Mrinalini Sarabhai (en hindi: मृणालिनी साराभाई; Kerala, 11 de mayo de 1918 – 21 de enero de 2016)1 fue una bailarina clásica, coreógrafa e instructora india, fundadora de la Academia Darpana de las Artes Escénicas, un instituto que imparte entrenamiento de baile, drama, música y títeres, en la ciudad de Ahmedabad. Recibió muchos premios y menciones en reconocimiento a su contribución en el arte. Contribuyó a formar a cerca de 18 000 estudiantes en bharatanatyam y kathakali.
Mrinalini nació en Kerala, hija de una trabajadora social y del exmiembro del parlamento Ammu Swaminathan. Pasó su infancia en Suiza, donde, recibió sus primeras lecciones de movimientos de baile, técnica occidental, en la Escuela de Dalcroze. Fue educada en Santiniketan por Rabindranath Tagore donde se dio cuenta de su verdadera vocación.
Se casó en 1942 con Vikram Sarabhai, influyente científico e industrial, considerado el padre del programa espacial de la India. Fueron padres de dos hijos: Mallika fue actriz y activista, y Kartikeya Sarabhai que se dedicó a la ciencia.
Margaret Morris ( Londres , 17 de abril de 1891-Glasgow, 29 de febrero de 1980 ) fue una bailarina, coreógrafa y educadora británica.
En 1909 Morris conoció a Raymond Duncan , el hermano de Isadora Duncan , quien le enseñó las seis posiciones de danza clásica griega. Los adaptó y utilizó como base de su propio sistema de movimiento. Morris también se inspiró en el uso de notación taquigráfica que hacía Duncan para registrar estas posiciones. En 1910 coreografió las danzas de Orfeo y Eurídice de Gluck , que fue puesta en escena por Marie Brema en el Teatro Savoy de Londres. Entrenó a los bailarines en su nueva técnica durante un mes antes de los ensayos. Ella también diseñó el vestuario y la decoración. El Daily Express dijo: "El triunfo de la producción es La danza de las furias de Miss Morris , nunca se ha visto nada parecido en los escenarios de Londres". Ese año también interpretó Water en The Blue Bird de Maeterlinck en el Haymarket Theatre . También produjo los bailes para la producción de Enrique VIII de Sir Herbert Tree .
En 1910, Morris conoció a John Galsworthy , quien la animó a abrir su propia escuela en St Martin's Lane, Londres. Ese mismo año realizó una gira con su propia compañía, primero llamada "Margaret Morris and her Dancing Children". En 1911 fue coreógrafa y bailarina principal de The Little Dream , una fantasía de Galsworthy, en el Gaiety Theatre de Annie Horniman , Manchester . También creó la escenografía de baile para la ópera El nacimiento de Arthur de Rutland Boughton en Winter Gardens, Bournemouth .
En 1912 creó el papel de Guinevere Megan en The Pigeon de John Galsworthy en el Royal Theatre, actuando con Gladys Cooper y Dennis Eadie . Ese mismo año tuvo una temporada en el Royal Court Theatre de Londres, donde interpretó ballets como Callisto de Maurice Hewlett y The Little Dream de Galsworthy. Fundó el primer teatro pequeño en Londres, Kings Road , Chelsea , que ofrecía Seasons Christmas for Children interpretadas por niños. Fue aclamada por la prensa como la primera mujer 'actora, directora' y la más joven, ya que sólo tenía 21 años. En 1913 llevó una compañía a París para bailar en el Théâtre Marigny en los Campos Elíseos . En 1915, produjo en su teatro una interpretación de la Séptima Sinfonía de Beethoven, con vestuario diseñado por John Duncan Fergusson y posteriormente actuó con orquesta completa en Bournemouth Winter Gardens y en Harrogate .
En 1917, Morris inició la primera Escuela de Verano en Devon, que desde entonces se ha celebrado anualmente hasta la fecha, excepto durante los años de la guerra. En 1922 fundó la primera "Escuela Educativa" en Inglaterra para combinar materias educativas normales con formación educativa en danza y actuación. Fergusson se convirtió en directora de arte de todas sus escuelas. La pintura y el diseño se convirtieron en una parte integral del plan de estudios de los estudiantes, que ya incluía actuación, composición e improvisación de danza, materias educativas normales y su sistema de notación de danza.
Me di cuenta por primera vez de la absoluta necesidad de relacionar el movimiento con la forma y el color cuando estudiaba pintura del movimiento moderno en París en 1913. A partir de ese momento la incorporé como uno de los principales estudios de mi escuela. En este sentido, estoy profundamente en deuda con JD Ferguson, el pintor que durante años enseñó pintura, diseño y escultura en mi escuela y que fue el primero en hacerme comprender las posibilidades del trabajo teatral considerado desde el punto de vista visual y el valor de el estudio de la forma y el color como medio de educación.
El Movimiento Margaret Morris fue elegido para representar a Gran Bretaña en el Festival de Danza de 1931 en Florencia , Italia.
En abril de 1935, los bailarines de Margaret Morris interpretaron el ballet Electric Revolutions in Seven Episodios, diseñado por Margaret Morris y Elizabeth Ainsworth, en el baile anual de la Asociación Eléctrica para Mujeres .
En 1925, Morris comenzó a interesarse por los aspectos curativos del movimiento y dio su primera conferencia demostrativa a médicos en Londres sobre las posibilidades curativas de sus ejercicios. Realizó un curso de fisioterapia en el Hospital St Thomas, que aprobó con distinción en 1930. Tenía gran fe en el valor de su sistema para los discapacitados, creyendo que "cuanto más normal hagas sentir a la gente, más normales se volverán". ". Amplió sus ejercicios al entrenamiento deportivo, escribió un libro con la estrella del tenis Suzanne Lenglen e intentó que las autoridades educativas aceptaran sus métodos en las escuelas. Aunque logró una aceptación limitada en esta área, su influencia fue inmensa en la práctica moderna de la educación física, en el trabajo de recuperación y en la innovación coreográfica. En 1937, se convirtió en miembro fundador del Consejo Asesor Nacional de Entrenamiento Físico y Recreación.
Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Margaret Morris se mudó a Glasgow. En 1940 formó el Celtic Ballet Club y produjo varios ballets importantes para organizaciones benéficas de guerra. En 1947 formó una pequeña compañía profesional, el Celtic Ballet of Scotland, y realizó giras por Glasgow y Francia. El Celtic Ballet utilizó tanto la propia técnica de Margaret como los movimientos de danza country escocesa y de las Highlands. En 1951, el Celtic Ballet tuvo una temporada en el Theatre Royal de Glasgow . En 1954, el Celtic Ballet realizó una gira por los Estados Unidos y actuó en el festival de danza Jacob's Pillow de Ted Shawn . Entre 1958 y 1959 el Ballet Celta actuó en festivales de Rusia, Austria y Checoslovaquia . En 1960 formó el Ballet Nacional Escocés y apareció en el Festival Theatre de Pitlochry . El Celtic Ballet College de Glasgow se basó en el ballet moderno, no en el clásico. La última gira que hizo como The Scottish National Ballet la hicimos en Glasgow (La Alhambra), Edimburgo, Aberdeen, Carlisle y Sunderland. Además de formarse para la danza teatral, también formaba a sus alumnos para que fueran terapeutas de danza. Solía ir todos los viernes al Southern General Hospital de Glasgow y mi formación se basaba en personas con problemas de salud física y mental.
Morris ideó un método de notación de danza destinado a documentar todo tipo de movimiento humano. Publicado por primera vez en The Notation of Human Movement (1928), más tarde llegó a referirse a la notación como Danscript.
Margaret Morris, comenzó a pintar desde una edad temprana. El Third Eye Centre reconoció su trabajo tanto en danza como en arte con el catálogo de la exposición Margaret Morris: Drawings and Designs and the Glasgow Years. En 1984 se celebró una exposición de su obra en Glasgow en la Galería de Bellas Artes Cyril Gerber. La exposición Color, Ritmo y Danza se mostró en Escocia y Francia en 1985. En 1991, se celebró una exposición centenaria de sus dibujos y pinturas en la Galería Cyril Gerber. La Galería Fergusson presenta artefactos de todos los aspectos de su carrera, incluidos trajes originales, diseños de vestuario, dibujos de su infancia y carrera adulta, pinturas y cuadernos de bocetos.
l
Tuvo una relación a largo plazo con el artista escocés John Duncan Fergusson. Lo conoció en París en 1913 y se convirtieron en compañeros de vida, pero nunca se casaron. Fue una influencia importante en su trabajo. La introdujo en el mundo del arte parisino y con ella fundó en 1915 el Margarent Morris Club en Chelsea , que rápidamente se convirtió en el foco de los restos de la vanguardia de antes de la guerra en Londres. Algunos miembros de este grupo, después de la guerra, participaron en la organización de un colectivo relacionado con el Partido Laborista conocido como "Arts League of Service", cuyo objetivo era llevar las artes a la vida cotidiana.
En 1961, tras la muerte de JD Fergusson, su compañero de vida, se cerró la Escuela de Glasgow. En 1972, a la edad de 81 años, le pidieron a Morris que entrenara a los bailarines del exitoso musical Hair en el Metropole Theatre de Glasgow . En 1973, el Consejo Escocés de las Artes realizó la película 'Movimiento Margaret Morris' .
Margaret Morris murió en Glasgow el 29 de febrero de 1980, a la edad de 89 años.
Morris hizo una contribución única al desarrollo y la enseñanza de la danza en Inglaterra y el extranjero. Su interés original en crear su propio ejercicio y movimiento de danza se basó en su deseo de idear una técnica que fuera más natural de realizar que el ballet. Durante esos primeros años, la amplitud del movimiento que creó abarcó un ámbito diverso de ejercicio, danza y entrenamiento de movimiento con una amplia gama de elementos y niveles diseñados para incluir todas las edades y habilidades.
A partir de esas raíces pioneras, tomó conciencia de la necesidad de educación para la salud y del valor de brindar explicaciones claras para obtener el máximo beneficio de cada ejercicio. Descubrió que el cuerpo respondía rápidamente a este entrenamiento sistemático preciso y proporcionaba a los estudiantes cuerpos fuertes y tonificados, mayor capacidad torácica, densidad ósea, movilidad y frecuencia cardíaca. Al mismo tiempo, mejoraron la postura, el equilibrio, el nivel de concentración y la coordinación de los estudiantes. La expresión y la composición del movimiento libre se integraron en toda la técnica, proporcionando la base para la coreografía, así como muchos beneficios psicológicos.
En 2019, la Biblioteca de la Universidad de Edimburgo organizó una exposición de archivos financiada por Wellcome Trust , Body Language, que exploró el legado de Morris como coreógrafo y profesor de danza, junto con los archivos de la Facultad de Educación Física y Gimnasia Escocesa de Dunfermline.
Obras coreografiadas
"La danza de Anitra" (1909) música de Grieg
Un baile interpretado originalmente por Morris en su primer recital en solitario en Hampstead.
La sirena abandonada , música de Erik Chisholm (1940)
El tema de este ballet es el viejo cuento de hadas sobre un pescador que se enamora de una sirena, la abandona y finalmente se reencuentra con ella en el fondo del mar. Es la historia de la obra de fantasía Sadko de Rimsky-Korsakov . [13]
The Earth Shapers , música de Erik Chisholm (1941)
Guillermina Bravo (Chacaltianguis, Veracruz, 13 de noviembre de 1920 - Santiago de Querétaro, 6 de noviembre de 2013) fue una bailarina mexicana además de coreógrafa y directora de ballet. Pilar de la danza moderna y nacionalista, fundadora del Ballet Nacional de México y creadora de más de 50 coreografías.
De 1947 a 1948, fue codirectora y fundadora, junto con Ana Mérida, de la Academia de la Danza Mexicana. Estableció, junto con Josefina Lavalle, la compañía de ballet nacional en la Ciudad de México en 1948, que ha sido localizada en Querétaro desde 1991, donde estableció también el Centro Nacional de la Danza Contemporánea.
Hija de Guillermo Nicolás Bravo y María de los Dolores Canales y Mondragón. Nació en Chacaltianguis, Veracruz. Estudió danza con Waldeen von Falkenstein y danza folklórica en la Escuela Nacional de Danza. También siguió cursos de música en el Conservatorio Nacional de Música. En 1938 atendió cursos impartidos por Estrella Morales, y enseñó la coreografía que había aprendido de forma autodidacta desde 1940 hasta 1945, mientras bailaba como bailarina del Ballet de Bellas Artes, en la Ciudad de México. Posteriormente se involucró en la creación de la Academia de la Danza Mexicana y el Ballet Nacional. Después de 1960 se retiró.
Murió en su casa en Santiago de Querétaro el 6 de noviembre de 2013, a los 92 años.
Reconocimientos
Se le otorgó el Premio Nacional Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 1979 y el Premio Nacional de Danza José Limón (1989). Es considerada figura principal de la danza moderna mexicana.
Francesca "Fanny" Cerrito (11 de mayo de 1817 - 6 de mayo de 1909) fue una bailarina de ballet y coreógrafa italiana. Era una bailarina que destacaba por la brillantez, la fuerza y la vivacidad de su baile. También fue una de las pocas mujeres en el siglo XIX en ser reconocida por su talento como coreógrafa.
Nacida en Nápoles, estudió con Carlo Blasis y los coreógrafos franceses Jules Perrot y Arthur Saint-Léon, el último de los cuales fue su esposo entre 1845 y 1851. Fanny Cerrito se formó en la escuela de ballet de la Ópera de San Carlo, más tarde bajo la supervisión de Salvatore Taglioni. Su primera aparición en el escenario fue en 1832 cuando obtuvo reconocimiento casi de inmediato. En 1836-1837 su fama comenzó a extenderse más allá de Italia y apareció en Viena para revelar algunas de sus propias obras coreografiadas.
En el balet "The Marquitante", Londres, 1844
De 1838 a 1840, continuó bailando con La Scala en Milán, donde ganó aún más atención. En 1843, Cerrito y Maria Taglioni bailaron en el mismo programa en Milán; Este evento causó tanta emoción que la ciudad se dividió entre las dos grandes bailarinas rivales. Mientras estaba en Milán, Fanny comenzó su colaboración con Jules Perrot, durante la cual coreografiaron a Ondine, ou La naïade (1843), así como Alma (1842) y Lalla Rookh (1846).
Más tarde, en 1845, su talento coreográfico fue reconocido después de que presentó su propio ballet, Rosida. Durante nueve temporadas, de 1840 a 1848, Cerrito se convirtió en una bailarina muy respetada en el Teatro de Su Majestad, Londres, donde el famoso chef Alexis Soyer creó un postre moldeado en su honor que fue coronado con una figura en miniatura de la bailarina misma, sin peso. en una espiral de zig-zag de azúcar hilado.
En 1845, Cerrito bailó en el Pas de Quatre con Marie Taglioni, Carlotta Grisi y Lucile Grahn.
Judith Ann Jamison nació el 10 de mayo de 1943 de Tessie Brown Jamison y John Jamison. Ella es una bailarina y coreógrafa estadounidense, mejor conocida como una bailarina de base moderna, aunque al principio estudió ballet y como directora artística del Alvin Ailey American Dance Theatre.
Judith Jamison nació y creció en Filadelfia, Pensilvania Su padre le enseñó a tocar el piano y el violín. Estuvo expuesta a la prominente cultura del arte en Filadelfia desde muy temprana edad. A los seis años, comenzó su formación en danza en la Escuela de Danza Judimar. Allí estudió con Marion Cuyjet, quien se convirtió en uno de los primeros mentores de Jamison. Bajo la tutela de Cuyjet, Jamison estudió ballet clásico y danza moderna. Los estudios Judimar fueron tratados como un "lugar sagrado" y siempre hubo una sensación de rendimiento y teatralidad en las clases de Cuyjet. A los ocho años, Jamison comenzó a bailar y comenzó a tomar clases de tap, acrobacia y técnica de Dunham (que se conocía como "primitiva").
Unos años más tarde, Cuyjet comenzó a enviar a Jamison a otros maestros para avanzar en su educación de danza. Aprendió el método Cechetti de Antony Tudor, fundador del Gremio de Ballet de Filadelfia, y estudió con Delores Brown Abelson, un graduado de Judimar que siguió una carrera de actuación en la ciudad de Nueva York antes de regresar a Filadelfia para enseñar. A lo largo de la escuela secundaria, Jamison también fue integrante de numerosas organizaciones deportivas, el Glee Club y el Philadelphia String Ensemble. Estudió Dalcroze Eurhythmics, un sistema que enseña el ritmo a través del movimiento.
A los diecisiete años, Jamison se graduó de Judimar y comenzó sus estudios universitarios en la Universidad de Fisk. Después de tres semestres allí, se transfirió a la Academia de Danza de Filadelfia (ahora la Universidad de las Artes) donde estudió danza con James Jamieson, Nadia Chilkovsky y Yuri Gottschalk. Además de sus clases de técnica, tomó cursos de Labanotación, kinesiología y otros estudios de danza. Durante este tiempo, también aprendió la técnica de Horton de Joan Kerr, que requería una gran fuerza, equilibrio y concentración.
En 1992, Jamison fue incluida en la hermandad de mujeres Delta Sigma Theta como miembro honorario.
En 1964, después de ver a Jamison en una clase magistral, Agnes de Mille la invitó a venir a Nueva York para actuar en un nuevo trabajo que estaba coreografiando para el American Ballet Theatre, The Four Marys. Jamison aceptó la oferta y pasó los siguientes meses trabajando con la compañía. Cuando las actuaciones terminaron y se encontró en Nueva York sin trabajo, Jamison asistió a una audición. Sintió que se desempeñó muy mal en la audición y afirmó: "Sentí como si tuviera dos pies izquierdos". Sin embargo, unos días después, Alvin Ailey, llamó a Jamison para ofrecerle un lugar. en su compañía - Alvin Ailey Dance Theatre.
Jamison hizo su estreno con Alvin Ailey Dance Theatre en el Harper Theatre Dance Festival de Chicago en 1965 en el Congo Tango Palace, y en 1966, realizó una gira por Europa y África con la compañía. Jamison siempre había tenido un gran interés en la identidad africana; por lo tanto, viajar a África con la compañía y tener la oportunidad de observar la cultura de primera mano fue una experiencia emocionante y valiosa para ella . Desafortunadamente, poco después, las complicaciones financieras obligaron a Ailey a poner su compañía en una pausa temporal. Durante este tiempo, Jamison bailó con Harkness Ballet y fue asistente del director artístico. En cuanto pudo regresó al Alvin Ailey Dance Theatre pasando los siguientes trece años bailando con ellos aprendiendo más de setenta ballets. "Con la compañía de Ailey, Jamison realizó muchas giras por el Departamento de Estado de Estados Unidos por Europa, yendo detrás de la Cortina de Hierro, así como en Asia y Turquía. Bailó un poco en Alemania, que según dice se convirtió en su segundo hogar". A lo largo de su carrera como actriz en la compañía, bailó en muchas de las obras más famosas de Ailey, incluidas Blues Suite y Revelations.
El 4 de mayo de 1971, Jamison estrenó el famoso solo, Cry. Alvin Ailey coreografió este baile de dieciséis minutos como regalo de cumpleaños para su madre, Lula Cooper, y luego lo dedicó a "mujeres completamente negras en todas partes, especialmente a nuestras madres". El solo es intensamente físico y emocionalmente agotador. Celebra el viaje de una mujer que sale de un mundo problemático y doloroso y encuentra la fuerza para vencer y conquistar. Nunca bailó la pieza completa de principio a fin hasta el estreno, la pieza recibió ovaciones de pie y aplausos críticos abrumadores, recompensando a Jamison con gran fama y reconocimiento en todo el mundo de la danza. Hoy, Cry sigue siendo favorita del público y todavía aparece en el repertorio de la compañía.
A lo largo de sus años con Alvin Ailey Dance Theatre, Jamison continuó actuando en todo el mundo. Junto con su trabajo con la compañía de Ailey, también apareció como artista invitada en el Ballet Cullberg, el Ballet Real sueco, el Ballet de San Francisco y muchas otras compañías. Bailó junto a muchos bailarines de renombre, incluida la leyenda del ballet Mikhail Baryshnikov, en un dúo titulado Pas de Duke, coreografiado por Alvin Ailey en 1976. Finalmente, en 1980, dejó la compañía de Ailey para actuar en el musical de Broadway, Sophisticated Ladies. Fue la primera experiencia de Jamison fuera del ámbito de la danza de concierto, y ella admite que inicialmente fue muy desafiante para ella. Era una atmósfera de rendimiento completamente diferente y requería una variedad de nuevas habilidades.
Además de actuar, Jamison quería la oportunidad de explorar trabajar con su propio grupo de bailarines. Comenzó a impartir clases magistrales en Jacob's Pillow en 1981 y pronto comenzó a coreografiar sus propios trabajos. Más tarde formó The Jamison Project con un grupo de bailarines con un fuerte deseo de trabajar y aprender. El Proyecto se estrenó el 15 de noviembre de 1988 en el Joyce Theatre de la ciudad de Nueva York, interpretando obras como Divining, Time Out y Tease. Más tarde, Jamison invitó a coreógrafos invitados, incluido Garth Fagan, a trabajar para la empresa.
En 1988, Jamison regresó al Alvin Ailey Dance Theatre como asociado artístico. Tras la muerte de Ailey, el 1 de diciembre de 1989, asumió el papel de directora artística y ha dedicado los siguientes 21 años de su vida al éxito de la compañía. Alvin Ailey Dance Theatre continuó prosperando a medida que Jamison continuó ensayando y reajustando clásicos del repertorio de la compañía, así como comisionó a distinguidos coreógrafos para crear nuevas obras para los bailarines. Jamison también continuó con la coreografía y creó bailes como Forgotten Time, Hymn, Love Stories y Among Us para la compañía. En julio de 2011, Jamison hizo la transición al papel de director artístico emérita y nombró a Robert Battle para el cargo de director artístico designado.
Sylvia del Villard Moreno (Santurce, San Juan de Puerto Rico, 28 de febrero de 1928 - San Juan de Puerto Rico, 5 de febrero de 1990) fue una actriz, coreógrafa y bailarina puertorriqueña. Fue una de las máximas portavoces de la cultura afropuertorriqueña.
Sylvia completó su educación elemental y superior en escuelas de Santurce. Luego cursó estudios universitarios de trabajo social y antropología en Fisk University de Tennessee, con becas otorgadas por el Gobierno de Puerto Rico. Posteriormente completó su enseñanza en la Universidad de Puerto Rico.
Esta cangrejera despertó su pasión por Africa mientras estudiaba en el City College of New York, donde se unió al grupo de baile y canción Africa House. Esta experiencia le ayudó a encontrar sus raíces africanas en las tribus yoruba e ibo de Nigeria. Estando en Nueva York, aprovechó su estadía para estudiar con Sonya Rudenka y con Leo Braun, este último maestro de canto y entrenador vocal del Metropolitan Opera Chorus.
Nacida el 28 de febrero de 1928 de la ponceña Marcoline Guilbert y el arecibeño Agustín Villard, Sylvia comenzó su carrera profesional en el País en 1963, cantando y declamando en el centro nocturno Ocho Puertas del Viejo San Juan. Desde ese momento se consagró a las artes, incursionando en distintos géneros.
Como actriz teatral se destacó en producciones como "La cuarterona", "El casorio", "Ay, papá, pobre papá, en el closet te enganchó mamá y que pena me da", "La muerte", "La tempestad", "El reto", "Gri Gri", "Las ventanas", "Let My People Go", la zarzuela "Cecilia Valdés", "Aquelarre tambó", la versión teatral de los poemas de Victorio Llanos, y "El baquiné" de Abelardo Díaz Alfaro, entre otras.
Trabajó en la gran pantalla en las producciones "The Time We Lost" y "The Americans Came Playing the Violin". Actuó también en "Los traidores de San Angel" del famoso argentino Leopoldo Torres Nilson. Ésta fue filmada en Puerto Rico y fue invitada al Festival de Cine de Cannes, Francia.
Brilló como bailarina y coreógrafa el las obras "Valley Without Echo", "Witches of Salem", "The Boyfriend", "The Crucible" y "Kwamina" en Estados Unidos. En Puerto Rico laboró en "Afro-Boricua Ballet", "Palesiana y Aquelarre", "Palesianísima", y distintas presentaciones de baile folklórico africano y afropuertorriqueño.
En 1968 fundó la compañía Teatro Afro-Boricua El Coquí. La Asociación Panamericana para el Festival del Nuevo Mundo los reconoció como los máximos exponentes de la cultura negra puertorriqueña y antillana, y les extendió un contrato para llevar su arte a varios países y presentarse en diversas universidades norteamericanas.
La declamadora, quien era amante de la obra poética de Luis Palés Matos, llevó su poesía desde América hasta Africa. En honor a él, del Villard abrió en la década del 70 el Teatro Luis Palés Matos en la Calle San Sebastián del Viejo San Juan. Allí presentó diversos proyectos artísticos. Luego de numerosas controversias con el vecindario, el Teatro cerró sus puertas, dejando un vacío para el mundo afroboricua y los amantes del arte.
Luego del cierre de su teatro, Sylvia se trasladó nuevamente a Nueva York. Allí fundó la compañía Soninke, la que se presentó repetidas veces en el Museo de Historia Natural de la mencionada ciudad. En 1981 fue designada primera y única directora de la oficina relacionada con la aportación africana a la cultura puertorriqueña, adscrita al Instituto de Cultura.
Sylvia bailó, cantó y declamó hasta el día de su muerte el 5 de febrero de 1990. Víctima de cáncer pulmonar, había regresado a Puerto Rico en 1989 para recibir tratamiento médico. Al momento de su deceso, Sylvia del Villard trabajaba en un proyecto cultural llamado Puerto Africa.
Fundación Nacional para la Cultura Popular
Doña Sylvia escribió obras como: El baquiné, Acquelarre Tambó, El reto, Gri-Gri y otras.
En 1993, el Banco Popular de Puerto Rico produjo un musical con la participación de muchos artistas conocidos titulado Ocho Puertas: Un Especial para la historia , que rindió homenaje a Del Villard entre otros artistas.
Debido a su gran dedicación al trabajo social comunitario, como el que ella realizó como miembro del programa Ciudad Modelo de San Juan 1971 en las comunidades pobres, donde junto al hoy conocido psiquiatra Dr. Wilfredo G. Santa , recorrían los callejones de comunidades desventajadas , se le ha dado su nombre a programas de tratamiento como el "Sylvia del Villard Continuing Day Treatment Program y en Chicago como parte del "Segundo Ruiz Belvis Cultural Center esta el " Sylvia del Villard Hall".
Carolyn Carlson (7 de marzo de 1943) es una coreógrafa norteamericana (de ascendencia finlandesa) de danza contemporánea, artista y poeta.
Carolyn es la directora del Centro Coreográfico Nacional en Roubaix y del Atelier de París en La Cartoucherie de Vincennes en París. Se le concedió el título de Chevalier des Arts et des Lettres de la República Francesa.
Carolyn estudió danza en la Escuela de Ballet de San Francisco y en la Universidad de Utah. En 1965 se incorporó a la compañía de danza Alwin Nikolais en Nueva York convirtiéndose en una bailarina excepcional de la compañía.
En 1968 ganó el Festival Internacional de Danza de París como mejor bailarina ( Danseur Meilleur ). En 1971 se incorporó a la compañía de danza Anne Béranger y en 1972 presentó Ritual pour un rêve mort en el Festival de Avignon . Sucesivamente fue invitada a unirse a la London School of Contemporary Dance como profesora , intérprete y coreógrafa.
En 1974 conoció a Rolf Liebermann y fue invitada a unirse a la Ópera de París como coreógrafa. En 1975 dirigió el Groupe de Recherches Théâtrales ( GRTOP ). Creaciones de este período incluyen Densidad 21,5 , Los Arquitectos , Esto, aquello y lo otro , Lenta, pesada y azul . A partir de 1974 enseñó improvisación y técnicas de composición en clases magistrales realizadas en la Rotonde de la Ópera .
En 1980 se encontraba en el "Teatro la Fenice" en Venecia. Las obras de este período incluyen Undici Onde ; Underwood , Lady Blue .
En 1985 regresó a París, donde actuó en el "Théâtre de la Ville " presenta Oscuro , Still Waters y otras obras. En 1991-1992 estuvo en Finlandia ( Elokuu ; syyskuu ; Maa ) . Ella también dirigió al Cullberg Ballet de Estocolmo durante dos años (Sub Rosa) .
Presentó varias coreografías en solitario como Lady Blue ( 1984 ), Vu d’ici ( 1995 ). Otros trabajos incluyen coreografías para bailarines como Nina Hyvärinen , Talia Paz, Marie -Claude Pietragalla , Tero Saarinen. En 1998, ganó el Premios Benois de la Danza como coreógrafa.
Fue directora del sector de la danza de la Bienal de Venecia (Bienal de Danza - Venecia , Italia) desde 1999 a 2002. Trabajos allí incluyen Parábola (1999), Portadores de luz (2000), J. Beuys canción (2001), Escritos sobre el agua (2002) . En Venecia abrió la academia de danza contemporánea Accademia Isola Danza y creó un festival.
Ha actuado en improvisaciones con artistas como Larrio Ekson, Jorma Uotinen, Malou Airaudo, y con músicos como Michel Portal, John Surman, René Aubry, Joachim Kuhn, Trilok Gurtu.
Carolyn crea piezas de repertorio para la Ópera de París ( Signes ), Ópera de Bordeaux (hidrógeno Jukebox) .
Cronología 1965-1971 - Figura principal de la empresa Alwin Nikolais 1974-1980 - Etoile- chorégraphe en el Ballet de la Ópera de París (GRTOP) 1980-1984 - Director Artístico del Teatro La Fenice , de Venecia 1985-1991 - Artista residente en el Théâtre de la Ville , Paris 1991-1992 - Artista residente en el Teatro de la ciudad de Helsinki y el Ballet Nacional de Finlandia 1994-1995 - Director artístico del Cullberg Ballet , Estocolmo 1999-2002 - Director Artístico de la sección de danza de la Bienal de Venecia A partir de 1999 - Dirección artística del Atelier de París - Carolyn Carlson , centro de Clases Magistrales Desde 2004 - Director Artístico del Centro Coreográfico Nacional de Roubaix Nord- Pas de Calais. https://es.wikipedia.org/wiki/Carolyn_Carlson http://www.dance.net/topic/1985443/1/Modern-Photos-Misc/The-Letter-E-o.html&replies=8
Bronislava Nijinska, de nacimiento Bronislava Fomínichna Nizhínskaya (8 de enero de 1891, Minsk - 21 de febrero de 1972, Pacific Palisades, California) fue una profesora, coreógrafa y bailarina de origen polaco, que emigró a París y finalizó su carrera como artista estadounidense.
Bronislava Nijinska se instruyó en el Ballet Mariinski de San Petersburgo y se unió a la compañía del Teatro Mariinski en 1908.
Al igual que su hermano Vaslav Nijinsky, bailó con los Ballets Rusos en París desde 1909. Hizo las coreografías de varios ballets para la compañía, como en Les Noces de 1923, The Blue Train de 1924 y Les Biches del mismo año.
Les Biches es un ballet de Bronislava Nijinska con música de Francis Poulenc, estrenado por los Ballets Russes en 1924. Algunos consideran que esta pieza es un hito en la historia del ballet. En 1938 se trasladó a Los Ángeles, donde inauguró una escuela de danza. Bronislava Nijinska hizo la coreografía de las secuencias de ballet, para el film que Max Reinhardt codirigió con William Dieterle, Sueño de una noche de verano de 1935. En esa la película trabajaron, como actores, Olivia de Havilland, Ian Hunter, James Cagney, Mickey Rooney, Joe E. Brown, Dick Powell y Victor Jory.
Continuó trabajando como coreógrafa invitada hasta inicios de los años 1960.
Encarnación López Júlvez, conocida artísticamente como La Argentinita (3 de marzo de 1898, Buenos Aires, 1895 - Nueva York- 24 de septiembre de 1945) fue una bailarina, coreógrafa y bailaora de flamenco hispanoargentina, hermana de la también bailarina y coreógrafa, Pilar López Júlvez.
Hija de inmigrantes españoles en Argentina, marchó a España con su familia de niña (1901). Su primera actuación en público fue con ocho años en el Teatro-Circo de San Sebastián. A partir de ese momento se la conoció por La Argentinita para distinguirla de la también célebre Antonia Mercé quien recibió el nombre de La Argentina. Después de recorrer España como niña prodigio, recaló en Madrid, trabajando en el Teatro La Latina, Teatro de la Comedia, Teatro de La Princesa, Teatro Apolo y el Teatro Príncipe Alfonso. Conjugaba el flamenco, el tango, las bulerías y los boleros, en una suerte de mezclas que resultaron una novedad en su época.
Su éxito la llevó a Barcelona y a Portugal, para recorrer luego América. A principios de la década de 1920 regresó de nuevo a España, trabajando en Madrid para retirarse momentáneamente en 1926. Su vuelta al espectáculo estuvo acompañada por una renovación artística que le unió a la generación del 27. Con piezas adaptadas a la tradición popular, recorrió Europa, triunfando en París y Berlín, y participó en los movimientos artísticos de la época, junto a Rafael Alberti, Federico García Lorca, Edgar Neville o Ignacio Sánchez Mejías, el denominado torero intelectual, hombre casado y que fue su amante.
Con la llegada de la Segunda República formó su propia compañía de ballet y preparó las primeras coreografías: Las calles de Cádiz, Sevillanas del siglo XVIII, El Café de Chinitas, El rango del escribano y El amor brujo. En esta nueva etapa el espectáculo viajó por España y París, donde fue reconocida como una de las artistas más importantes del flamenco de todos los tiempos. En 1931 había grabado un disco de canciones poulares, titulado Colección de Canciones Populares Españolas, acompañada al piano por Lorca, que había preparado los textos. La compañía de La Argentinita contaba con figuras del flamenco de la talla de Juana la Macarrona, La Malena, Fernanda Antúnez, Rafael Ortega y Antonio de Triana, que fue su pareja de baile hasta la década de 1940, siendo sustituido primero por Federico Rey, y después por José Greco.
Al terminar su periplo por España, llevó el espectáculo a América, espoleada también por la muerte en 1934 (a causa de una cornada), de Sánchez Mejías. Amplió el repertorio de obras y cosechó en 1936 un notable éxito en Nueva York. Huyó del país al desatarse la Guerra Civil Española, viajando por Marruecos (Casablanca), París, Londres, Países Bajos, Bélgica, y finalizada la guerra tras el triunfo del bando falangista, permaneció en el exilio en Estados Unidos. En 1943 presentó en el Metropolitan Opera House de Nueva York el cuadro flamenco El Café de Chinitas, con coreografía propia, textos de Lorca, decorados de Salvador Dalí y la orquesta dirigida por José Iturbi. Será el 28 de mayo de 1945 cuando realizó su última interpretación, también en el Metropolitan. Al término de la función, enferma, ingresó en un hospital donde fallecería en septiembre.
Entre los honores que recibió tras su fallecimiento se encuentra una placa en el Metropolitan Opera House, y las medallas de Alfonso X El Sabio y la Orden de Isabel la Católica.
Pilar López Júlvez (San Sebastián, 4 de junio de 1907 - Madrid, 25 de marzo de 2008), fue una bailarina y coreógrafa española.
Su familia residía en Madrid, lugar donde pasó la niñez. Era hermana mayor suya La Argentinita, a quien ofreció en Santander un homenaje con sólo cinco años. Tomó clases de piano y solfeo, y en el Teatro Romea conoció a Pastora Imperio y Amalia Isaura, entre otros artistas de la época. En 1923, con once años, inició su carrera de forma independiente. Trabajó en el Teatro Romea, en el Teatro de La Latina y el Teatro Principal, cosechando éxitos. Junto al bailaor Rafael Ortega "Rafaé" representó un espectáculo propio en el Teatro de La Comedia.
En 1933 trabajó por vez primera con su hermana en Cádiz donde se estrenaba la obra de La Argentinita, El amor brujo de Manuel de Falla. A partir de entonces ambas hermanas iniciaron juntas una nueva carrera profesional, siendo Pilar la segunda bailarina de la compañía.
Tras recorrer España, prosiguieron sus actuaciones en París en el Teatro de Champs Elysées y recorrieron América. Hasta mediada la Segunda Guerra Mundial viajaron varias veces a Buenos Aires, México, Centroamérica, Orán y París. En 1943 estrenaron en Nueva York El Café de Chinitas, en el Metropolitan Opera House. Con el éxito cosechado recorrienron Estados Unidos: Washington D.C., Boston, San Francisco y otras grandes ciudades norteamericanas.
En 1945, la muerte de su hermana, La Argentinita, llevó a Pilar a disolver la compañía. Tardó un año en regresar a los escenarios, ya con una compañía propia integrada por prestigiosos bailaores como José Greco o Manolo Vargas, guitarristas como Ramón Montoya y figuras como Pastora Imperio, que se incorporó en algunas representaciones. Estrenó en esta época Pepita Jiménez, el Boléro de Ravel, una nueva versión de El Café de Chinitas, El sombrero de tres picos y otras composiciones de autores como Chueca o Enrique Granados. De nuevo salió de España y recorrió Europa y América (París, Edimburgo, Helsinki, Estocolmo, Lisboa, Buenos Aires, Caracas).
Mientras sigue en su febril actividad, amplió el repertorio en los finales de los 40 y durante la década de los 50: Capricho Español, de Nikolái Rimski-Kórsakov, Puerta de Tierra, Triana, El Polo y Rumores de la Caleta de Isaac Albéniz, La zapatera y el embozado de Jesús Leoz y Ballet de Alberto Torres, en una adaptación de personajes de la obra poética de Federico García Lorca, además de otras adaptaciones coreográificas, entre las que destacó Madrid flamenco.
En los años 60 se incorporaron como bailarines Mario Maya y Antonio Gades, reforzando una compañía en constante ascenso. Los años 70 representaron la culminación de la fama de Pilar López. El repertorio se amplío con obras de Georges Bizet, y también la geografía de las representaciones que van desde Londres a Japón y Oriente Medio.
Entre sus numerosas condecoraciones y premios destaca la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes, la Cruz y el lazo de dama de la Orden de Isabel la Católica y otros reconocimientos, sobre todo en América y Francia.
La bailarina y coreógrafa, muy vinculada durante toda su carrera a Andalucía, muere en Madrid a los 95 años, un cuarto de siglo después de su retirada y convertida en un mito del baile nacional
La bailarina y coreógrafa Pilar López, hermana de la legendaria Encarnación López Júlvez La Argentinita, falleció la madrugada del lunes al martes en Madrid a los 95 años. Nacida el 4 de junio de 1912 en San Sebastián, en una familia de comerciantes de telas que se encontraba de paso. Muy vinculada a Andalucía, recibió la Medalla de Oro de la comunidad y fue galardonada con el título de Maestra del Baile en la Bienal de Sevilla, entre muchas otras distinciones. Fue su padre, un segoviano que viajaba con frecuencia a Argentina, quien la guió en sus gran afición al flamenco y a la danza.
Pilar y Encarnación López han sido referentes de El Güito, José Greco, Manolo Vargas, Rafael Ortega, Elvira Real, Alicia Díaz y, en especial, Antonio Gades.
Gran embajadora, junto con La Argentinita, de la cultura española, debutó profesionalmente con su hermana en 1933 con El amor brujo en el Teatro Falla de Cádiz. Viajaron a Argentina en 1935, y empezaron en el Teatro Colón de Buenos Aires, con una lluvia de ovaciones, una gira de más de un año por América. Regresaron a España unos días antes del estallido de la guerra civil, y optaron poco después por trasladarse a Argelia, París, Londres, Bélgica y Holanda.
La compañía de su hermana, formada por Pilar y los bailarines José Greco y Manolo Vargas, actuó durante cinco años en Estados Unidos, donde estrenaron con gran éxito sus coreografías de El bolero de Ravel y El Café de Chinitas, obra inspirada en una canción de Federico García Lorca y con decorados dalinianos; ambas en Nueva York.
La muerte de La Argentinita (en septiembre del 45 en la Gran Manzana) provocó el regreso de Pilar a España con los restos mortales de su hermana. A finales de los 40 montó su propia compañía, el Ballet Español, que se estrenó con El sombrero de tres picos, hasta entonces sólo interpretado por Léonide Massine, el sucesor de Nijinsky, y los Ballets Rusos.
Hizo suyas otras coreografías, como Agua, azucarillos y aguardiente, Capricho español de Rimsky-Korsakof, la Puerta de Tierra de Albéniz, Soleares y la Suite vasca de José María Franco. Pilar López paseó su arte en los años 50, 60 y 70 por Cuba, México, Brasil, Venezuela, Reino Unido, Bélgica, Francia, Portugal, Suecia o Finlandia, países donde se admiró su prestigio, que desde hacía años tenía un alcance mundial. Estrenó en 1952 el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo en Valencia. Momentos estelares de sus giras fueron también la que hizo en Oriente Próximo y Japón o su actuación ante la Reina Isabel II de Inglaterra.
Dejó de bailar en 1974 y se jubiló en 1982. Sólo en tres ocasiones retomó la actividad, únicamente para revisar los pasos del Concierto de Aranjuez que hicieron el Ballet Nacional Español de Antonio Gades (1979) y el Ballet Nacional de España de Elvira Andrés (2001 y 2002). Recibió dos homenajes en 1997 y 1998, el primero durante el Festival del Cante de las Minas, que le dedicó el libro Pilar López: Una vida para el baile, de Ángel Álvarez Caballero, y el segundo a cargo del Ballet Nacional de España, con motivo del vigésimo aniversario de su formación.
Estaba casada con el músico y director de orquesta Tomás Ríos, poseía una rica biblioteca comprada por su hermana al poeta sevillano Fernando Villalón, y la música, la pintura, el teatro, la lectura y la encuadernación fueron, junto con el baile, sus grandes aficiones durante toda su vida.
Nellie Campobello Luna (Villa Ocampo, Durango, 7 de noviembre de 1900 - 9 de julio de 1986) fue una escritora, bailarina, coreógrafa y poeta mexicana, reconocida como creadora del Ballet de la Ciudad de México, sus estudios de las danzas autóctonas y su perspectiva narrativa de la Revolución Mexicana.
Su verdadero nombre fue María Francisca Moya Luna y fue la tercera de seis hijos de la unión entre Rafaela Luna y Jesús Felipe Moya Luna.
Pasó su infancia en Hidalgo del Parral, Chihuahua donde estudió en el Colegio Inglés de la Colonia Rosales. Luego del deceso de su padre combatiendo en la batalla de Ojinaga el 11 de enero de 1914, su madre volvió a casarse con el médico Stephen Campbell Reed, de Boston, cuyo apellido, sus hijastros asumieron, y que fue luego modificado a Campobello por la propia Nellie. En 1922 falleció su madre, una de las principales protagonistas de sus escritos. Escribió un cuento sobre ella que tituló "Las manos de mamá" (1937).
En 1923 emigró a la ciudad de México junto con algunos miembros de su familia, donde continuó sus estudios de danza clásica. Ahí, junto con su hermana Gloria Campobello, fundó la primera escuela de danza en México (1932) de la cual Nellie Campobello fue nombrada primero ayudante sub-directora y posterior fue directora de la misma (1937-1984), donde en 1931 estrenan en el estadio nacional la coreografía 30-30 con mas de 100 bailarines en escena que representa el triunfo de la revolución en tres escenas musicalizada con La marcha zacatecana, al mismo tiempo aparece la primera publicación de Cartucho la cual ha ido aumentado en contenido conforme a las nuevas ediciones. Esta escuela formó parte de la Secretaría de Educación Pública (1921) que bajo el manifiesto del presidente Lázaro Cárdenas de que "el arte que no sea consolidado con el dolor del pueblo no es arte", las hermanas Campobello fundamentaron su quehacer artístico y creativo como una danza política y nacionalista. En 1943 funda el Ballet de la Ciudad de México trabajo que hace de manera conjunta con su hermana Gloria, Martín Luis Guzmán y José Clemente Orozco, para este año ya había creado en conjunto con su hermana varias piezas de ballet, y también el numero de sus publicaciones había aumentado para estos tiempos ya que había una nueva edición de Cartucho (1940) y dos escritos mas: Apuntes sobre la vida militar de Francisco Villa (1940) y Ritmos Indígenas (1940), este ultimo escrito con su hermana Gloria.
También se dice que durante estos años (1943-1947) Guzmán es una acompañante permanente de ella e incluso se crean los rumores de haber vivido una relación intensa en secreto, hasta la muerte de Guzmán en 1976, en este sentido, uno de sus discípulos de Nellie señalo “pero nunca los vimos tomados de la mano o echándose miraditas….él la llamaba Señorita Nellie y ella Señor Guzmán” , a lo que ella misma contesto en una ocasión al ser entrevistada por Patricia Aulesia: “Nunca me creo de los changos, a ves, que me digan cuando me han visto con uno…nunca me he enamorado de nadie. Nunca!” Declaración que, desde cierta perspectiva, no niega la posibilidad de su relación con Guzmán.
En 1984, a sus 84 años de manera súbita desapareció de los lugares que frecuentaba, así como sus pertenencias y valiosas pinturas de Diego Rivera y de José Clemente Orozco. En 1998, la "Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal" investigó y descubrió que Nellie murió el 9 de julio de 1986, y que había sido enterrada en el "Cementerio Progreso de Obregón" en Hidalgo. Se supone que fue secuestrada por Claudio Fuentes Figueroa y/o Claudio Niño Cienfuentes y su esposa María Cristina Belmont. Afortunadamente muchas de sus coreografías de danzas indígenas fueron rescatadas. Sus restos fueron trasladados a Durango en 1999.7 Nunca se casó, y tuvo varios romances. Se descubrió que tuvo un hijo (que vivió de 1919 a 1921) con Alfredo Chávez, gobernador de Chihuahua. También Germán List Arzubide dijo que se enamoraron.
Fue una de las pocas mujeres que participaron centralmente de los grupos intelectuales de México; habiendo sido muy amiga de Federico García Lorca y de Langston Hughes, a quienes les tradujo sus poesías al inglés.
Está considerada la única escritora mexicana de prestigio, que publicara relatos (semiautobiográficos) durante la Revolución Mexicana de 1910-1920. Es por eso que se suele referirse a ella como: "La centaura del norte", como por ejemplo ocurre en su biografía titulada "Nellie Campobello, la centaura del norte".
"Cartucho" es considerada una obra clásica de la literatura de la Revolución Mexicana, que muestra a los villistas con una luz favorable en un momento en que en la mayoría de la literatura se les criminalizaba tildándolos por la historia oficial de todos subversivos y bandoleros.
Obras
Poesía
Yo: versos, ed. L.I.D.A.N. 32 pp. 1919
Yo, 1928
Las Manos de Mamá: Tres Poemas: Mis Libros, edición ilustrada de Factoría, 150 pp.
Tres poemas, ed. Cía. General de Ediciones, 39 pp. 1957
Cuento
Cartucho: Relatos de la lucha en el Norte de México, 1931; reeditó 2ª edición en 1940 E.D.I.A.P.S.A. 211 pp.
Cartucho; and, My mother's hands. Texas Pan American series. Ed. Univ. of Texas Press, 129 pp.
Francisca Yo!, el libro desconocido de Nellie Campobello (reeditó en 2004 Nueva Vizcaya Editores, 208 pp. Con Jesús Vargas Valdez, Flor García Rufino)
Ensayo
Apuntes sobre la vida militar de Francisco Villa, ed. E.D.I.A.P.S.A., 195 pp. 1940
Ritmos Indígenas de México, con Gloria Campobello, 240 pp. 1940
Selecciones, recopilaciones
Mis libros, 511 pp. (ilustrado por José Clemente Orozco) 1960
Obra reunida Ed. Fondo de Cultura Económica, 378 pp.2007 en línea
Correspondencia
Nellie Campobello, Epistolario a Su Terruño. Con José de la O. Holguín, ed. ilustrada de BPR Publishers, 236 pp.
Alicia Alonso (La Habana, Cuba, 21 de diciembre de 1920-Ib., 17 de octubre de 2019) nacida Alicia Ernestina de la
Caridad del Cobre Martínez del Hoyo. Prima Ballerina
Absoluta del Ballet Nacional de Cuba, bailarina y coreógrafa cubana.
Considerada como una leyenda y muy famosa por sus representaciones de Giselle y Carmen, además de otras
grandes obras del repertorio clásico y romántico. Es sin dudas, la figura
cimera del ballet en iberoamérica y uno de los grandes mitos de la danza en
toda su historia.
Alicia Alonso nació en La
Habana, Cuba, hija de padres españoles, fue la más pequeña de cuatro
hermanos y comenzó el aprendizaje de la danza a la edad de nueve años. Empezó
sus estudios de ballet en la Sociedad Pro-Arte Musical, fundada con
aportaciones privadas por María Teresa Garcia Montes en La Habana, con Sophia
Fedorova y bailó en Cuba con el nombre de Alicia Martínez. Después de casarse
con Fernando Alonso (bailarín) cuando tenía quince años, en
Estados Unidos, cambió su apellido por el de Alonso. Cuando Alicia llegó a la
ciudad de Nueva York estudió con Anatole Vilzak y Ludmilla Shollar en la
escuela del American Ballet Theater y después con Vera Volkova en Londres.
Desde los diecinueve años, Alicia padeció de un defecto en
un ojo por lo que era parcialmente ciega. Sus compañeros tenían que estar
siempre en el lugar exacto donde ella esperaba que estuviesen y utilizaba luces
en sitios diferentes del escenario para que la guiaran.
En Nueva York, Alicia bailó en los musicales de Great
Lady en 1938 y Stars in your eyes en 1939. Fue solista en el
American Ballet en 1939 y 1940.
Alonso fue una de los miembros fundadores del American Ballet Theater en
1940 y en1943 se
convirtió en una de sus bailarinas más destacadas. El 2 de noviembre de ese
mismo año, la Alonso protagonizó la famosa sustitución en Giselle que debió ser
interpretado por otra grande, Alicia Markova, la cual no pudo bailar, papel que
fue asumido emergentemente por Alicia. Desde entonces Alonso se hizo
mundialmente famosa con el personaje de la inocente campesina, engañada y
convertida en Willy. En el American Ballet, Alonso recreó papeles principales
en la obra de Anthony Tudor llamada Undertow y en Theme and
Variations de George Balanchine, una de sus más grandes creaciones. Debido
a una enfermedad que tuvo Nora Kaye, Alonso pudo bailar como prima ballerina en Fall
River Legend de Agnes De Mille en 1948. En el American
Ballet Theater pudo trabajar con Michel Fokine,
George Balanchine, Léonide
Massine, Bronislava Nijinska, Anthony Tudor, Jerome
Robbins y Agnes de Mille, además de otros coreógrafos relevantes de nuestro
siglo. La pareja formada por Alicia e Igor
Youskevitch fue uno de los mejores equipos y junto a él pudo
participar en los Ballets Rusos en Montecarlo en 1955.
Entre 1955 y 1959, Alicia bailó cada año con los Ballets Rusos de
Montecarlo como estrella invitada. Fue la primera bailarina del hemisferio
oeste en actuar en la entonces Unión Soviética y la primera representante
americana en bailar con el Bolshoi y
el Kirov en los teatros de Moscú y
Leningrado (San Petersburgo) en 1957 y 1958 respectivamente.
Durante décadas Alicia Alonso siguió haciendo giras mundiales en países
europeos, en Asia, en el norte y sur de América y bailó como estrella invitada
en el Ballet de la Ópera de París, con el Royal Danish Ballet, con
el Bolshoi y con otras muchas compañías.
Ha representado sus versiones de Giselle, el Grand
Pas de Quatre y La Bella Durmiente del Bosque para la Ópera de París entre otras. También ha
representado Giselle en la Ópera de
Viena y en el teatro San Carlo de Nápoles,
en Italia; La
Fille Mal Gardée en la Ópera dePraga y La Bella Durmiente en el Teatro alla
Scala en Milán.
En junio de 2002 fue nombrada embajadora de buena voluntad de Unesco por
su destacada contribución al desarrollo, conservación y divulgación de la danza
clásica y por su devoción al medio de expresión artística, por lo que ha
promovido los ideales de Unesco y la asociación de gentes y culturas del mundo.
A lo largo de sus más de 50 años en el mundo del ballet ha
recibido 127 reconocimientos internacionales.
Martha Graham (Pittsburgh, Pensilvania 11 de mayo de 1894 — Nueva York, 1 de abril de 1991), fue una bailarina y coreógrafa estadounidense de danza moderna cuya influencia en la danza es equiparada a la que tuvo Picasso en las artes plásticas, Stravinsky en la música o Frank Lloyd Wright en la arquitectura. Para ella, la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del descubrimiento de principios primigenios.
Martha Graham nació en Pittsburgh y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el baile aunque no fue hasta los 22 años (1916) cuando se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En esta histórica escuela Ruth St. Denis pide a Ted Shawn que la tome como alumna ya que le es imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna.
Se abrió paso sola pero con el constante apoyo de Louis Horst, un músico que trabajaba como acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical. En 1923, después de una intensa colaboración como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, Martha Graham abandona el Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en Greenwich Village Follies y en el Eastman Theater. En 1925 Graham se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Durante dos años en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías; asiste a una demostración de la bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shaw, queda impresionada de la utilización del suelo que hace la bailarina y a partir de ello se percata del control que puede efectuarse sobre los músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la fuente de energía del bailarín.
En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.
En la Universidad de Bennington en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller de las artes en danza. En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard
En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo al escenario los serios problemas que experimentaba el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.
La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.
Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.
Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud.), recibio el Premio Kennedy y la Medalla Nacional de las Artes.
En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.
.jpg)
.png){kind=link}
