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jueves, 19 de agosto de 2021

Kathleen Parlow violinista


Kathleen Parlow en 1905
Kathleen Parlow (20 de septiembre de 1890 en Fort Calgary, Alberta - 19 de agosto de 1963 cerca de Toronto, Ontario) fue una niña prodigio con su sobresaliente técnica con el violín, que le valió el sobrenombre de "La dama del arco dorado".  Aunque dejó Canadá a la edad de cuatro años y no regresó de forma permanente hasta 1940, Parlow fue a veces catalogada como "La violinista canadiense". 


La madre de Parlow, Minnie, la llevó a vivir a San Francisco cuando Kathleen tenía cuatro años. Minnie Parlow le compró a su hija un violín de tamaño medio en San Francisco, y Kathleen comenzó a recibir lecciones de un primo suyo que era profesor de violín profesional, Conrad Coward. Su progreso fue muy rápido con el instrumento y pronto comenzó a recibir lecciones de  Henry Holmes.

Para convertirse en un violinista profesional de primer nivel y comenzar una carrera de concierto, Parlow siguió la ruta habitual de los norteamericanos y se mudó a Europa. Kathleen y su madre llegaron a Londres el 1 de enero de 1905. Al asistir a un concierto de Mischa Elman, los Parlow decidieron buscar al maestro de Elman, Leopold Auer. Minnie y Kathleen Parlow habían llegado a Londres con $ 300 recaudados por su iglesia en San Francisco, lo cual no fue suficiente para llevarlas a San Petersburgo, donde Auer era profesor. Para pagar el costo del viaje, los Parlow obtuvieron un préstamo de Lord Strathcona, el Alto Comisionado de Canadá.  La pareja viajó a Rusia y, en octubre de 1906, Kathleen Parlow se convirtió en la primera extranjera en asistir al Conservatorio de San Petersburgo. En su clase de cuarenta y cinco estudiantes, Parlow era la única mujer.


A los 17 años, después de haber pasado un año en el conservatorio, Parlow comenzó a realizar representaciones públicas.  Dio actuaciones en solitario tanto en San Petersburgo como en Helsinki. Parlow y su madre tenían poco dinero y de otra manera no podrían mantenerse. Poco después, Kathleen hizo su debut profesional en Berlín, y luego comenzó una gira por Alemania, Holanda y Noruega. En Noruega actuó para el rey Haakon y la reina Maud, de quienes se convertiría en una de las favoritas. Allí también conoció a Einar Bjørnson, un rico noruego (hijo del premio Nobel Bjørnstjerne Bjørnson) que se convertiría en su amigo y mecenas. Bjørnson compró para Parlow un violín Guarnerius del Gesù, fabricado en 1735. El violín costaba £ 2000 y anteriormente había sido propiedad de Viotti. 

Parlow viajó por Europa con su madre actuando durante cinco años. Auer siguió siendo una fuerte influencia en Parlow, quien se refirió a él como "Papa Auer". Su madre y Auer organizaron conciertos y oportunidades para Kathleen, incluidos conciertos con directores famosos como Thomas Beecham y Bruno Walter.

En noviembre de 1910, Kathleen Parlow regresó a América del Norte para realizar una gira. Parlow actuó en Nueva York, Filadelfia, Montreal, Quebec, Ottawa y Kingston. Su primera actuación con la Orquesta Sinfónica de Toronto fue el 16 de marzo de 1911. Al regresar a su lugar de nacimiento en el oeste de Canadá, Parlow actuó en Calgary, Regina, Moose Jaw, Saskatoon, Edmonton, Vancouver y Victoria. Sus actuaciones fueron alabadas  y tanto la madre como la hija Parlow se sintieron complacidas por su acogida positiva en el oeste de Canadá.


Parlow regresó a Inglaterra con su madre en 1911 para más conciertos. Su madre seguiría siendo su constante compañera de viaje hasta bien entrada la edad adulta. Actuó en el Festival de Ostende, preparándose nuevamente con Auer. Parlow mantuvo un intenso programa de giras, cruzando y volviendo a cruzar el Atlántico para recorrer Europa y América del Norte. Participó en un concierto benéfico para los supervivientes del Titanic e hizo su primera grabación a petición de Thomas Edison.  Firmó con Columbia Records para producir grabaciones.

Hasta 1912, Parlow había actuado principalmente como solista, pero después de conocer a Ernesto Consolo, un pianista italiano, comenzó a tocar música de cámara. 

Los Parlow estaban en Inglaterra cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Durante la guerra, Parlow realizó una gira por naciones neutrales de Europa como Holanda, Dinamarca, Noruega y Suecia. Regresó a América del Norte para realizar una gira en la primavera de 1916, luego volvio a Inglaterra, pero la creciente dificultad para viajar la mantuvo allí hasta 1919. Su antiguo maestro emigró a Nueva York en esta época debido a la situación política en Rusia, pero Parlow trabajaba con él cada vez menos.

Kathleen Parlow comenzó su quinta gira por Norteamérica en diciembre de 1920, y dio su primera actuación en la radio en Seattle en abril de 1922.  Después de esto,  realizó una gira de 22 meses que incluyó a Hawái, Indonesia, China, Singapur, Corea y Japón. Hizo grabaciones para Nipponophone Company mientras estaba en Japón.

Parlow continuó de gira, regresando a Europa, pero en 1926 se tomó un descanso. Motivada por el estrés de viajar o quizás por una relación rota, dejó de actuar durante un año. Para renovar su carrera, viajó a México para conciertos. Allí fue elogiada por los críticos, pero su situación financiera siguió siendo mala. Su gira por México en 1929 fue la primera sin su madre.

Con su carrera de conciertos no particularmente rentable, Parlow buscó otras opciones profesionales. En 1929, fue nombrada miembro de la facultad de Mills College en Oakland, California.  Recibió una maestría honoraria en artes de Mills College en 1933. Mientras estaba en Mills College, comenzó a tocar en cuartetos de cuerda, en los que tocaba el violín, y en 1935 formó el South Mountain Parlow Quartet.

En 1936, Parlow aceptó un puesto en la Juilliard School of Music. Permaneció allí hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando regresó a Canadá y dio una serie de recitales de conferencias en el Conservatorio Real de Música de Toronto. Escribió a Sir Ernest MacMillan sobre un puesto permanente en el Real Conservatorio de Música y obtuvo uno en 1941. Mientras estuvo allí, fue profesora de la cantante Gisèle LaFleche, el violinista Ivan Romanoff y el director Victor Feldbrill.


También se convirtió en una intérprete habitual de la Orquesta Sinfónica de Toronto, lo que le aportó ingresos adicionales.  En Toronto, organizó el Canadian Trio, en el que actuó con Zara Nelsova tocando el violonchelo y Sir Ernest MacMillan tocando el piano. El trío debutó con una interpretación del Trío en Si bemol mayor de Schubert, y del Trío en La mayor de Haydn y del Trío en La menor de Tchaikovsky.  Recibieron excelentes críticas y el trío continuó actuando en el sur de Ontario, así como en la radio, hasta 1944.

El Canadian Trio ganaba hasta $ 750 por actuación.  Inspirada por este éxito, Parlow comenzó su tercer cuarteto de cuerdas en 1942, llamado Parlow String Quartet. El cuarteto también incluyó a Isaac Mamott en violonchelo, Samuel Hersenhoren como segundo violín y el violinista John Dembeck. Parlow hizo todo el trabajo administrativo del cuarteto. El cuarteto ofreció conciertos en Canadá, tanto en vivo como por radio, pero no viajó a ningún otro país. Su primera actuación fue transmitida por la Canadian Broadcasting Corporation en 1943, y permanecieron juntos durante 15 años. Durante este tiempo, Parlow siguió siendo el jefe del cuarteto, pero los otros intérpretes fueron reemplazados ocasionalmente.

A medida que la carrera de Parlow comenzó a decaer, su situación financiera empeoró progresivamente y Godfrey Ridout y otros amigos establecieron un fondo para apoyarla. En octubre de 1959, fue nombrada directora de la Facultad de Música de la Universidad de Western Ontario, que le proporcionaba unos ingresos muy necesarios. Murió el 19 de agosto de 1963  estableciéndose la Beca Kathleen Parlow para intérpretes de instrumentos de cuerda en la Universidad de Toronto, con el dinero de su patrimonio y 40.000 dólares  de la venta de su violín. 

Una biografía escrita por su prima, Maida Parlow French, apareció en 1967.


https://en.wikipedia.org/wiki/Kathleen_Parlow
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miércoles, 18 de agosto de 2021

Elena Garro guionista, periodista y escritora mexicana


Elena Delfina Garro Navarro (Puebla, 11 de diciembre de 1916-Cuernavaca, 22 de agosto de 1998) fue una guionista, periodista y escritora mexicana.​ Es comúnmente relacionada con el realismo mágico y considerada una renovadora de la literatura fantástica, si bien ella misma rechazó esta identificación por considerarla una etiqueta mercantilista. Asimismo, algunos críticos consideran que la obra de Juan Rulfo y los tres primeros libros de Garro, Un hogar sólido (1958), Los recuerdos del porvenir (1963) y La semana de colores (1964), iniciaron este primer movimiento literario,​

A través del ejercicio de la escritura, retrató los sentimientos de toda una generación, sin dejar de lado la lucha constante contra tabúes y atavismos; todo ello desde una mirada femenina.

A pesar de ser casi desconocida fuera de su país, México, Garro fue una de las figuras más interesantes de la dramaturgia mexicana. Participó plenamente del concepto del teatro como comunicación poética, ilógica y, más allá de las diferencias de técnicas y contenidos, incluso dentro del movimiento llamado teatro del absurdo. No obstante la variedad temática y técnica en el teatro de Garro demostraron una marcada preferencia por el tema de las relaciones entre diversos aspectos de la realidad y aun entre diversas realidades. Sus personajes oscilan entre realidad e ilusión. Asimismo, a base de elementos folclóricos, construye un mundo en el cual desaparecen las fronteras entre la realidad tal y como la percibimos diariamente, dando así otro mundo, ilusorio, pero acaso también más real en lo que toca a la verdad anímica del ser humano.

Estuvo casada con el también escritor Octavio Paz, a quien conoció en la UNAM y con quien tuvo una hija, Laura Helena Paz Garro.

Elena Garro nació en Puebla de Zaragoza hija de padre español de nombre José Antonio Garro Melendreras y de madre mexicana originaria de Chihuahua llamada Esperanza Navarro. Fue criada en Iguala, Guerrero siendo la tercera de cinco hermanos.

En su adolescencia, entre los 12 y 13 años, regresó a la Ciudad de México para realizar sus estudios primarios y secundarios. Posteriormente, estudió en la preparatoria en el Antiguo Colegio de San Idelfonso de la Universidad Nacional Autónoma de México. Más adelante ingresó a la carrera Letras Españolas de la misma universidad, pero quedó inconclusa debido a que contrajo matrimonio.

Incursionó en las disciplinas de danza, coreografía y teatro, participó en el Teatro Universitario en la obra Las Troyanas, dirigida por Julio Bracho, donde colaboró con Isabela Corona, Deva Garro y Rodolfo Landa. Apareció en obras de Rodolfo Usigli y en el corto Humanidad (1933) de Adolfo Best-Maugard. Tiempo después realizó estudios de posgrado en la Universidad de California en Berkeley y en la Sorbona, Francia.


Durante la Guerra Civil Española (1936-1939) y a la edad de 21 años, Elena viajó a España junto con su entonces pareja Octavio Paz al II Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura en Valencia.

El resultado de este viaje fue el relato de su experiencia en Memorias de España 1937, publicado en 1992, donde describe de forma crítica y sensible las personalidades y actitudes de los intelectuales asistentes.​

La literatura de Garro "exige el pensamiento flexible del lector por la presencia de temas feministas así como a un lector capaz de entender la desacralización de la violencia revolucionaria".

Dentro de su carrera literaria sus obras se pueden bifurcar de forma cronológica: la primera corresponde a un volumen de obras de teatro de un solo acto, catalogadas de excelentes por la crítica, son estudiadas y puestas en la escena continuamente; su gran novela Los Recuerdos del Porvenir (1963), y un libro de cuentos La Semana de Colores (1964). Tres años más tarde, Felipe Ángeles, una pieza teatral.


Su obra fue interrumpida por un silencio de más de diez años a causa de su autoexilio en Europa, derivado de las supuestas acusaciones, por parte de la escritora, a intelectuales como instigadores, durante el Movimiento Estudiantil de 1968.​ A raíz de esto, las supuestas publicaciones en la prensa le provocaron un rechazo de la comunidad intelectual mexicana de ese tiempo, lo que la llevó al autoexilio en Estados Unidos y luego en Francia durante veinte años. Sin embargo, su postura durante este periodo no fue definida y está permeada de varios matices.

Desarrolló la segunda etapa de su labor literaria luego de su regreso a la Ciudad de México, de 1973 a 1992, cuando escribió, entre otras:

Reencuentro de Personajes (1982), y

Memorias de España 1937 (1992).

Elena escribió, dentro de sus relatos, temas que trastocaban a la sociedad mexicana de la época, como la marginación de la mujer, la libertad femenina y la libertad política en Felipe Ángeles. Su figura literaria se ha considerado como un símbolo libertario.

Durante su carrera literaria, se le catalogó como precursora del Realismo Mágico, término que despreció porque consideraba que «era una etiqueta mercantilista que le molestaba, porque decía que el realismo mágico era la esencia de la cosmovisión indígena, por lo tanto nada nuevo bajo el sol», explicaba su biógrafa Patricia Rosas Lopátegui.​

La sombra de Octavio Paz era muy alargada y Elena no tuvo durante su vida el reconocimiento merecido. Algunos críticos la consideran la segunda escritora mexicana más importante, tras Sor Juana Inés de la Cruz.

Jorge Luis Borges, Silvina Ocampo y Adolfo Bioy Casares, publicaron en 1967, en su segunda edición de la Antología de la literatura fantástica, una breve obra de teatro de la escritora: Un hogar sólido.

Numerosos autores señalan su novela Los recuerdos del porvenir (1963), escrita cuatro años antes que Cien años de soledad, como el inicio del Realismo Mágico.

El crítico mexicano Sergio Callao ha señalado las similitudes entre las protagonistas de su novela Los recuerdos del porvenir y la de Pedro Páramo de Juan Rulfo; en ambas hay una denuncia del caciquismo y de las cuentas pendientes de la revolución en el medio rural.



https://moreliafilmfest.com/elena-garro-cuando-el-cine-y-la-literatura-se-encuentran/

https://verne.elpais.com/verne/2016/12/02/mexico/1480705412_173826.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Elena_Garro

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martes, 17 de agosto de 2021

María Alinda Bonacci Brunamonti poeta y erudita italiana



Maria Alinda Bonacci Brunamonti (21 de agosto de 1841 - 3 de febrero de 1903)  fue una poeta y erudita italiana.  Su poesía trataba sobre temas de su momento  y se convirtió en la primera mujer en Italia en votar.

Bonacci Brunamonti publicó su primera poesía a los 14 años.  Su lema era innovare serbando ("innovación a través de la conservación").  La poesía de Bonacci Brunamonti exploró conflictos, como el levantamiento de Perugia de 1859 , la Batalla de Magenta y la Batalla de Solferino .  Como católica devota , dedicó algunas de sus obras al Papa Pío IX .  Su poesía usó estructuras clásicas de métrica y verso.  Bonacci Brunamonti se vio obligado a dejar de escribir tras sufrir un derrame cerebral en 1897. 


El 9 de noviembre de 1860, se le permitió votar en un plebiscito sobre la anexión de Marche y Umbría al Piamonte, debido a su poesía política. Fue la primera mujer en Italia en votar. 

Su padre fue Gratiliano Bonacci (1802-1871), era abogado y profesor de retórica. Se casó con Pietro Brunamonti en 1868. 

María Alinda Bonacci Brunamonti nació y murió en Perugia , y vivió allí durante gran parte de su vida,  También visitaba con frecuencia el lugar de nacimiento de su padre, Recanati . Enseñó en la Universidad Sapienza de Roma .  Fue pintora de acuarela de flores y plantas. 



https://it.wikipedia.org/wiki/Maria_Alinda_Bonacci_Brunamonti

https://www.cronachecult.it/alinda-bonacci-brunamonti-la-poestessa-verso-linfinito/

https://en.wikipedia.org/wiki/Maria_Alinda_Bonacci_Brunamonti

https://www.facebook.com/Maria-Alinda-Bonacci-Brunamonti-282865215118522/

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lunes, 16 de agosto de 2021

Consuelo Velázquez Torres grandisima compositora mexicana

 


Consuelo Velázquez Torres (Ciudad Guzmán, Jalisco, 21 de agosto de 1916-Ciudad de México, 22 de enero de 2005), popularmente conocida también como Consuelito Velázquez, fue una pianista y compositora mexicana.

Originaria de Ciudad Guzmán, fue la menor de las cinco hijas del militar y poeta Issac Velázquez del Valle y su esposa, María de Jesús Torres Ortíz.​ A los 4 años de edad comenzó a demostrar un buen oído y grandes aptitudes para la música, por lo que con apenas 6 años se inició en los estudios de música y piano en la academia Serratos, en Guadalajara. Después de varios años de estudio, se trasladó a México, D.F., donde prosiguió con sus estudios y obtuvo la licenciatura de pianista concertista y maestra de música. Su concierto de grado se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes de la capital y poco después se inició como compositora de música popular. Como concertista de piano, fue solista de la Orquesta Sinfónica Nacional (México) y de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México.


Como compositora su legado ha sido más notorio. Sus primeras composiciones, No me pidas nunca, Pasional y Déjame quererte, fueron de naturaleza romántica. Luego, surgieron, entre otras, canciones como Bésame mucho, Amar y vivir, Verdad Amarga, Franqueza, Chiqui, Cachito, Que seas feliz, Enamorada, Orgullosa y bonita y Yo no fui . Destaca su participación como actriz en la película argentina de 1938 Noches de Carnaval,​ dirigida por el cineasta Julio Saraceni. También participó como pianista en las películas mexicanas del director Julián Soler Se le pasó la mano​ de 1952 y Mis padres se divorcian​ de 1959. Además, apareció en el documental sobre su vida Consuelo Velázquez​ de 1992. A lo largo de su vida, compuso música para varias películas mexicanas.



Su éxito más conocido: Bésame mucho, bolero compuesto cuando sólo tenía 16 años, fue la melodía que más satisfacciones trajo a Velázquez, y que se convirtió en su carta de presentación. Esta canción fue creada antes de que Consuelo recibiera su primer beso de amor. Bésame mucho es conocida también como Kiss Me Much, Kiss Me a Lot, Kiss Me Again and Again, Embrasse-Moi y Stale Ma Boskavaj. Traducida a más de veinte idiomas, la canción llegó a ser todo un icono dentro de la música popular. En Estados Unidos fue relacionada  con las mujeres que esperaban a sus maridos en la Segunda Guerra Mundial.


Años después del inicio de su carrera, la compositora contrajo matrimonio con el propietario de medios e impulsor de artistas Mariano Rivera Conde , de cuya unión nacieron sus hijos Mariano y Sergio Rivera Velázquez. En el período comprendido entre 1979 y 1982 formó parte de la Cámara de Diputados del Congreso de la Unión, en lo que sería su única intervención en la política de su país. Fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Artes y Tradiciones Populares en 1989.



Consuelo Velázquez falleció el 22 de enero de 2005. Su cuerpo fue trasladado al Palacio de Bellas Artes, escenario de su primera presentación, en medio de una importante manifestación de conocidos artistas y del pueblo, en general. 

 Su última participación artística la realizó como pianista en el más reciente álbum de la cantante mexicana Cecilia Toussaint titulado Para mí... Consuelo, el cual contiene canciones de Velázquez.

En 1977 la también concertista al piano recibió la Medalla de la Paz de las Naciones Unidas. Dicha medalla les fue entregada por el Secretario General de la ONU debido a su participación artística y organización de un suntuoso festival mexicano con motivo del día del personal de las Naciones Unidas.



Recientemente se ha sabido que la compositora e intérprete, entre sus últimas voluntades, dejó siete canciones inéditas, entre ellas Donde siempre (destinada a Cecilia Toussaint), Mi bello Mazatlán (que grabará la Banda El Recodo) y Por el camino, que la autora legó al cantante mexicano Luis Miguel.

https://es.wikipedia.org/wiki/Consuelo_Vel%C3%A1zquez

http://t21.com.mx/tecnologia/2012/08/21/consuelito-velazquez-doodles-google

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domingo, 15 de agosto de 2021

Maria Ossowska socióloga y filósofa social polaca


Maria Ossowska nacida   Niedźwiecka, (16 de enero de 1896, Varsovia – 13 de agosto de 1974, Varsovia) fue una socióloga y filósofa social polaca.

Estudiante del filósofo Tadeusz Kotarbińesquí, recibió originalmente en 1925 un doctorado en filosofía en la Universidad de Varsovia con una tesis sobre Bertrand Russell. En trabajos más tardíos, se enfoca en la filosofía y sociología de la ética. Ossowska es a menudo mencionada como miembro de la Escuela de Leópolis-Varsovia.

De 1941 a 1945, Ossowska enseñó en el sistema universitario clandestino polaco. Entre 1945 y 1948 fue profesora en la Universidad de Łódź, y luego en la Universidad de Varsovia. Se le prohibió dar clases entre 1952 y 1956, mientras que la sociología fue retirada de las universidades polacas como disciplina "burguesa". De 1952 a 1962, dirigió el Instituto para la Historia y Teoría de la Ética dentro del Instituto de Filosofía y Sociología de la Academia Polaca de Ciencias (PAN). En 1972 las autoridades comunistas otorgaron a Ossowska un Premio Nacional Polaco (Polska Nagroda Państwowa yo stopnia), el galardón estatal polaco más importante.

Ossowska estuvo casada con el sociólogo Stanisław Ossowski, con quien colaboró estrechamente en investigación y enseñanza.

Maria Ossowska y Stanisław Ossowski están considerados entre los fundadores del campo de "ciencia de la ciencia" debido a su autoría en el trabajo precursor de 1935 titulado "La Ciencia de la Ciencia."




Trabajos
1925 (como Maria Niedźwiecka): Ontologia Bertranda Russell [La ontrología de Bertrand Russell]. Varsovia.
1946: Wzór obywatela w ustroju demokratycznym [El modelo del ciudadano en el sistema democrático]. Warszawa: Zarząd Główny Towarzystwa Uniwersytetu Robotniczego.
1947: Podstawy nauki o moralności [Bases de la ciencia de la moral]. 2nd edition 1994, ed. by Paweł J. Smoczyński. Wrocław: Zakład Narodowy im. Ossolińskich. ISBN 83-04-04075-1
1949: Motywy postępowania: Z zagadnień moralności [Las motivaciones de la acción: sobre los problemas de la ética]. Warszawa: Książka i Wiedza. 3rd edition 2002. ISBN 83-05-13245-5
1956: Moralność mieszczańska [Moral burguesa]. 2nd edition 1985. Wrocław: Zakład Narodowy im. Ossolińskich. ISBN 83-04-01877-2
(English translation 1986: Bourgeois morality. London/New York: Routledge & Kegan Paul. ISBN 0-7100-9782-4
1957: O pewnych przemianach etyki walki [Sobre ciertos cambios en la ética de la lucha]. 2nd edition 1977. Warszawa: Niezależna Oficyna Wydawnicza (a Samisdat edition)




1963: Socjologia moralności: zarys zagadnień [La sociología de la moral: delineamiento de sus problemas]. 4th edition 2005. Warszawa: Państwowe Wydawnictwo Naukowe. ISBN 83-01-14009-7
English translation 1971: Social determinants of moral ideas. Philadelphia: University of Pennsylvania Press, 1971 edition London/New York: Routledge & Kegan Paul. ISBN 0-7100-7013-6
1966: Myśl moralna Oświecenia angielskiego [El pensamiento moral de la Ilustración Inglesa]. Warszawa: Państwowe Wydawnictwo Naukowe.
1970: Normy moralne: próba systematyzacji [Normas morales: un intento de sistematización]. 4th edition 2000. Warszawa: Państwowe Wydawnictwo Naukowe. ISBN 83-01-13278-7)
English translation 1980: Moral norms: a tentative systematization. Warszawa: Polish Scientific Publ. ISBN 83-01-01297-8
1973: Ethos rycerski i jego odmiany [Los valores de hidalguía y sus variedades], 3rd edition, 2000, Warsaw, Państwowe Wydawnictwo Naukowe, ISBN 83-01-13277-9.
1983: O człowieku, moralności i nauce: miscellanea [Sobre el Hombre, la moral y la ciencia]: ed. by Maria Ofierska and Maria Smoła. Warszawa: Państwowe Wydawnictwo Naukowe. ISBN 83-01-00801-6
1992: Wzór demokraty: cnoty i wartości [El modelo de un demócrata: virtudes y valores] Lublin: Daimonion. ISBN 83-900135-3-3
2002: Intymny portret uczonych: korespondencja Marii i Stanisława Ossowskich [Un retrato íntimo de una pareja erudita: la correspondencia de Maria Ossowska y Stanisław Ossowski], ed. by Elżbieta Neyman. Warszawa: Wydawnictwo "Sic!". ISBN 83-88807-13-7.



https://nk.pl/szkola/72609/klasa/129/galeria/3
https://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Ossowska
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sábado, 14 de agosto de 2021

Teresa Ortiz-Gómez docente e investigadora feminista


Teresa Ortiz-Gómez (Cuenca, 21 de agosto de 1953) es una profesora española, catedrática de historia de la ciencia en el Departamento de Anatomía Patológica e Historia de la Ciencia y en el Instituto Universitario de Estudios de las Mujeres y de Género de la Universidad de Granada.​ Doctora Honoris Causa por la Universidad de Alicante.


Licenciada en Medicina y Cirugía por la Universidad de Granada, obtuvo el doctorado por la Universidad de Granada en 1985 y la cátedra de Historia de la Ciencia en 2003. Desde 2002 es la responsable del grupo de investigación del Plan Andaluz de Investigación HUM-603. Estudios de las Mujeres, grupo consolidado de estudios de las mujeres y de género de carácter interdisciplinar. Ha sido directora del Instituto de Estudios de la Mujer de la Universidad de Granada (actualmente Instituto Universitario de Investigación de Estudios de las Mujeres y de Género) entre los años 1993-96 y 2000-2002, directora de la revista Dynamis desde 1999 a 2011 , tesorera de la Asociación Española de Historia de las Mujeres AEIHM (1997-2002), vocal del Consejo Editorial de la Universidad de Granada desde 2002 hasta 2008, y evaluadora de la ANEP, la ANECA y varias agencias autonómicas y europeas de evaluación desde 2002.

Su labor docente la ha realizado en la Universidad de Granada como profesora de Historia de la Medicina (Grado de Medicina), Historia de la Odontología (Grado de Odontología), Master GEMMA en Estudios de Mujeres y Género, y Experta Género y Salud (Escuela Andaluza de Salud Pública y UGR).

En cuanto a su labor investigadora ha liderado y/o participado en 23 proyectos de investigación con financiación pública nacional y europea y ha dirigido  tesis doctorales y  masters. Sus principales líneas de investigación están centradas en la historia de las profesiones sanitarias; la historia de las mujeres en la medicina y la matronería;​ los discursos médicos de género y la historia de la anticoncepción.

Entre los proyectos en los que ha participado cabe destacar:

Anticoncepción, sexualidad y salud: memorias de vida y prácticas sanitarias en España durante el franquismo y la transición democrática (Proyecto ASYS).
La constitución de la Planificación Familiar en España durante los últimos años del franquismo y la transición democrática (1970-1985), Proyecto HAR2008-05809.
Standard drugs and drug standards. A comparative historical study of pharmaceuticals in the 20th century.
Trabajo, género y medicina. Actividad profesional de las médicas españolas de la segunda mitad del siglo XX.
Los profesionales sanitarios andaluces (Almería, Granada, Málaga) en el siglo XVIII a través del catastro de Ensenada(1751-54).
Ha realizado estancias de investigación en Department of History of Science, Science Centre, Cambridge MA, Harvard University (USA) (sep-dic 2010), en el Instituto de Filosofía CCHS (CSIC) de Madrid (ene-jul 2010), Wellcome Institute for the History of Medicine, London University College (jun-ago 2002); Wellcome Unit for the History of Medicine, Oxford University (may-jul 1986).

En mayo de 2019, Ortiz Gómez fue investida como Doctora Honoris Causa por la Universidad de Alicante, como reconocimiento a su trayectoria académica y su consideración como referente feminista en el campo de la Historia de la Medicina.

Libros
Anticoncepción, mujeres y género. La “píldora” en España y Polonia (1960-1980) [Con Agata Ignaciuk]. Madrid: Catarata, 2016.
Gendered drugs and medicine. Historical and Socio-Cultural Perspectives [Editora con María J. Santesmases]. Oxford: Routledge, 2014.
Dynamics of health and welfare: texts and contexts. [Editor con Laurinda Abreu, Patrice Bourdelais and Guillermo Palacios]. Évora: Ediçoes Colibrí-Universidad de Évora, 2007.
Medicina, historia y género. 130 años de investigación feminista. Oviedo: KRK, 2006.
Sanadoras, matronas y médicas en Europa, siglos XII-XX [Editora con Montserrat Cabré Pairet]. Barcelona: Icaria, 2001.
Universidad y feminismo en España II. Situación de los Estudios de las Mujeres en las universidades españolas en los años 90. [con Cándida Martínez López y otras]. Granada: Universidad de Granada, 1999.
Las mujeres y la actividad científica en los siglos XIX-XX, En femenino plural vol. 4 (Itziar Elizondo, coord.). Córdoba: Diputación de Córdoba, 1999.
Mujeres de ciencias. Mujer, feminismo y ciencias naturales, experimentales y tecnológicas. [Editora con Gloria Becerra]. Granada: Universidad de Granada, 1996.
Mujer, salud y ciencia (1900-1991). Fondos bibliográficos sobre mujeres en la Sección de Historia de la Medicina y de la Ciencia de la Universidad de Granada. Granada: Universidad de Granada, 1992.
La mujer en Andalucía [Editora con Pilar Ballarín]. Granada: Universidad de Granada, 1990, 2 vols.
Médicos en la Andalucía del siglo XX. Número, distribución, especialismo y participación profesional de la mujer. Granada: Fundación Averroes, 1987.

https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Ortiz-G%C3%B3mez
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viernes, 13 de agosto de 2021

Lise A. Waxer etnomusicóloga


Lise A. Waxer, con sombrero típico del Pacífico colombiano.


Lise Aerinne Waxer (30 de mayo de 1965, Toronto, Canadá- 13. Agosto de 2002 ) Etnomusicóloga canadiense-estadounidense.

 Lise Aerinne Waxer, PhD.  recibió su doctorado en la Universidad de Illinois, Champaign-Urbana. Era profesora en la cátedra de World Music en Trinity College. Habia nacido  en Toronto, en el hogar de Peter Waxer, de familia hebrea, y Diane Yip, descendiente de inmigrantes chinos, de Cantón.

Conformó en Cali la primera banda femenina de jazz, bajo el nombre de "Magenta Latin Jazz". Como profesora, animó la creación de la orquesta estudiantil "Salsification". Perteneció a la Sociedad de Etnomusicología de los Estados Unidos; presentó conferencias en Río, Detroit, San Francisco, New Haven, Cambridge, Salamanca y Bogotá, una de ellas con el titulo "Hay una discusión en el barrio". Una de sus últimas disertaciones fue acerca de la champeta en Cartagena,  por invitación de la Universidad de Harvard.

Escribió dos libros: "Situating salsa" y The city of de musical memory". Este último recibió el Premio ASCAP de la Sociedad de Autores y Compositores de los Estados Unidos. El galardón lo recibió de manera póstuma, en el Lincoln Center de Nueva York,  su esposo, el escritor y periodista Medardo Arias Satizábal, en el otoño de 2003.






En otoño de 2003, en el encuentro del SEM (Sociedad de Etnomusicologos ) donde también fue galardonada con el Premio Merriam, de Música Popular. El SEM decidió establecer un premio en su honor: El Lise Waxer Student Paper Prize para recordar su trabajo pionero en la etnomusicología de la música popular, este premio buscaba “reconocer el trabajo estudiantil más distinguido en la etnomusicología de la música popular presentado en el encuentro anual de la SEM”.


Su legado crece y se multiplica.



https://www.elpais.com.co/opinion/columnistas/medardo-arias-satizabal/el-rocio-esta-cayendo.html
https://www.legacy.com/obituaries/hartfordcourant/obituary.aspx?pid=445201
https://elclavo.com/entretenimiento/literatura/nuevo-libro-de-cuentos-de-medardo-arias-satizabal/
https://lmgmblog.wordpress.com/2011/11/30/lise-waxer-and-the-strange-histories-of-good-news/
https://www.elpais.com.co/opinion/columnistas/medardo-arias-satizabal
https://www.amazon.es/City-Musical-Memory-Grooves-Colombia/dp/0819564427





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jueves, 12 de agosto de 2021

Théroigne de Méricourt política que desempeñó un destacado papel durante la Revolución francesa.


Théroigne de Méricourt ( 13 de agosto de 1762, Marcourt, principado de Lieja -23 de junio de 1817 o 9 de junio de 1817  Paris, Francia) nacida Anne Josèphe Terwagne, más tarde adoptaría el nombre de Lambertine. Fue una política y feminista de origen valón que desempeñó un destacado papel durante la Revolución francesa.

 Su madre murió cuando ella tenía cinco años, y la vida se volvió inestable  pasando la mayor parte de su juventud  entre parientes: su tía, su padre y sus abuelos maternos, hasta que finalmente fue contratada como compañera de Madame Colbert,  continuando así su  mala suerte.

Fue seducida por un oficial del ejército inglés que no tenía intención de casarse con ella, y con una reputación arruinada, pronto descubrió que no tenía más remedio que convertirse en una cortesana

 Esbelta y bonita, "casi tan inteligente como un hombre", se convierte en una cortesana al servicio de otra cortesana de origen inglés. Adquiere con rapidez conocimientos de música y literatura, trasformándose en una mujer muy ilustrada para su época.

Tras haber vivido en Londres múltiples aventuras, se incorpora a la Revolución francesa en sus primeras etapas y Théroigne adopta el nombre por el cual será conocida. El 14 de julio de 1789 se presenta en la toma de la Bastilla, empuñando una espada, al frente de un grupo de mujeres. Sus actividades son, no obstante, muy criticadas por los revolucionarios más conservadores.

Hábil con la pistola y el sable, Théroigne, más conocida en París como la Belle Liégeois (la "Bella Liejense"), crea un salón, en la calle Boulay, en el que conoce a Camille Desmoulins entre otras figuras relevantes , que se convierte en un "club revolucionario".

Théroigne crea, asimismo, el Club de los amigos de la ley que se fusiona con el célebre club de los Cordeliers. En 1790, endeudada, acusada de haber tomado parte en los acontecimientos del 5 y 6 de octubre cuando las masas  irrumpen violentamente en Versalles, vuelve a su país natal y se instala en Lieja donde será arrestada por las autoridades austriacas en la noche del 15 al 16 de octubre de 1790. Internada en Kufstein, en el Tirol, es acusada de participar en un intento de asesinato contra la reina Maria Antonieta pero tras gestiones dirigidas por ella misma ante el emperador, logra su libertad y consigue volver a París a últimos del año 1791.

El 26 de enero de 1792, Théroigne es recibida con todos los honores por los jacobinos y se pone a las órdenes de Jacques Pierre Brissot declarándose ferviente republicana. Hace entrega de sus joyas al club de los Cordeliers, que pasaba por dificultades económicas, e impulsa a todas las mujeres a apoyar a los ejércitos revolucionarios. Es proclamada La primera amazona de la Libertad, y defiende, ardorosamente, los derechos de las mujeres al igual que otras "feministas" del momento como Olympe de Gouges o Madame Roland, pero a diferencia de ellas Theróigne apoya también la extrema violencia de los jacobinos.

No obstante, a fines de 1792 Théroigne empieza a perder popularidad debido a su creciente rechazo hacia las matanzas alentadas por los jacobinos radicales como Robespierre o Hébert. En mayo de 1793, en el jardín de las Tullerías, Théroigne es acusada de apoyar a Brissot, devenido líder de los girondinos, luego es apaleada y despojada de sus vestiduras por un grupo de airadas mujeres del partido jacobino, que la azotan semidesnuda en las calles durante horas, tal violencia sólo se detuvo tras una orden del líder jacobino Jean Paul Marat.


Este acto humillante y su opinión de una revolución fracasada precipitan a Théroigne paulatinamente hacia la demencia: empieza a rechazar las vestimentas y a recluirse desnuda en su casa, arrojando sobre su cuerpo baldes de agua helada, poco después es internada en un manicomio. Aunque despreciada por los más extremistas, su locura la salva de la guillotina pero la condena al ostracismo y pone abrupto fin a su participación en la vida social y política. Su hermano consigue que en noviembre de 1800, a los 38 años, sea recluida en Salpétriére, el hospital para enfermos mentales de París, donde permanecerá los últimos años de su vida.

Su existencia inspiró a Charles Baudelaire quien le dedicó unas líneas en su obra poética Las flores del mal con los versos son los siguientes: “¿Habéis visto a Théroigne, amante de las matanzas, / excitando al asalto a un pueblo sin calzado, / con las mejillas y los ojos de fuego, representando a su personaje, / y subiendo, con el sable en la mano, las escaleras reales?”

Murió el 9 de junio de 1817 en el Hospital de la Salpétriére de París, tras veinticuatro años de ostracismo y sin haber recuperado la razón


http://brewminate.com/theroigne-de-mericourt-heroine-of-the-french-revolution/
https://es.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9roigne_de_M%C3%A9ricourt
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miércoles, 11 de agosto de 2021

Aaslaug Aasland política noruega




Aaslaug Aasland (11 de agosto de 1890 - 30 de agosto de 1962) fue una política noruega del Partido Laborista. Se desempeñó como Ministra de Asuntos Sociales de Noruega desde 1948 hasta 1953.

Nació en Sandnes como hija de Hans Aasland (1855-1901) y Hanna Marie Nielsen (1857-1957). Hizo el examen artium en 1916, se matriculó en la Royal Frederick University y se graduó como  licenciada en 1922. Trabajó para el magistrado de estipendios del distrito en Alta durante un corto tiempo, y luego trabajó para el Consejo Nacional de Mujeres de Noruega de 1924 a 1931, como inspectora de prisiones de 1931 a 1936 e inspectora de trabajo de 1936 a 1945. En 1945 se desempeñó brevemente como directora de la prisión de mujeres de Bredtveit,  que había sido un campo de concentración durante la ocupación de Noruega por la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial.

Más tarde, en 1945, cuando el Segundo Gabinete de Gerhardsen asumió el cargo, Aasland se convirtió en ministra consultiva en el Ministerio de Asuntos Sociales. Ocupó este cargo hasta 1948,  cuando sucedió a Sven Oftedal como Ministra de Asuntos Sociales . Fue la primera mujer jefa de un ministerio del gobierno (Kirsten Hansteen había precedido a Aasland como ministra en 1945, pero como ministra consultiva), y también la primera ministra del gobierno perteneciente al Partido Laborista.  También formo parte  del Consejo de la ciudad de Oslo desde 1945 hasta 1947. 

Las evaluaciones de los logros de Aasland en el puesto han sido mixtas.  Según el historiador y politólogo Trond Nordby, era una ministra de gobierno particularmente débil, ya que "no podía llevar a cabo nada" (esta afirmación se basó en entrevistas con los sucesoras de Aasland, Rakel Seweriin y Gudmund Harlem). 

Después de dimitir como ministra del gobierno, Aasland trabajó como subsecretaria en el Ministerio de Asuntos Sociales.  También fue miembro de la junta de Norwegian People's Aid. 
Murió en agosto de 1962 en Oslo .

https://en.wikipedia.org/wiki/Aaslaug_Aasland
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martes, 10 de agosto de 2021

Cornelia Paczka-Wagner pintora y artista gráfica



Cornelia Paczka-Wagner (nacida el 9 de agosto de 1864 en Gotinga - después de 1930)  fue una pintora y artista gráfica alemana .

Cornelia Wagner era hija del economista Adolph Wagner.  Se formó en Berlín con Karl Stauffer-Bern ,  en la Real Academia de Bellas Artes de Munich con Johann Caspar Herterich y en una academia privada en París. 

En 1888 se trasladó a Roma para continuar allí su educación artística.  Se casó en 1890  con el pintor húngaro Franz Paczka (Ferenc Paczka, 1856-1925).  Desde 1891 a más tardar, tuvo un estrecho contacto con Max Klinger  ya menudo fue un modelo para él. En 1894 se fue a Madrid con su marido,  a partir de 1895 trabajaron en Berlín.  Paczka-Wagner fue miembro de la Asociación de Mujeres Artistas de Berlín (VdBK) de 1896 a 1930 . 


Cornelia Paczka-Wagner (1892) retrato de Max Klinger



Obras 

Música de los afortunados, gráfica, antes de 1899 

Chicas bailan, gráfico, antes de 1899 

Femme au bouquet, óleo sobre lienzo, 89 × 74 cm, 1906


Femme brodant, óleo sobre lienzo, 58 × 45 cm, entre 1900 y 1939

¡Voluntad de trabajar! , Autorretrato, pluma / tinta sobre papel, 29,8 × 43,9 cm, 1916, en la biblioteca y colección de arte de la Asociación de Mujeres Artistas de Berlín 1867 

Mañana de junio, óleo sobre lienzo, 92 × 76 cm


Niños jugando en un prado de verano, óleo sobre tabla, 38 × 48 cm, 1932

Madre con dos hijos, óleo sobre cartón, 75 × 91 cm, 1933



Literatura 

Paczka, Cornelia . En: Hans Vollmer (Hrsg.): Léxico general de artistas visuales desde la antigüedad hasta la actualidad . Fundada por Ulrich Thieme y Felix Becker . cinta 26 : Olivier - Pieris . EA Seemann, Leipzig 1932, pág. 128 .

Rosemary Betterton: Mujeres artistas, modernidad y culturas del sufragio en Gran Bretaña y Alemania, 1890–1920. En: Katy Deepwell (Ed.): Mujeres artistas y modernismo. Manchester University Press, Manchester 1998, ISBN 0-7190-5081-2 , págs. 18-35, especialmente pág. 26.

Renate Hartleb : Max Klinger y Cornelia Paczka-Wagner. Una relación romana. En: Hans-Werner Schmidt , Jeannette Stoschek (eds.): Max Klinger "el gran artista y el gran luchador ..." Deutscher Kunstverlag, Berlín 2012, ISBN 978-3-422-07143-8 , págs. 34–51 .

Käthe, Paula y todos los demás . Una obra de referencia (léxico de la artista femenina). Editado por la Asociación de Mujeres Artistas de Berlín en colaboración con la Berlinische Galerie . Kupfergraben, Berlín 1992, ISBN 3-89181-411-9 .

Gisela Breitling (Red.): El museo escondido. Parte 1: Documentación del arte de la mujer en las colecciones públicas de Berlín. Exposición de la Nueva Sociedad de Bellas Artes. Hentrich, Berlín 1987, ISBN 978-3-926175-38-0 .

https://en.wikipedia.org/wiki/Cornelia_Paczka-Wagner#/media/File:Cornelia_Paczka-Wagner_-_Junge_Frau_am_Meer,_ca_1900.jpg

https://de.wikipedia.org/wiki/Cornelia_Paczka-Wagner

https://en.wikipedia.org/wiki/Cornelia_Paczka-Wagner

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lunes, 9 de agosto de 2021

Luise Kautsky-Ronsperger periodista y pólitica


Luise Kautsky-Ronsperger, también  Luise Kautsky nacida Ronsperger (11 de agosto de 1864 en Viena , - 8. de diciembre de 1944 en el campo de concentración de Auschwitz ) fue una política de Berlín  del  Partido Socialdemócrata Independiente de Alemania (USPD). Ella era una socialista y desde 1890 esposa de Karl Kautsky.  Amiga de Rosa Luxemburg .


Luise Ronsperger era hija de un confitero judío en Viena. Trabajó en la tienda de sus padres hasta la muerte de su padre. En 1897 se mudó de Stuttgart a Berlín y se convirtió en periodista.

 Se hizo  socialista y se alejó del judaísmo. En 1890 se casó con Karl Kautsky, el famoso teórico socialista, y se mudó con él a Stuttgart. Tuvieron tres hijos En 1897 se mudaron a Berlín, donde su marido trabajó como editor de la revista socialdemócrata Neue Zeit mientras traducía textos socialistas de inglés, francés y ruso. Se hizo muy amiga de Rosa Luxemburgo, pero nunca estuvo de acuerdo con su respaldo al sistema de gobierno de la república soviética. En 1917, Luise Kautsky se unió al USPD, esperando un acercamiento con el Partido Socialdemócrata de Alemania (SPD)  y una asamblea nacional para crear la ley constitucional. 
Después del asesinato de Rosa Luxemburg, publicó las cartas que ella le  había enviado desde la cárcel y las escritas a ella y a Karl Kautsky y compiló un libro conmemorativo. Ella también coleccionó las cartas de Rosa Luxemburg a otros. En 1924, la familia regresó a Viena.
 Después de la anexión de Austria por la Alemania nazi en 1938, huyeron a Praga y luego a Amsterdam, donde Karl Kautsky murió en octubre. Su hijo mayor, Félix, emigró en 1938 a los Estados Unidos. Karl, su segundo hijo, fue detenido durante seis meses, pero posteriormente también logró escapar a los Estados Unidos a través de Suecia. 
Luise Kautsky se quedó con la esposa y los hijos de su hijo menor Benedikt en Amsterdam.  que había sido enviado al campo de concentración de Dachau desde Viena en mayo de 1938. Luise se quedó en los Países Bajos después de su ocupación por Alemania en 1940 con la esperanza de mantener el contacto con su hijo.

Luise Kautsky fue concejala de la ciudad de 1920 a 1921; nominado para elección (USPD).

Ella tradujo parte de los Escritos recogidos de Karl Marx y Friedrich Engels, de 1852 a 1862 del inglés al alemán; ambos volúmenes aparecieron en 1917.

Después de 1918 también se convirtió en política local y concejala del USPD en Berlín . En 1924 regresó a Austria . En 1929 publicó un libro conmemorativo para Rosa Luxemburgo. 

Después de la anexión de Austria (marzo de 1938) tuvo que huir como socialista y judía; ella se mudó a Holanda. En 1944, fue deportada del campo de tránsito de Westerbork a Auschwitz cuando tenía 80 años . Allí fue introducida de contrabando en los barracones del hospital de prisioneros, pero murió de insuficiencia cardíaca unas semanas más tarde.
 
 Benedikt Kautsky, que estaba internado en un subcampo de Auschwitz en ese momento, sobrevivió y regresó a Viena. En 1950, publicó las cartas de Rosa Luxemburg que su madre había recogido. El arco S-bahn entre Kantstraße y Fasanenstraße en Wilmersdorf-Charlottenburg lleva el nombre de Luise Kautsky. En 1999, el consejo del distrito de Charlottenburg resolvió erigir una placa en su memoria en Wielandstraße

Una placa conmemorativa en el ayuntamiento recuerda a Luise Kautsky. Sus propiedades están en los Archivos Internacionales de Historia Social en Amsterdam .

En enero de 2011, la Casa Luise y Karl Kautsky, su antigua casa en la Saarstraße de Berlín, se inauguró como la oficina federal de la Juventud Socialista de Alemania, Die Falken .



https://en.wikipedia.org/wiki/Luise_Kautsky
https://www.wir-falken.de/vor_ort/haeuser/bildungsstaetten/lkkh/6177511.html
https://www.stolpersteine-berlin.de/en/biografie/4465
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domingo, 8 de agosto de 2021

Louise Bogan poeta

Louise Bogan (11 de agosto de 1897– 4 de febrero de 1970) fue una poeta estadounidense. Fue nombrada la cuarta poeta laureada de la Biblioteca del Congreso en 1945.


Louise Bogan es una de las poeta-críticas estadounidenses más notables de mediados del siglo XX. Su estilo sutil y sobrio fue parcialmente influenciado por escritores como Rilke y Henry James, y parcialmente por poetas metafísicos ingleses como George Herbert, John Donne y Henry Vaughan, aunque se distanció de sus contemporáneos metafísicos intelectualmente rigurosos. Algunos críticos la han colocado en una categoría de brillantes poetas menores descritos como la "generación reaccionaria". Consciente del éxito y las modernas pretensiones de Ezra Pound y T.S. Eliot, Bogan y otros optaron por utilizar técnicas tradicionales, aunque su poesía es moderna y emotiva sin ser sentimental, y su lenguaje es inmediato y contemporáneo. La poesía de Bogan contiene una cualidad personal derivada de la experiencia personal, pero no es privada ni confesional. Sus poemas, coinciden la mayoría de la critica , son económicos en palabras, obras maestras de ritmos cruzados en los que el metro se opone a agrupaciones de palabras. Brett C. Millier nombró a Bogan "una de las mejores poetas líricos que Estados Unidos ha producido". Sin embargo, escribió Millier, "el hecho de que fuera una mujer y de que defendiera la poesía lírica formal en una época de experimentación expansiva hizo que la evaluación de su trabajo, hasta hace poco tiempo, fuera algo condescendiente". También revisó poesía para el New Yorker durante 38 años, convirtiéndose en una de las críticas más experta  de Estados Unidos durante casi dos generaciones.

Louise Bogan nació en Maine, hija de un trabajador de un molino. El matrimonio de sus padres no fue feliz, debido en gran parte a la inestabilidad mental y emocional de su madre. Cuando los Bogan se mudaron de una ciudad industrial de Nueva Inglaterra a otra, May Bogan se entregó a numerosas aventuras extramatrimoniales, de las que hizo alarde. También desconcertó a su familia con frecuentes y prolongadas desapariciones. Millier propuso que "las dificultades e inestabilidades de su infancia produjeron en Bogan una preocupación por la traición y una desconfianza hacia los demás, una naturaleza sumamente romántica y una preferencia por los arreglos del arte sobre la triste realidad cotidiana".

Bogan  se mostró  como una promesa académica desde el principio y, gracias a la ayuda de un benefactor, pudo asistir a Girls ’Latin School en Boston. Luego, después de su primer año en la Universidad de Boston, ganó una beca para Radcliffe College pero la rechazó para mudarse a la ciudad de Nueva York con su esposo. La pareja finalmente se mudó a la Zona del Canal de Panamá, donde ella escribió algunos de los poemas que aparecerían en sus primeras colecciones. Bogan y su esposo se separaron en 1919 y él murió de neumonía un año después. Se mudó a Viena, donde vivió la vida de una escritora en soledad durante tres años. Cuando regresó a vivir a Nueva York en 1923, trabajó en una librería y con la antropóloga cultural Margaret Mead. Rápidamente se hizo amiga de figuras literarias  influyentes 

Body of This Death (1923) fue su primer volumen de poesía, y "contiene varios de los poemas más memorables de Bogan y, en general, revela las preocupaciones y los gustos de su autora", escribió Millier. "La traición, en particular la traición sexual, es un tema constante". La  crítico encontró que estos poemas, como la poesía de Bogan en general, estaban "hechos de una experiencia meticulosamente destilada, distanciada de la fuente por un lenguaje objetivo". Varios de la colección "abordan preocupaciones específicamente femeninas y señalan la relación ambivalente de Bogan con la tradición de las poetas líricas". Millier agrega: “Sus poemas no son de ninguna manera dogmáticamente feministas; Bogan tenía una profunda desconfianza por todo compromiso ideológico. De hecho, las feministas contemporáneas la han criticado un tanto injustamente ”. Siguió este libro con Dark Summer (1929), que incluía nuevos poemas junto con varios poemas de Body of This Death.




Mujeres
 

Las mujeres no son insensatas,

en su lugar son prudentes,

satisfechas en las cálidas y estrechas celdas de sus corazones

de comer pan espolvoreado.

 

No ven ganado pastando rojo césped invernal.

No escuchan

al aguanieve caer en las alcantarillas,

superficial y claro.

 

Esperan, cuando deben volver a sus jornadas,

se atiesan, cuando deberían cimbrarse.

Usan contra sí esa benevolencia

de la que ningún hombre es amigo.

 

No pueden pensar en muchas cosechas para un solo campo

o en madera finamente tallada por un hacha.

Su amor es un anhelo sin sentido,

muy tenso, o muy laxo.

 

Escuchan en cada susurro que les dirigen

un grito y un llanto.

Como si nada (mientras toman vida a través de los umbrales de sus puertas)

deberían dejarlo ir.

Tomado de:

https://nomequitespaz.blogspot.com/2018/03/louise-bogan-mujeres.html






El tercer libro de poesía de Bogan, Sleeping Fury (1937), estableció aún más a Bogan como una maestra moderna. Una reseña de Books dijo que Bogan “ha logrado un dominio de formas poco comunes en el ámbito de la poesía moderna. Hay una arquitectura creativa incluso en la más mínima de sus letras. La señorita Bogan no trabaja como pintora de paisajes (aunque su imaginería visual es exacta, no depende solo del color), ni tampoco como música, aunque en muchos de sus poemas, las imágenes auditivas son superiores a las visuales: el oído escucha , incluso cuando el ojo ve. Su arte es el de una escultura ”. Un crítico de Nation escribió: “Distinguida es la palabra en la que uno siempre piensa en relación con la poesía de Louise Bogan. Cualquiera sea la forma que intente, su arte es seguro, económico y autodefinitivo. Nunca hay en sus poemas un adjetivo o una frase desperdiciados, sino siempre una claridad perfecta y un estado de ánimo coherente establecido con precisión. Puede escribir la letra completamente ingenua o el poema muy sutil elaborado a través de imágenes complejas ".

Al revisar Poems and New Poems (1941) en Saturday Review, William Rose Benet señaló: “Su poesía es, y siempre ha sido, intensamente personal. Ella ha heredado la magia celta del lenguaje, pero la ha combinado de alguna manera con la acidez de Nueva Inglaterra ". Marianne Moore observó además en Nation, “El arte de Louise Bogan es compactación compacta. Para ella, la emoción, como ha dicho de cierta ficción, es "en sí misma forma, el núcleo que construye la forma exterior a partir de la intensidad interior". Utiliza una especie de retórica forjada que, sin embargo, parece inevitable ".




Collected Poems, 1923-1953 fue revisado en el New York Times por Richard Eberhart. "Los poemas de Louise Bogan se adhieren al centro del inglés con una fuerza lírica oscura", escribió Eberhart. “Lo que ella tiene que decir es importante. Cómo lo dice es agradable. Primero es una poeta compulsiva, luego una estilista. Cuando la compulsión y el estilo se encuentran, tenemos un poema de Bogan fuerte e inimitable ". Saturday Review comentó: “Louise Bogan es dueña de imágenes precisas y domina una amplia gama de acentos poéticos y efectos prosódicos; también es músico, cuyas notas son tan cristalinas como las de los preludios de Chopin. Más que esto, uno no puede leer mucho en sus páginas sin darse cuenta de que en el centro de su poesía está la materia mental que está de moda llamar metafísica ". Estos poemas también son importantes porque tratan inteligentemente los temas del amor sexual y la decadencia corporal.

The Blue Estuaries: Poems, 1923-1968 fue la última colección de poemas publicada antes de la muerte de Bogan. El New York Times reseñó el libro: “Ahora que podemos ver la extensión de cuarenta y cinco años de trabajo en esta colección de más de cien poemas, podemos juzgar qué hazaña de carácter ha sido. ... [Su dicción] proviene de la tradición lírica más severa en inglés. ... [Su lenguaje es] tan flexible como preciso, tratando las cosas en su propio tono ".

Con la ayuda de William Jay Smith, Bogan compiló una antología de poemas para niños. The Golden Journey: Poems for Young People, con poemas que van desde Shakespeare hasta Dylan Thomas, fue descrito por James Dickey como posiblemente “la mejor antología general de poemas para jóvenes jamás compilada. Por los poemas que presentan, por su disposición y sincronización, los editores sutilmente plantean la posibilidad de que un niño, aunque sea un niño, sea capaz de convertirse en buenos poemas y, por tanto, de convertirse, a través de un encuentro que también requiere mucho de él, algo más de lo que era. ... [Este libro] sólo podría haber sido seleccionado por poetas tan distinguidos como estos dos, y por seres humanos que se dan cuenta de que hacer las concesiones incorrectas a los niños es perjudicial para ellos ".

Bogan también escribió muchas críticas. Achievement in American Poetry, 1900-1950 fue un breve relato de la poesía estadounidense durante la primera mitad del siglo XX. El Chicago Tribune describió el libro como “una delicia. Como todas las críticas de la señorita Bogan, este libro está lleno de juicios agudos, enérgicos y autoritarios de escritores y obras, expresados ​​con gracia e ingenio ". The New York Times agregó: "Louise Bogan no solo logra comprimir una formidable cantidad de información fáctica en su pequeña brújula, sino que también logra hablar de manera satisfactoria sobre sus hechos". The United States Quarterly Book Review comentó: "La claridad de estilo de la señorita Bogan, su capacidad para comprimir una gran cantidad de información en unas pocas frases lúcidas e interesantes, y su evaluación severamente justa forman los principales atractivos de este volumen".


Conocimiento
Ahora que sé

cómo la pasión calienta poco

de carne en el molde,

y el tesoro es frágil,

 

me acostaré aquí y aprenderé

cómo, sobre su suelo, los

árboles hacen una larga sombra

y un ligero sonido.

© por el propietario. proporcionado sin cargo con fines educativos

 

Tomado de:

https://allpoetry.com/Louise-Bogan





Al comentar en el New York Times sobre la crítica de Bogan, Thomas Lask declaró que ella “adoptó una posición mediana entre la Nueva Crítica en un extremo y la crítica sociológica (o marxista) en el otro. Se negó a identificar al poeta con los procesos históricos de su época. ... Por otro lado, no estaba dispuesta a despojar la obra a sus elementos formales únicamente, como si el poeta fuera una musa incorpórea que no vive en un tiempo ni en un lugar fijos y sin esas idiosincrasias que lo hacían lo que era y no otro. También hay poca curiosidad en el mito o la psicología profunda ". Lask descubrió que los modales de Bogan “eran tan tranquilos, su estilo tan poco enfático que a veces oscurecían la fuerza de sus juicios. ... Ella podría estar equivocada y podría decepcionarse en sus piezas, lo que quiere decir que era mortal. Una artesana exquisita y escrupulosa con inclinación al orden, tenía una tendencia natural a responder a la ejecución formal ”.

"Louise Bogan es una gran poeta lírica", concluyó Paul Ramsey en Iowa Review. "Decir que algunas de sus letras durarán mientras se hable inglés es decir muy poco. Dado que el valor es inherente a la eternidad, el valor de sus poemas no se pueden medir finalmente por la duración de la duración. Haber escrito 'Canción para el último acto', 'Campo viejo', 'Hombres amados totalmente más allá de la sabiduría' ... y algunas docenas de otros poemas de excelencia casi comparable es haber realizado uno de los grandes logros del espíritu humano y merecer nuestra celebración y nuestro amor ”.

Bogan murió en 1970, en su casa en Manhatan tenia 72 años .

https://en.wikipedia.org/wiki/Louise_Bogan
https://www.poetryfoundation.org/poets/louise-bogan
https://www.poeticous.com/louise-bogan?locale=es
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