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domingo, 23 de junio de 2024

Olga Costa pintora, promotora cultural y coleccionista alemana nacionalizada mexicana

Olga Costa, nombre artístico de Olga Kostakowsky Fabricant (Leipzig, Alemania, 28 de agosto de 1913 - Guanajuato, Guanajuato 28 de junio de 1993), fue una pintora, promotora cultural y coleccionista alemana nacionalizada mexicana. Trabajó a favor del desarrollo de museos del estado de Guanajuato con su esposo, el pintor mexicano José Chávez Morado.​

Su obra pictórica es numerosa, abarcó el periodo de 1936 a 1988 y forma parte de importantes colecciones como la del Banco Nacional de México, la Blaisten y la del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

De sus exposiciones individuales destacan: el homenaje del Festival Internacional Cervantino en 1989, la del Museo de Arte Moderno en 1990 y la que se realizó en 2013 en el Instituto Nacional de Bellas Artes para conmemorar el centenario de su nacimiento.

En 1990 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de Bellas Artes.

Sus padres, Ana Fabricant y Jacobo Kostakowsky, originarios de Odesa, Unión Soviética (hoy Ucrania), emigraron en 1909 a Alemania durante la Primera Guerra Mundial. Vivieron en Leipzig donde nacieron sus dos hijas: Olga y Lya. Posteriormente se trasladaron a Berlín debido a la profesión de su padre, violinista, director de orquesta y compositor . Por su activismo político e ideas socialistas, Jacobo Kostakowsky estuvo en la prisión de Baviera. Cuando le otorgaron la amnistía, la familia decidió emigrar a México. Llegaron el 7 de septiembre de 1925 al Puerto de Veracruz a bordo del barco Espagne. Se establecieron definitivamente en la Ciudad de México.​

Los Kostakowsky Fabricant organizaban reuniones semanales en las que participaban músicos, pintores y escritores, por lo que Olga no estuvo ajena a la vida cultural de la época. Ella, a lo largo de su vida, mantendría vínculos amistosos y profesionales con artistas plásticos, escritores, músicos y promotores culturales.​

Olga asistió al Colegio Alemán de México hasta tercero de secundaria. Aunque realizó estudios de canto y piano, no continuó con ellos y  se inscribió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Academia de San Carlos (ENAP) en 1933. Uno de sus maestros fue Carlos Mérida. Su estancia en la ENAP fue muy breve, ya que por problemas económicos, dejó sus estudios a cuatro meses de haberlos iniciado para trabajar en una tienda.​

En el taller de litografía dirigido por Emilio Amero, en la ENAP conoció a José Chávez Morado. En 1935 contrajo matrimonio con él, quien años después declararía:

Tomados de la mano fuimos al encuentro de una vida en común, unimos nuestras pobrezas materiales, pero también nuestras riquezas vitales, exteriores e interiores. Desde que nos conocimos nos hemos ido construyendo uno al otro. Si una pintura mía no la ha visto Olga, yo no la he visto completamente, y lo mismo sucede con esa pintura tan delicada que hace ella, y aunque vemos el mundo pictóricamente de distinto modo, nos completamos.

En 1936, se trasladó a Jalapa, Veracruz, debido a encomiendas profesionales de su marido. Vivió un año y medio en esta ciudad, donde reinició su actividad artística y su proceso de autoformación como pintora.

En 1940 vivieron en San Miguel de Allende, Guanajuato. Regresaron a la Ciudad de México al año siguiente, donde mantuvieron contacto con el grupo de refugiados españoles y personas que habían llegado a México huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Asistieron con frecuencia a un barrio denominado “la pequeña Iberia”, cerca del Monumento a la Revolución.


En 1941 fundó la Galería Espiral junto con Angelina Beloff, Feliciano Peña y Francisco Zúñiga, de la cual fue directora.​ En ese año diseñó escenografías y vestuarios para el Ballet Waldeen.

En 1943 participó como cofundadora de la Sociedad de Arte Moderno que, dirigida por Susana y Fernando Gamboa, fue la primera galería que logró montar en México importantes exposiciones como la presentación de la obra de Picasso.


Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, la invitó a preparar su primera exposición individual en 1945. A partir de ese momento participó regularmente en exposiciones individuales y colectivas.


En 1948 se integró a la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas; que derivó, el año siguiente, en la fundación del Salón de la Plástica Mexicana, institución sucesora de la Sociedad de Arte Moderno, conformada por un grupo de 52 artistas cuyo objetivo era promover el arte mexicano.


Recibió su primer encargo oficial en 1951, que consistió en pintar un óleo de gran formato para el Instituto Nacional de Bellas Artes. El resultado es La vendedora de frutas, que forma parte del acervo del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. En los años siguientes participó en las primeras exposiciones itinerantes organizadas por el INBA y por el Frente Nacional de Artes Plásticas, que tenían como fin dar a conocer el arte mexicano en diferentes países de Europa y Asia.8​9​


En 1952, con mosaicos, realizó su única obra mural, titulada Motivos sobre el agua, en el balneario Agua Hedionda, en Cuautla, Morelos. Se trata de la imagen de una inmensa ola, de la que sale un enorme caracol prehispánico, la cual conjunta el agua, el viento y la tierra. También aparecen unas sirenas que, en lugar de escamas, están cubiertas por flores.10​ En ese año también diseñó azulejos y mosaicos en piedra.



En 1955 vivió una temporada en la ciudad de Guanajuato. En esta época, el paisaje empezó a tomar más importancia en su obra. A partir de 1959 abandonó casi por completo la figura humana como tema, como consecuencia del horror que le produjo la masificación de la sociedad moderna.

Realizó un viaje a Japón en 1964, cuyas influencias se manifestaron en su obra, pues se inspiró en los materiales, la técnica y el estilo pictórico del arte oriental.

Se estableció definitivamente en la ciudad de Guanajuato en 1966, donde participó con Chávez Morado en la organización del Museo de la Alhóndiga de Granaditas. Vivieron en el municipio de Silao por muchos años. Durante este periodo, Olga Costa regresó a la pintura y produjo pequeños trabajos en óleo y gouache.

En 1975, Olga Costa y José Chávez Morado donaron su colección de piezas prehispánicas al Museo de la Alhóndiga de Granaditas. En 1979 fundaron el Museo del Pueblo de Guanajuato, al cual donaron su colección de pintura de los siglos XVIII, XIX y XX, por lo que recibieron la condecoración El Pípila de Plata. Con parte de la obra que coleccionaron se fundó el Museo Olga Costa-Chávez Morado, en el municipio de Silao, Estado de Guanajuato


El Festival Internacional Cervantino, en su edición XVII (1989), le rindió homenaje a Olga Costa con una muestra retrospectiva de su obra, que abarcó el periodo 1935-1989.

El jurado del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de las Bellas Artes, le otorgó en 1990 el reconocimiento a su obra artística y su quehacer cultural.​

Falleció en la ciudad de Guanajuato en 1993.

La obra de Costa se caracteriza por una extensa gama cromática y la integración de elementos de la naturaleza, como plantas, frutas y flores. Entre sus obras destacan los géneros de paisaje, naturaleza muerta y retrato.

Raquel Tibol valora su aporte artístico en las siguientes líneas: “Olga Costa nunca fue dogmática en lo estético ni en lo artístico. Detestaba cualquier regla o teoría que discriminara tendencias y valores en el arte. […] No necesitó de aprobaciones foráneas para descubrir en la producción plástica mexicana atributos muy propios y muy elevados, que muchas veces ni siquiera habían logrado ser reconocidos nacionalmente. Los frutos tropicales fueron el vehículo con el que transitó del arte ingenuo al naturalismo, al esquematismo geométrico y al Neofauvismo. Persiguiendo un refinamiento cromático cada vez mayor, más sugerente, más inventivo”.​


Algunas de sus obras forman parte del acervo artístico del Banco de México, FEMSA, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y la Colección Blaisten.


Obra

Bañistas, gouache, 1936

Ramillete con fondo azul, gouache, 1936

Dama verde, gouache, 1936

Las bañistas, óleo sobre tela, 1936

Desnudo, temple,1937

La vedette, óleo sobre tela,1938

Retrato del Maestro José Chávez Morado, óleo sobre tela, 1939

La novia, óleo sobre tela, 1941

Chimenea, 1941, temple sobre papel, 25 x 37 cm, Col. De la Artista*

El duelo, óleo sobre tela, 1942

Niño muerto, óleo sobre tela, 1944

La niña de las palmas, óleo sobre tela, 1944, 85.7 x 66 cm,

Naturaleza Muerta, óleo sobre tela, 1945, 93 x 72 cm,

Autorretrato, óleo sobre tela, 1947, 90 x 75 cm, Col. Andrés Blaisten-

Autorretrato, para Marte R. Gòmez, làpiz grafito s/ papel, 1946, 38.6 x 37.4 cm, Col. Museo Soumaya

La frondosa, óleo sobre tela, 1948

Sin nombre, óleo sobre tela, 1948,

Escena del istmo, técnica mixta, 1950

Hermanitos, óleo sobre tela, 1950,

Flor de alcachofa, óleo sobre tela, 1950,

La vendedora de frutas, óleo sobre tela, 1951, 195 x 245 cm, colección Museo de Arte Moderno

Tehuana con sandía (Isabel Villaseñor) 1952 óleo sobre tela, 130 x 111 cm-

Flores, óleo sobre masonite, 1953,

Pescadores óleo sobre masonite, 1953,

Macetas, óleo sobre tela, 1954,

Recuerdos de Silao, óleo sobre masonite, 1954,

La tormenta, óleo sobre masonite, 1955,

La barda, óleo sobre tela 1955, Col. Museo del pueblo de Guanajuato

La valenciana, óleo sobre fibracel, 1955,

Caserío, óleo sobre tela, 1955,

Meseta de Piedra, óleo sobre tela, 1956,

Isla en el aire, óleo sobre masonite, 1956,

Peregrinos, óleo sobre tela, 1957,

Sin título, dibujo y tinta, 1960,

Ofrenda, óleo sobre masonite, 1961,

Dulces mexicanos, óleo sobre tela, 1961,

Tetera blanca, óleo sobre tela 1961,

Nísperos, óleo sobre masonite 1962,

Retrato de Damián, óleo sobre tela, 1962,

Nísperos, óleo sobre masonite, 1962,

Margarita de perfil óleo sobre tela, 1963

La dama del sweater, óleo sobre masonite, 1963

Costeña, óleo sobre masonite, 1963

Tehuanas, óleo sobre masonite, 1963,

Dos perfiles, óleo sobre papel, 1964,

Mandarinas, óleo sobre triplay, 1964,

Los volcanes, óleo sobre papel, 1964

Gato, óleo sobre papel, 1964,

Paisaje con cielo crepuscular, óleo sobre papel, 1964

Cabeza de muchacha, óleo sobre papel, 1964

Florero azul, óleo sobre masonite, s/fecha.

Dama enjoyada, plumil y tinta, 1965

Pescado plateado, tinta y plata, 1965

Casahuates, óleo sobre papel, 1965

Hojas secas, tinta y plata, 1965

Montañas con luna dorada, óleo sobre papel, 1965

Golden flash, temple y oro, 1965

Paisaje oriental, óleo y plata, collage, 1965

Tabachin, óleo sobre papel, 1966

Pitayas, óleo sobre tela, 1967,

Después de la cosecha, óleo sobre tela, 1967,

Cerro de la Bufa, óleo sobre masonite, 1967,

Frutero con sandía, óleo sobre tela 1968,

Peregrinos, óleo sobre masonite, 1968,

Campos labrantíos, óleo sobre masonite, 1968,

Señal óleo sobre tela, 1969,

Sandías, óleo sobre tela, 1970,

Paisaje geométrico, óleo sobre tela, 1970,

Frutero, óleo sobre tela, 1971,

Araucaria I, óleo sobre tela, 1971,

Araucaria II, óleo sobre tela, 1971,

Tres manzanas, óleo sobre tela 1971,

Sembradío, óleo sobre tela, 1971,

Paisaje guanajuatense, La bufa, óleo sobre tela 1971,

Jardín geométrico, óleo sobre tela, 1971

Florero verde, óleo sobre tela, 1971,

Manzanas y duraznos, óleo sobre tela, 1972,

Árboles entre flores, tinta y acuarela, 1972,

Jardín, tinta y acuarela, 1971,

Nochebuenas, óleo sobre tela, 1971, 80 x 100 cm

Flores rojas, óleo sobre tela 1972,.

Árbol luminoso, óleo sobre tela, 1972,

Sin título, óleo sobre tela 1972,

Follajes, plumil, 1972

Paisaje en penumbra, plumil, 1972

Claro en el bosque, plumil, 1972

Campo al amanecer, tinta, 1972,

Construcción, crayola, 1972,

Esferas rojas, plumón sobre papel, 1972, 31 x 24.5 cm

La construcción, pastel sobre papel, 1972, 29 x 38 cm

Cerros parchados, 1973, Litografía acuarelada, 40x 56 cm.

Jardín, óleo sobre tela, 1973,

Espigas de zacate, óleo sobre tela, 1973

Sin título, 1973,

Jardín con árbol del fraile, óleo sobre tela, 1973,

La casa azul, óleo sobre tela, 1973,

Las guayabas, óleo sobre tela, 1973, 75 x 100 cm

Follajes azules, 1974

Composición, óleo sobre masonite, 1974, Col. privada

Óleo sobre tela, 1974, Museo del Pueblo de Guanajuato

Tronco seco y piedras, tinta china 1974

Asteroide, tinta china, 1974

Composición no. 1, plumil, 1974

Composición no. 2, plumil, 1974

Composición no. 3, plumil, 1974

Composición no. 4, plumil, 1974

Composición no. 6, plumil, 1974

Caserío vertical, crayola y tinta, 1974

Grab sik, plumil, 1974

Esqueleto de nopal, crayola y tinta china, 1974

Piedra con liquen, tinta china, 1975

Tres árboles, 1975, tinta china,

Acantilado, plumil y tinta china, 1975

Árbol, óleo sobre tela, 1973-76,

Sembradío, óleo sobre mayatex, 1973-76

Para flor de mi jardín, óleo sobre tela, 70 x 40 cm, 1976

Rara flor de mi jardín, óleo sobre tela, 1976,

Rara flor, óleo sobre papel, 1976

Gráfica de follajes, crayola, 1976

Composición no. 7, plumil, 1976

Dos árboles, óleo sobre tela, 1976,

El charco, óleo sobre tela, 1977,

La casa roja, óleo sobre tela, 1977,

El cerro de Pastita, óleo sobre tela, 1977,

Los jales, óleo sobre tela 1977,

Llanura paisaje con sembrado de zempazuchil (SIC) óleo sobre madera, 1977,

Ventanita iluminada, Técnica mixta, 1977

Los Mina, óleo sobre mayatex, 1978,

Paisaje con nubes, óleo sobre tela, 1978,

Mi jardín, óleo sobre tela, 1979,

Serranía, óleo sobre tela 1979,

Laderas, óleo sobre tela 1978-79,

Flores en blanco y amarillo, óleo sobre tela, 1980

El Charco, óleo sobre tela, 1980, Col. Fomento Cultural Banamex

El quelite colorado, óleo sobre tela 1980,

Casitas y casotas, óleo sobre tela, 1981,

Sin título, óleo sobre tela, 1981,

Manzanas, óleo sobre lino, 1981,

La casa negra, óleo sobre tela, 1981,

Geranios rojos, óleo sobre tela, 1981,

Casas azules, óleo sobre tela, 1981,

Árboles, óleo sobre tela, 1981,

La bola azul, plumil, 1981,

Vitral, óleo sobre tela y cartón, 1981

El jacalón azul, plumil, 1981

Casa azul, solución gráfica, crayón, 1981

Bosque, óleo sobre tela,1982,

Enredadera, óleo sobre tela, 1982,

Persianas primera versión, óleo sobre masonite, 1982

Tres naranjitas, óleo sobre tela, 1983

El volcán, óleo sobre tela, 1982

Naturaleza muerta con pirulíes, 1983

Paisaje, óleo sobre tela, 1983

Naturaleza muerta con cocos, 1987

Quebraplato azul, 1987

Retrato de Doña Luz Morado, sin fecha,

Fronda, óleo sobre tela,

Árbol en el pantano, óleo sobre tela, s/fecha,

Macetas colgantes, óleo sobre tela y madera,

Magnolia, óleo sobre cartón,

Árbol y flores del campo, óleo sobre tela 121 x 146, Col. del Banco de México

Corazón egoísta, óleo sobre tela, 67 x 73'

Danzante, óleo sobre masonite, 80 x 60.

Diseños geométricos, óleo sobre tela, 38 x 53.5 cm'

El Charco, óleo sobre tela, 120 x 145 Col. Banco Nacional de México

Flor de invierno, óleo sobre tela, sin fecha, 30 x 20 cm

Florero, óleo sobre tela, 35 x 22 cm

La Presa, óleo sobre tela, 120 x 50 cm Col. Banco de México.

Lavando en el río, gouache sobre papel 32 x 21 cm


https://es.wikipedia.org/wiki/Olga_Costa

 https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/12/pintores-mexicanos-olga-costa.html

https://museoblaisten.com/Obra/1806/Coraz-n-ego-sta

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sábado, 22 de junio de 2024

Gwen John pintora

Autorretrato 

Gwendolen Mary John (Haverfordwest, 22 de junio de 1876 – Dieppe, 18 de septiembre de 1939) fue una artista galesa que trabajó en Francia durante la mayor parte de su carrera. Sus pinturas, principalmente retratos de mujeres anónimas, se representan en una gama de tonos estrechamente relacionados. Aunque su hermano Augustus John la eclipsó durante su vida, su reputación ha crecido constantemente desde su muerte.

Autorretrató 

Fue la segunda de los cuatro hijos deAugusta (nacida Smith) y Edwin William John y su esposa . El hermano mayor de Gwen era Thornton John; sus hermanos menores eran Augustus y Winifred.​  Su padre  era un abogado cuyo temperamento sombrío le daba escalofríos a su familia, y Augusta a menudo estaba ausente de los niños debido a su mala salud, dejando a sus dos hermanas, severas salvacionistas, para que ocuparan su lugar en la casa.​ Augusta era una acuarelista aficionada, y ambos padres alentaron el interés de los niños por la literatura y el arte.​ Su madre murió cuando ella tenía ocho años. 

Después de la muerte prematura de la madre en 1884, la familia se mudó a Tenby en Pembrokeshire, Gales, donde la educación temprana de Gwen y su hermana Winifred fue proporcionada por institutrices.​  Los hermanos a menudo iban a la costa de Tenby a dibujar. John dijo que ella hacía "dibujos rápidos de gaviotas, conchas y peces varados en pedazos de papel sueltos, o algunas veces en la portada del libro que estaba leyendo".​ Aunque pintó y dibujó desde una edad temprana, el primer trabajo de Gwen John se remonta a su decimonoveno año.

Una esquina de la habitación de la artista 


De 1895 a 1898, estudió en la Escuela de Arte Slade, donde el programa se inspiraba en los métodos de los talleres franceses.​ Era la única escuela de arte en el Reino Unido que permitía alumnas, aunque en general no había mezcla de hombres y mujeres en las clases o en los pasillos. Al igual que su hermano menor, Augustus, quien había comenzado sus estudios allí en 1894,​ estudió dibujo de figuras con Henry Tonks.​ Durante este período, ella y Augustus compartieron vivienda y redujeron aún más sus gastos al subsistir con una dieta de nueces y frutas.​ Ella desarrolló una relación cercana con la mujer que se convertiría en la esposa de su hermano, Ida Nettleship. En este momento, ella también tenía una relación con otro amigo de su hermano, Arthur Ambrose McEvoy, que resultó infeliz.​ Los buenos amigos también incluyeron a Ursula Tyrwhitt y Gwen Salmond.​ Gwen John ganó el Premio Melvill Nettleship para la Composición de Figuras en su último año en Slade.​


Se animaba a los estudiantes de Slade a copiar las obras de antiguos maestros en los museos de Londres. Las primeras pinturas de Gwen John, como Retrato de la Sra. Atkinson, Mujer joven con violín e Interior con figuras son obras intimistas pintadas en un estilo tradicional caracterizado por colores tenues y esmaltes transparentes.

Augustus admiró mucho el trabajo de su hermana, pero creyó que descuidaba su salud y la instó a que adoptara una "actitud más atlética ante la vida". Ella rechazó su consejo y demostró durante toda su vida un marcado desprecio por su bienestar físico.

En 1898 hizo su primera visita a París con dos amigos de Slade, mientras estudiaba con James McNeill Whistler en su escuela, la Académie Carmen. Regresó a Londres en 1899 y expuso su trabajo por primera vez en 1900, en el New English Art Club (NEAC). Sus circunstancias materiales eran pobres, y en 1900–01 vivió como una ocupante ilegal en un edificio abandonado.​


Dorelia in a Black Dress por Gwen John (1903-4)


En el otoño de 1903, viajó a Francia con su amiga Dorelia McNeill (que luego se convertiría en la segunda esposa de Augustus John). Al llegar a Burdeos, emprendieron un recorrido a pie con su equipo de arte en la mano, con la intención de llegar a Roma. Durmiendo en los campos y viviendo del dinero ganado en el camino mediante la venta de bocetos de retratos, llegaron hasta Toulouse. En 1904, las dos se fueron a París, donde Gwen encontró trabajo como modelo de artistas, principalmente para mujeres artistas. En ese mismo año, comenzó a modelar para el escultor Auguste Rodin, y se convirtió en su amante. Su devoción por el mucho más viejo Rodin, que era el artista más famoso de su época, continuó durante los siguientes diez años, como se documenta en sus miles de cartas fervientes para él. Rodin, a pesar de su genuino sentimiento por ella, finalmente recurrió al uso de conserjes y secretarios para mantenerla a distancia.


Durante sus años en París conoció a muchas de las principales personalidades artísticas de su tiempo, entre ellas Matisse, Picasso, Brâncuși y Rainer Maria Rilke​ pero los nuevos desarrollos en el arte de su tiempo tuvieron poco efecto en ella, y trabajaba en soledad.​ En 1910 encontró vivienda en Meudon, un suburbio de París donde permanecería por el resto de su vida. Cuando su relación con Rodin llegó a su fin, Gwen John buscó consuelo en el catolicismo.​ Sus cuadernos de la época incluyen meditaciones y oraciones; escribió sobre su deseo de ser "el pequeño artista de Dios".​ y de "convertirse en una santa"..​ En una carta de ca. 1912, escribió: "En cuanto a si tengo algo que valga la pena expresar, eso no está en cuestión. Puede que nunca tenga nada que expresar, excepto este deseo de una vida más interior "..​


La hermana 

Dejó de exponer en el NEAC en 1911, pero obtuvo un importante patrocinador en John Quinn, un coleccionista de arte estadounidense que, desde 1910 hasta su muerte en 1924, compró la mayoría de las obras que Gwen John vendió.​ El apoyo de Quinn liberó a John de tener que trabajar como modelo y le permitió dedicarse a su trabajo. Aunque participó en exposiciones con bastante regularidad, su perfeccionismo produjo en ella una marcada ambivalencia hacia la exposición. Escribió en 1911: "Yo pinto mucho, pero a menudo no consigo una imagen, eso requiere, para mí, un tiempo muy largo de mente tranquila, y nunca pensar en exposiciones".​ En 1913, una de sus pinturas se incluyó en el seminal Armory Show en Nueva York, que Quinn ayudó a organizar.​

Su actitud hacia su trabajo era a la vez modesta y segura. Después de ver una exposición de acuarelas de Cézanne, comentó: "Son muy buenas, pero yo prefiero las mías".

Hacia 1913, como una obligación para las Hermanas Dominicas de la Caridad en Meudon, comenzó una serie de retratos pintados de la Mère Marie Poussepin (1653–1744), la fundadora de su orden. Estas pinturas, basadas en una estampa de oración, establecieron un formato, la figura femenina en una postura sentada de tres cuartos, que se convirtió en característica de su estilo maduro.​ Pintó numerosas variantes en temas tales como Mujer joven con un vestido azul manchado, Chica sosteniendo un gato y La convaleciente. Las identidades de la mayoría de sus modelos son desconocidas.

En Meudon vivía en soledad, excepto por sus gatos. En una carta sin fecha, escribió: "Me gustaría ir a vivir a un lugar donde no conociera a nadie, hasta que sea tan fuerte que la gente y las cosas no pudieran afectarme más allá de la razón". Deseaba también evitar los lazos familiares ("Creo que la familia ha tenido su día. Ahora no vamos al Cielo en familias, sino uno por uno")​ y su decisión de vivir en Francia después de 1903 puede haber sido el resultado de su deseo de escapar de la personalidad abrumadora de su famoso hermano.​

John expuso en París por primera vez en 1919 en el Salón de Otoño, y expuso regularmente hasta mediados de la década de 1920, después de lo cual se volvió cada vez más recluida y pintó menos.​ Solo tuvo una exposición individual en su vida, en las Nuevas Galerías Chenil en Londres en 1926.​ En ese mismo año compró un bungaló en Meudon. En diciembre de 1926, angustiada por la muerte de su viejo amigo Rilke, conoció y buscó orientación religiosa de su vecino, el filósofo neotomista Jacques Maritain. También conoció a la cuñada de Maritain, Véra Oumançoff, con quien tuvo su última relación romántica, que duró hasta 1930.​

El último trabajo fechado de Gwen John es un dibujo del 20 de marzo de 1933, y ninguna evidencia sugiere que ella dibujara o pintara durante el resto de su vida.​ El 10 de septiembre de 1939, escribió su testamento y luego viajó a Dieppe, donde colapsó y fue hospitalizada. Murió allí el 18 de septiembre de 1939 y fue enterrada en el cementerio Janval.​ Según Paul Johnson en Art: A New History, "parece haber muerto de hambre" (pág. 675).


La Convaleciente (ca. 1923–24), una de las diez versiones que pintó de esta composición.


En 1916, Gwen John escribió en una carta: "Creo que una imagen debe hacerse en una sesión o como máximo dos. Para eso hay que pintar muchos lienzos y desecharlos".​ Su obra sobreviviente es comparativamente pequeña, con 158 pinturas al óleo conocidas​ que rara vez superan las 24 pulgadas de altura o anchura. La mayoría son retratos, pero también pintó bodegones, interiores y algunos paisajes. Escribió: "... un gato o un hombre, es lo mismo ... es un asunto de volúmenes ... el objeto no tiene importancia".​ Aunque vivió en Francia desde los 28 años hasta que murió, su trabajo siempre mostró una sensibilidad británica.


Sus pinturas tempranas, como el Retrato de la hermana de la artista, Winifred (ca. 1897–98) y Dorelia en un vestido negro (1903–04), están pintadas con esmaltes delgados a la manera tradicional de los antiguos maestros. Comenzando con su serie de pinturas de la Mère Poussepin (ca. 1913), su estilo se caracteriza por una pintura más gruesa aplicada en pequeños toques tipo mosaico.​ Se convirtió en su hábito pintar el mismo tema repetidamente. Sus retratos son generalmente de mujeres anónimas sentadas en un formato de tres cuartos, con las manos en sus piernas. Una de sus modelos, Jeanne Foster, escribió sobre John: "Ella me suelta el cabello y lo peina como si fuera suyo ... me hace sentar como lo hace, y siento la absorción de su personalidad cuando me siento".



El número de dibujos de John es de miles.​ Además del trabajo de estudio, hizo muchos bocetos y acuarelas de mujeres y niños en la iglesia. A diferencia de sus pinturas al óleo de mujeres solitarias, estos bocetos frecuentemente representan a sus sujetos por detrás y en grupos. También hizo muchos bocetos de sus gatos. Aparte de dos grabados que dibujó en 1910, no hizo impresiones.

Sus cuadernos y cartas contienen numerosas fórmulas personales para observar la naturaleza, pintar un retrato, designar colores mediante un sistema de números y otros similares. Su significado es a menudo oscuro, pero revelan la predilección de John por el orden y la influencia duradera de Whistler, cuya enseñanza enfatiza la preparación sistemática.

El arte de Gwen John, en su quietud y sus sutiles relaciones de color, contrasta con el trabajo mucho más vívido y asertivo de su hermano. Aunque alguna vez fue eclipsada por su hermano más popular, la opinión crítica ahora tiende a ver a Gwen como la más talentosa de los dos.​ El mismo Augustus había predicho este cambio, diciendo: "Dentro de 50 años seré conocido como el hermano de Gwen John".​


A lo largo de su vida, John se sintió atraída por personas de ambos sexos. 

La obra de Celia Paul nos acerca a su vida y sentimientos .



Legado

Los cuadros de John se encuentran en muchas colecciones públicas. Algunos de los mejores ejemplos se encuentran en el Museo Nacional de Cardiff y en la Tate Britain de Londres.

Still Lives, de Candida Cave, es una obra de tres mujeres sobre Gwen, Ida (esposa de Augustus John) y Dorelia (la amante de Augustus John).

Una novela de misterio artístico La escultura de Gwen John, de John Malcolm, presenta su estancia en Meudon, Francia y su relación con Rodin.

Un documental de S4C presentado por Ffion Hague sobre la vida de Gwen John incluyó el rodaje de la revelación de una placa conmemorativa a la artista en el cementerio Janval de Dieppe en 2015.

https://www.theneweuropean.co.uk/the-private-passions-of-gwen-john/

https://es.wikipedia.org/wiki/Gwen_John

https://artuk.org/discover/artworks/a-corner-of-the-artists-room-in-paris-116863

https://www.libreriale.es/libro/cartas-a-gwen-john_312756

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Catharine Macaulay historiadora inglesa

Catharine Macaulay (Olantigh, 23 de marzo de 1731 - Binfield, 22 de junio de 1791), también conocida como Catharine Graham y Catharine Sawbridge, fue una historiadora inglesa. Fue la primera mujer inglesa en convertirse en historiadora y durante su vida la única historiadora del mundo. ​

Catharine Macaulay fue hija de Elizabeth Wanley (fallecida en 1733) de Olantigh  y John Sawbridge (1699-1762) qu era un terrateniente de Wye, Kent, cuyos antepasados eran los terratenientes de Warwickshire . 

Fue educada en casa por una institutriz. En el primer volumen de su Historia de Inglaterra, Macaulay afirmó que desde una edad temprana fue una lectora prolífica, en particular de "aquellas historias que exhiben la libertad en su estado más exaltado en los anales de las Repúblicas romana y griega ... [ desde la infancia] la libertad se convirtió en objeto de un culto secundario ". ​ Sin embargo, este relato está en desacuerdo con lo que le dijo a su amigo Benjamin Rush, a quien se describió a sí misma como "una chica irreflexiva hasta los veinte años, momento en el que contrajo el gusto por los libros y el conocimiento al leer un extraño volumen de historia, que recogió en una ventana de la casa de su padre ". ​ También le dijo a Caleb Fleming que no sabía latín ni griego.

Poco se sabe sobre su vida temprana. En 1757, una erudita en latín y griego, Elizabeth Carter, visitó una función en Canterbury donde conoció a Macaulay, que entonces tenía 26 años. En una carta a un amigo, Carter describió a Macaulay como una "mujer muy sensible y agradable, y mucho más profundamente erudita de lo que se supone de una buena dama; pero entre las leyes espartanas, la política romana, la filosofía de Epicuro y el ingenio de St. . Evremond, parece haber formado un sistema de lo más extraordinario ". 

"Hubo una Historia de Inglaterra de Macaulay mucho antes de que se supiera de la de Lord Macaulay; y en su época era una historia famosa".

"Hubo una Historia de Inglaterra de Macaulay mucho antes de que se supiera de la de Lord Macaulay; y en su época era una historia famosa".

Robert Chambers, The Book of Days. Volume I (1864), p. 810.


Entre 1763 y 1783, Macaulay escribió, en ocho volúmenes, La historia de Inglaterra desde la adhesión de Jaime I a la de Brunswick Line . Sin embargo, al completar los últimos tres volúmenes, se dio cuenta de que no llegaría a 1714 y, por lo tanto, cambió el título a Historia de Inglaterra de la adhesión de Jaime I a la Revolución .  Siendo prácticamente desconocida antes de la publicación del primer volumen, de la noche a la mañana se convirtió en "la celebrada Sra. Macaulay ". 

La Historia es una historia política del siglo XVII. El primer y segundo volumen cubren los años 1603-1641; los volúmenes tres y cuatro cubren 1642-1647; el quinto volumen cubre 1648-1660; los volúmenes seis y siete cubren 1660-1683 y el último volumen abarca 1683-1689. Macaulay eligió este período porque, como escribió en el primer volumen, quería "hacer justicia ... a la memoria de nuestros ilustres antepasados". Lamentó que sus contemporáneos hubieran olvidado que los privilegios de los que disfrutaban habían sido luchados por "hombres que, con el riesgo e incluso la pérdida de la vida, atacaron las formidables pretensiones de la familia Stewart y alzaron las banderas de la libertad contra un tiranía que se había establecido durante una serie de más de ciento cincuenta años ".​


Creía que los anglosajones habían poseído libertad e igualdad con las instituciones representativas, pero que estas se perdieron en la conquista normanda. La historia de Inglaterra, en opinión de Macaulay, era la historia de la lucha de los ingleses para recuperar sus derechos que fueron aplastados por el "yugo normando". ​ Consideró a la Commonwealth de Inglaterra como "la época más brillante que jamás haya adornado la página de la historia". . . Nunca los anales de la Humanidad proporcionaron el ejemplo de un gobierno, tan recién establecido, tan formidable para los estados extranjeros como lo fue en este período de la Commonwealth inglesa ". ​ El Parlamento Largo fue "el gobierno más patriótico que jamás haya bendecido las esperanzas y los esfuerzos militares de un pueblo valiente". La lucha del ejército parlamentario "no fue un comercio de sangre, sino un ejercicio de principios y obediencia al llamado de la conciencia, y su conducta no sólo fue desprovista de insolencia, sino benevolente y humana".


Su visión de la Revolución Gloriosa de 1688 fue crítica. Reconoció que el Acuerdo Revolucionario limitaba el poder de la corona y había rechazado el "derecho hereditario irrenunciable" en favor de "un contrato con el pueblo" como base del poder de la monarquía. Sin embargo, también afirmó que los patriotas habían desatendido "esta justa oportunidad de cortar todas las prerrogativas de la corona" que habían "imputado justamente las calamidades y heridas sufridas por la nación". El Acuerdo de la Revolución no había logrado "admitir ninguno de esos refinamientos y mejoras que la experiencia de la humanidad les había permitido hacer en la ciencia de la seguridad política". 

Macaulay compartió el anticatolicismo de sus compañeros radicales. 


A lo largo de su Historia, Macaulay mostró preocupación por el carácter moral y la conducta de los sujetos. A sus ojos, el interés propio era la peor falta de la que era capaz un rey o un político. Criticó "su aparente devoción a la política para beneficio personal más que para el avance de la libertad". Su enfoque fue moralizador, ya que creía que solo un pueblo virtuoso podía crear una república. 


Los Whigs dieron la bienvenida a los primeros volúmenes de la Historia como una respuesta whig a la Historia "Tory" de Inglaterra de David Hume. ​ Sin embargo, en 1768, las relaciones entre ella y los Whigs se enfriaron y la abandonaran. 

Thomas Hollis registró en su diario (30 de noviembre de 1763) que "la Historia está escrita con honestidad, y con una habilidad y un espíritu considerables; y está llena de los sentimientos de libertad más libres y nobles". ​ Horace Walpole escribió a William Mason, citando con aprobación la opinión de Thomas Gray de que era "la historia de Inglaterra más sensata, no afectada y mejor que hemos tenido hasta ahora". ​

William Pitt elogió la Historia en la Cámara de los Comunes y denunció el sesgo conservador de Hume.  También aprobaron Joseph Priestley y John Wilkes . Alrededor de 1770, Lord Lyttelton escribió que Macaulay era "muy prodigiosa", con retratos de ella "en el mostrador de cada vendedor de impresiones". Había una figura de porcelana Derby de ella ​ y una de las primeras figuras de cera de tamaño natural de Patience Wright era de Macaulay. ​ James Burgh escribió en 1774 que Macaulay escribió "con el propósito de inculcar al pueblo británico el amor por la libertad y su país".  Los estadistas franceses Mirabeau, Jacques Pierre Brissot y el marqués de Condorcet admiraron la Historia como correctivo a Hume.  En 1798, el Ministerio del Interior francés recomendó la Historia en una lista de obras aptas para premios escolares. 

Macaulay también deseaba escribir una Historia de Inglaterra desde la Revolución hasta la actualidad, sin embargo, solo se completó el primer volumen (que cubre 1688-1733). 

Macaulay estuvo asociada con dos grupos políticos en las décadas de 1760 y 1770: los Real Whigs y los Wilkites. ​ Sin embargo, estaba más interesada en la polémica que en la estrategia cotidiana. ​ Fue partidaria de John Wilkes durante la controversia wilkesita de la década de 1760 y estuvo estrechamente asociada con la sociedad radical para los partidarios de la Declaración de Derechos. Ambos grupos querían reformar el Parlamento.


En 1790, Macaulay afirmó que en sus escritos solo se refería a la desigualdad política, insistió en que no estaba "argumentando contra esa desigualdad de propiedad que más o menos debe darse en todas las sociedades". 

Macaulay se opuso a la emancipación católica, criticando en 1768 a aquellos "que pretenden ser amigos de la Libertad y (por una afectación de pensamiento liberal) tolerarían a los papistas". ​ Consideró a la gente de Córcega como "bajo la superstición papista" y recomendó las obras de Milton para iluminarlos. 

Apoyó al exiliado corso Pasquale Paoli . ​ En su Bosquejo de una forma democrática de gobierno defendía un estado de dos cámaras (Senado y Pueblo). Ella escribió que "El segundo orden es necesario porque ... sin que el pueblo tenga suficiente autoridad para ser clasificado así, no puede haber libertad ". El pueblo debe tener derecho a apelar la decisión de un tribunal ante el Senado y el Pueblo. Además, debería haber una rotación de todos los cargos públicos para prevenir la corrupción. Se necesitaba una ley agraria para limitar la cantidad de tierra que un individuo podía heredar para evitar la formación de una aristocracia. Afirmó que debía haber "un poder desenfrenado alojado en alguna persona, capaz de la ardua tarea de establecer un gobierno así" y afirmó que este debería ser Paoli. Sin embargo, Paoli se distanció de Macaulay ya que su única preocupación era mantener el apoyo inglés a Córcega en lugar de intervenir en la política interna. 

Macaulay atacó los pensamientos de Edmund Burke sobre la causa del descontento actual. Ella escribió que contenía "un veneno suficiente para destruir toda la poca virtud y comprensión de la política sana que queda en la nación", motivado por "el principio corrupto del interés propio" de "la facción y el partido aristocráticos" cuya supremacía El objetivo era volver al poder. ​ Burke no había comprendido que el problema residía en la corrupción que tuvo su origen en la Revolución Gloriosa. El parlamento se redujo a "un mero instrumento de administración real" en lugar de controlar al ejecutivo. Macaulay abogó por un sistema de rotación de diputados y "un poder de elección más amplio e igualitario". ​

Ninguna de las obras históricas o políticas de Macaulay se refería a los derechos de las mujeres. En su apoyo a la reforma parlamentaria, no prevé otorgar el voto a las mujeres. ​ Ella estuvo fuertemente influenciada por las obras de James Harrington, especialmente por su creencia de que la propiedad era la base del poder político. 

Durante una visita a Francia en 1774 cenó con Turgot, quien le preguntó si quería ver el Palacio de Versalles . Ella respondió que "no tengo ganas de ver la residencia de los tiranos, todavía no he visto la de los Georges". 


Su último trabajo fue un panfleto que responde a las Reflexiones sobre la revolución en Francia de Burke (1790). Ella escribió que estaba bien que los franceses no hubieran reemplazado a Luis XVI, ya que esto habría complicado su tarea para garantizar la libertad. ​ Ella respondió al lamento de Burke de que la era de la caballería había terminado afirmando que la sociedad debería liberarse de las " falsas nociones de honor" que no eran más que una "barbarie sentimental metodizada". ​ Mientras que Burke apoyaba los derechos heredados de los ingleses en lugar de los derechos abstractos del hombre, Macaulay afirmó que la teoría de Burke de los derechos como obsequios de los monarcas significaba que los monarcas podían quitarles fácilmente los derechos que les habían otorgado. Solo reclamándolos como derechos naturales podrían asegurarse. La "presumida herencia de un inglés" que ella siempre había considerado como "una pretensión arrogante" porque sugería "una especie de exclusión del resto de la humanidad de los mismos privilegios".


Fue miembro de toda la vida de la Iglesia de Inglaterra, aunque su aparente libre expresión de opiniones religiosas heterodoxas conmocionó parte de su contemporaneidad y la llevó a acusaciones de infidelidad. ​ En su Tratado escribió que Dios era "omnipotente en el sentido más amplio de la palabra, y que sus obras y mandamientos" estaban "fundados en justicia y no en mera voluntad". El Tratado revela su optimismo sobre la humanidad y la creencia en el logro de la perfección en los individuos y la sociedad. ​ También afirmó que la razón, sin fe, era insuficiente y escribió sobre la necesidad de que la Iglesia se concentrara "en las doctrinas prácticas de la religión cristiana", como los poderes dados por Dios al hombre para mejorar su propia condición y reducir el mal. También rechazó la idea de una naturaleza humana inherente: "No hay una virtud o un vicio que pertenezca a la humanidad, que no hagamos nosotros mismos". 


Macaulay creía en la otra vida. Cuando cayó gravemente enferma en 1777 en París, le dijo a una amiga que la muerte no la asustaba porque no era más que "una breve separación entre amigos virtuosos" después de la cual se reunirían "en un estado más perfecto". 


Escribió en 1790 en sus Cartas sobre la educación, como lo hizo Mary Wollstonecraft dos años más tarde en Vindicación de los derechos de la mujer, que la aparente debilidad de las mujeres se debía a su mala educación. 



Ella estuvo asociada personalmente con muchas figuras destacadas entre los revolucionarios estadounidenses. Fue la primera radical inglesa en visitar América después de la independencia, permaneciendo allí del 15 de julio de 1784 al 17 de julio de 1785.  Macaulay visitó a James Otis y su hermana Mercy Otis Warren . Mercy escribió después que Macaulay era "una dama cuyos recursos de conocimiento parecen ser casi inagotables" y le escribió a John Adams que era "una dama de talento extraordinario, un genio imponente y brillantez de pensamiento".  Según el biógrafo de Mercy, Macaulay tuvo "una influencia más profunda en Mercy que cualquier otra mujer de su época". ​ Luego visitó Nueva York y conoció a Richard Henry Lee, quien luego agradeció a Samuel Adams por presentarle a "esta excelente dama". ​ Por recomendación de Lee y Henry Knox, Macaulay se quedó en Mount Vernon con George Washington y su familia. Posteriormente, Washington escribió a Lee sobre su placer al conocer a "una dama ... cuyos principios son tan admirados y con tanta justicia por los amigos de la libertad y la humanidad".


Últimos años

Según Mary Hays, a Macaulay "el general Washington le había proporcionado muchos materiales" para una historia de la Revolución Americana, pero que "por el estado de salud enfermizo" se lo impidió. Macaulay escribió a Mercy en 1787: "Aunque la historia de su gloriosa revolución tardía es lo que ciertamente debería emprender si fuera joven de nuevo, sin embargo, tal como están las cosas, por muchas razones debo rechazar tal tarea". 


Murió en Binfield en Berkshire el 22 de junio de 1791 y fue enterrada en la iglesia parroquial de Todos los Santos allí.




https://es.wikipedia.org/wiki/Catharine_Macaulay

https://allthingsliberty.com/2019/05/catharine-macaulay-englands-first-female-whig-historian-the-war-begins-1775/

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viernes, 21 de junio de 2024

Teresa Wartel pianista y compositora


Atala Thérèse Annette Wartel , de soltera Adrien (2 de julio de 1814 - 6 de noviembre de 1865), fue una pianista, educadora musical, compositora y crítica francesa. 

Nacida en París , Thérèse Wartel era hija de la baronesa Gabrielle Constance de Philippy de Bucelly d'Estrées (1782–1854) y del cantante de ópera Martin-Joseph Adrien o Andrien (1767–1822) . También era hermana de la virtuosa del piano Rosine-Charlotte DelSarte, esposa del renombrado profesor francés de música y movimiento Francois DelSarte (1811-1871). 

Estudió música en el Conservatorio , se convirtió en acompañante y entre 1831 y 1838 enseñó como profesora en el Conservatorio.  En 1838, fue la primera mujer solista admitida en la Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire . 

En 1833 se casó con el tenor Pierre-François Wartel (1806-1882) y tuvo un hijo, Émile , que actuó durante muchos años en el Théâtre-Lyrique y más tarde fundó su propia escuela vocal. 

Murió en París a los 51 años.


https://fr.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9r%C3%A8se_Wartel
https://en.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9r%C3%A8se_Wartel

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jueves, 20 de junio de 2024

Elisabeth Hauptmann escritora alemana


Elisabeth Hauptmann (Peckelsheim, Westfalia, 20 de junio de 1897-Berlín Este, 20 de abril de 1973) fue una escritora alemana conocida por trabajar con Bertolt Brecht.

Fue condecorada con la Orden del mérito patriótico (RDA) (Vaterländischer Verdienstorden) en 1972.


En Elisabeth Hauptmann, Brecht encontró una colaboradora agradable, casi perfecta. Hauptmann era hija de un médico alemán y madre estadounidense. Se convirtió en profesora, pero se mudó a Berlín con la intención de abrirse camino en la publicación y como escritora. Conoció a Brecht en una fiesta y pronto se hicieron amigos. Hauptmann aportaba ideas para proyectos, obras de teatro o poemas, y a menudo proporcionaba una traducción si el original estaba en inglés o francés, o una traducción de una traducción como en el caso de los 'préstamos' de Brecht del chino o japonés, donde la fuente era las traducciones de Arthur Waley. Brecht reelaboraría el material y, después de algunas concesiones mutuas, Hauptmann produciría una copia final. 

En el caso de Three Penny Opera, la idea inicial fue llevada a Brecht por Hauptmann, que era muy hábil con los idiomas y estaba al tanto de una producción londinense de 1920 de la Beggars Opera de John Gay. No cabe duda de que parte de la autoría de esta obra es de ella. - Al final fue un enorme éxito, producto de los instintos y esfuerzos de Hauptmann; La capacidad de Brecht para escribir letras de canciones y crear el contexto dramático anticapitalista; disputas con el elenco y el productor que insistió en sus cambios; y finalmente, un popurrí que se mantiene unido por la brillante música de Weill. Al público le encantó una canción en particular, la 'Kanonen Song', que es una reelaboración directa de Rudyard Kipling, cuyo trabajo Hauptmann había presentado a Brecht. - En lo que respecta a los derechos de publicación, Hauptmann recibió muy poco, como máximo del 12,5 al 15%. - Hauptmann ayudó y animo  los esfuerzos de Brecht durante la guerra, primero en Dinamarca y luego en los Estados Unidos, donde ella también había huido. Se vio gravemente expuesta a sus propios recursos, pero ayudó a Brecht en California y en Nueva York con obras que él quería producir. Se casó con el compositor Paul Dessau en California y regresó con él a la RDA después de la guerra. Cuando Dessau la dejó por una mujer más joven, Hauptmann estaba abatido. Finalmente, Brecht la contrató para ordenar sus manuscritos, un esfuerzo a largo plazo que eventualmente se convirtió en la piedra angular del Brecht-Archivos. Más tarde, también ayudó en la puesta en escena de las obras de Brecht en el Berliner Ensemble. 

Hauptmann nunca estuvo completamente a las ordenes  de Brecht, pero trabajó diligentemente durante años con editores y académicos para ordenar los archivos y artículos de Brecht, recopilar sus manuscritos y trabajos publicados y llevarlos a ediciones nuevas y más fructíferas. Ella contó con el apoyo total de la esposa de Brecht, Helene Weigel.

http://www.m-arteyculturavisual.com/2013/11/17/circulo-de-tiza/

https://www.rakinglighttranslations.com/brecht-and-women

 https://de.wikipedia.org/wiki/Elisabeth_Hauptmann

https://biblioteca-virtual.fandom.com/es/wiki/Elisabeth_Hauptmann

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miércoles, 19 de junio de 2024

Astrid Ehrencron-Kidde escritora y traductora danesa


Astrid Margrethe Ehrencron-Kidde , nacida como Ehrencron-Müller ( Copenhague, 4 de enero de 1871 – Frederiksberg , 30 de junio de 1960 ) fue una escritora y traductora danesa, que desde 1907 estuvo casada con su colega escritor Harald Kidde .

Astrid Margrethe Ehrencron-Kidde fue única en la literatura danesa. Era una narradora que escribía tanto para niños como para adultos y exploró sistemáticamente el tema de la pérdida desde su primera publicación, los cuentos Æventyr en 1901, hasta su autobiografía Hvem kalder. Fra mine erindringers lønkammer en 1960. Todos sus personajes principales pierden lo que consideran una fuerza clave en sus vidas: los padres, el amor, un hijo, una carrera.

Creció en el hogar acomodado de un funcionario del gobierno que tenía los medios para apoyar y nutrir su talento musical. En su juventud soñaba con una carrera como concertista de piano, pero cuando sus nervios no pudieron hacer frente a las exigencias del escenario, se dedicó a escribir. Fueron sus escritos los que la llevaron a conocer al autor Harald Kidde, a quien consideraba la alegría y el significado de su vida. Se casaron en 1907 y su temprana muerte en 1918 la enfrentó nuevamente a las circunstancias de la pérdida, aunque preparada de manera diferente.

Como personaje principal y narradora de su obra principal Martin Willéns underlige Hændelser I – IV, 1911-1921, se posicionó como espectadora de la vida y se basó en el material, las figuras, los conflictos y la geografía de la vida que ella y Harald Kidde habían construido y vivido juntos. En 1939 dejó de escribir y dedicó el resto de su tiempo, hasta la publicación de su autobiografía en 1960, a traducir obras de otros.

Ehrencron-Kidde se hizo conocida por cuatro colecciones de aventuras , publicadas entre 1901 y 1904, y luego escribió una gran cantidad de novelas y cuentos. Muchos de los libros tienen matices  inquietante y  de misterioso, y un elemento central de su autoría son los cinco volúmenes de historias sobre el fiscal Martin Willén, que se publicaron entre 1911 y 1924. El personaje principal es un hombre con habilidades clarividentes que, sin embargo, incapaz de evitar los accidentes.

Su última novela se publicó en 1939. Después de eso, trabajó principalmente en la traducción, incluidas las obras de la autora sueca Agnes von Krusenstjerna .En 1960, publicó las memorias  "Hvem kalder. Fra mine erinderings lönkammer"  , que se publicaron poco antes de su muerte.

En la primavera de 2017, Forlaget Sidste Århundre y la editorial Echo anunciaron que publicarían juntos una nueva selección de cuentos de Astrid Ehrencron-Kidde en otoño de 2017.

Está enterrada en el cementerio de Bispebjerg . Hay un retrato de aprox. 1898 por Christian Bonnesen . 


Obras seleccionadas 

Lille Fru Elsebeth , novela (1904)

Fru Hildes Hjem , novela (1907)

Forældrene , novela (1909)

Martin Willéns underlige Hændelser , 4 volúmenes (1911-1921)



https://da.wikipedia.org/wiki/Astrid_Ehrencron-Kidde

https://nordicwomensliterature.net/writers/ehrencron-kidde-astrid-margrethe/

https://forfatterweb.dk/ehrencron-kidde-astrid

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martes, 18 de junio de 2024

Sara Martin cantante de blues


Sara Martin (18 de junio de 1884 - 24 de mayo de 1955) fue una cantante de blues estadounidense, en su momento una de las  más populares de los clásicos. Fue catalogada como "La famosa mamá Moanin y "La coloreada Sophie Tucker ".  Hizo muchas grabaciones, incluidas algunas bajo los nombres de Margaret Johnson y Sally Roberts. 


 Sara Martin nació  como Sara Dunn en Louisville, Kentucky, y  cantaba en el circuito de vodevil afroamericano en 1915.  Era hija de William T. Dunn y Mary Katherine . Se casó tres veces, el primer matrimonio con Christopher Wooden cuando tenía 16 años. Christopher Wooden murió en 1901. Su segundo matrimonio fue con Abe Burton y tras su muerte, se casó con Hayes Buford Withers. Comenzó una exitosa carrera discográfica cuando fue firmada por Okeh Records en 1922.  Durante la década de 1920 realizó giras y grabó con artistas como Fats Waller, Clarence Williams , King Oliver y Sylvester Weaver.  Fue una de las cantantes de blues más grabadas.





En el escenario, se destacó por su estilo dramático y por sus lujosos trajes, que cambió dos o tres veces por espectáculo. 

Según la historiadora de blues Daphne Duval Harrison, "Martin tendía a usar ritmos más oscilantes y bailables que algunos de sus compañeros ... cuando cantaba un blues tradicional, su voz y estilo tenían cualidades más ricas y profundas que combinaban con el contenido en sensibilidad y estado de ánimo. : "Mean Tight Mama" y "Death Sting Me" se acercan a un ápice de canciones azules ". 

El trabajo escénico de Martin a fines de la década de 1920 la llevó a Nueva York, Detroit , Pittsburgh , Cuba, Jamaica y Puerto Rico.  Ella hizo una aparición en el cine, en Hello Bill, con Bill "Bojangles" Robinson, en 1929.  Su última aparición importante en el escenario fue en Darktown Scandals Review en 1930.  Actuó con Thomas A. Dorsey como cantante de gospel en 1932, después de lo cual trabajó fuera de la industria de la música, dirigiendo un hogar de ancianos en Louisville. 

Martin murió en Louisville de un derrame cerebral en mayo de 1955 con 70 años . 



Sus mejores discos incluyen :

I've Got To Go And Leave My Daddy Behind 1923,
Strange Lovin 'Blues 1925,
Mean Tight Mama , Mistreatin 'Man Blues 1925,
Death Sting Me The Blues (with King Oliver), Kitchen Man Blues 1928.

https://en.wikipedia.org/wiki/Sara_Martin
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lunes, 17 de junio de 2024

Marta Mata i Garriga política y pedagoga española

 

Marta Ángela Mata i Garriga (Barcelona, 22 de junio de 1926 - 27 de junio de 2006) fue una política y pedagoga española impulsora de la renovación de la escuela pública en la Transición y defensora de la escuela laica. Fundadora de la escuela de maestros Rosa Sensat.​ Es autora de numerosos libros y artículos sobre didáctica de lectura y escritura, pedagogía, política educativa y cuentos infantiles.​


 Su familia es oriunda de la comarca del Baix Penedès en Tarragona. La madre, Àngels Garriga Martin (1898-1967), nacida en St. Vicenç de Calders, es maestra del Patronato Escolar del Ayuntamiento de Barcelona, y al finalizar el Magisterio continua los Estudios Normales de la Mancomunidad de Catalunya. El padre, Josep Mata Virgili (1896-1934) técnico industrial, es el heredero de una antigua casa rural en Saifores; muere en accidente de trabajo en Madrid. .

Marta Mata, segunda hija del matrimonio, asiste al parvulario y a la primaria del Grupo Escolar Baixeras y del Grupo Escolar Pere Vila en Barcelona. En 1937 comienza el bachillerato en el Instituto-Escuela del Parque de la Ciudadela , dirigido por Josep Estalella . Los maestros y profesores de estos centros fueron destituidos o dispersados en 1939.
Acaba el bachillerato en 1943, en el Instituto Verdaguer, y el mismo año comienza los estudios de Ciencias Naturales en la Universidad de Barcelona. Antes de acabar el primer curso se ve obligada a interrumpirlos por enfermedad.

El año 1944 se traslada a Cal Mata, la casa familiar de Saifores, donde pasará una larga convalecencia. Es un pequeño pueblo de sesenta habitantes en el cual, una vez restablecida, comienza a trabajar en la educación del tiempo libre de los niños, según las orientaciones de su madre quien, a causa de una parálisis, se había retirado a la vivienda rural en 1946. Madre e hija residen en Saifores hasta el año 1965.

Desde Saifores inicia de nuevo los estudios universitarios, ahora en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Barcelona; dadas las dificultades de traslado a la ciudad, se matricula en régimen libre, y acaba la licenciatura en la especialidad de Pedagogía el año 1957; continúa después con los cursos de doctorado. Pertenece a la primera promoción de una especialidad de Pedagogía reiniciada en la década de los años 50, tras su clausura en 1939. Al margen de la Universidad contacta con los pedagogos Alexandre Galí, Artur Martorell y Jordi Rubió de quienes se considera discípula. Desde Saifores colabora con unos primeros grupos de maestras y maestros de renovación pedagógica y con ellos también trabaja en el discreto resurgimiento de unas escuelas que planteaban una educación renovadora en catalán. En Santa Oliva, población próxima a Saifores, participa en la gestación de la primera escuela para niños menores de seis años, que comienza a funcionar en 1962 y que actualmente es la escuela infantil municipal Les Orenetes.

En 1959 viaja por primera vez a Ginebra para conocer y estudiar el fondo de libros de texto del Bureau International d'Éducation, allí conoce a Pere Rosselló. Asesora pedagógicamente las editoriales catalanas Nova Terra y La Galera , y la recién creada revista infantil en catalán Cavall Fort. Trabaja en algunas publicaciones del Instituto Nacional del Libro Español y de las editoriales Teide y Vicens Vives. En el verano de 1964 vive durante un mes en el kibbutz Dvir de Israel donde conoce su sistema educativo.

En 1965 reside de nuevo en Barcelona. Con un equipo de maestras y maestros de diversas escuelas,  y con el soporte de algunos padres de alumnos de estas escuelas, inicia de manera clandestina la Escuela de Maestros Rosa Sensat, y se dedica a ella por completo. El mes de octubre del mismo año, con la modestia que imponen las circunstancias y con la ambición de recuperar lo que se había perdido ─la escuela pública catalana, su lengua, su cultura, su tradición pedagógica─ se propone hacer, en un solo curso, una formación para los maestros similar a la de los tres cursos que habían hecho los Estudios Normales de la Mancomunidad de Catalunya, es el primer Curso de Tarde de Rosa Sensat. Al acabar ese primer curso, y durante quince días del mes de julio (1966), pone en marcha la primera ‘Escuela de Verano de Rosa Sensat', siguiendo también el prestigioso modelo de escuela de verano de la Mancomunidad.

Durante estos años establece relación con maestros renovadores de Catalunya, Islas Baleares, Valencia y País Vasco, teniendo como base la formación de maestros, y trabaja para hacer realidad la escuela de todos y para todos, la escuela democrática, la escuela activa, en definitiva la escuela pública de calidad, su gran objetivo.

Desde Rosa Sensat, y durante diez años, conecta con grupos de maestros que trabajan en la renovación pedagógica en diversas zonas de España y Portugal. También con profesores universitarios e instituciones de Francia, Inglaterra, URRSS, Chile e Italia. Durante este tiempo, además de trabajar en una concepción de la formación práctico-teórica de los maestros, se especializa en la enseñanza de la lengua en situación de contacto de lenguas, y en la didáctica de la lengua escrita y de la fonología catalana y castellana.

El año 1971 participa en dos investigaciones del Instituto de Ciencias de la Educación de la Universidad Autónoma de Barcelona, y en 1972 colabora en los comienzos de la Escuela de Maestros de Sant Cugat perteneciente a dicha Universidad. Como Profesora de Didáctica de la Lengua y de Pedagogía continua en la Universidad de manera intermitente hasta 1977. A partir de 1976 trabaja unas horas semanales en el ICE de la UAB , en cuestiones de enseñanza del catalán y como responsable de Investigación hasta 1980.

Dede Rosa Sensat impulsa la creación de la revista PerspectivaEscolar en 1974, y al año siguiente promueve la declaración de la X Escuela de Verano: ‘Por una nueva Escuela Pública'. Entre 1975 y 1977 prepara su tesis doctoral sobre «Metodología de la lengua escrita en Catalunya» tesis que permanece inacabada a partir de su dedicación a la política activa.

Convencida de que la educación es una responsabilidad de la sociedad, de la ciudad, y que la renovación pedagógica necesita de la actuación política, une las dos facetas, la educación y la política, en su trayectoria vital. En 1976 se afilia a Convergencia Socialista partido que ese mismo año se convierte en Partido Socialista de Catalunya y finalmente en el Partido de los Socialistas de Catalunya (PSC-PSOE), al cual Marta Mata pertenecerá toda su vida. Las elecciones de 1977 la sitúan en el Congreso de los Diputados de Madrid, por la circunscripción de Barcelona. Escaño que continúa ocupando al ser reelegida en 1979, hasta que en 1980 deja el Congreso al ser elegida Diputada al Parlamento de Catalunya por la circunscripción de Tarragona. Desde 1983 hasta 1984 es Senadora en representación del Parlamento de Catalunya.

Durante los años 1982 y 1983 participa de manera relevante en la organización y realización del «I Congreso de Movimientos de Renovación Pedagógica» que patrocina el Ministerio de Educación.
El año 1984 vuelve al Parlamento de Catalunya por la circunscripción de Barcelona, hasta 1988. En 1987 acepta el cargo de Concejala del Ayuntamiento de Barcelona, y lo será durante dos mandatos hasta 1995, regentando durante esos ocho años el Área de Educación. Es también diputada responsable del Área de Educación de la Diputación de Barcelona en el período 1987-1991. Desde 1993 hasta 1996 es de nuevo Senadora, elegida por la circunscripción de Barcelona.

En todos los mandatos parlamentarios ha trabajado en los temas y comisiones de Educación y Cultura, y concretamente en los textos constitucional y estatutario de Educación y en los de diversas leyes: LOECE, LODE, Normalización Lingüística, paso de las escuelas del CEPEPC a públicas, Consejos Escolares y LOGSE. Ha presentado proposiciones de ley y otras propuestas en pro de diversos temas educativos, de una manera especial en el campo de la educación de los niños menores de tres años. Como Diputada al Congreso de Madrid, el año 1978 presenta una interpelación al Gobierno en favor de la libertad de expresión.

Como personalidad de reconocido prestigio en el campo de la renovación pedagógica ha sido miembro del Consejo Escolar del Estado des de su creación en 1986 hasta el 2002, año en que dimite por desacuerdo con la actitud no participativa del Ministerio. Ha sido miembro del Consejo Escolar de Catalunya como representante de la Federación de Municipios, de 1987 a 1995, y Presidenta del Consejo Escolar Municipal de Barcelona por delegación de su alcalde, desde 1990 a 1995 –Consejo Escolar que se constituyó bajo su responsabilidad como Concejala del Área de Educación.




En su doble condición de política y pedagoga, muy especialmente después del «I Congreso Internacional de Ciudades Educadoras» ─que se celebró en Barcelona el 1990 y del cual fue la impulsora─ con el objetivo de promover la Asociación Internacional de Ciudades Educadoras, que preside hasta 1995, viaja a los Estados Unidos, Argentina, Colombia, Suecia, Costa Rica, Suiza, Francia, Italia, Inglaterra, Marruecos, El Salvador, y recibe en Barcelona la visita de profesores e instituciones educativas, de esos y otros países.

Heredera de la mansión familiar de Saifores, en la tarraconense comarca del Baix Penedès, p one todo su patrimonio al servicio de la recuperación de la educación democrática y de la escuela de calidad. Durante veinticinco años ha ido convirtiendo la antigua casa rural en un centro de estancia, convivencia, estudio y esparcimiento, abierto a familias y grupos en general, y especialmente dedicado a maestros y niños. Allí desde 1970 la escuela de Maestros ‘Rosa Sensat', además de otras escuelas infantiles y de primaria, han realizado cursos y estancias; desde 1979 se celebra la Escuela de Verano para maestras y maestros de la comarca del Penedès. Con ese patrimonio familiar, el año 1984 crea la Fundació Àngels Garriga de Mata, actualmente Fundació Marta Mata Garriga, entidad que tiene como objetivo el desarrollo de una concepción dinámica de la escuela y el establecimiento de relaciones entre el mundo de la cultura, del trabajo, del esparcimiento y del civismo. La Fundación además dispone de una importante biblioteca especializada en educación, y del archivo de los documentos de Marta Mata.

Al terminar su dedicación a la política activa en 1996, oficialmente jubilada y con energía renovada, empieza a ocuparse en poner orden a sus escritos y a preparar algunas publicaciones especialmente las dedicadas a la celebración del centenario de su madre, la singular maestra Àngels Garriga; prepara también la edición de una colección de cuentos sobre la historia del Penedès. Pero la jubilación le dura poco tiempo, ya que nuevos proyectos atraen su ocupación. Primero la coordinación del programa «El Forum en la escuela» dentro del acontecimiento «Forum Barcelona 2004». Sin haber finalizado este proyecto, recibe el encargo por parte del Ministerio de Educación de presidir el Consejo Escolar del Estado responsabilidad que acepta con el deseo de contribuir a hacer real la participación en la educación, objetivo por el que siempre ha luchado. Desde este cargo impulsa la creación de la revista digital Participación Educativa. Sin acabar los proyectos de esta última responsabilidad, muere en Barcelona el 27 de junio del 2006.

Es autora de diversas obras sobre pedagogía, didáctica de la lengua, y también de cuentos para niños. Ha adaptado y dirigido colecciones de cuentos infantiles y escrito numerosos artículos sobre pedagogía y política pedagógica. 

https://www.martamata.cat/biografia_cast.htm
https://www.ccma.cat/3cat/marta-mata-i-garriga/video/5731285/
https://wikimujeres.es/?q=wiki/marta-mata
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domingo, 16 de junio de 2024

Hortense Powdermaker antropóloga

Hortense Powdermaker (24 de diciembre de 1900 - 16 de junio de 1970) fue una antropóloga estadounidense conocida por sus estudios etnográficos de los afroamericanos en la América rural vistos por la producción de  Hollywood.

Powdermaker nació en una familia judía y pasó su infancia entre Reading, Pensilvania y Baltimore, Maryland. Estudió historia y humanidades en Goucher College y se graduó en 1921. Trabajó como sindicalista para los Amalgamated Clothing Workers pero se sintió insatisfecha con las perspectivas del movimiento sindical estadounidense en medio de la represión de las Palmer Raids. Dejó los Estados Unidos para estudiar en la London School of Economics (LSE), donde conoció al eminente antropólogo Bronisław Malinowski, quien la convenció de emprender un curso de estudios de doctorado. Mientras estuvo en la LSE, también trabajó bajo la influencia de otros antropólogos reconocidos AR Radcliffe-Brown, EE Evans-Pritchard y Raymond Firth.

Powdermaker completó su doctorado en "liderazgo en la sociedad primitiva" en 1928. Al igual que sus contemporáneos, trató de identificar su trabajo antropológico con un pueblo "primitivo" y realizó un trabajo de campo entre los Lesu de Nueva Irlanda en la actual Papua Nueva Guinea ( Life in Lesu: The Study of a Melanesian Society in New Ireland. Williams y Norgate, Londres 1933).

Después de regresar a los Estados Unidos, Powdermaker fue invitada al Instituto de Relaciones Humanas de Yale apoyado por la Fundación Rockefeller. El director Edward Sapir le animó a aplicar métodos de campo etnográficos al estudio de las comunidades en su propia sociedad. Permaneció en Yale entre 1930 y 1937, tiempo durante el cual realizó un trabajo de campo antropológico en una comunidad afroamericana en Indianola, Mississippi, en 1932-34 ( After Freedom: A Cultural Study In the Deep South, 1939).3​ En 1938 comenzó a trabajar en Queens College de Nueva York y fundó los departamentos de Antropología y Sociología en los que trabajó durante tres décadas.3​

Investigaciones posteriores dieron como resultado Hollywood, the Dream Factory (1950), el primer y todavía único estudio antropológico sustancial de la industria cinematográfica. Después trabajó documentando la industria minera y el consumo de medios estadounidenses en Rhodesia del Norte (Copper Town: Changing Africa, 1962). Su último libro, las memorias Stranger and Friend: The Way of an Anthropologist (1966), fue su relato personal de su carrera antropológica.

En 1968, Hortense Powdermaker se retiró del Queens College y se trasladó a Berkeley, donde permaneció comprometida con el trabajo de campo etnográfico. Murió dos años después de un infarto. En su memoria, el edificio en el campus de Queens College que alberga los departamentos de Antropología y Sociología (junto con otras disciplinas de las ciencias sociales) lleva su nombre.

Su estudio de Indianola, Mississippi, publicado como After Freedom, fue uno de los primeros estudios de la cultura estadounidense moderna realizado por una antropóloga, así como uno de los primeros estudios académicos sobre una comunidad interracial. Este estudio se llevó a cabo entre 1932 y 1934 y es de particular importancia para ella porque completó con éxito la observación participante. Fue la fuente de su teoría pionera sobre la adaptación psicológica que sufren las personas negras y las personas blancas debido a su entorno interracial.4​

La mayoría de las personas fuera del campo de la antropología conocen a Powdermaker por su estudio de Hollywood. Hollywood, the Dream Factory, publicado en 1950, se considera uno de los estudios antropológicos sobre Hollywood más relevantes.

Para escribir Copper Town, Powdermaker tuvo que superar algunas dificultades. Fue criticada por muchos antropólogos sociales que objetaron su uso de conceptos psicológicos así como su falta de "preparación lingüística". Sin embargo, es un trabajo importante sobre los efectos del cine en la cultura africana presentado con perspectiva antropológica.

Este trabajo fue publicado en 1962 en Estados Unidos. Analiza la implicación directa que tuvo el cine.

Stranger and Friend, publicado en 1966, es una comparación de sus cuatro estudios etnográficos y proporciona una idea de su propia comprensión de sus obras.​ Este libro es muy apreciado en la comunidad antropológica por su comprensión de la propia disciplina.​

https://es.wikipedia.org/wiki/Hortense_Powdermaker

https://www.facebook.com/QueensCollege/photos/a.160224714165/10158201092519166/?type=3

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