enfermedad de su madre y continúa sus estudios en la misma Slade School of Art y no es hasta 1906 que se estableció definitivamente en París, en un apartamento de la rue Bonaparte (cerca de la iglesia de Saint-Germain des Prés), que ocupó el resto de su vida. Durante el mismo año comenzaran las relaciones entre ella y el maestro de la laca japonés, Seizo Sugawara.

Entre 1909 y 1912 visita diversos lugares, primero el norte de África donde aprende todo acerca de las artistas marroquíes en el arte del tejido, sobre todo de la lana. Más tarde viajó a América tomando el tren de Nueva York a San Francisco, haciendo escala en el Gran Cañón y las Montañas Rocosas, Monterey, California y Seattle, lugares de obligatoria visita para Gray.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Eileen conduce una ambulancia en París durante los primeros meses de 1915, pero regresó a Londres con Sugawara, abriendo un taller en Chelsea, para producir su mobiliario de diseño.

En 1913, celebró su primera exposición, mostrando algunos paneles decorativos en el Salon des Artistes Décorateurs. Pero no fue hasta 1922 cuando, tras ganarse la reputación como la primera artista europea del siglo XX en adaptar las tradicionales técnicas asiáticas sobre el uso de la laca en el diseño, que Gray decidió abrir una tienda de decoración, Jéan Désert, donde mostró sus alfombras y diseños de mobiliario.

En 1932 comenzó a proyectarse su propia casa de veraneo a las afueras de Menton, cerca de Castellar, Francia, que estuvo terminada en 1934, y tras lo cual Gray empleó mucho de su tiempo en el sur de Francia. Alquiló un apartamento con vistas al puerto de Saint-Tropez como refugio de los días de verano y las crecientes muchedumbres de la Côte-d'Azur. A pesar del aumento de popularidad de la ciudad, continuó visitando la zona en numerosas ocasiones, construyendo su última casa, Lóu Pérou (1954-61), entre los viñedos de Chapelle-Ste-Anne, aunque París siguió siendo su principal residencia.

Forzada a abandonar la costa francesa y expatriada durante la Segunda Guerra Mundial, huye a Lourmarin en la región de Vaucluse. Allí diseña una casa para Badovici en un terreno adquirido en Casablanca. Mientras tanto, su hogar de Menton, Tempe a Pailla, es saqueado y medio destruido por las tropas alemanas y los constantes bombardeos de la zona. Pero en 1945 Menton es liberado y Gray vuelve a Castellar y al encontrar su casa en penosas condiciones regresa a París.

El 31 de octubre de 1976 Eileen Gray muere en París a los 98 años; sus cenizas son enterradas en el cementerio de Père Lachaise, París.

La emigrante anglo-irlandesa empezó a experimentar directamente con la arquitectura desde 1926, cuando se convirtió en colaboradora del arquitecto rumano Jean Badovici (1893-1956), quien le confirió todo su conocimiento en la materia. Únicamente nueve de las obras de Gray y renovaciones de interiores se llevaron a cabo, y cuatro de ellas fueron atribuidas a Badovici, dada la semejanza de estilos, y aún el trabajo de Gray continúa inspirando a arquitectos y diseñadores.

Más de 45 proyectos se encontraron en su archivo, muchos de los cuales representados sólo por pequeños y simples esbozos y/o permanecen formalmente sin resolver. No dejó testimonio acerca de sus reuniones con clientes; sin duda, hasta el final de su vida, Gray negó que hubiera tenido cliente alguno. Por otra parte, para sus diseños más conocidos, dos casa que proyectó para Badovici y para ella respectivamente, Gray hizo elaborar presentaciones aportando además numerosas fotografías. Mostró sus intenciones en un diálogo con Badovici que publicó en un artículo de L'Architecture Vivante, referente a la E.1027, la casa de veraneo de Roquebrune, Francia, que construyó junto con Badovici. Ésta, junto con su mobiliario, se exhibieron en París en el Salon d'Automne y el Union des Artistes Modernes (UAM), grupo de diseñadores de la que ella fue miembro fundadora. Le Corbusier fue un ferviente admirador de la arquitectura de Gray.

Debido a su extremo pudor, Gray permaneció algo alejada de sus contemporáneos en las artes decorativas y arquitectura. En la industria del diseño parisina fue bien acogida por su producción de artículos modernos y llamativos para una clientela perteneciente a la elite social, dedicada tanto a las demandas individuales de cantidades muy limitadas, así como reproducciones para producción masiva

La casa E1027 un referente en arquitectura.

Entre los casos más renombrados de apropiación indebida, está la casa que Eileen Gray  se construyó en la costa azul y que Le Corbusier se asignó o al menos no reseñó claramente en sus obras completas, sembrando la confusión y la duda sobre la autoría de la E-1027.

 Como reconocida representante del International Style destaca en Francia,  la excepcional Eileen Gray (1978-1976), natural de Irlanda, artista artesanal, diseñadora, interiorista y arquitecta. Su obra de 1929, la casa E.1027, representa un hito del Movimiento Moderno que dejó mella en otros autores como Le Corbusier, el cual llegó a comprar una parcela junto a la vivienda para construir su Cabanon (Espegel, 2007:132)

http://www.irishtimes.com/life-and-style/people/from-the-archives-maeve-binchy-interviews-eileen-gray-in-paris-1.2017662
http://diariodesign.com/2015/11/e-1027-se-abre-al-publico-el-paraiso-de-eileen-gray/
http://es.wikipedia.org/wiki/Eileen_Gray
http://icarusfilms.com/new2007/eg.html
http://www.decodelivery.com/index.php?cPath=26
http://blog.ounodesign.com/tag/women/
https://www.pinterest.com/kvalitar/eileen-gray-legends-life-and-piece-in-old-pictures/
https://www.pinterest.com/pin/374854368959558961/

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Teresa Gisbert Carbonell investigadora, arquitecta, restauradora e historiadora boliviana

                

Teresa Gisbert Carbonell (La Paz,​ Bolivia, 30 de noviembre de 1926-Ibidem, 19 de febrero de 2018) fue una investigadora, arquitecta, restauradora e historiadora boliviana. 

Teresa Gisbert fue hija de Rafael Gisbert y María Carbonell. Sus padres eran descendientes de una familia de habla catalana establecida en Bolivia en las primeras décadas del siglo XX. Su madre provenía de Barcelona y su padre fue parte de una familia de obreros textiles de Alcoy, en la provincia de Alicante.

Realizó sus estudios primarios y secundarios en el colegio Santa Ana de su ciudad natal. Continuó con sus estudios superiores ingresando a la carrera de arquitectura de la Universidad Mayor de San Andrés, UMSA, a finales de la década de los años 40, en esta facultad fue una de las primeras mujeres, y muchas veces la única de su curso, entonces la carrera era cursada mayoritariamente por hombres. Se graduó en 1950,​ tras ello realizó estudios de Historia del Arte en España.

Luego de titularse como arquitecta, se casó con José de Mesa ese mismo año, el 21 de octubre de 1950. Tuvo cuatro hijos: Carlos, expresidente de Bolivia; Andrés, arquitecto; Isabel, escritora y Teresa Guiomar, artista.

A lo largo de su vida, Teresa y José, quienes desde entonces unirían su trabajo intelectual y de investigación, consiguieron reunir más de 15 mil volúmenes especializados en arte, arquitectura, antropología, crónicas y temas bolivianos.

Gisbert tuvo varios trabajos y artículos publicados en México, Perú, España, Ecuador y otros países.

Trabajó como investigadora en el Instituto de Arte del Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid en 1953.

Teresa Gisbert en su biblioteca.

A mediados de los 50, comenzó a dar clases en la UMSA, primero en la Facultad de Arquitectura y luego, en la Facultad de Filosofía y Letras en la carrera de Historia. Siendo expulsada, junto a José, de la UMSA por “hispanista” durante la revolución universitaria de 1970.

Desde 1966 Teresa enseñó también en la carrera de Historia de la facultad de Filosofía y Letras, siendo parte de la primera generación de docentes de la carrera, recientemente creada. 

En 1958 Gisbert y Mesa obtuvieron la beca Guggenheim, gracias a lo cual tuvieron estancias en New York, México y Cuzco, Perú. La visita a este último dio lugar a su libro Historia de la pintura Cuzqueña.

En 1962 participó de un viaje de reconocimiento de todo el arte colonial alrededor del lago Titicaca en los lados peruano y boliviano.

Entre 1962 y 1966, junto a Mesa, restauró el edificio del Museo Nacional de Arte.

Desarrolló una amplia labor de investigación, lo que le valió, en 1965, con el trabajo Historia y Cultura Boliviana, ser incorporada como académica de número en la Academia Nacional de Ciencias de Bolivia. Fue la primera mujer en ser aceptada en la Academia.

En 1967 ella y Mesa recibieron por segunda vez la beca Guggenheim y pasaron un año en Europa, con base en Madrid, donde ocuparon el cargo honorario de agregados culturales de Bolivia en España. Gracias a esto consiguió profundizar en su teoría sobre el barroco mestizo.

Fue directora del Museo Nacional de Arte entre 1970 y 1976 y presidenta de la Sociedad Boliviana de Historia.

En 1994 fue invitada por The Getty Foundation para realizar estudios sobre arte andino.

La acumulación de sus años de trabajo dio lugar a la primera historia integral del Arte en Bolivia en 2012. Su obra permitió hacer la afirmación de que en tierras americanas, sobre todo en el área andina, el arte barroco tenía características propias, por lo que acuñaron el concepto de barroco mestizo, universalmente aceptado. Fueron maestros de una importante generación de historiadores del arte y restauradores de Bolivia, Perú y varios países de América Latina.8​

Sus obras individuales más importantes son: Iconografía y mitos indígenas en el arte, Arte textil y mundo andino y El paraíso de los pájaros parlantes. En ellos hizo una lectura revolucionaria de la importancia del arte indígena y colonial en la interpretación y re interpretación de dos mundos superpuestos. Su lectura de la significación y puesta en valor de obras como de La Virgen Cerro5​ o Santiago Illapa, permitieron comprender muchos de los enigmas del choque y agregación de dos culturas que construyeron la actual realidad del área andina.

Su trabajo de catalogación, registro e interpretación fue pionero en Los Andes.

Falleció el 19 de febrero de 2018, a los 91 años de edad.

Publicaciones

Literatura virreinal en Bolivia (1968)

Iconografía y mitos indígenas en el arte (1980)

El Paraíso de los pájaros parlantes. La imagen del otro en la cultura andina (1999)

Arte, Poder e Identidad (2016)

Con José de Mesa

Holguín y la pintura virreinal en Bolivia (1956).

Historia de la pintura Cuzqueña (1962).

José Joaquín de Mora (1965).

Museos de Bolivia (1969).

Monumento de Bolivia (1970).

Escultura virreinal en Bolivia (1972).

La cultura en la época del Mariscal Santa Cruz (1976).

Arquitectura andina (1985).

El manierismo en los Andes (2005).

Historia del arte en Bolivia (2012).

Trabajos en colaboración con otros autores

Manual de historia de Bolivia, con José de Mesa y Humberto Vázquez Machicado (1958).

Arte iberoamericano desde la colonización hasta la independencia, con José de Mesa y Santiago Sebastián (1985).

Arte textil y mundo andino, con Martha Cajías y Silvia Arce ( 1987).

Historia de Bolivia, con José de Mesa y Carlos de Mesa (1997).

Condecoraciones y distinciones

Segundo Premio de Literatura del Concurso de la H.A.M. de La Paz (1957)

Medalla al Mérito, otorgada por el gobierno de España (1973)

Orden de Isabel la Católica, otorgada por el gobierno de España (1975)

Premio a la Cultura, otorgada por la Fundación Manuel Vicente Ballivián (1984)

Condecoración de la Orden del Cóndor de los Andes, otorgado por el gobierno de Bolivia (1987)

Palmas de la Cultura, otorgadas por el gobierno de Francia (1989)

Premio Nacional de Cultura de Bolivia (1995)

Americanista Distinguida (Santiago de Chile) (2003)

Orden El Sol del Perú en el grado de Gran Cruz (2004)

Premio del Programa de Investigaciones Estratégicas en Bolivia (PIEB) a las Ciencias Sociales (2011)

https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Gisbert

https://comunicacion.gob.bo/?q=20180219/24839

https://www.bbb.gob.bo/publicaciones/iconografia-mitos-indigenas-arte/

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Minerva Parker Nichols segunda arquitecta estadounidense

Minerva Parker Nichols (14 de mayo de 1863 - 17 de Noviembre de 1949) fue  la segunda arquitecta estadounidense conocida. 

Minerva Parker nació en Chicago, Illinois. Su abuelo Habia sido arquitecto y se fue a Chicago cuando era un asentamiento avanzado y comercial entre los nativos americanos

Estudió en la Escuela de Arte Normal de Filadelfia y estudió modelaje con John Boyle. 

Minerva ingresó a la oficina de un arquitecto como dibujante.  Se unió al estudio de arquitectura de Frederick G. Thorn en Filadelfia. Tomó el control de la empresa después de la muerte de Thorn en 1888 y ocupó el cargo durante siete años. En 1896, ella y su esposo abandonaron el área de Filadelfia y ella comenzó una práctica privada principalmente para amigos y familiares. 

Minerva fue la segunda arquitecta estadounidense (después de Louise Blanchard Bethune) que estableció una empresa muy exitosa, aunque breve, comercial y de reconocimiento, y la primera que lo hizo sin la asociación o asistencia de un hombre. 

Más tarde, ella construyó el Club Woman's New Century, en Filadelfia. Además de su trabajo práctico en el diseño de casas, impartió en la Escuela de Diseño, en Filadelfia, un curso de conferencias sobre ornamento histórico y arquitectura clásica. 

Entre algunas de sus comisiones importantes estaba una para el diseño de la Casa Club Internacional, conocida como el Pabellón Queen Isabella, en la Exposición Colombina del Mundo, Chicago, en 1893   a pesar del tratamiento injusto hacia las mujeres  ya que pagaban a los hombres concursantes diez veces más por sus diseños de lo que ofrecían a las mujeres.

New Century Club, Wilmington

Fue una de las primeras mujeres en ingresar al campo de la arquitectura y algunas de las casas en los suburbios de Filadelfia dan fe de su habilidad y talento en esta línea. En diciembre de 1899, se casó con el reverendo William J. Nichols, un clérigo unitario. 

Edificios notables

New Century Club (Filadelfia)

New Century Club (Wilmington, Delaware)

Escuela de Buckingham Browne y Nichols, Cambridge, Massachusetts (1894) 

https://archive.org/details/parttakenbywome00logagoog/page/n67/mode/2up
https://en.wikipedia.org/wiki/Minerva_Parker_Nichols
https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/on-this-day/14-05-2020

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Louise Blanchard Bethune primera arquitecta estadounidense

Louise Béthune (Waterloo, 21 de julio de 1856 - Nueva York, 18 de diciembre de 1913), nacida Jennie Louise Blanchard, fue la primera estadounidense arquitecta profesional.

La familia Blanchard se mudó a Buffalo cuando ella era una niña. Recibió en su hogar, una educación muy completa y adquirió una autonomía que le llevó a hacer caso omiso a lo largo de su vida a muchas limitaciones convencionales. Fue la primera mujer en Buffalo en comprar una bicicleta. Diplomada por la Buffalo High School —Hutchinson Technical High School— en 1874, empezó su carrera de arquitecta el año 1876 como dibujante para Richard A. Waite y F. W. Caulkins, arquitectos de renombre.

En 1881 abrió su propio gabinete de arquitectura en Buffalo, siendo así la primera estadounidense arquitecta profesional. La apertura de su oficina fue anunciada durante el “IX Congreso de la Asociación para el Adelanto de la Mujer”. Poco después se casó con el también arquitecto canadiense Robert Armour Béthune con quien tuvieron un único hijo, Charles. Dos años más tarde,  añadieron al equipo a William L. Fuchs. Trabajaron juntos bajo el nombre de «Béthune, Béthune & Fuchs». Fueron de los primeros en los Estados Unidos en concebir una estructura de hormigón con bastidor de acero. La mayoría de los pedidos que recibieron fueron construcciones industriales, comerciales, escolares y públicas en la región de Buffalo, aunque ella diseñó también residencias privadas. Su obra más destacada es el Hotel Lafayette en Buffalo, acabado en 1904.​ Esta última, la obra más significativa de la firma, es hoy uno de los pocos edificios de su autoría que se encuentran en pie, ya que gran parte de su trabajo ha sido demolido.

Hotel Lafayette en Buffalo

Entre sus obras más importantes están: el 74th Regimental Armory (Buffalo-1885), más tarde Elmwood Music Hall, el Livestock Exchange (Buffalo-1890), la Lockport Union High School (Lockport-1890), el gran complejo para la Buffalo Weaving Company (Buffalo-1902) y el Iroquois Door Building (Buffalo-1904)

Es reconocida en los círculos arquitectónicos por negarse a competir por el diseño del Edificio de la Mujer para la Exposición Mundial Colombina (World’s Columbian Exposition) en Chicago en 1893. El tratamiento injusto hacia las mujeres la llevó a rehusar su participación ya que pagaban a los hombres concursantes diez veces más por sus diseños de lo que ofrecían a las mujeres.

En 1885 Louise se convirtió en: la primera mujer miembro de la Western Association of Architects (WAA), ejerciendo más tarde el cargo de vicepresidente; la primera mujer en ser admitida en el American Institute of Architects (AIA) en 1888 y como miembro en 1889; y en una de las fundadoras de la Buffalo Society of Architects en 1886.

La repercusión más importante de su tarea fue abrir las puertas de los círculos profesionales para que otras mujeres pudieran entrar en el campo de la arquitectura, logrado a través de su compromiso con el desarrollo de estándares de la profesión y la promoción de "igualdad de remuneración por iguales servicios" para las mujeres. Su trabajo para igualar las disparidades en la profesión entre hombres y mujeres sería seguido por otras mujeres notables en la profesión a lo largo del SXX.​

Si Louise Bethune se especializa en alguna  forma de arquitectura, fue en edificios escolares. Tuvo una mano importante en el diseño de dieciocho escuelas en el oeste de Nueva York, incluidas la High School secundaria de Hamburgo, Lockport High y numerosas escuelas públicas de gramática en Buffalo. 

Lockport High School, Buffalo, N.Y., 1890

A pesar de su especial interés en las escuelas, Louise Bethune declinó "limitarse exclusivamente a esa rama". Ella creía que "las mujeres que son pioneras en cualquier profesión deberían ser competentes en todos los departamentos, y que, al menos ahora, las arquitectas deben ser superintendentes prácticas, así como diseñadoras y constructoras científicas".

 Los proyectos de  viviendas  ella consideraba el trabajo de alfarería y peor pagado que un arquitecto hace jamás. Siempre lo teme: porque debe esforzarse por satisfacer los deseos conflictivos de toda la familia, que desentierra cada hacha para su beneficio ". 

Ella creía que la "emancipación completa de las mujeres" radicaba en "igual salario por igual servicio".

Bethune se retiró en 1908 y murió en 1913 a la edad de 57 años.

Parte de sus archivos se encuentran en el International Archive of Women in Architecture en Virginia Tech.

Bethune & Bethune Architects, Public School No. 8, Buffalo, N.Y. Second and third floor plans, 1886, published in the Superintendent’s Annual Report, 1885–1886. Buffalo History Museum

https://es.wikipedia.org/wiki/Louise_Blanchard_Bethune
https://buffaloah.com/a/archs/beth/bethfox.html
https://spa.archinform.net/arch/41201.htm
https://pioneeringwomen.bwaf.org/louise-blanchard-bethune/

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Monica Cevedio arquitecta feminista

Monica Cevedio es arquitecta por la facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Nacional de la Plata, Argentina y doctora por la Universidad Politécnica de Cataluña. Colegiada con el número  en el COAC desde 1979 y Doctora arquitecta por la UPC, en 2002 (Sobresaliente Cum Laude).

Ha impartido varias conferencias, participado y dirigido varias mesas redondas, Seminarios y ha escrito y publicado varios artículos, en lugares como La Habana, San Sebastián, Salamanca, Madrid, Buenos Aires, Barcelona trabajando siempre en referencia al tema de la Arquitectura y el Urbanismo en relación al género.

Docente Titular en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en La Plata. Argentina.

Participante en varios concursos de arquitectura -ganando alguno de ellos- y realizando trabajos de arquitectura en la ciudad de Barcelona y de Igualada, con proyectos y direcciones de obras, entre ellos varios edificios plurifamiliares -como un conjunto de bloques de 150 viviendas en Vilanova del Camí-, y varios edificios de oficinas y viviendas unifamiliares en la comarca de Barcelona y de la Anoia.

Es autora del libro Arquitectura y género. Espacio público / espacio privado, Editorial Icaria. Primera edición 2003. Segunda edición 2010 

"Arquitectura y género" Esta investigación trata de ser una reflexión crítica sobre la concepción androcéntrica dominante en la Historia de la Arquitectura Occidental. Para ello he querido manifestar el vínculo entre arquitectura, género y política; entrelazándolos para analizar la idea de espacio. Se trata de repensar el espacio bajo una nueva mirada, la del género, es decir, a través de las diferencias culturales entre hombres y mujeres, ya que como sexo se entiende las diferencias biológicas. Este libro trata de ir contra la pasividad y el silencio impuestos a las mujeres, procurando así destruir “ideológicamente” el lugar y espacio que éstas ocupan, lugar impuesto con un proceso ideológico, transmitido por los hombres a la humanidad, a través de la cultura, el arte y la arquitectura, entre otras manifestaciones. Si bien el espacio no tiene sexo, su valoración se hace a través de quien hace uso de él; el espacio no es neutral y denota quién y cómo lo ocupa, además de estar relacionado con el poder económico, cultural y social. 

http://in3.uoc.edu/opencms_portalin3/opencms/es/activitats/seminaris/agenda/2014/agenda_033

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Carme Pigem ganadora del Premio Pritzker junto a su estudio de arquitectos

Carme Pigem Barceló (Olot, 18 de abril de 1962) es una arquitecta española, que forma parte del estudio de arquitectura RCR Arquitectes,  ganador el Premio Pritzker.

Entre 1977 y 1979 cursa en la Escuela de Bellas Artes de Olot, y en 1987 obtiene el título de Arquitecto por la ETSA Vallés. En 1987 funda el estudio RCR Arquitectes junto a Ramón Vilalta y Rafael Aranda.

Instalaron su estudio  en su ciudad natal de Olot, en medio de la comarca catalana de La Garrocha siendo en 1989  nombrados arquitectos asesores del Parque natural de la Zona Volcánica de la Garrocha. Gran parte del carácter de su obra está marcado por la singular interrelación que establece con el paisaje de esta tierra, como el estadio de atletismo (Olot, 1999-2011) inmerso en el bosque, el Parque de la Piedra Tosca (Las Presas, 2004), que recupera el trabajo de parcelación agrícola en los cráteres volcánicos, o las bodegas Bell-lloc (Palamós 2005-2007), enterradas entre viñedos. 

Bodega Bel-Lloc, en Palamós

También el paso del tiempo se incorpora a la arquitectura, mediante el uso de materiales que envejecen como el acero corten o a través del tratamiento de la luz cambiante a la largo del día. En algunas obras esta relación con la naturaleza se materializa por su carácter de umbral, de espacio intermedio entre lo natural y lo artificial, como el pabellón de la pista de atletismo (Olot, 2009-2012), el pabellón de acceso a la Fageda d’en Jordà (Olot, 1993-1994), el pabellón del baño (Olot, 1995-1998) o el espacio cultural en Riudaura (1994-1999). El mismo carácter de umbral hacia el paisaje se traslada a gran parte de su obra doméstica, construida gracias a la complicidad de clientes locales en principio ajenos a la arquitectura de autor, como la casa Mirador (1997-1999), la casa para un herrero y una peluquera (1999-2000), la casa M-Lidia (Montagut y Oix, 2005) o la casa para un carpintero (2003-2007) .

Guardería «Els Colors», en Manlleu, uno de los trabajos más emblemáticos de los arquitector RCR.

 También parten de la idea de umbral obras posteriores en entornos más urbanos, la biblioteca Sant Antoni-Joan Oliver (2002-2005), entre el interior y el exterior de una manzana del Ensanche de Barcelona, o el Espacio público Teatre La Lira (2003-2011), que da acceso al centro histórico de Ripoll. En otras obras la relación con el paisaje se basa en una voluntad de integración entre interior y exterior que conduce a la práctica desmaterialización de la arquitectura. Esto se logra de forma prácticamente literal en los pabellones del restaurante Les Cols (2002-2005) y posteriormente en la carpa para el mismo restaurante (2007-2011). Este juego con las transparencias, la luz y las veladuras es una parte fundamental en su obra, como demuestran los vidrios traslucidos de la guardería Els colors (Manlleu, 2002-2006) o las lamas metálicas del pabellón del estanque (Llagostera 2003-2008).

Proyecto Espacio Público Teatro La Lira, en Ripoll, uno de los trabajos más emblemáticos de los arquitector RCR.

Según Carme Pigem, la arquitectura de RCR busca lo esencial de cada programa, cuestionando los tipos establecidos y abordando cada proyecto desde cero. Entre sus influencias cita la arquitectura tradicional japonesa, que conocieron en un viaje iniciático a resultas de un concurso en 1989, pero también registros en principio distintos a la arquitectura como la escultura de Jorge de Oteiza, el landart de Richard Serra o el minimal de Donald Judd. Algunas de sus herramientas de trabajo también circulan en ese espacio entre la arquitectura y las artes plásticas. Como herramientas de proyecto y forma de comunicación entre el equipo utilizan unos característicos esbozos en aguatinta y las composiciones constructivas que llaman exfoliaciones.​

Biblioteca Sant Antoni, en Barcelona.

Entre 1992 y 1999 trabaja como profesora de Proyectos Arquitectónicos en la ETSA Vallés, siendo miembro del Tribunal de Proyectos Fin de Carrera de esa misma escuela de 1995 a 2004. De 1997 a 2003 es profesora de Proyectos Arquitectónicos en la ETSAB, siendo miembro del Tribunal de Proyectos Fin de Carrera de esa misma escuela en 2003. Desde 2005 es Profesora invitada en el Departamento de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Zúrich (ETHZ), Suiza.

Desde el año 2012 todos los veranos organizan un Workshop sobre Arquitectura y Paisaje en el que participan estudiantes y profesionales de la arquitectura de todo el mundo en su propio estudio, el Espacio Barberí (Olot, 2008-2012) una antigua fundición de campanas restaurada como espacio de trabajo y reflexión.

RCR Arquitectes son Miembros de Honor del Real Instituto de Arquitectos Británicos (2012), del American Institute of Architects (2010), Chevaliers de la Orden de las Artes y las Letras (2008) y Premio Nacional de Arquitectura y Espacio Público de la Generalidad de Cataluña (2005). Su obra ha sido expuesta en París, Chicago, Venecia, Nueva York y Tokio. En 2006 el proyecto de la Casa Horizonte (Vall de Vianya 2003-2007) se mostró en el MoMA de Nueva York, en la exposición On Site: New Architecture in Spain. Durante 2015 el trabajo de RCR ha sido expuesto en dos exposiciones en Barcelona: RCR Arquitectes – Creativitat compartida en el Palacio Robert, comisariada por Josep Maria Montaner, que repasa sus 25 años de trayectoria, y RCR Arquitectes – Papers en el Espai d’Art Santa Mònica, comisariada por Isaki Lacuesta y Manuel Guerrero, en la que sus bocetos en acuarela se funden con imágenes de la arquitectura construida y habitada.

En 2017 recibe el Premio Pritzker junto a sus socios de RCR.

https://www.practicaespanol.com/carme-pigem-premio-pritzker-2017/
https://es.wikipedia.org/wiki/Carme_Pigem

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