Heroínas

sábado, 18 de diciembre de 2021

Gloria Melgar compositora y pintora española

Gloria Melgar Sáez (Madrid, 18 de diciembre de 1859 - San Justo Desvern, 30 de abril de 1938) fue una compositora y pintora española, que también colaboró en las actividades periodísticas emprendidas por su madre, la escritora Faustina Sáez de Melgar.

Gloria Melgar Sáez nació en el seno de una familia de clase media madrileña, formada por la escritora Faustina Sáez y Valentín Melgar Chicharro. Su vida, educación y actividades estuvieron condicionadas por la avanzada mentalidad de su madre y sus múltiples actividades en el campo de la literatura, el periodismo y la pedagogía, algo que, sin duda, favoreció su esmerada educación y su temprana orientación hacia la educación musical. Se tiene constancia de su aprendizaje musical, al menos desde 1869, fecha en la que acudía a las clases de piano, situación que probablemente se mantendría hasta principios de 1871 fecha en la que cesó la actividad de este centro educativo. En 1875, Gloria asistió también a las clases del Conservatorio de Música de Madrid donde cursaba lo que se denominaba estudios de aplicación que incluían las asignaturas de solfeo, canto y piano; recibiendo además clases particulares, al menos de dibujo, francés y equitación.

Realizaba su actividad musical al mismo tiempo que ocupaba el cargo de Bibliotecaria y Tesorera interina de la Sociedad de Amigos de las Letras de Madrid, dentro de su 2ª Sección dedicada al Fomento de las Buenas Lecturas presidida por la Condesa de Carlet. En junio de 1879, poco antes de trasladarse a vivir en París, presentó su dimisión del cargo. Esta actividad puede encuadrase dentro de las que se han venido a denominar1 como trabajos caritativos que con frecuencia desempeñaron las mujeres durante siglo XIX, antes de su verdadera incorporación al desempeño de actividades laborales plenas.

Composición Musical de Gloria Melgar, publicada en la revista la Ilustración de niños

En octubre de 1880 traslada su residencia a París, en compañía de su madre y su hermana Virginia; residiendo en la capital francesa hasta 1887 fecha en la que regresó a España, instalándose nuevamente en Madrid, junto a su madre. Uno de los motivos con los que su madre justificó este viaje a la capital era que Gloria pudiese avanzar en formación musical con la intención de que desarrollara profesionalmente una carrera musical; por ello y dado que en España no había podido hacerlo al estarle vedados a la mujer los estudios musicales superiores su opción fue intentar hacerlo en la capital francesa; no obstante, sus deseos no se cumplieron, ya que al igual que en España en Francia la mujer tampoco tenía acceso a los estudios superiores de Música; de forma que aunque asistió a clases en el Conservatorio de Música y Declamación de París para perfeccionar su técnica como pianista y continuó realizando composiciones musicales; optó por aprender un nuevo arte; en este caso la pintura; comenzando a recibir clases de pintura sobre porcelana en un intento de ampliar sus posibilidades profesionales añadiendo el dominio de esta nueva disciplina a sus actividades artísticas. Gloria continuaba, como ya era habitual, ayudando a su madre en sus diferentes actividades, básicamente en las periodísticas colaborando con ella en la edición de las diferentes revistas que publicó y/o dirigió durante su estancia en Francia especializándose en la sección de moda; actividad que siguió desarrollando con continuidad tras su regreso a España y hasta su fallecimiento de su madre en marzo de 1895. A partir de este momento Gloria tuvo que trasladarse a vivir a Villamanrique de Tajo donde residía su padre quién, tras su regreso de colonias y una vez jubilado, se había instalado en la casa familiar de su esposa; esta circunstancia y dado que él no había sido nunca partidario de que su hija se dedicara profesionalmente a sus actividades artísticas, estas se vieron grandemente afectadas pudiendo decirse que prácticamente cesaron. Su padre falleció en enero de 1899, Gloria continuó viviendo en el pueblo y pasando también temporadas con su hermana, Virginia, y su familia; durante la Guerra Civil y dadas las difíciles circunstancia que se vivían en Madrid, ambas se trasladaron a San Justo Desvern donde vivieron unos meses; allí se produjo el fallecimiento de Gloria el 30 de abril de 1938; sus restos fueron trasladados posteriormente al cementerio de Villamanrique de Tajo donde actualmente permanece enterrada junto al resto de su familia.

Con 18 años recién cumplidos, en enero de 1878, Gloria se inscribió como miembro de la Asociación General de Escritores y Artistas, quedando incluida en ella con el número de socio 744, dejando claro que sus intenciones eran ejercer como tal. En abril de 1879 el periódico madrileño La Ilustración de los Niños publicó la que parece ser su primera composición musical una pieza para canto con acompañamiento de piano en la que ponía música a un poema de su madre, del que tomaba su título: Plegaria, esta obra fue incluida por su madre en su libro pedagógico: La semana de los niños publicado en 1882 por la editorial catalana de los Hermanos Bastinos en 1882. Su segunda pieza data de 1880, en ella trabaja nuevamente sobre el poema de su madre titulado Salve, al que pone música para ser acompañado con órgano o piano y que aparece publicado bajo el título de: Salve con acompañamiento para órgano y piano y que será incluida en otras dos obras educativas de su madre: Páginas para la niñas en 1881 y Flores del Alma de 1889; Pedro Arno, autor de libros pedagógicos, la incluyó también en su obra Cantos Escolares publicada en 1897.

Una vez en París, Gloria, acudió al Conservatorio de Música y Declamación a cursar estudios de Música y al no poder optar por los estudios superiores debieron consistir en perfeccionar su técnica como pianista dedicación que vio recompensada con un primer premio en la categoría de piano.

( Retrato de Faustina Sáez)

En 1881 aparece una nueva obra musical, en este caso una romanza para canto con acompañamiento al piano titulada: En el valle, esta pieza fue publicada en el número 12 del Año VIII correspondiente a la II Época de la revista La Violeta, fechado el 19 de diciembre de 1884, que publicaba su madre en París como regalo para sus lectores. Durante el año 1893 la revista que dirigía su madre en Madrid, titulada La Canastilla de la Infancia entregó, también como regalo a las lectoras varias piezas de Gloria: En el Valle entregada con el número publicado el 19 de marzo; la Salve fue entregada con el número del 30 de abril; el 11 de junio se regaló Plegaria; Rigodón se entregó con el número del 2 de julio y, por último el 24 de septiembre fue entregada otra obra de su autoría bajo el título de Melodía.

Posiblemente influenciada por auge que la educación artística de la mujer había adquirido en Francia desde mediados del siglo XIX y el movimiento inglés Arts and Crafts fundado por William Morris, así como el incremento que poco a poco iba teniendo la presencia femenina en la creación de objetos de arte; Gloria debió pensar que era un campo en el que podría abrirse camino en caso de fracasar su actividad musical; decantándose por el aprendizaje de la pintura sobre porcelana; para ello acudió al taller de la especialista francesa Blanche Pierron aprendiendo la técnica y comenzando pronto a trabajar como pintora de porcelana.

En 1884 participó en la exposición que organizó en Madrid la Asociación de Escritores y Artistas y que se realizó en las recién construidas Escuelas Aguirre en esta exposición con dos obras, siendo una de ellas el Retrato de la Infanta María Paz de Borbón, recibiendo por esta participación una Mención Honorífica. En 1887 participó en la Exposición Nacional de Pintura con tres obras: Argelina rica con traje del país ; Ramilletera, Luis XV y el retrato del Excmo. Sr. D.R.Z., participó también en la Nacional de 1890, en esta ocasión con una sola obra: Retrato del Sr. Sagasta. En 1893 participó en la Exposición Universal de Chicago, en la que la conribución femenina tuvo una significación especial, ella envió cinco obras: Retrato del Exmo. Sr. D. Praxedes Mateo Sagasta, Retrato de señora, Ramilletera, Luis XV, Maja y Argelina rica; como reconocimiento a su trabajo le fue concedido un Diploma por su calidad técnica y compositiva. Además de estas obras que sabemos presentó a certámenes y exposiciones, su familia conserva otras de sus obras.

https://alenar.wordpress.com/2008/06/05/los-retratos-en-la-obra-de-gloria-melgar-por-virginia-segui/

https://seguicollar.wordpress.com/2007/09/30/gloria-melgar-1859-1938-xvii/

https://es.wikipedia.org/wiki/Gloria_Melgar

viernes, 17 de diciembre de 2021

Anne Vallayer-Coster pintora francesa

Anne Vallayer, de casada Coster (París, 21 de diciembre de 1744 - ídem, 28 de febrero de 1818) fue una pintora francesa. Está considerada como una de las pintoras de naturaleza muerta más importante de la Francia de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX.

Hija de un orfebre del taller real de Tapices de Los Gobelinos. A los 10 años la familia se trasladó a París, donde el padre abrió su propia tienda. Estudió con Madeleine Basseporte y Claude Joseph Vernet. Fue admitida en la Academia Real de Pintura y Escultura Francesa en 1770 como pintora de bodegones, y expuso en el Salón del año siguiente.

Comenzó a pintar en el año 1762 pero no se conservan obras suyas hasta 1766.

En 1770 se presentó para entrar a la Academia Real Francesa con dos “Alegorías de las artes visuales y de la música” (hoy en el Louvre) y fue aceptada por unanimidad.

Les Attributs de la Peinture, de la Sculpture et de l'Architecture (1770).

Con esas obras debutó en 1770 en el Salón, donde participa casi cada año y siempre fue muy elogiada hasta que debutaron en él, las grandes pintoras retratistas, Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun y Adélaïde Labille-Guiard, en 1783. Desde que en 1785, se le criticaran mucho unos retratos sólo se dedicó a las naturalezas muertas, especialmente a las flores.

En este género es considerada famosa con justicia. Se registran de ella al menos 400 obras con temas de flores, caza, instrumentos musicales, trofeos militares, utensilios de cocina, lujosa porcelana, jamones, langostas, frutas, en cuadros pequeños o grandes y de composiciones elaboradas.

En 1780 fue nombrada pintora de la reina María Antonieta. Continuó pintando una amplia gama de temas que incluían animales, bajorrelieves, trampantojos, miniaturas y retratos de tamaño completo, que reflejaban la opulencia de la aristocracia francesa antes de la Revolución.

A Bust of Minerva with Armour and Weapons on a Stone Ledge,1777

En 1781 se casó con Jean-Pierre-Sylvestre Coster, abogado del Parlamento. Continuó su carrera con éxito hasta su muerte, convirtiéndose en jefa de gabinete de pintura de la reina María Antonieta y su profesora de diseño. Especialista en retratos y bodegones, también se distinguió en la pintura de género y las miniaturas.

Debido a su estrecha asociación con María Antonieta, su carrera sufrió durante la Revolución Francesa. Ella continuó exhibiendo en el Salón, sin embargo, hasta el año antes de su muerte en París el 28 de febrero de 1818.

Vallayer-Coster se comparó a menudo con algunas contemporáneas, incluidas Adélaïde Labille-Guiard y Marie Louise Élisabeth Vigée-Lebrun, que fueron más ampliamente elogiadas como retratistas. Después de una crítica mordaz de los críticos en el Salón de 1785, Vallayer-Coster dejó de pintar retratos debido a las críticas a sus pocas obras y en su lugar se centró en naturalezas muertas.

Su talento la llevó a ser elegida por unanimidad miembro de la Real Academia de Arte de París. Protegida de la reina María Antonieta, durante la Revolución Francesa no dejó de pintar; sus temáticas poco comprometidas políticamente le permitieron seguir con su arte después de los años convulsos.

Muchos la consideraron la más notable pintora de naturalezas muertas del siglo XVIII francés junto a su compatriota Jean-Baptiste-Siméon Chardin. Anne Vallayer y Chardin se diferencian en muchas cosas: Anne pinta muchos cuadros de flores de gran modernidad, mientras que Chardin no pintaba flores y sí escenas de género y retratos al pastel, trabajos que ella no realizó.3 La pintura de él es más pastosa y la de ella es de capas más delgadas. La temática de Chardin es más burguesa, de interiores sencillos, mientras que las naturalezas muertas de ella, de vajillas de plata o trofeos militares la acercan más a lo aristocrático. Tiene obras maestras como la pintura “La sopera blanca” (hoy en colección particular de París), cuyo primer dueño fue el Marqués de Marigny, el equivalente al ministro de las Artes de la época, expuesta en el Salón de 1771, que fue muy elogiada por Diderot.

Portrait of a Violinist (Retrato de una violinista)

https://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Vallayer-Coster

jueves, 16 de diciembre de 2021

Mariza cantante portuguesa de Fado

Mariza es el nombre artístico de Marisa dos Reis Nunes (Lourenço Marques, Mozambique Portugués, 16 de diciembre de 1973), es una cantante portuguesa de fado, una de las más populares de Portugal y una de las artistas lusas con mayor proyección internacional.

De padre portugués y madre mozambiqueña, Mariza nació en la freguesia de Nossa Senhora da Conceição en la antigua Lourenço Marques (en la actualidad Maputo), en aquella época capital de la provincia portuguesa de Mozambique y creció en el barrio lisboeta de la Mouraria, cuna del fado. Creció oyendo esta música en los diferentes locales lisboetas; cuando creció sus intereses musicales se ampliaron hacia el gospel, el r&b y la música brasileña.

Empieza a ser reconocida en 1999 a raíz de la muerte de la fadista más grande de la historia, Amália Rodrigues, en cuyos homenajes póstumos Mariza participó. Publicó su primer álbum en 2001, Fado em mim, que llegó al cuádruple platino en Portugal. Le siguió Fado curvo en 2003 que la asentó como artista y que le dio el éxito internacional. En 2005 publicó el álbum: Transparente. En noviembre de 2005, este álbum se publica en España con dos versiones en castellano: Hay una música del pueblo (junto al cantaor José Mercé) y Mi fado mío. En 2006 se edita su DVD grabado en directo Concerto em Lisboa.

En 2007 participa en la película Fados del director español Carlos Saura, en la que interpreta el fado Meu fado meu junto al cantaor flamenco Miguel Poveda y Ó gente da minha terra, incluidas en la banda sonora original de la película. Al hilo del estreno de la película realiza una gira de conciertos por diversos escenarios de España junto a Carlos do Carmo y Camané desde noviembre de 2007 y hasta el verano de 2008.

En 2008 se edita en España una caja que recoge sus tres primeros discos y el DVD Concerto em Lisboa, además de un extra que incluye un documental sobre Mariza y el fado. Además en junio de 2008 EMI Music edita su nuevo disco de temas inéditos con el título de Terra, producido por Javier Limón, y con dúos en dos temas junto a Tito Paris y Concha Buika. .

El 29 de noviembre de 2010 se pone a la venta un nuevo álbum con el título Fado Tradicional. Es un trabajo que supone un retorno a sus orígenes fadistas, después de las exitosas mezclas con las que había experimentado, especialmente en Terra. Grabado en Lisboa, consta de doce temas y dos más en una edición especial.

En 2014 sale a la venta el recopilatorio Best of, en el que aparecen cuatro bonus tracks, incluyendo algunas colaboraciones como “Meu Fado Meu” con Miguel Poveda, “Hay una música del pueblo” con José Mercé y “Pequeñas verdades” con Concha Buika.

El 24 de mayo de 2014 interpreta el himno de la UEFA Champions League en el Estadio da Luz de Lisboa en la apertura de la Final de la Liga de Campeones de la UEFA 2013-14 que enfrentó al Real Madrid y al Atlético de Madrid

En 2015 publica un nuevo álbum, Mundo, en el que en la versión española canta junto a Sergio Dalma "Alma".

Mariza actuó junto a la cantante portuguesa de fado Ana Moura como parte de los actos de apertura e intermedio del Festival de Eurovisión 2018 que se celebró en Lisboa el 8, 10 y 12 de mayo de 2018.

Discografía

2001: Fado em Mim

2003: Fado Curvo

2005: Transparente

2006: Concerto em Lisboa CD

2008: Terra

2010: Fado Tradicional

2014: Best Of (Mariza)

2015: Mundo

2018: Mariza

2020: Mariza canta Amália

Premios y reconocimientos

En 2001 recibió el First Award for Most Outstanding Performance at the Quebec Summer Festival.

En 2014 recibió el Premio a la artista del año en la feria musical Womex.

En 2018 recibió el Premio Luso-Español de Arte y Cultura, otorgado por los ministerios de Cultura de España y Portugal en consideración a "su trabajo en favor del fomento de las relaciones" entre ambos países.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mariza

https://elpais.com/noticias/mariza/

https://www.lavozdegalicia.es/noticia/cultura/2019/07/08/mariza-bisabuela-era-gallega-siento-carino-especial-galicia/00031562599833690260364.htm

miércoles, 15 de diciembre de 2021

Ray Eames diseñadora, cineasta

Bernice Alexandra Kaiser Eames, (15 de diciembre de 1912-21 de agosto de 1988), fue un artista estadounidense, diseñadora, y cineasta. En asociación con su esposo Charles Eames creó Eames Office, fue responsable de contribuciones pioneras en el campo de la arquitectura, el diseño de muebles, el diseño industrial, la fabricación y las artes fotográficas.

Ray-Ray fue el apodo que su familia le dio a Bernice Alexandra Kaiser. Más allá de eso, poco se sabe de su infancia en Sacramento, aunque el talento artístico de Ray fue evidentemente reconocido desde el principio. Después de la escuela secundaria se fue de California con su madre viuda a la ciudad de Nueva York, donde estudió con el expresionista abstracto alemán Hans Hofmann y exhibió sus pinturas. Después de la muerte de su madre, Ray dejó Nueva York para continuar su formación en la Academia de Arte de Cranbrook, Michigan, donde Charles Eames fue uno de sus maestros y mentores. Después de divorciarse de su primera esposa, Charles se casó con Ray en 1941 en Chicago. La pareja se fue inmediatamente al sur de California, donde abrieron una oficina de diseño.

Con este movimiento comenzó una extraordinaria colaboración personal y artística, una asociación inusualmente creativa que resultó en diseños innovadores para muebles, casas, monumentos, exposiciones e incluso juguetes. Su objetivo era utilizar nuevos materiales y tecnología, de modo que los objetos cotidianos de alta calidad tanto en forma como en función pudieran producirse a un costo razonable. Muchos de sus diseños de muebles se han convertido en clásicos contemporáneos. Además, alteraron nuestra forma de ver el mundo mediante el uso de presentaciones multimedia a medida que desarrollaban presentaciones de diapositivas en múltiples pantallas para escuelas y corporaciones que presentaban objetos cotidianos de formas nuevas y sorprendentes. Juntos diseñaron innumerables exposiciones y dirigieron más de 80 películas experimentales.

Casa de Ray y Charles Eames

Ray y Charles Eames desarrollaron varios procesos de producción nuevos. Al principio, proporcionaron a la Marina estadounidense tablillas y camillas para las piernas durante la Segunda Guerra Mundial. Pero fueron las sillas que diseñaron a partir de esta madera contrachapada moldeada las que supusieron un gran avance después de la guerra. En los primeros años, Ray todavía pintaba y diseñaba textiles e ilustraciones de títulos para la revista “Art and Architecture”, pero después de 1947 se dedicó por completo al trabajo en equipo necesario para ejecutar y expandir su estudio de diseño. En poco tiempo, Eames Design, especialmente los muebles de madera contrachapada moldeada, plástico reforzado con fibra de vidrio, malla de alambre doblada y soldada y aluminio fundido, distribuidos por el fabricante, Herman Miller, les trajo un seguimiento internacional. Ya en 1949, la pareja pudo construir la casa de sus sueños en un hermoso prado con vista al océano en Pacific Palisades.

Charles fue el socio más carismático que le dio a la firma su rostro público, pero el registro fotográfico de su trabajo —hay pocos documentos escritos— deja claro que esta mujer diminuta, enérgica e ingeniosa era una compañera igualitaria en sus proyectos. Ray fue codirector de casi todas las películas, por ejemplo. Cada proyecto fue de hecho un esfuerzo de equipo, y en la década de 1960 la pareja tenía más de 50 compañeros de trabajo en su empleo. En la década de 1970, Ray estaba asumiendo un papel cada vez más público y las críticas de arte feministas llamaban la atención sobre sus contribuciones a Eames Design, pero es muy difícil aislar su “obra” dentro del complicado proceso de diseño. La llamada "silla Time-Life", por ejemplo, a menudo se le atribuye específicamente. Pero cuando se le preguntó sobre cualquier mueble específico, la propia Ray sostuvo que había contribuido a los detalles del diseño de “un millón de formas” y a la forma general al mirar el conjunto de manera crítica, pero eso era algo que todos en la oficina hicieron.

Se dice que Ray tenía una agudeza visual y una memoria excepcionales. Aunque a veces le resultaba difícil tomar una decisión, a menudo era su obsesiva atención a cada detalle en la elección del color, el material o incluso la forma básica de un mueble lo que conducía al resultado general agradable. A Ray le encantaban los objetos encontrados de todo tipo, y ella coleccionaba con amor los artículos para exhibirlos, organizándolos en una habitación o exposición de tal manera que creaban un efecto visual especial.

Después de la repentina muerte de Charles en 1978, la oficina se disolvió, aunque Ray terminó varios grandes proyectos que ya estaban en marcha, por ejemplo, la versión alemana de "Mathematica", una exposición diseñada originalmente para el Museo de Ciencia e Industria de California en Los Ángeles. En sus últimos años, Ray también se desempeñó como archivero jefe de su legado y colaboró en varios libros sobre Eames Design. Su creatividad y productividad estaban tan entrelazadas con las de su pareja, que difícilmente parece una coincidencia que falleciera el mismo día que Charles exactamente diez años después. Siempre rigurosa por los detalles, ni siquiera una década había sido suficiente para que Ray ordenara los archivos según su meticuloso nivel.

Tomado del articulo de Margaret E. Ward

En celebración de lo que habría sido el cumpleaños número 100 de Ray, Vitra renombrado una calle en su Campus de Basilea "Ray-Eames-Strasse 1" en su honor.

El 23 de febrero de 2013, una exposición de 3300 pies cuadrados titulada "Ray Eames: Un siglo de diseño moderno", abrió en el Sacramento, Museo de California. La exposición duró un año y contó con el trabajo producido por Ray antes de conocer a Charles en 1941, además del trabajo de The Eames Office.

wiki.net/wiki/Ray_Eames

https://www.revistaad.es/decoracion/articulos/charles-ray-eames/17112

https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/biography/ray-eames

martes, 14 de diciembre de 2021

Harriet Monroe poeta y editora

Harriet Monroe (23 de diciembre de 1860-26 de septiembre de 1936) fue una poeta, crítica de arte, mecenas y editora estadounidense cuya aportación profesional se ha revelado fundamental para el desarrollo de la literatura del siglo XX. Destaca por la creación de la revista Poetry: A Magazine of Verse en la cual se dio voz a poetas imprescindibles paa nuestra cultura. Gracias a ella, tomaron forma las nuevas corrientes literarias emergentes como los imaginistas y contribuyó de manera determinante la efervescencia cultural del país.

Desde muy pequeña, Harriet Monroe disfrutó de la compañía de los libros y de su lectura, gracias a la gran biblioteca que tenía su padre, Henry Monroe, un abogado con intereses intelectuales; mientras que, su esposa, la madre de Harriet, Marta Mitchell Monroe no gozó de las mismas oportunidades educativas. Así pues, de niña tuvo la oportunidad de familiarizarse con clásicos como Shakespeare, Byron, Shelley o Dickens. Dado su interés por la literatura, en 1876 fue enviada a Washington D.C. para continuar sus estudios y graduarse unos años más tarde.

A pesar de haber vivido toda su vida en Chicago, Harriet viajó mucho a través de los Estados Unidos ejerciendo como escritora y crítica de arte para diversos periódicos, codeándose a su vez con los círculos intelectuales más influyentes de la época, forjándose una profesión, nada común para las mujeres de su siglo, con autonomía y determinación.

Su primera obra publicada es el poema With Shelley's poems[1888], en la revista Century Magazine, lo cual le valió para darse a conocer como poeta. De esta forma, le fueron propuestos diversos encargos relacionados con la escritura, hecho que le permitió conseguir algo de dinero para continuar con sus viajes por Europa y Asia.

En 1910, la poeta viajó hasta China para visitar a su hermana, esposa del embajador estadounidense en China, y fue así como comenzó a estudiar el arte chino. Fue a la vuelta de aquel viaje cuando tomó la determinación de fundar la revista Poetry. Para ello, con la ayuda del también editor Hobart Chatfield-Taylor, comenzó a reunir mecenas, un total de 100, de los diversos círculos sociales que frecuentaba en Chicago hasta que, finalmente, logró su objetivo: 5.000 dólares.

En 1936, mientras realizaba uno de sus múltiples viajes alrededor del mundo, sufrió una hemorragia cerebral en Perú que acabó con su vida. Fue enterrada en ese mismo lugar.

Harriet Monroe creó la revista Poetry: A Magazine of Verse en el año 1912 en Chicago. La política editorial estaba orientada a publicar grandes poemas, independientemente de su autoría, de la corriente literaria a la que estuvieran adscritos o del lugar de residencia de los autores. Su lema, extraído de un verso de Walt Whitman, clamaba: «Para tener un gran público antes debemos tener gran poesía».

Portada de la revista Poetry: A magazine of verse

Lo cierto es que la revista sirvió como altavoz para dar a conocer la poesía modernista de habla inglesa que irrumpía con fuerza ante el verso tradicional victoriano, publicando a voces como T. S. Eliot, E. E. Cummings, Williams Carlos William, entre otros. La revista tuvo un estrecho vínculo con la corriente literaria llamada imagismo, ya que publicó los primeros poemas de H.D. que dieron nombre a la corriente.

Además de dirigir la revista, Harriet, junto a la también poeta Alice Corbin Henderson, quien ocupó el lugar de ayudante de edición y publicó algunos de sus poemas en la revista, se ocupó en gran medida de la crítica literaria que aparecía entre sus páginas. Para muchos autores, como es el caso de Donald Davidson o E.L. Masters, la contribución de Harriet Monroe al descubrimiento de nuevas voces poéticas a través de la revista Poetry resultó alentadora para la poesía norteamericana y sirvió de impulso para jóvenes poetas que no habían tenido oportunidad de darse a conocer entre el público, gracias a su política de puertas abiertas.

La revista sigue publicándose en la actualidad a cargo de la fundación Poetry Fundation, teniendo gran notoriedad, tanto entre las publicaciones de habla inglesa como en el ámbito literario internacional, contando con hasta 100.000 suscriptores.

Obra

Tanto su obra poética como su correspondencia epistolar se encuentra custodiada en la Universidad de Chicago, a la cual cedió, en 1931, una gran cantidad de documentación sobre su vida y obra.

Se describe a continuación un listado con sus libros publicados, prosa y poesía:

Valeria y otros poemas (Valerie and Other Poems, 1891)

Oda conmemorativa (Commemoration Ode, 1892)

John Wellborn Root: Estudio sobre su vida y obra (John Wellborn Root: A study of His Life and Work, 1896)

The passing show: cinco actos modernos en verso (The passing show: Five Modern Plays in Verse, 1903)

El baile de las estaciones (The Dance of Seasons, 1911)

Tú y yo (You and I, 1914)

La diferencia y otros poemas (The difference and Other Poems, 1924)

Poetas y su arte (Poets and Their Art, 1932)

Poemas escogidos: una selección de mis libros en verso (Chosen Poems: A Selection from My Books of Verse, 1935)

Una vida de poeta: setenta años en un mundo en transformación (A Poet's Life: Seventy Years in a Changing World, 1938)

La nueva poesía: una antología (The New Poetry: An Anthology, 1932) en la que consta como editora.

https://www.poetryfoundation.org/poetrymagazine/issue/156527/november-2021

https://www.poetryfoundation.org/poetrymagazine/browse?contentId=18664

https://es.wikipedia.org/wiki/Harriet_Monroe

lunes, 13 de diciembre de 2021

Mathilde Fibiger telegrafista y escritora feminista

Mathilde Fibiger (13 de diciembre de 1830 - 17 de junio de 1872) fue una feminista, novelista y telegrafista danesa.

Mathilde Fibiger nació en Copenhague Su padre fue Johan Adolph Fibiger y su madre era Margrethe Cecilia Nielsen Aasen. Su hermana mayor fue Ilia Fibiger.

Mathilde Fibiger fue una novelista que defendió los derechos de las mujeres en su primera novela, "Clara Raphael, Tolv Breve" (Clara Raphael, Doce Letters), publicada en 1851. Es una historia autobiográfica parcial de una joven, Clara Raphael, que trabaja como una institutriz en las provincias; se basa en parte en las experiencias de Fibiger como tutor privado en la isla de Lolland en 1849. La novela se compone principalmente de cartas escritas por Clara a su amiga Mathilde; Las ideas de Clara acerca de las mujeres que viven una vida independiente van en contra de las creencias de la población local, y ella decide hacer de la emancipación de las mujeres su objetivo de vida. El libro creó una gran controversia sobre su publicación en 1851; Mientras que la critica literaria danesa se dividió entre quienes la apoyaron y quienes consideraron que sus ideas eran demasiado radicales, todos estuvieron de acuerdo con el mérito literario de su obra.

Fibiger fue la primera figura pública en Dinamarca en presentar el tema de los derechos de las mujeres. Escribió novelas, artículos y documentos de debate desde los 20 años en 1851.

En contra opiniones en la sociedad contra los derechos de las mujeres, Fibiger publicó dos panfletos; ¿Hvad emancipación? (¿Qué es la emancipación?) Y Et Besøg (Una visita). Sus novelas posteriores incluyeron In sketch efter det virkelige Liv ( Un boceto de la vida real, 1853) y Minona. En Fortaelling (Minona: Un cuento, 1854). En sketch efter det virkelige Liv es la historia de dos hermanas que quedaron huérfanas a una edad temprana, y los hombres con quienes desarrollan relaciones; la hermana mayor rechaza a su pretendiente, sintiendo que los hombres son débiles, mientras que la hermana menor se enamora. Minona creó una nueva controversia con su compleja trama que involucraba madres solteras e incesto; Minona, el personaje principal, supera su atracción incestuosa después de convertirse al cristianismo.

Si bien las novelas de Fibiger generaron aclamación crítica, no tuvieron éxito comercial, y ella comenzó a buscar otros medios para mantenerse. Complementó una exigua asignación, recibida del estado, confeccionando y traduciendo obras literarias alemanas. En 1863, comenzó a capacitarse como operadora de telégrafos para el servicio de telégrafos del estado danés, que recientemente había decidido contratar mujeres como operadoras bajo la dirección del director Peter Faber. En 1866, completó su formación en la estación de telégrafo de Helsingør y se convirtió en la primera mujer en ser empleada como operadora de telégrafo en Dinamarca.

Después de dos años en Helsingør, fue transferida a Nysted en 1869 para administrar una estación recién abierta. No es sorprendente que se haya encontrado con la resistencia de los operadores masculinos, quienes vieron el empleo de mujeres como operadores como una amenaza para sus medios de vida. A pesar de su puesto directivo, su salario en Nysted apenas era suficiente para permitirle pagar sus gastos. Al año siguiente, solicitó un traslado a la estación de telégrafo en Aarhus.

Ella continuó experimentando dificultades en Aarhus, donde el gerente de la estación se había opuesto a su asignación. Los problemas que experimentó en su trabajo telegráfico comenzaron a afectar su salud; ella murió en Aarhus en 1872 a la edad de 41 años. Hoy se la recuerda en Dinamarca no solo como una feminista pionera que escribió en apoyo de los derechos de las mujeres, sino también como la mujer que abrió la puerta al empleo de mujeres en el Servicio de telégrafo del Estado danés .

Tal fue su importancia como defensora de la igualdad de género, que para honrarla, la Dansk Kvindesamfund (Sociedad Danesa de Mujeres) creó Mathildeprisen (El Premio Mathilde) que se estableció en 1970 y se otorga a hombres y mujeres en reconocimiento al trabajo que promueve la igualdad de género.

La calle "Mathilde Fibigers Vej" en Frederiksberg, Copenhague lleva su nombre. Una pequeña plaza ajardinada adyacente al Museo de la Mujer en el centro de Aarhus también se llama "Mathilde Fibigers Have" en su honor.

https://www.kvinfo.dk/side/680/article/11/
https://en.wikipedia.org/wiki/Mathilde_Fibiger

domingo, 12 de diciembre de 2021

Anne Truitt escultora

Anne Truitt (16 de marzo de 1921-23 de diciembre de 2004), nacida como Anne Dean, fue una escultora estadounidense de mediados del siglo XX.

Se dio a conocer a finales de la década de 1960 por sus esculturas minimalistas a gran escala, especialmente después de sus destacadas exposiciones individuales en la Galería André Emmerich en 1963 y en el Museo Judío de Nueva York en 1966. A diferencia de sus contemporáneos, realizó sus propias esculturas a mano, evitando los procesos industriales. A partir de imágenes de su pasado, su obra también trata el rastro visual de la memoria y la nostalgia. Esto se ejemplifica con una serie de sus primeras esculturas que se asemejan a segmentos monumentales de vallas blancas.

Truitt creció en Easton, en la costa este de Maryland, y pasó su adolescencia en Asheville, Carolina del Norte y se graduó en Psicología en el Bryn Mawr College en 1943. Tras rechazar una oferta para hacer un doctorado en el departamento de psicología de la Universidad de Yale, trabajó por poco tiempo como enfermera en un pabellón psiquiátrico del Hospital General de Massachusetts, Boston. A mediados de la década de 1940 abandonó el campo de la psicología, por el de la escritura de ficción y se matriculó en los cursos impartidos por el Instituto de Arte Contemporáneo en Washington, DC. Se casó con el periodista James Truitt en 1947 y se divorció de él en 1971.

Tras dejar el campo de la psicología clínica a mediados de la década de 1940, Truitt comenzó a hacer esculturas figurativas, pero se decantó por las formas geométricas reducidas después de visitar el Museo Guggenheim con su amiga Mary Pinchot Meyer para ver la exposición de HH Arnason "American Abstrac Expressionists and Imaginists", en noviembre de 1961. Truitt recuerda que "se pasó todo el día viendo arte ... Vi los lienzos negros de Ad Reinhardt, los negros y los azules. Luego seguí por la rampa, doblé la esquina y vi los cuadros de Barnett Newman. Los miré y desde ese momento me sentí libre. Nunca me había dado cuenta de que pudiera hacerlo en el arte. Tener suficiente espacio. Suficiente color ". Truitt se inspiró especialmente en el "universo de la pintura azul" y la sutil modulación y tonalidades de color del Onement VI de Newman. La singularidad de los expresionistas abstractos que observó en las obras de Barnett Newman y Ad Reinhardt impactó a Truitt y provocó un punto de inflexión en su trabajo.

La primera escultura de madera de Truitt, titulada First (1961), se asemeja a una valla de estacas. Consiste en tres tablas verticales blancas que llegan a un punto —los piquetes— están apuntalados por detrás por un poste blanco y dos travesaños. Los piquetes, poste y travesaños están unidos y conectados a una base blanca y se apoyan en ella. Las formas contienen recuerdos de su pasado y de la geografía de su infancia, más bien reflejo de un "resultado directo de una percepción empírica". Primero es un recuerdo permeable de la idea de una valla, de todas las vallas que Truitt ha visto, en lugar de una valla modelada a partir de una imagen específica. Durante el período que pasó en Japón con su marido, quien en ese momento era el jefe de la oficina en Japón del Newsweek, creó esculturas de aluminio desde 1964 hasta 1967. Antes de su primera retrospectiva en Nueva York, decidió que no le gustaban las obras y las destruyó.

Las esculturas que la hicieron significativa para el desarrollo del minimalismo fueron estructuras agresivamente lisas y pintadas, a menudo de gran tamaño. Fabricadas con madera y pintadas con capas monocromáticas de acrílico, a menudo se asemejan a columnas o pilares elegantes y rectangulares. Truitt realizaba dibujos a escala de sus estructuras que luego eran producidos por un ebanista. Las estructuras se apoyan sobre el suelo y, a menudo, son huecas, lo que permite que la madera respire en los cambios de temperatura. Aplica yeso para imprimar la madera y luego hasta 40 capas de pintura acrílica, alternando pinceladas entre las direcciones horizontal y vertical y lijando entre capa y capa. Con el lijado de la pintura entre las aplicaciones la artista trata de eliminar cualquier rastro de su pincel, creando planos de color perfectamente terminados. Las capas de pintura forman una superficie de una profundidad tangible. Además, la superficie palpable de la pintura transmite la sensación siempre presente de la geografía de Truitt en la alternancia de los trazos de pintura verticales y horizontales, que reflejan la latitud y la longitud de un entorno. Su proceso combinaba "la inmediatez de la intuición, la eliminación de la prefabricación y la intimidad del laborioso trabajo manual".

Las plataformas empotradas debajo de sus esculturas las elevaban lo suficiente del suelo como para parecer que flotaban en una delgada línea de sombra. La frontera entre escultura y suelo, entre gravedad y verticalidad, se hacía ilusoria. Esta ambivalencia formal se reflejaba en su insistencia en que el propio color, por ejemplo, contiene una vibración psicológica que cuando se purifica, como ocurre en una obra de arte, aísla el evento al que se refiere como una cosa y no como un sentimiento. El acontecimiento se convierte en una obra de arte, en una sensación visual transmitida por el color. La serie de pinturas Arundel, iniciada en 1973, presenta líneas de grafito apenas visibles y acumulaciones de pintura blanca sobre superficies blancas. En el cuadro Ice Blink de color crema (1989), una pequeña franja de rojo en la parte inferior de la pintura es suficiente para establecer la profundidad de la perspectiva, como una única barra de color púrpura en la parte inferior de Memory (1981), que de otro modo sería azul celeste. Iniciados alrededor de 2001, los Piths, lienzos con bordes deliberadamente deshilachados y cubiertos de gruesas pinceladas de pintura negra, indican el interés de Truitt por las formas que difuminan las líneas entre dos y tres dimensiones.

En su primera muestra en la galería de André Emmerich, Truitt expuso seis obras de estructuras de álamo pintadas a mano, incluidas Ship-Lap, Catawba, Tribute, Platte y Hardcastle. André Emmerich se convertiría en su marchante de toda la vida. Truitt conoció a Emmerich a través de Kenneth Noland, a quien Emmerich también representaba. En las descripciones de su primera exposición individual, se pueden ver los matices machistas que estaban presentes en el mundo del arte neoyorquino en los años sesenta. Greenberg, Rubin y Noland eligieron el trabajo de Truitt para exponer y organizaron la ubicación de la muestra sin contar con la propia Truitt. A menudo se referían a ella como la “gentil esposa de James Truitt” y Emmerich alentó a Truitt a eliminar su nombre de pila para ocultar su género, con la esperanza de que esto ayudara a la recepción de la exposición.

Los dibujos de Truitt no siempre se tienen en cuenta a la hora de analizar su trabajo. Durante gran parte de la década de los cincuenta, Truitt trabajó con lápiz, acrílico y tinta para crear no solo estudios para esculturas posteriores, sino dibujos que existían de forma independiente como obras de arte. Truitt también es conocida por ser autora de tres libros: Daybook, Turn y Prospect, todos ellos revistas. En Prospect, su tercer volumen de reflexiones, Truitt se propuso reconsiderar "toda su experiencia como artista" —y también como hija, madre, abuela, maestra e investigadora permanente—.Durante muchos años estuvo asociada con la Universidad de Maryland, College Park, donde fue profesora, y la colonia de artistas Yaddo, donde fue presidenta interina.

Truitt murió el 23 de diciembre de 2004 en el Sibley Memorial Hospital en Washington, DC, por complicaciones derivadas de una cirugía abdominal.

Legado

Fielding, H. (2011) Múltiples percepciones móviles de lo real: Arendt, Merleau-Ponty y Truitt (páginas 518–534) Este artículo explora las ideas éticas que aportan las esculturas minimalistas de Anne Truitt, vistas a través de las lentes fenomenológicas de Hannah Arendt. investigaciones sobre la co-constitución de la realidad y las investigaciones de Maurice Merleau-Ponty sobre la percepción. Las obras de arte en su presencia material pueden abrir nuevas formas de relacionarse y percibir. Las obras de Truitt cumplen esta tarea al revelar el movimiento interactivo de nuestras relaciones corporales y cómo los objetos materiales pueden realmente ayudar a fundamentar nuestra realidad y, por lo tanto, la potencialidad humana. Merleau-Ponty muestra cómo nuestros cuerpos pre-reflexivos permiten la coexistencia de percepciones incomprensibles. Sin embargo, esta misma capacidad de los cuerpos para reunir múltiples percepciones también se presta a la ilusión de que vemos desde una sola perspectiva. Si una perspectiva ética se reifica en una sola posición, entonces se desprende de la realidad y el potencial ético se pierde. Al mismo tiempo, entendido fenomenológicamente, el mundo real no existe en términos de materia estática, sino que es una red de relaciones y significados contextuales. Una ética que no tiene en cuenta las relaciones corporales, que sólo permite una perspectiva, pierde finalmente su capacidad de flexibilidad y de formar parte de una realidad común y compartida.

La primera exposición individual de Truitt tuvo lugar en la Galería André Emmerich de Nueva York, en febrero de 1963, y en muchos sentidos su obra también se ajusta a lo que allí estaba surgiendo. Su trabajo se incluyó en la exposición de 1964, "Negro, blanco y gris", en el Wadsworth Atheneum en Hartford, Ct, posiblemente la primera exposición de obras minimalistas. Fue una de las tres únicas mujeres incluidas en la influyente exposición de 1966, Estructuras primarias en el Museo Judío de Nueva York. Desde entonces, su trabajo ha sido objeto de exposiciones individuales en el Whitney Museum of American Art, Nueva York (1973); la Galería de Arte Corcoran, Washington, D.C. (1974) y el Museo de Arte de Baltimore (1974, 1992). En 2009, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C., organizó una aclamada retrospectiva de su obra, que incluía 49 esculturas y 35 pinturas y dibujos. "In the Tower: Anne Truitt" estuvo expuesta en la Galería Nacional de Arte del 19 de noviembre de 2017 al 1 de abril de 2018.

Obra en colecciones

Summer Treat, 1968, Museo de Arte de la Universidad de Arizona, Tucson

Keep, 1962, Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington.

Insurrección, 1962, Corcoran Gallery of Art, Washington; adquirido en 2014 por la Galería Nacional de Arte. 20

Flower, 1969, Corcoran Gallery of Art, Washington; adquirido en 2015 por la Galería Nacional de Arte 21

Arundel XI, 1971, Galería Nacional de Arte, Washington.

Summer Dryad, 1971, Museo Nacional de la Mujer en las Artes, Washington

Mediodía, 1972, Galería Nacional de Arte, Washington.

Spume, 1972, Galería Nacional de Arte, Washington.

13 de octubre de 1973, 1973, Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn, Washington.

Sand Morning, 1973, Galería Nacional de Arte, Washington.

17th Summer, 1974, Smithsonian American Art Museum, Washington.

Night Naiad, 1977, Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington.

Parva XII, 1977, Galería Nacional de Arte, Washington.

Summer Remembered, 1981, Galería Nacional de Arte.

Twining Court II, 2002, Galería Nacional de Arte.

Ship-Lap, 1962, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Watauga, 1962, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Whale's Eye, 1969, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Tres, 1962, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

A Wall for Apricots, 1968, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Meadow Child, 1969, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Odeskalki, 1963/82, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Parva IV, 1974, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Lea, 1962, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Carson, 1963, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore.

Moon Lily, 1988, Museo de Arte de la Academia, Easton.

Summer '88 No. 25, 1988, Museo de Arte de la Academia, Easton.

Hespérides, 1989, Museo de Arte de la Academia, Easton.

Verano '96 No. 26 . 1996, Museo de Arte de la Academia, Easton.

2 de febrero de 1978, Museo de Arte de la Universidad de Míchigan, Ann Arbor.

Sandcastle, 1984, Museo de Arte de la Universidad de Míchigan, Ann Arbor.

Primavera australiana de 1972, Walker Art Center, Minneapolis.

Morning Choice, 1968, St. Louis Art Museum, St. Louis.

Prima, 1978, Museo de Arte Mildred Lane Kemper, St. Louis.

Aún así, 1999, Sheldon Memorial Art Gallery, Universidad de Nebraska, Lincoln.

Nueva York

Sentinel, 1978, Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo.

Carolina Noon, Michael C. Rockefeller Arts Center, Nueva York.

Catawba, 1962, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Twining Court I, 2001, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Sin título, 1962, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Desert Reach, 1971, Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Night Wing, 1972–78, Mint Museum, Charlotte.

Señal, 1978, Banco de la Reserva Federal de Richmond, Richmond.

Summer Sentinel, 1963–72, Museo de Arte de Milwaukee, Milwaukee.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Truitt

https://thewomensstudio.net/2019/08/26/anne-truitt/

https://www.facebook.com/Truitt.Anne/

sábado, 11 de diciembre de 2021

Ann Hall pintora miniaturista

Ann (o Anne) Hall ( 26 de Mayo de 1792, Pomfret-11 de Diciembre de 1863 , New York ) fue una pintora y miniaturista norteamericana.

Hall ha sido descrita como la más exitosa pintora de miniaturas activa en la primera mitad del siglo diecinueve en Nueva York, reconocida por sus interesantes retratos, especialmente de niños y novias jóvenes. A pesar de que muchas de sus composiciones son vistas por audiencias modernas como sentimentales, su popularidad en vida y la importancia de su carrera está atestiguada por los altos precios que se pagaron por sus obras (a menudo quinientos dólares por encargo) y ser elegida por la Academia Nacional de Diseño, Nueva York. Ha sido acreditada por inspirar el renacimiento de la técnica de pintar miniaturas sobre marfil en los Estados Unidos.

Hall nació en Pomfret, Connecticut, fue la sexta de once hijos supervivientes de Jonathan (o John) Hall, un destacado físico, y su esposa, con nombre de soltera Bathesheba Mumford. Su gran talento artístico fue avivado por su familia y desde una edad temprana experimentó con varias técnicas diferentes, incluyendo siluetas recortadas, el modelado de figuras en cera, y la ejecución de cuadros de flores y bodegones en acuarela y lápiz.

John y Prescott Ward, 1848. Miniatura, 7 1/4 x 5 en. Colección privada, Hillsborough, California

Hall visitó la casa de la familia de su madre en Newport, Rhode Island con una hermana mayor. Allí aprendió a bocetar, pintar al óleo y realizar miniaturas en acuarela sobre marfil de la mano del artista Samuel King.

Hacia 1808, Hall viajó a la Ciudad de Nueva York para estudiar pintura al óleo con Alexander Robertson. Durante este periodo, vio la exposición temporal de pinturas de maestros antiguos de la colección del Coronel John Trumbull, pintor y secretario privado de John Jay, que había ido creciendo cuándo Trumbull estuvo en Londres y París. Hall también estudió a los maestros antiguos de la colección de su hermano Charles Henry Hall, un empresario que viajaba con frecuencia a Europa y adquirió un grupo de acuarelas, miniaturas de retrato, y pinturas al óleo, incluyendo una serie de copias de composiciones originales realizadas por maestros italianos como Tintoretto y Guido Reni. Como Charlotte Streifer Rubinstein observó, ha sido descrita por críticos como el "color brillante del 'maestro antiguo' "por sus miniaturas consiguió un estudio cercano al arte moderno de la primera época. Su interés en la pintura de maestros antiguos también le inspiró para adaptar complejas composiciones con múltiples figuras, derivadas de pinturas religiosas europeas, para agrupar retratos; como observó uno de sus primeros biógrafos, sus retratos de niños asemejaban un "elegante y bien arreglado ramo".

Laura Albor (Señora John Clarkson Jay) y Su Hija, Laura (Señora Charles Pemberton Wurts), undated. Miniatura encima marfil, 4 1/2 x 4 en. Colección privada, Englewood, New Jersey

Por 1817, Hall participaba en exposiciones de la Academia americana de las Bellas Artes. La mayoría de sus primeras obras presentadas fueron miniaturas de miembros familiares, como el retrato de grupo Ann Hall, su hermana Eliza Hall Ward, y su sobrino Henry Hall Ward de 1828, actualmente en la colección de la Nueva-York Sociedad Histórica. Durante mediados de la década de 1820, se traslada a Nueva York. Vivió con su hermana Eliza Hall Ward, que también era una pintora notable, y el marido de Eliza, Henry Ward, en su mansión de la Calle Bond 23, aunque Hall hizo viajes frecuentes a Boston. La casa de Eliza era un centro de cultura así como el punto de encuentro del Club Hone. Muchos famosos de la Ciudad de Nueva York en las décadas de 1820, 1830 y 1840, que visitaron a Eliza y su marido, posaron para Ann, ampliando el círculo patrocinadores y seguidores de la artista.

Hall fue admitida en la recién creada Academia Nacional de Dibujo como miembro asociada en 1828 y cinco años más tarde fue elegida, por unanimidad, miembro de pleno derecho. Fue la primera mujer en conseguir este honor y la única mujer admitida en la Academia antes de 1900. Sin embargo, no se la apoyó para asumir un papel activo en el gobierno de la institución y nunca estuvo en las reuniones de la Academia, salvo en una ocasión en la que se solicitó su presencia para cumplir con el quórum. Aún así, continuó presentando obras en las exposiciones anuales de la institución hasta 1852, y un grabado popular producido por E. Gallaudet fue hecho a partir de la miniatura de Garafilia Mohalbi de Hall.

Tuvo un estudio en el piso superior de la casa de su hermana y mayoritariamente hizo retratos de mujeres y niños. Sus clientes eran residentes ricos de Nueva York que pagaban hasta 500 dólares por encargo. Sus trabajos fueron elogiados por críticos contemporáneos.

Su hermana Eliza

Hall nunca se casó y murió a la edad de setenta y un años en la casa de su hermana, conocida como la Mansión de Henry Hall Ward durante la vida del hijo de Eliza. Está estimado que Hall dejó a sus herederos una propiedad de 100,000 dólares, fortuna que ganó con sus trabajos. Aunque hay constancia cartas que sugieren que varios estudiantes de miniaturas solicitaban formarse en su estudio, ningún alumnado está registrado. El interés en su trabajo resurgió cuándo la Mansión Henry Hall Ward fue subastada en diciembre de 1904 y varias de sus miniaturas fueron descubiertas almacenadas en el ático.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ann_Hall
https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/on-this-day/26-05-2020

viernes, 10 de diciembre de 2021

Carmen de Burgos periodista, escritora, traductora y activista de los derechos de la mujer española

Carmen de Burgos y Seguí (Almería, 10 de diciembre de 1867-Madrid, 9 de octubre de 1932) conocida como Colombine, también firmó con otros seudónimos como «Gabriel Luna», «Perico el de los Palotes», «Raquel», «Honorine» o «Marianela». Perteneció a la generación del 98 y se la considera la primera periodista profesional en España y en lengua castellana por su condición de redactora del madrileño Diario Universal. También está considerada como la primera corresponsal de guerra.

María del Carmen Ramona Loreta de Burgos y Seguí nació en la ciudad andaluza de Almería, primogénita de los diez hijos de José de Burgos y Cañizares y su esposa Nicasia Seguí y Nieto. Se crio en Rodalquilar (Níjar), donde su padre poseía tierras, minas y el cortijo La Unión. Recibió la misma educación y cultura que sus hermanos varones. En 1872, su padre fue nombrado vicecónsul de Portugal en España, dependiente del consulado de Cádiz.

En 1883, con dieciséis años y en contra del consejo paterno, se casó con Arturo Álvarez y Bustos, un bohemio pintor y periodista, doce años mayor que ella. Este era hijo de Mariano Álvarez y Robles, gobernador civil de Almería, quien además tenía en propiedad la empresa tipográfica que imprimía el principal diario de la capital. Esto permitió a Carmen familiarizarse con el mundo de la prensa desde joven, colaborando en distintos aspectos de la impresión. Publicó sus primeros artículos en la revista satírica Almería Bufa, que dirigía su marido. En junio de 1895 obtiene la titulación de maestra de Enseñanza Elemental Primaria y en 1898 la de Enseñanza Superior, en Madrid. En 1901 obtiene plaza mediante oposición en la Escuela normal de Maestras de Guadalajara.

Desde el primer momento el matrimonio constituyó una desilusión para Carmen, ya que su marido le maltrató y fue infiel y sus tres primeros hijos fallecieron prematuramente. Desde 1898 comienza a pasar cada vez más tiempo en el hogar paterno y alejada de su marido. En agosto de 1901, tras la muerte su hijo Arturo, nacido en 1893, decide abandonar a su marido para comenzar una nueva vida sin él en Madrid, llevándose consigo a su única hija superviviente, María (de los Dolores Ramona Isabel) Álvarez de Burgos, nacida en 1895. Inicialmente, se instaló con su tío, el senador Agustín de Burgos y Cañizares, pero después de que este intentara propasarse con ella abandona su casa.

A partir de 1902 colaboró con el periódico El Globo, en el que escribía una columna titulada Notas femeninas, que analizaba asuntos como ‘La mujer y el sufragio’ o ‘La inspección de las fábricas obreras’. En 1903, Augusto Suárez de Figueroa fundó el Diario Universal y la contrató para llevar una columna diaria titulada Lecturas para la mujer, bajo el seudónimo de «Colombine», sugerido por el propio editor. Era la primera vez en España que una mujer fue reconocida como periodista profesional. En su columna, Carmen de Burgos trataba de modas y modales, pero introducía ideas que ya se estaban popularizando en otros países europeos. Hizo campaña para que se legalizara el divorcio, lo que le valió la admiración de Giner de los Ríos y Blasco Ibáñez, pero recibió ataques por parte de la Iglesia y de los sectores conservadores que buscaron desacreditarla. En 1905 consiguió una beca del Ministerio de Instrucción Pública para estudiar los sistemas de enseñanza de otros países, y viajó durante casi un año por Francia, Italia y Mónaco.

En 1907 fue admitida en la Asociación de la Prensa de Madrid, junto con Consuelo Álvarez Pool, Violeta.

A finales de 1906 retomó su labor docente y periodística y lanzó una campaña en el Heraldo de Madrid a favor del sufragio femenino con una columna titulada «El voto de la mujer». A su regreso de Francia creó una reunión semanal denominada ‘La tertulia modernista’, a la que acudían escritores, periodistas, músicos, artistas plásticos, poetas y artistas extranjeros de paso por Madrid. Allí conoció a Ramón Gómez de la Serna, entonces un desconocido estudiante de diecinueve años, veinte años menor que ella, que se convierte en su admirador. Puntualmente, todos los días iba Ramón a visitarla a su casa a las cinco de la tarde, escribían juntos y luego paseaban por los cafés de la Puerta del Sol hasta medianoche. Sobre 1909 iniciaron una larga relación amorosa y literaria. Además, aquella tertulia se mantuvo varios años y estuvo en el origen de la Revista Crítica (1908-1909), de la que llegaron a salir seis números, en los que colaboraron Eduardo Zamacois, Salvador Rueda, Enrique Díez Canedo, Juan Ramón Jiménez, Antonio de Hoyos y Vinent, Rafael Cansinos-Assens, Ramón Gómez de la Serna y Tomás Morales, entre otros. También eran asiduos de la tertulia Eduardo Barriobero y José Francés. En 1907, con la llegada al gobierno del conservador Antonio Maura, el ministro de Instrucción Pública Rodríguez-San Pedro la destinó a Toledo para alejarla de Madrid, según su biógrafa Concepción Núñez. Pero Carmen seguía volviendo a su casa de Madrid todos los fines de semana para animar la tertulia literaria que había creado.

Se relacionó con la completa intelectualidad de su momento historico. Desarrolló además una estrecha amistad con la escritora portuguesa Ana de Castro Osório.

En el año 1908, Carmen funda la Alianza Hispano-Israelí en defensa de la comunidad sefardita internacional. La difusión de la misma se realiza a través de la Revista Crítica. Tras el desastre del barranco del Lobo en el Rif en 1909, Carmen de Burgos decidió acercarse a las tropas españolas que luchaban alrededor de Melilla. Allí ejerció de corresponsal de guerra del diario El Heraldo de Málaga. Una vez de vuelta a Madrid publicó el artículo ¡Guerra a la guerra! en el que defendía a los pioneros de la objeción de conciencia. En 1909 falleció su esposo y quedó viuda.

En 1911 es nombrada profesora de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, trabajo que compagina con el de dar clase a personas ciegas y sordomudas.

Carmen y Ramón Gómez de la Serna no se casaron, pero compartieron su vida y su pasión por la literatura durante unos veinte años, residiendo en distintos países, pero regresando siempre a Madrid. Escribían en revistas y periódicos, apoyaban proyectos de jóvenes autores y viajaron a Portugal y a Italia, manteniendo Carmen su interés por los temas sociales. Carmen esperaba que su hija María siguiera sus pasos como escritora, pero aunque logró ser publicada, prefirió dedicarse a la interpretación. En 1917, su hija se casa con el también actor Guillermo Mancha, y finalmente se trasladan a América. En 1929, tras el fracaso de su matrimonio, su hija regresa con ella a Madrid, donde Carmen consigue para su hija, una actriz sin éxito y con problemas de adicción, un papel menor en la obra de Gómez de la Serna Los medios seres, que fracasaría en taquilla. El autor y su hija iniciaron un romance durante los ensayos, que duró menos de un mes y que terminó con una escapada a París de Gómez de la Serna. La longeva relación de Carmen y Gómez de la Serna se rompió irremediablemente, y si bien se distanciaron, esta no dejó de considerarle un amigo.

Con la proclamación de la Segunda República en 1931, la nueva constitución reconoció el matrimonio civil, el divorcio y el voto femenino, colmando así las aspiraciones de Carmen de Burgos. Se afilió al Partido Republicano Radical Socialista y fue nombrada "presidente" de la Cruzada de Mujeres Españolas y de la Liga Internacional de Mujeres Ibéricas e Hispanoamericanas. Fue también elegida ‘vicepresidente primero’ de la Izquierda Republicana Anticlerical, y en noviembre de 1931 ingresó en la masonería, donde fundó la logia Amor, de la que era gran maestre.

El 8 de octubre de 1932, mientras participaba en una mesa redonda sobre educación sexual en el Círculo Radical Socialista, Carmen de Burgos empezó a sentirse mal y fue trasladada a su domicilio, donde la atendieron tres médicos, entre los cuales estaba su amigo Gregorio Marañón, pero sin éxito. Falleció a los sesenta y cuatro años de edad, a las dos de la madrugada del día 9, y fue enterrada en el cementerio civil de Madrid en presencia de los principales políticos e intelectuales de la época. Clara Campoamor, junto con varios intelectuales, pidió que se diera su nombre a una calle de Madrid. Su hija falleció en 1939, con cuarenta y un años.

Tras la Guerra Civil y la victoria del régimen franquista, su nombre fue incluido en la lista de autores prohibidos y sus libros desaparecieron de las bibliotecas y las librerías.

Obra

Trabajó en el Diario Universal, El Globo, La Correspondencia de España, El Heraldo de Madrid y ABC, diario del que fue la primera redactora. Cubrió diferentes episodios de la Guerra de Melilla en 1909, siendo una de las primeras mujeres corresponsales de guerra de la historia de España. Firmó, además de con «Colombine», con seudónimos como «Perico el de los Palotes»,10 «Gabriel Luna», «Raquel», «Honorine» y «Marianela».

Además de su intensa obra periodística son destacables sus conferencias en el ámbito del movimiento feminista; como por ejemplo: La misión social de la mujer (1911) y La mujer en España. Entre sus novelas más populares puede citarse Puñal de claveles, escrita al final de su vida y basada en el suceso conocido como el «crimen de Níjar», que tuvo lugar el 22 de julio de 1928 en el Cortijo del Fraile, en los Campos de Níjar, y que fue una de las inspiraciones con que contó Federico García Lorca para sus Bodas de sangre.

Se le considera una de las primeras defensoras del papel social y cultural de la mujer. Defendió asimismo la libertad y el goce de existir. Decididamente independiente, creyó en un mundo mejor y fue una temprana "feminista", aunque ella odiaba ese término. En su obra La mujer moderna y sus derechos (1927) definía su postura como un feminismo conciliador al explicar: «No es la lucha de sexos, ni la enemistad con el hombre, sino que la mujer desea colaborar con él y trabajar a su lado». No fue muy bien considerada por un importante sector de los críticos y escritores contemporáneos, que en muchas ocasiones colocaron su labor y su obra relegada y reducida a la condición de «amante» de Ramón Gómez de la Serna.