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viernes, 1 de marzo de 2024

Jolanda Rodio concertista de vanguardia, pedagoga de la voz y activista cultural

 




Jolanda Caterina Letizia Rodio( 1 de marzo de 1914 Zúrich, Suiza - 1 de noviembre de 2000 Ribe, Dinamarca) fue una concertista de vanguardia y pedagoga de la voz y activista cultural suiza danesa.

Jolanda tuvo una vida muy rica y diversa. Durante la Segunda Guerra Mundial fue integrante activa del movimiento de resistencia danés Holger Danske. Al mismo tiempo ella también cofundó el Birkerød Gliding* Club.

Estudió canto y educación musical en Copenhague, París, Siena, Zurich y Viena.

Con el director Tamas Vetoe fundó el Prisma Ensemble, que interpretó principalmente música moderna. También enseñó canto y música ella misma, primero en forma privada,  y  finalmente en el Conservatorio de Århus. Esto no le impidió realizar numerosas giras por Europa y la Unión Soviética.

Fue madre de tres hijos. 

Los compositores internacionales pronto reconocieron el trabajo de Jolanda. Tenía más de cuarenta  composiciones escritas especialmente para ella. Uno de los compositores con los que trabajó fue Karlheinz. Stockhausen.

Durante su vida recibió numerosos premios y honores.  La Orden de Danebrog (1974) Dinamarca le fue concedido por la reina Margarita de Dinamarca en reconocimiento a su visión musical y su  Promoción de la música moderna.

Más tarde se mudó a Suiza, donde fundó Kulturmühle Lützelflüh.  dando uso a un antiguo molino  donde reunió artistas de todo el mundo, realizó exposiciones, organizó eventos y cursos. Ella también  inició y dirigió una educación especial en el trabajo de teatro pedagógico con niños.

Jolanda Rodio acudió al Festival Magdalena en Noruega, para dar talleres y conversar sobre sus métodos de trabajo. En 1968 había publicado un artículo en Teatrets Teori og Teknikk, y veinte años después encontramos sus palabras más que válidas.

Ella dijo: "Cuando me preguntan qué caminos pueden seguir los actores, cantantes e intérpretes  hoy para cumplir con los requisitos del nuevo teatro experimental y de la ópera moderna, respondo sin  duda de que es importante trabajar con el ser humano como tal en lugar de aplicar únicamente una técnica o mecánicamente utilizando el virtuosismo".

En el Festival de la Magdalena, al describir sus métodos de trabajo, dijo que quería que los participantes entendieran qué problemas tenían y que tuvieran una idea de qué podía hacer ella para ayudar. Ella dijo: "No manipularé, abriré".

Jolanda pasó los últimos años de su vida en Ribe, Dinamarca. Ella trabajó y se mantuvo ocupada. hasta el final.



Kulturmühle Lützelflüh era un molino en el centro de Emmental que estuvo en funcionamiento hasta 1970 cuando  Jolanda Rodio lo compró  y comenzó a convertirla en un centro cultural y de encuentro. Joanda organizó exposiciones, conciertos  cursos y conferencias con personalidades de todo el mundo y con muchos voluntarios.

El molino se hizo conocido mucho más allá de la región. Muchos proyectos fueron vistos con mucho escepticismo en aquel momento. Una de las razones era que siempre estaban plagado de importantes preocupaciones financieras.  En 1976 se concedió reconocimiento a la edificación formando parte del catalogo nacional de Suiza. En 1981 se creó una fundación para mantener el proyecto.



En 1983, Jolanda Rodio recibió el reconocimiento a su labor del cantón con un premio cultural. Pero en 1989 las puertas tuvieron que cerrarse temporalmente. La carga de la deuda era demasiado grande.  Afortunadamente, el mismo consejero del gobierno ayudó a apoyar las labores de rescate y escribió en su momento: "Es difícil negar que el Kulturmühle Lützelflüh ha aportado un gran número de impulsos a la vida cultural de la región local y en general durante los años de su fundación aunque hubo problemas operativos y financieros Desde el principio, fueron compañeros constantes de la atrevida empresa. Como un 'centro cultural en el campo' con un carácter especial y un carisma idiosincrásico, fuertemente influenciado por la personalidad del fundador y donante. Pero en algunos aspectos también representó un experimento interesante: para la región de Emmental, "sería sin duda una pérdida si la Kulturmühle como centro de actividades culturales tuviera que desaparecer para siempre". 

                   

Durante los últimos años  de su via Jolanda siguió con gran satisfacción y alegría cómo su hijo, el Kulturmühle; se había ido expandiendo paso a paso y también se había anclado en la región. De acuerdo con el espíritu de su fundadora en el futuro gente de todo el mundo debería seguir entrando y saliendo de Lützelflüh.  Sabemos que una de las obras de su vida seguirá viva.

El Kulturmühle recibió el sello de calidad "Excelente" del  premio Swiss Location  lo que  lo convierte oficialmente en uno de los espacios para eventos más bellos de Suiza.




*vuelo sin motor 

https://themagdalenaproject.org/sites/default/files/OP6_InMemory.pdf

https://www.kulturmuehle.ch/

https://www.rodio.co.uk/jro/jrodio.htm

https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/notable-women?fem_id=23439

https://www.kulturmuehle.ch/%C3%BCber-uns/geschichte/

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Henriette Renié arpista y compositora francesa

Henriette Renié (París, 18 de septiembre de 1875– París, 1 de marzo de 1956) fue una arpista y compositora francesa conocida por sus numerosas composiciones y transcripciones originales, así como por codificar un método para arpa que todavía se usa hoy en día. Fue un prodigio musical que se destacó en la interpretación del arpa desde muy joven, avanzó rápidamente en su formación y recibió varios premios prestigiosos en su juventud. Fue una instructora excepcional y contribuyó al éxito de muchos estudiantes. Ganó prominencia como mujer en una época en la que la fama era socialmente inaceptable para las mujeres. Su devoción por su religión, su familia, sus estudiantes y su música ha seguido influyendo e inspirando a los músicos durante décadas.

Antes de cumplir los cinco años, tocaba el piano con su abuela. Renié se animó a aprender a tocar el arpa después de escuchar a su padre en un concierto en Niza en el que actuaba Alphonse Hasselmans, un destacado arpista. La música la inspiró y decidió que quería tocar el arpa bajo la dirección de Hasselmans. Comenzó a tocar a los ocho años, pero era demasiado baja para alcanzar los pedales del arpa, por lo que su padre inventó unos pedales alargados para ayudarla.

En 1885, se convirtió en alumna regular del Conservatorio de París. A los diez años ganó el segundo premio en interpretación de arpa. El público votó unánimemente para otorgarle el primer premio, pero el director del Conservatorio, Ambroise Thomas, sugirió que no lo recibiera, porque eso la consideraría una profesional y ya no podría recibir clases en el Conservatorio. A los once años ganó el Premier Prix.​ Su actuación en el concurso se considera en gran medida como una de las mejores actuaciones en la historia del Conservatorio.​ Desde muy joven comenzó a actuar para muchas personalidades como la reina María Enriqueta de Austria, la princesa Matilde Bonaparte y el Emperador de Brasil. A los doce años y luego de su éxito en el Conservatorio, estudiantes de todo París comenzaron a buscarla para que les diera clases, muchos de ellos con más del doble de su edad.

Después de su graduación a los trece años, se hizo una excepción para que tomara clases de armonía en el Conservatorio, que normalmente no permitían a los estudiantes menores de catorce años en armonía y composición. En 1891 ganó el Prix de Harmonie y en 1896 ganó el Prix de Contrepoint Fugue et Composition. Sus profesores Théodore Dubois y Jules Massenet la animaron a componer, pero se mostró reacia a llamar la atención; escondió el Andante Religioso durante seis semanas antes de mostrárselo. A los quince años, Renié dio su primer recital solista en París.

En 1901, Renié terminó el Concierto en Do menor que había comenzado a componer mientras estaba en el Conservatorio. Aconsejada por Dubois, se lo mostró a Camille Chevillard, quien lo programó para varios conciertos. Durante estos conciertos hizo un gran avance en el mundo de las mujeres en la música, ya que recibió los primeros aplausos dirigidos a una mujer tanto por su interpretación como por su composición. Estos conciertos consagraron a Renié, no solo como un virtuosa, sino como una compositora, y ayudaron a establecer el arpa como un instrumento solista, inspirando a otros compositores como Gabriel Pierné, Claude Debussy y Maurice Ravel a escribir para arpa.

En 1903 compuso un importante solo de arpa llamado Légende, inspirado en el poema Les Elfes de Leconte de Lisle. El mismo año, Renié presentó a Marcel Grandjany, de once años, al Conservatorio, pero Hasselmans le negó la admisión; al año siguiente, Grandjany fue aceptado como alumno pero no se le permitió concursar. Esto se debió a la creciente animosidad que Hasselmans tenía por Renié cuando se dio cuenta de que su joven alumna se estaba volviendo más grande que él. A los trece años, la primera vez que se le permitió participar en el concurso, Grandjany ganó el Premier Prix. Después de su victoria, disfrutó de una carrera larga y exitosa al introducir el método Renié en los Estados Unidos en la Escuela Juilliard.


En 1912, Hasselmans y Renié se reconciliaron; él anunció que estaba físicamente incapacitado para dar clases en el Conservatorio y quería que ella ocupara su puesto, aunque no había ninguna profesora que impartiera clases instrumentales avanzadas. Sin embargo, el Conservatorio, como institución gubernamental, requería la aprobación del Ministerio de Educación para sus nombramientos. Durante la Tercera República Francesa, hubo un movimiento para separar la Iglesia y el Estado, y Renié apoyó abiertamente a la Iglesia Católica. Por lo tanto, no fue contratada y Marcel Tournier obtuvo el puesto: En cambio, inició un concurso internacional en 1914, el "Concours Renié". Éste incluyó una importante suma de dinero junto con el premio, y contó con notables músicos en el jurado a lo largo de los años, como Ravel, Grandjany y Pierné.


Durante la Primera Guerra Mundial, sobrevivió dando clases y dio conciertos benéficos casi todas las noches, acudiendo a un fondo llamado "Petite Caisse des Artists" que daba de manera inmediata y de forma anónima a los artistas necesitados, incluso cuando se libraba una batalla a 90 kilómetros de París y Gran Bertha bombardeó la ciudad. Después de la guerra, Arturo Toscanini le ofreció un contrato, que ella rechazó porque la salud de su madre se estaba deteriorando.​ En 1922, fue recomendada para la Legión de Honor, pero fue rechazada por sus creencias religiosas.

Renié comenzó a grabar en 1926 para Columbia y Odéon. Sus grabaciones se agotaron en tres meses y Danses des Lutins ganó un Prix du Disque, pero las sesiones de grabación agotaron a Renié, por lo que se negó a firmar nuevos contratos a pesar de su éxito. En 1937, comenzó a quejarse en su diario de la fatiga y el sobreesfuerzo; la enfermedad la obligaba a posponer y cancelar los conciertos, que se habían convertido en algo doloroso y agotador:

Durante la Segunda Guerra Mundial, Renié, a pedido de su editor Alphonse Leduc, escribió el Método del Arpa, que se convirtió en su objetivo principal durante la guerra. En dos volúmenes, es un tratamiento minucioso de la técnica y la música del arpa. Fue adoptado por arpistas tan importantes como Grandjany, Mildred Dilling y Susann McDonald. Después del armisticio, los estudiantes, predominantemente estadounidenses, acudieron en masa a Renié y difundieron sus enseñanzas en los conservatorios de todo el mundo.

La ciática severa y la neuritis, así como los episodios de bronquitis, neumonía e infecciones digestivas en invierno, casi incapacitaron a Renié, pero continuó dando clases y conciertos a pesar del intenso nivel de sedantes que estaba tomando.​ Cuando Tournier se jubiló del Conservatorio después de 35 años, se le ofreció el puesto a Renié, pero lo rechazó, diciendo (divertida) que era cuatro años mayor que Tournier.​ Le concedieron la Legión de Honor en 1954. Al año siguiente, dio un concierto, con la Légende, diciendo que era la última vez que la interpretaba, y murió unos meses después, en marzo de 1956 en París, Francia.


Legado

Fue critica en la promoción del arpa de doble acción de Sebastian Erard e inspiró la creación del arpa cromática a través de una queja informal sobre los pedales a Gustave Lyon, quien trabajaba para un fabricante de instrumentos musicales, incluidas las arpas. Irónicamente, Renié hizo una demostración del arpa rival Erard en la Exposición Universa de Bruselas y fue la principal causa de su desaparición.​ Salvi, el sucesor de Erard, creó un arpa modelo "Renié", y el Instituto Francés creó un "Premio Henriette Renié de Composición Musical para Arpa". Su Méthode complète de harpe todavía es ampliamente utilizado por los aspirantes a arpistas. Publicó muchas obras con importantes editoriales francesas que han sido pilares del repertorio para arpistas de su linaje. Es posible que queden obras adicionales en el manuscrito, pero se han perdido.​ A partir de 2018, los archivos de Henriette Renié se pueden encontrar en los Archivos Internacionales de Arpa en las Colecciones Especiales de la Biblioteca Harold B. Lee de la Universidad Brigham Young. Estos incluyen cartas y correspondencia personal, programas de conciertos, diarios, documentos oficiales y diversos artefactos personales.


Obras

Andante religioso, pour harpe et violon ou violoncelle (éd. Louis Rouhier)

Contemplation (1898, éd. H. Lemoine 1902)

Concerto en ut pour harpe (1900 éd. Louis Rouhier: Gay & Tenton, successeurs) Dédice: «À mon cher maître Monsieur Alphonse Hasselmans, Professeur de Harpe au Conservatoire National de Musique»

Légende after Les elfes by Leconte de Lisle (1901, éd. Louis Rouhier 1904)

Pièce symphonique in three episodes, for harp (1907, éd. Louis Rouhier 1913)

Ballade fantastique based on «Le cœur révélateur» by Edgar Poe, for harp solo, 1907

Scherzo-fantaisie pour harpe (ou piano) et violon (éd. 1910)

Six pièces pour harpe, 1910

Danse des Lutins, for harp (1911, éd. Gay & Tenton 1912)

2e ballade (éd. Louis Rouhier 1912)

Six pièces brèves, pour harpe (éd. Louis Rouhier 1919)

Deux pièces symphoniques, pour harpe et orchestre (I. Élégie, II. Danse caprice) (éd. Louis Rouhier 1920)

Trio pour harpe, violon et violoncelle

Arreglos

Jacques Bosh, Passacaille: sérénade pour guitare (Lemoine & Fils 1885)

Théodore Dubois, Ronde des archers (éd. Alphonse Leduc 1890)

Chabrier, Habanera (Enoch & Cie. 1895)

Auguste Durand, Première valse, Op. 83 (Durand 1908)

Bach, Dix pièces (éd. Louis Rouhier 1914)

Bach, Dix préludes: tirés du clavecin bien tempéré (éd. Louis Rouhier 1920)

Debussy, En bateau, extrait de la Petite suite (Durand)

Théodore Dubois, Sorrente (Alphonse Leduc)


https://es.wikipedia.org/wiki/Henriette_Reni%C3%A9

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Fadwa Tuqan poeta palestina


Fadwa Tuqan o Tuqán (1 de marzo de 1917, Nablus -12 de diciembre de 2003 , Nablus) fue una poeta palestina . Es considerada una de las más grandes poetas árabes y una de las pocas voces femeninas en la poesía palestina

Fadwa Tuqán, nacida en Nablus, Cisjordania, el año 1914. Hermana de Ibrahim, y perteneciente a una distinguida familia de intelectuales y políticos, algunos de cuyos miembros han colaborado con el Gobierno jordano. Se educó en escuelas cristianas. Ha vivido prácticamente siempre en su ciudad natal, en medio de cierto clima de recogimiento y semi-enclaustración, aunque haya intervenido también públicamente, a veces, en la dura batalla socio-cultural y política que caracteriza a su pueblo. Ha publicado varios libros de poemas: Sola con los días, 1952; La encontré, 1957; Danos amor, 1960; Ante la puerta cerrada, 1967; El comando y la tierra, 1968; La noche y los jinetes, 1969; Sola en la cumbre de este mundo, 1974, y una apasionada biografía de su hermano, Mi hermano Ibrahim, 1946. Su muerte data del 12 de diciembre de 2003. Por fin Fadwa descansa en tierra Palestina.


Liberada del harén en 1950, salió al encuentro de sí misma y de la vida, temas que reflejará en el poemario de auto-descubrimiento titulado La encontré (1957), en cuyo poema “La roca”, traducido por la doctora María Luisa Prieto,  pone de manifiesto lo siguiente:

Mira cómo esa negra

Roca ha sido amarrada a mi pecho

 Con las cadenas del arrogante destino,

 Con las cadenas del absurdo tiempo. 

 Mira cómo aplasta

 Mis frutos y mis flores, 

/Me esculpe con el tiempo

Y me destruye con la vida. 

 ¡Déjame! No podemos vencerla.... 

Cuando Fadwa pasó dos años en Oxford (1962-1964), ampliando sus conocimientos de lengua y literatura inglesa, maduró su compromiso político al comprobar la indiferencia de Occidente hacia la tragedia palestina. Además, recibió la noticia de la muerte de otro hermano, Nimr, sufriendo una fuerte crisis religiosa. El eco de esas experiencias aparece en Ante la puerta cerrada (1967), como expresa en su poema 

“En las olas”, : 

Aquella noche

 Mi jardín se despertó

 Y los dedos del viento

 Arrancaron su cercado.

En mi jardín la hierba, 

 Las flores y los frutos se estremecieron

 Con la danza del viento y la lluvia.../.

Como indica la doctora Clara María Thomas de Antonio, con “En memoria de la poetisa Fadwa Tuqán, símbolo de la resistencia palestina”, en De lo sagrado y lo profano: Mujeres tras/entre/sin frontera (2009), Fadwa ve a su país presa de la ocupación una vez más y contemplando el nuevo éxodo masivo de los palestinos, enunció su voz en defensa de Palestina y sus derechos.



En La noche y los jinetes (1969) incluye poemas nacionalistas compuestos a partir del desastre del 67; así forma parte oficialmente de la “poesía de resistencia”,  : 

Sólo quiero morir en mi tierra,

Que me entierren en ella,

 Fundirme y desvanecerme en su fertilidad 

Para resucitar siendo hierba en mi tierra,

 Resucitar siendo flor 

Que deshoje un niño crecido

 En mi país...

Su obra refleja su lucha personal como mujer en la sociedad árabe, así como su compromiso político con la causa palestina. Escribió poesía tradicional y verso libre, y abordó temas como el amor, la soledad, la resistencia y la esperanza.

Publicó ocho colecciones de poesía, que fueron traducidas a muchos idiomas y disfrutaron de renombre en todo el mundo árabe. También escribió dos volúmenes de memorias, donde relata sus experiencias vitales y su visión de la situación de Palestina

Fadwa Tuqan es ampliamente considerada un símbolo de la causa palestina y “una de las figuras más distinguidas de la literatura árabe moderna” Su poesía ha sido musicalizada por el compositor Mohammed Fairouz en su Tercera Sinfonía

 En uno de sus poemas expresa su nostalgia por su madre fallecida y su deseo de reencontrarse con ella en el más allá:


¿Qué haré cuando llegue el día en que me llames a tu lado? 

¿Qué haré cuando me digas: “Ven, hija mía, ven a mí”? […] ¿

Qué haré cuando me abraces y me beses con ternura? 

¿Qué haré cuando me digas: “Aquí estoy, hija mía, aquí”?


Otro poema que refleja la soledad de la poeta es “Solo quiero estar en su seno” 1, donde expresa su anhelo por su tierra natal y su rechazo al exilio:

Solo quiero estar en su seno y morir en su regazo.

 No quiero que me alejen de ella ni que me arranquen de su abrazo. […] 

Solo quiero estar en su seno y sentir su calor y su latido. 

No quiero que me dejen sola ni que me olviden en el olvido.


https://www.diariojaen.es/opinion/articulistas/con-la-poetisa-fadwa-tuqan-YY8346221

https://clubculturaarabe.com/fadwa-tuqan-la-madre-de-la-poesia-palestina/?v=5b61a1b298a0


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jueves, 29 de febrero de 2024

Raísa Smetánina esquiadora de fondo rusa

Raísa Petrovna Smetánina –en ruso, Раиса Петровна Сметанина– (Mojcha, URSS, 29 de febrero de 1952) es una deportista rusa que compitió para la Unión Soviética en esquí de fondo.

Nació en la ciudad de Mojcha , población situada en la República de Komi , que en ese momento formaba parte de la Unión Soviética y que hoy en día forma parte de la Federación Rusa .

A lo largo de una larga carrera que abarcó cinco Juegos Olímpicos, Raisa Smetanina compiló uno de los mejores récords de cualquier esquiadora de fondo. Creció en una zona cercana a los Montes Urales llamada Komi, donde aprendió a esquiar en los gélidos inviernos. Decididamente solitaria, creció como hija única y permaneció soltera durante toda su larga carrera, centrándose casi exclusivamente en el esquí. Comenzó a esquiar en 1967 y fue convocada por primera vez para el equipo nacional soviético en 1972.

Smetanina llamó la atención internacional por primera vez en el Campeonato Mundial de 1974, donde terminó tercera en los 5 km y ayudó al equipo de relevos soviético a ganar el oro. Esto la llevó a su mayor actuación olímpica en Innsbruck en 1976. Compitió en tres eventos, obteniendo medallas en los tres, con una plata en 5 km y oro en los 10 km y la carrera de relevos.

Smetanina compitió en los Juegos Olímpicos de Invierno en 1976, 1980, 1984, 1988 y 1992, y se retiró después de los Juegos Olímpicos de Albertville. Durante ese tiempo, ganó 10 medallas olímpicas, incluidas cuatro de oro. Dos de las medallas de oro llegaron en 1976, y añadió otro oro individual en los 5 km de 1980.

La carrera olímpica de Smetanina terminó cuando ayudó al equipo de relevos femenino del Equipo Unificado a ganar una medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Invierno de 1992. Su medalla de oro en el relevo llegó sólo 12 días antes de cumplir 40 años, lo que la convirtió en la medallista de oro femenina de mayor edad en la historia de los Juegos Olímpicos de Invierno. Aunque se podría argumentar que Smetanina celebró sólo su décimo cumpleaños después de Albertville, debido a su fecha de nacimiento el 29 de febrero.

Raisa Smetanina también ganó 13 medallas en el Campeonato Mundial. De estas tres fueron medallas de oro, incluidos títulos de relevos con el equipo de la Unión Soviética en 1974 y 1985. Su único título mundial individual llegó en la carrera de 20 km en 1982. Smetanina ganó la Copa del Mundo en 1980-81 y platas en la Copa del Mundo en 1978-79 y 1983-84. También ganó los 5 km y 10 km en el Festival de esquí de Holmenkollen y su tercera victoria en Holmenkollen llegó en 5 km en 1979. En 1979 también recibió la medalla de Holmenkollen.

Además de sus triunfos internacionales, Smetanina fue 21 veces campeona soviética y fue nombrada Maestra Emérita de Deportes de la URSS. Smetanina creció esquiando al estilo nórdico clásico y nunca se adaptó bien a la técnica de patinaje que se popularizó a principios de los años 1980. Ella se negó obstinadamente a aprender el estilo de patinaje y, a partir de entonces, su competencia se limitó a carreras más cortas de estilo clásico.

En 1984 fue galardonada con la Orden de la Amistad de los Pueblos .



https://en.wikipedia.org/wiki/Raisa_Smetanina#/media/File:RR5110-0128R.jpg

https://www.olympedia.org/athletes/82399

https://pl.wikipedia.org/wiki/Raisa_Smietanina

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Gertrud P. pintora suiza


 Gertrud P. (29 de febrero de 1896, Bernburg- 30 de septiembre de 1961 ), fue una pintora suiza. Su vida estuvo marcada por una serie de desafíos y dificultades. 

Gertrud P. experimentó un tratamiento extremadamente duro en instituciones psiquiátricas suizas durante 40 años. 

Su historia se asemeja a un escenario de tortura: sala de guardia (con ataduras), sala de aislamiento, baño permanente, tratamientos de sueño e insulina, descargas eléctricas y, finalmente, en 1953 - a pesar de todo resistencia - la leucotomía Cirugía cerebral

A pesar de estos tormentos, su condición no mejoró. Desde su ingreso en 1921 hasta su muerte, Gertrud P. luchó con sentimientos de miedo, pensamientos “prohibidos” (principalmente de naturaleza sexual) y estados de agitación incontrolables. Su diagnóstico fue esquizofrenia.

La historia de “nervios frágiles” estaba presente en su familia. Su padre falleció cuando ella tenía 4 años, después de un derrame cerebral, en una institución psiquiátrica. Un tío y, más tarde, su hermana se suicidaron. Su madre, una mujer “estricta, competente y piadosa” luchó por mantener las apariencias burguesas.

Gertrud, la más joven de los tres hijos, logró recibir clases privadas de dibujo de la pintora Marguerite Frey, quien la consideró altamente talentosa y la recomendó a Paul Klee quien fue su maestro en Berna y Múnich.

A pesar de recibir una beca para estudiar en París, Gertrud regresó rápidamente debido a la dependencia emocional y financiera de su familia. Poco después, fue internada en una institución mental, donde permaneció hasta su fallecimiento.

Su nombre completo sigue siendo un secreto, pero su historia se dio a conocer al público recientemente a través de una exposición organizada por Corinne Pulver en el Casino de Berna en 1987, así como a través de un documental de televisión y una biografía escrita por Pulver .

Gertrud P. dejó una huella artística a pesar de las dificultades que enfrentó en su vida. Aunque su trabajo no es ampliamente conocido, algunas de sus obras han sido preservadas y estudiadas. 
Gertrud P. fue influenciada por su maestro, Paul Klee.  Su estilo se caracteriza por la abstracción, el simbolismo y la expresión emocional.
Sus pinturas a menudo presentan formas geométricas, colores vibrantes y composiciones inusuales.
Aunque no hay una gran cantidad de obras documentadas, se cree que Gertrud P. exploró temas como la naturaleza, la espiritualidad y las emociones humanas.
Algunas de sus pinturas podrían haber sido influenciadas por su propia lucha con la esquizofrenia y las experiencias en las instituciones psiquiátricas.

Aunque Gertrud P. no alcanzó la fama durante su vida, su historia y su lucha personal han atraído la atención en años posteriores.
Su vida y su obra sirven como un recordatorio de los desafíos que enfrentaron muchos artistas marginados y cómo la salud mental puede afectar la creatividad y la trayectoria artística.




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Hermione Lee escritora y crítica literaria

 Hermione Lee  ( 29 de febrero de 1948  ) es una biógrafa, crítica literaria y académica británica. Fue presidenta del Wolfson College de Oxford , ex profesora de literatura inglesa de la Universidad de Oxford y profesora del New College . Es miembro de la Academia Británica y de la Real Sociedad de Literatura . 

Nacida en Winchester, Hampshire, Lee creció en Londres, donde su padre era médico de cabecera. Fue educada en el Lycée Français Charles de Gaulle , la City of London School for Girls y el Queen's College de Londres . Obtuvo una licenciatura de primera clase en Literatura Inglesa en St Hilda's College, Oxford , en 1968 y una maestría en Filosofía en St Cross College, Oxford , en 1970. 

Lee ha enseñado en el College of William and Mary de Virginia , en la Universidad de Liverpool (donde recibió un Doctorado honorario en 2002) y en la Universidad de York , de 1977 a 1998, donde ocupó una cátedra personal en el Departamento. de literatura inglesa y afines, y donde recibió un Doctorado honorario en 2007. Desde 1998, ha sido profesora de literatura inglesa de los Goldsmiths y la primera mujer profesora del New College de Oxford.  Sucedió a Sir Gareth Roberts como sexto presidente del Wolfson College, Oxford, en 2008, y ocupó el cargo hasta el final del año académico 2016-17. Es miembro honorario vitalicio del Instituto Americano Rothermere de la Universidad de Oxford . 


Lee ha escrito ampliamente sobre escritoras, literatura estadounidense, escritura de la vida y ficción moderna. Sus libros incluyen Las novelas de Virginia Woolf (1977); un estudio de la novelista angloirlandesa Elizabeth Bowen (1981, revisado en 1999); un breve libro crítico, el primero publicado en Gran Bretaña, sobre Philip Roth (1982) y una biografía crítica de la novelista estadounidense Willa Cather , Willa Cather: A Life Saved Up (1989, reeditado en una edición revisada por Virago en 2008).

Publicó una importante biografía de Virginia Woolf (1996), que ganó el premio Rose Mary Crawshay de la Academia Británica , [6] y fue nombrada como uno de los mejores libros de The New York Times Book Review de 1997.



Lee ha publicado una colección de ensayos sobre biografía y autobiografía, Body Parts: Essays on Life-Writing (2005), y una biografía de Edith Wharton , publicada con críticas mixtas en 2007 por Chatto & Windus y Knopf. En 2013, el dramaturgo Tom Stoppard le pidió que escribiera su biografía. Fue publicado en 2020. 

Ha editado e introducido numerosas ediciones y antologías de Kipling , Trollope , Virginia Woolf, Stevie Smith , Elizabeth Bowen, Willa Cather, Eudora Welty y Penelope Fitzgerald . Fue una de las coeditoras de Oxford Poets Anthologies de 1999 a 2002.


Lee también es conocida por sus reseñas, incluidas las de The Guardian ,  The New York Review of Books ,  y su trabajo en los medios. De 1982 a 1986, presentó el primer programa de libros de Channel Four , Book Four , y colabora regularmente en Front Row y otros programas de radio sobre arte.  Presidió el jurado del Premio Man Booker de ficción en 2006 y ha sido juez de muchos otros premios literarios. Ha formado parte de los paneles asesores de literatura del Arts Council y del British Council .



Reconocimientos 

Lee es miembro de la Academia Británica , miembro de la Royal Society of Literature , miembro del Rothermere American Institute , Universidad de Oxford , miembro honorario de St Hilda's y St Cross College, Oxford ;  y miembro del Club Athenaeum .

Nombrada Comendadora de la Orden del Imperio Británico (CBE) en 2003 por sus servicios a la literatura,  Lee fue ascendida a Dama Comandante (DBE) en los Honores de Cumpleaños de 2013 por sus servicios a la erudición literaria,  y nuevamente a Dama Grand Cross (GBE) en los Honores de Año Nuevo 2023 por sus servicios a la literatura inglesa. 

En los EE. UU., Lee ha sido miembro visitante enseñando en la Biblioteca Beinecke de la Universidad de Yale , miembro Whitney J. Oates del Consejo de Humanidades de Princeton , miembro visitante Everett Helm de la Biblioteca Lilly de la Universidad de Indiana en Bloomington , y el Mel y Lois Tukman Fellow del Centro Cullman para Académicos y Escritores de la Biblioteca Pública de Nueva York en 2004-2005. En 2003, se convirtió en Miembro Honorario Extranjero de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias .

1997 – Premio Rose Mary Crawshay para Virginia Woolf 

2013 – Premio en memoria de James Tait Black por Penélope Fitzgerald: una vida 

2015 – Premio Plutarco por Penélope Fitzgerald: Una vida 


https://www.thebritishacademy.ac.uk/fellows/hermione-lee-FBA/

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Amalie Oblak pintora eslovena


 Amalie Oblak (22 de julio de 1813, Liubliana - 29 de febrero de 1860 , Viena ) fue una pintora eslovena 

Amalie Oblak se especializó en acuarelas y retratos de la alta sociedad de Viena. Nació en Liubliana, entonces parte del Imperio austríaco. Estudió con el pintor Anton Karinger y luego con el famoso retratista Friedrich von Amerling. Se trasladó a Viena en 1839 y se convirtió en una de las pocas mujeres que lograron éxito y reconocimiento en el campo de la pintura. . Algunas de sus obras se conservan en el Museo de Historia del Arte de Viena y en el Museo Nacional de Eslovenia.



 Retrato de Matija Čop pintado por Amalie Oblak

 A su firma añadio el apellido Hermannsthal  cuando se casó con el escritor y diplomático austríaco Hugo von Hermannsthal en 1844 hermano mayor del famoso poeta y dramaturgo Hugo von Hofmannsthal. Amalie Oblak-Hermannsthal siguió pintando después de su matrimonio, y también se dedicó a la vida social y cultural de Viena.


Franc Hladnik  pintado  por Amalia  Oblak Hermannsthal


Discover watercolorist, painter Amalie Oblak (rkd.nl)

https://www.artnet.com/artists/amalie-oblak-hermannsthal/

https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Amalia_Hermannsthal_-_Franc_Hladnik.jpg

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miércoles, 28 de febrero de 2024

Herna Rosas y el sueño de un restaurante de comida mapuche



Nos encantó encontrar la historia de Herna Rosa, chilena mapuche,  escrita por  Bianca González Contreras y la guardamos ya en 2021 . Nos gustó conocer los nombres de la riquísima comida que seguro hace, su energía, su determinación , su empatía por las otras personas. Nos encantaría saber que el restaurante sigue y ella es feliz desarrollando esta iniciativa. Desde aquí nuestro reconocimiento  a la vida y al trabajo de Herna Rosas y a tantas mujeres, como ella, que pueblan el mundo haciéndolo un lugar más habitable y feliz .Nos encanto trasladarnos a la geografía chilena y soñamos en conocerla un día.

A sus 74 años, habilitó un espacio de su casa en Puente Alto como local de comida mapuche, cuyas recetas domina desde que era una niña. Lo bautizó como Restaurant Ilihue en honor a su lugar de origen y a pesar de que todavía no puede abrirlo al público por la pandemia, logra mantener a flote su sueño preparando empanadas, sopaipillas y almuerzos para llevar.

Herna Rosas (74) es mapuche y proviene de la zona de Lago Ranco. Allá vivió su infancia y aprendió a cocinar cuando tenía sólo ocho años. Su madre había muerto hace poco tiempo y como su papá trabajaba, debió aprender a hacerse cargo de sus tres hermanos. Los cuidó y cocinó para ellos durante mucho tiempo. Dice que hasta hoy la llaman para saber cómo está y la saludan para el día de la madre.

Cuando cumplió 15, se fue de su casa para casarse y armó su propio hogar en el sur. Pero luego de 23 años de matrimonio, decidió separarse e irse a Santiago con sus hijos. De lunes a viernes, trabajaba como asesora del hogar y los fines de semana se dedicaba a vender comida mapuche. “Cuando me quedaba sin trabajo, hacía costuras y sábanas para vender. Hasta la fecha confecciono costuras todavía. Siempre he buscado por todos los lados hasta salir adelante”, cuenta.

Las ganas de tener su propio restaurant donde sus clientes pudieran degustar la gastronomía mapuche siempre estuvieron ahí, pero sólo en 2019 el sueño pudo empezar a tomar forma. Ese año, ganó un concurso de la municipalidad y le cedieron un puesto en las cocinerías del Pueblito Las Vizcachas, donde alcanzó a trabajar un par de meses, pero por la pandemia ese plan se truncó.

Como tuvo que alejarse de su tradicional lugar de trabajo, habilitó su casa como local para seguir ofreciendo comidas. Como todavía no puede recibir público, recibe pedidos por Whatsapp, que luego son retirados por los clientes en su casa, donde atiende desde las 8:30 am hasta las 21 hrs. “Esta en la única parte donde sirven gastronomía mapuche aquí en Puente alto, no hay más. La gente está muy contenta con mi iniciativa y me dicen que hacía falta un lugar así”, cuenta Herna con orgullo.

¿Por qué quiso emprender con un local de comida mapuche?

-Porque me encanta cocinar, se cocinar muchos platos de comida mapuche: ofrezco empanadas de cochayuyo, cazuela con locro, catuto, muday, sopaipillas mapuche y muchas cosas. Además, hace cuatro años murió mi nieto regalón de un cáncer a los huesos. Él tenía recién 22 años y tengo la convicción que si él se hubiera alimentado mejor, eso se podría haber evitado. La comida mapuche es muy sana y es importante tener una buena alimentación para prevenir enfermedades. Me motiva que más personas empiecen a comer sano.

¿Cómo es su rutina de trabajo día a día?

-Todos los días me levanto a las 5 de la mañana. Estoy acostumbrada porque cuando vivía en el sur, en el campo, me levantaba a esa hora a sacarle la leche a las vacas. A esa hora hago el pan, que se hace con harina de maíz. También hago sopaipillas y alfajores mapuche. No suelo demorarme mucho en cocinar los pedidos, porque soy súper rápida. Luego atiendo hasta máximo las 9 de la noche.

Como todavía no puede recibir público, recibe pedidos por Whatsapp, que luego son retirados por los clientes en su casa, donde atiende desde las 8:30 am hasta las 21 hrs. “Esta en la única parte donde sirven gastronomía mapuche aquí en Puente alto, no hay más. La gente está muy contenta con mi iniciativa y me dicen que hacía falta un lugar así”, cuenta Herna con orgullo.

¿Qué otras comidas ofrece?

-Los platos son muy variados. Ofrezco catuto, harina tostada, milcao, mote. También café de trigo que es súper sano y que yo también lo tomo. También está el café de maqui que tiene muchas propiedades.  Pero lo que más vendo son las colaciones, que es lo más barato. Mi interés es poder seguir mostrando la gastronomía mapuche y promover el consumo de alimentos sanos.

¿Por qué su local se llama Ilihue?

-Porque en Lago Ranco, donde yo me crié, viví en un sector llamado Ilihue y el nombre es en honor a ese lugar. Esta es una palabra en mapudungun que significa lugar rocoso, con mucha madera y palos. En esos campos donde yo vivía, casi no se regaban las plantas porque todo se mantenía verde con las lluvias. También sacamos un sandwich con ese nombre, que lleva lomito de cerdo cocido con hierbabuena, palmitos, tomate y lechuga. Es grande, alcanza demás para dos personas.

Cuando Herna se vino del sur, le tocó vivir con sus cinco hijos en una mediagua que tenía piso de tierra. Cuando no tenía suficiente dinero para vivir y en ocasiones el trabajo escaseaba, se las ingeniaba para que los platos de comida rindieran lo suficiente para toda la familia. Un par de veces, cuenta, se vio en la obligación de pedir dinero en la calle. “Yo sé lo que es pasar hambre y sed. Dios me está dando bendiciones ahora y por eso siempre trato de ayudar a la gente que lo necesita”, cuenta.

Además de enfrentar la muerte de su nieto, también tuvo que enfrentar hace algunos años la muerte de otros dos hijos.

¿Qué le dio fuerzas para salir adelante a pesar de todo?

-Yo siempre digo que me da para hacer un libro con todas las cosas que he pasado. El papá de mis hijos no me ayudó con nada, ni una goma de borrar para mis niñitos. Solita salí adelante, con harto esfuerzo y newen. Me dije que no podía seguir llorando por mis hijos y seguí trabajando en casas y vendiendo cosas. Había que salir adelante y me gusta sentir que lo he logrado. Aún tengo energía para seguir y tengo toda la fe de que todo me va a resultar bien.

¿Y qué opinan sus hijos que siga trabajando a su edad?

-Me dicen que no debería estar trabajando, que para qué trabajo tanto si ellos me pueden ayudar. Pero yo les digo que no. No quiero que me den porque me gusta trabajar. Yo soy independiente aún. Cuando sea una viejita que ya no pueda ni caminar, ahí sí recibiría su ayuda, pero ahora no. Si lo hicieran ahora, yo me quedaría en la cama o sentada en una silla sin moverme y eso sería una maldad, un daño que me van a hacer. Yo he trabajado toda una vida y estoy acostumbrada. Cuando ellos eran chicos, los días que tenía libre siempre los trabajaba vendiendo comida o si no de colera en la feria. 

¿Qué espera a futuro para su negocio?

-Espero que siga creciendo para poder darle trabajo a más personas. Hay mucha gente a quien ayudar, mujeres sin trabajo, jóvenes metidos en la droga o gente que roba. Creo que es importante darles la oportunidad de trabajar, que aprendan a alimentarse mejor y no andar comiendo comida chatarra. Ese es el interés de que mi negocio siga creciendo: darle trabajo a más gente que realmente lo necesita para que no tengan que andar pidiendo.


Agradecemos mucho  a Bianca González Contreras  la autora de este reportaje y nos sumamos a la difusión de su magnifico trabajo 

https://www.theclinic.cl/2021/01/28/herna-rosas-y-el-sueno-de-un-restaurante-de-comida-mapuche/

https://serviciosturisticos.sernatur.cl/296-restaurante-parque-ilihue

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martes, 27 de febrero de 2024

Margaret Morris bailarina, coreógrafa y educadora británica

 


Margaret Morris ( Londres , 17 de abril de 1891-Glasgow, 29 de febrero de 1980 ) fue una bailarina, coreógrafa y educadora británica.

En 1909 Morris conoció a Raymond Duncan , el hermano de Isadora Duncan , quien le enseñó las seis posiciones de danza clásica griega. Los adaptó y utilizó como base de su propio sistema de movimiento. Morris también se inspiró en el uso de notación taquigráfica que hacía Duncan para registrar estas posiciones. En 1910 coreografió las danzas de Orfeo y Eurídice de Gluck , que fue puesta en escena por Marie Brema en el Teatro Savoy de Londres. Entrenó a los bailarines en su nueva técnica durante un mes antes de los ensayos. Ella también diseñó el vestuario y la decoración. El Daily Express dijo: "El triunfo de la producción es La danza de las furias de Miss Morris , nunca se ha visto nada parecido en los escenarios de Londres". Ese año también interpretó Water en The Blue Bird de Maeterlinck en el Haymarket Theatre . También produjo los bailes para la producción de Enrique VIII de Sir Herbert Tree .


En 1910, Morris conoció a John Galsworthy , quien la animó a abrir su propia escuela en St Martin's Lane, Londres. Ese mismo año realizó una gira con su propia compañía, primero llamada "Margaret Morris and her Dancing Children". En 1911 fue coreógrafa y bailarina principal de The Little Dream , una fantasía de Galsworthy, en el Gaiety Theatre de Annie Horniman , Manchester . También creó la escenografía de baile para la ópera El nacimiento de Arthur de Rutland Boughton en Winter Gardens, Bournemouth .


En 1912 creó el papel de Guinevere Megan en The Pigeon de John Galsworthy en el Royal Theatre, actuando con Gladys Cooper y Dennis Eadie . Ese mismo año tuvo una temporada en el Royal Court Theatre de Londres, donde interpretó ballets como Callisto de Maurice Hewlett y The Little Dream de Galsworthy. Fundó el primer teatro pequeño en Londres, Kings Road , Chelsea , que ofrecía Seasons Christmas for Children interpretadas por niños. Fue aclamada por la prensa como la primera mujer 'actora, directora' y la más joven, ya que sólo tenía 21 años. En 1913 llevó una compañía a París para bailar en el Théâtre Marigny en los Campos Elíseos . En 1915, produjo en su teatro una interpretación de la Séptima Sinfonía de Beethoven, con vestuario diseñado por John Duncan Fergusson y posteriormente actuó con orquesta completa en Bournemouth Winter Gardens y en Harrogate .

En 1917, Morris inició la primera Escuela de Verano en Devon, que desde entonces se ha celebrado anualmente hasta la fecha, excepto durante los años de la guerra. En 1922 fundó la primera "Escuela Educativa" en Inglaterra para combinar materias educativas normales con formación educativa en danza y actuación. Fergusson se convirtió en directora de arte de todas sus escuelas. La pintura y el diseño se convirtieron en una parte integral del plan de estudios de los estudiantes, que ya incluía actuación, composición e improvisación de danza, materias educativas normales y su sistema de notación de danza.


Me di cuenta por primera vez de la absoluta necesidad de relacionar el movimiento con la forma y el color cuando estudiaba pintura del movimiento moderno en París en 1913. A partir de ese momento la incorporé como uno de los principales estudios de mi escuela. En este sentido, estoy profundamente en deuda con JD Ferguson, el pintor que durante años enseñó pintura, diseño y escultura en mi escuela y que fue el primero en hacerme comprender las posibilidades del trabajo teatral considerado desde el punto de vista visual y el valor de el estudio de la forma y el color como medio de educación. 

El Movimiento Margaret Morris fue elegido para representar a Gran Bretaña en el Festival de Danza de 1931 en Florencia , Italia.

En abril de 1935, los bailarines de Margaret Morris interpretaron el ballet Electric Revolutions in Seven Episodios, diseñado por Margaret Morris y Elizabeth Ainsworth, en el baile anual de la Asociación Eléctrica para Mujeres . 

 

En 1925, Morris comenzó a interesarse por los aspectos curativos del movimiento y dio su primera conferencia demostrativa a médicos en Londres sobre las posibilidades curativas de sus ejercicios. Realizó un curso de fisioterapia en el Hospital St Thomas, que aprobó con distinción en 1930. Tenía gran fe en el valor de su sistema para los discapacitados, creyendo que "cuanto más normal hagas sentir a la gente, más normales se volverán". ". Amplió sus ejercicios al entrenamiento deportivo, escribió un libro con la estrella del tenis Suzanne Lenglen e intentó que las autoridades educativas aceptaran sus métodos en las escuelas. Aunque logró una aceptación limitada en esta área, su influencia fue inmensa en la práctica moderna de la educación física, en el trabajo de recuperación y en la innovación coreográfica. En 1937, se convirtió en miembro fundador del Consejo Asesor Nacional de Entrenamiento Físico y Recreación.

Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Margaret Morris se mudó a Glasgow. En 1940 formó el Celtic Ballet Club y produjo varios ballets importantes para organizaciones benéficas de guerra. En 1947 formó una pequeña compañía profesional, el Celtic Ballet of Scotland, y realizó giras por Glasgow y Francia. El Celtic Ballet utilizó tanto la propia técnica de Margaret como los movimientos de danza country escocesa y de las Highlands.  En 1951, el Celtic Ballet tuvo una temporada en el Theatre Royal de Glasgow . En 1954, el Celtic Ballet realizó una gira por los Estados Unidos y actuó en el festival de danza Jacob's Pillow de Ted Shawn . Entre 1958 y 1959 el Ballet Celta actuó en festivales de Rusia, Austria y Checoslovaquia . En 1960 formó el Ballet Nacional Escocés y apareció en el Festival Theatre de Pitlochry . El Celtic Ballet College de Glasgow se basó en el ballet moderno, no en el clásico. La última gira que hizo como The Scottish National Ballet la hicimos en Glasgow (La Alhambra), Edimburgo, Aberdeen, Carlisle y Sunderland. Además de formarse para la danza teatral, también formaba a sus alumnos para que fueran terapeutas de danza. Solía ​​ir todos los viernes al Southern General Hospital de Glasgow y mi formación se basaba en personas con problemas de salud física y mental.

Morris ideó un método de notación de danza destinado a documentar todo tipo de movimiento humano. Publicado por primera vez en The Notation of Human Movement (1928), más tarde llegó a referirse a la notación como Danscript.


Margaret Morris,  comenzó a pintar desde una edad temprana. El Third Eye Centre reconoció su trabajo tanto en danza como en arte con el catálogo de la exposición Margaret Morris: Drawings and Designs and the Glasgow Years. En 1984 se celebró una exposición de su obra en Glasgow en la Galería de Bellas Artes Cyril Gerber.  La exposición Color, Ritmo y Danza se mostró en Escocia y Francia en 1985.  En 1991, se celebró una exposición centenaria de sus dibujos y pinturas en la Galería Cyril Gerber.  La Galería Fergusson presenta artefactos de todos los aspectos de su carrera, incluidos trajes originales, diseños de vestuario, dibujos de su infancia y carrera adulta, pinturas y cuadernos de bocetos.

Tuvo una relación a largo plazo con el artista escocés John Duncan Fergusson. Lo conoció en París en 1913 y se convirtieron en compañeros de vida, pero nunca se casaron. Fue una influencia importante en su trabajo. La introdujo en el mundo del arte parisino y con ella fundó en 1915 el Margarent Morris Club en Chelsea , que rápidamente se convirtió en el foco de los restos de la vanguardia de antes de la guerra en Londres. Algunos miembros de este grupo, después de la guerra, participaron en la organización de un colectivo relacionado con el Partido Laborista conocido como "Arts League of Service", cuyo objetivo era llevar las artes a la vida cotidiana.

En 1961, tras la muerte de JD Fergusson, su compañero de vida, se cerró la Escuela de Glasgow. En 1972, a la edad de 81 años, le pidieron a Morris que entrenara a los bailarines del exitoso musical Hair en el Metropole Theatre de Glasgow . En 1973, el Consejo Escocés de las Artes realizó la película 'Movimiento Margaret Morris' . 

Margaret Morris murió en Glasgow el 29 de febrero de 1980, a la edad de 89 años.


Morris hizo una contribución única al desarrollo y la enseñanza de la danza en Inglaterra y el extranjero. Su interés original en crear su propio ejercicio y movimiento de danza se basó en su deseo de idear una técnica que fuera más natural de realizar que el ballet. Durante esos primeros años, la amplitud del movimiento que creó abarcó un ámbito diverso de ejercicio, danza y entrenamiento de movimiento con una amplia gama de elementos y niveles diseñados para incluir todas las edades y habilidades. 

A partir de esas raíces pioneras, tomó conciencia de la necesidad de educación para la salud y del valor de brindar explicaciones claras para obtener el máximo beneficio de cada ejercicio. Descubrió que el cuerpo respondía rápidamente a este entrenamiento sistemático preciso y proporcionaba a los estudiantes cuerpos fuertes y tonificados, mayor capacidad torácica, densidad ósea, movilidad y frecuencia cardíaca. Al mismo tiempo, mejoraron la postura, el equilibrio, el nivel de concentración y la coordinación de los estudiantes. La expresión y la composición del movimiento libre se integraron en toda la técnica, proporcionando la base para la coreografía, así como muchos beneficios psicológicos. 

En 2019, la Biblioteca de la Universidad de Edimburgo organizó una exposición de archivos financiada por Wellcome Trust , Body Language,  que exploró el legado de Morris como coreógrafo y profesor de danza, junto con los archivos de la Facultad de Educación Física y Gimnasia Escocesa de Dunfermline. 


Obras coreografiadas 

"La danza de Anitra" (1909) música de Grieg

Un baile interpretado originalmente por Morris en su primer recital en solitario en Hampstead.

La sirena abandonada , música de Erik Chisholm (1940)

El tema de este ballet es el viejo cuento de hadas sobre un pescador que se enamora de una sirena, la abandona y finalmente se reencuentra con ella en el fondo del mar. Es la historia de la obra de fantasía Sadko de Rimsky-Korsakov . [13]

The Earth Shapers , música de Erik Chisholm (1941)

The Hoodie Craw , música de Erik Chisholm (1948)

Escritos 

Margaret Morris bailando (1925)

La notación del movimiento (1928)

Ejercicios de respiración (1935)

Maternidad y ejercicios postoperatorios (1936)

Entrenamiento físico básico (1937)

Mi historia de Galsworthy (1967)

Mi vida en movimiento (1969) ISBN  0-7206-5208-1

Creación en la danza y la vida (1972)

El arte de JD Fergusson (1974)

Coreografía de Margaret 


https://fr.wikipedia.org/wiki/Margaret_Morris_(chor%C3%A9graphe)

https://www.pinterest.es/pin/328410997809966476/?send=true

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lunes, 26 de febrero de 2024

Montserrat del Amo escritora española de literatura infantil y juvenil.


Montserrat del Amo (Madrid, 15 de enero de 1927 - Madrid, 26 de febrero de 2015) fue una escritora española de literatura infantil y juvenil.

Licenciada en Filosofía y letras, en la especialidad de Literatura Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid y titulada Mercantil con el grado de Perito. Ejerció de profesora de Lengua y Literatura en niveles de BUP y COU, aunque con anterioridad trabajaba en diversos puestos como contable, impresora, oficinista, etc. que le permitían compaginar literatura y trabajo. Se ha dedicado especialmente a la literatura infantil y juvenil de creación, escribe también teatro, ensayo e historia, con más de 50 obras publicadas. Entre sus obras de teatro destaca El nudo, que supuso una pequeña revolución en el ámbito de la literatura infantil, por el uso de estructuras contrastadas con más voluntad de sugerencia que de sentido explícito y de recursos como la página en blanco.

Realizó colaboraciones literarias en numerosas revistas especializadas. Dos de sus obras fueron adaptadas a la televisión, Patio corredor y Zuecos y naranjas.

Impartió cursos, numerosas charlas y conferencias sobre la literatura para niños y la narración oral. También realizó técnica de animación a la lectura para profesores y bibliotecarios.

Participó en Encuentros con Escritores de Literatura Infantil y Juvenil organizados por el Instituto Cervantes (Nueva York 1993, Toulouse 1998, Chicago 200).

Dirigió el curso sobre el Auge de la Literatura Infantil y Juvenil en los Cursos de Verano de El Escorial, Universidad Complutense de Madrid (1998). Participó en El Maratón de Cuentos de la Biblioteca Pública de Guadalajara (2000) y en Encuentro Autor-Lector en Casas de Cultura, Bibliotecas y Centro de Enseñanza y actos de Narración Oral en el Retiro de Madrid (2001).




Querida Montserrat del Amo…

Conocí a Montserrat del Amo cuando era una niña, con apenas unos ocho años de edad. Acudió al colegio en el cual estudiaba para darnos una charla acerca de la literatura infantil y hablarnos del libro recién escrito por ella que acabábamos de leer. Recuerdo también el título y la historia como si hubiese sido ayer, El bambú resiste la riada, que trataba sobre la adopción y la difícil situación a la que se enfrentan miles de familias chinas por las políticas establecidas de control de población.

Recuerdo la mirada amigable de Montserrat, de estatura pequeñita, y la rebosante ternura en su discurso, así como en su despedida de todos nosotros. A partir de aquel momento, la figura de Montserrat del Amo me acompañó para siempre, al igual que el interés por las historias infantiles y juveniles.

Hace tan solo siete días que la escritora madrileña nos dejaba con 87 años de edad. Cuando esto ocurre, renacen los recuerdos que creemos perdidos y emerge la huella de las personas que nos encontramos en el camino, así como la importancia del legado que  han podido dejarnos. Montserrat pasaría más de seis décadas en activo, produciendo sus más de cincuenta obras literarias, además de impartiendo charlas escolares y demás conferencias relacionadas con el mundo de la LIJ.

Montserrat del Amo fue una mujer infatigable, cuyas obras se ambientan en los lugares más insospechados y lejanos, a los que no dudaba en viajar para documentarse correctamente sobre sus poblaciones y la situación de sus gentes. Montserrat es la creadora de una gran obra literaria social, caracterizada por la defensa de valores solidarios y humanos, a pesar de que nunca se consideró a sí misma como una autora de literatura de valores.

Con ella se marcha, sin duda, uno de los últimos y más célebres referentes literarios a nivel internacional. Premiada con galardones como el Premio nacional de Literatura infantil y juvenil, Lazarillo de creación literaria, Premio de la Comisión Católica Española de la Infancia, Doncel, o el Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil, estos nos demuestran la importancia y calidad literaria de la escritora cuyo recuerdo permanecerá vivo siempre. Vivo gracias a sus obras y al fomento de la lectura que debemos realizar en los más pequeños, con el objetivo de que dichas figuras no desaparezcan ni nos abandonen jamás.

Son muchas las obras de la escritora a través de las cuales, seguramente, logremos acercarnos a su figura un poquito más. Rastro de Dios, Zuecos y naranjas, El nudo, Chitina y su gato, La casa pintada, o La cometa verde son solo algunos de los ejemplos. Defensora absoluta de la multiculturalidad y de la igualdad de género, su sensibilidad hacia las mujeres y su situación se observa en cada una de sus obras. Del Amo había vivido en sus carnes la desigualdad social, con respecto a las mujeres, al formar parte de una familia de varios hermanos varones, lo que le impidió recibir una formación educativa superior. Formación a la que no renunciaría, sin embargo, licenciándose en literatura hispánica a la altura de los cincuenta años de edad. Montserrat del Amo sabía de luchar y de ser valiente, como su protagonista femenina en El bambú resiste la riada, «Corazón Salvaje».

Existen libros cuyas historias acaban cuando pasamos la última página: es el punto final de personajes y situaciones, otros, sin embargo, nos dejan mensajes que perduran, que abren nuestros ojos a otros mundos (…) (Palabras de Javier Flor en, Literatura infantil: nuevas lecturas, nuevos lectores, UCLM, 2007)

Gracias por abrir nuestros ojos a otros mundos.

Hasta siempre, Montserrat del Amo.

https://blog.editorial-bruno.es/?tag=montserrat-del-amo

https://www.bosquedefantasias.com/recursos/biografias-dedicatorias/dedicatoria-montserrat-del-amo

https://www.ecured.cu/Montserrat_del_Amo

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domingo, 25 de febrero de 2024

Ana María Ibars Ibars escritora valenciana


Ana María Ibars Ibars (Valencia, 29 de febrero de 1892 - Valencia, 9 de enero de 1965) fue una escritora y maestra valenciana, conocida como María Ibars o María Ibars Ibars.

Vivió su infancia y adolescencia en Denia en una casa en la partida de los Campussos, Penyamar, hecho que da título a uno de sus libros: Poemas de Penyamar: a la sombra del Montgó (1949). Fue madre de la pedagoga Raquel Payà.​ Escribió poemas y narraciones en castellano y en valenciano. En la década de 1930 estuvo relacionada con Lo Rat Penat y participaba en actividades de esta institución.

En la localidad de Denia hay un Instituto de Educación Secundaria que lleva su nombre, desde febrero de 2016 es hija adoptiva de esta localidad de la Marina Alta.



 Según  nos  cuenta en su  articulo de Pilar Navarro i Borràs:

Ubicada  su obra literaria por Tomàs Llopis en el cruce del romanticismo, el costumbrismo y el naturalismo, en su obra se nos muestra la complejidad de una sociedad donde todavía estaban vivas las tradiciones populares. Describe con precisión tanto un paisaje, el de la sombra del Montgó, como la vida cotidiana que transcurre en él, a través de unos retratos cuidadosos de los personajes que lo habitan y de las costumbres, utilizando un lenguaje poético, llano y de fácil compresión para el lector, en el que se refleja su aprecio por su País.

Si el paisaje como tema refleja su carácter valencianista, la suya es también una literatura de mujeres. María Ibars no explicitó nunca por escrito su posicionamiento respecto al movimiento feminista ni respecto a sus reivindicaciones, por lo que debemos basarnos en los indicios que nos aporta la obra, para extraer su consideración. Pese a su conservadurismo relativo que la hace decantarse por los modelos propios de la sociedad tradicional que veía en recesión y los condicionamientos morales de su fuerte religiosidad, la cuestión del abuso sexual masculino es una de las constantes literarias ibarsianas; en consecuencia, la escritora debía ver con simpatía las acciones de las mujeres encaminadas a conseguir medios de defensa al respecto. Su perspectiva femenina, el compromiso implícito y permanente con las desiguales condiciones de vida de las mujeres, resulta quizás el aspecto más sugerente y vivo.

Maria Ibars es una de las escasas escritoras valencianas, en un tiempo en el que la mujer luchaba por abrirse paso en todo el ámbito cultural y social, y que en su caso tiene como rasgos características ser mujer, valencianista y católica.



Obras
Ibars y Ibars, María. Flor de nisperer : acabamiento. Sicània, 1962.
Ibars y Ibars, María. La fe de los otros. Sicània, 1965.
Camp de Os / María Ibars Ibars. Fantasías / Beatriu Civera. La semana valenciana / Nicolau-Primitivo / Dibujos de Nunyez y Tony Valencia : Sicània, 1961
El demonio se hace fallero / Josep Marcarell y Gosp. Los pañales / Barrote de Ribalmaig. Camp de uso (acabamiento) / María Ibars y Ibars ; ilustraciones de Soriano y Núnyez Valencia : Sicània, 1961
Como una garra : novela Valencia : Guerri, 1961
La descalumniada / María Ibars y Ibars. Avioneta 23 / Peris Aragón. La Prenda / Soleriestruch ; dibujos de Nunyez, Peris Aragón y Soleriestruch Valencia : Sicània, 1961
Flor de nisperer María Ibars y Ibars. La Trampa / Enric Soler y Godes. ¿Levante?¡No!¡Valencia, siempre! / Nicolau Primitivo / Ilustraciones para. Peris, Tony y Nunyez Valencia : Sicània, 19624​
El gigante enamorado / Josep Bea Izquierdo. La fe de los otros / María Ibars y Ibars. Cronistas del reino de Valencia / Nicolau-Primitivo ; ilustraciones de Hernàndez Valls y Soriano Izquierdo, fotograbados de Vilaseca Valencia : Sicània, 1965
Graciamar Valencia : [Unicrom], 1963
La presa : (Obra póstuma) / María Ibars y Ibars. El muerto té la palabra / Juli Ferrer y Rueda. Recordances de Masarrojos / Nicolau-Primitivo ; ilustraciones de Nuñez, fotograbados de Vilaseca Valencia : Sicània, 1966
El último serv : a la sombra del Montgó (novela social) / María Ibars y Ibars ; ilustraciones de Antoni Ferrer ; fotograbados de Vilaseca Valencia : Sicània, 19655​
Vidas planas / María Ibars y Ibars Instituto de Estudios Comarcales de la Marina Alta, 1999
Vidas planas / María Ibars y Ibars ; edición, introducción y notas de Tomàs Llopis Alicante : Aguaclara, 1992

https://apuntmedia.es/va/a-la-carta/programes/vist-en-tv/valentes/13-08-2018-ana-maria-ibars
https://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Mar%C3%ADa_Ibars_Ibars
https://memoriavalencianista.cat/biografies/ibars-ibars-anna-maria



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sábado, 24 de febrero de 2024

Gayatri Spivak escritora, filósofa, profesora de universidad, traductora y crítica literaria


Gayatri Chakravorty Spivak (Calcuta; 24 de febrero de 1942) es una filósofa india, experta en crítica literaria y en teoría de la literatura, autora de un texto fundamental en la corriente postcolonialista, ¿Pueden hablar los subalternos?, así como de una famosa traducción al inglés del libro De la gramatología, del filósofo deconstructivista Jacques Derrida. Actualmente es profesora en la Universidad de Columbia, en Estados Unidos, y una asidua conferenciante en todo el mundo. Ha acuñado el término violencia epistémica posteriormente utilizado y desarrollado en estudios decoloniales.

Se graduó con mención especial en Inglés por la universidad de Calcuta en 1959. En 1961 llegó a Estados Unidos, completando un máster en la universidad de Cornell. Acabó su tesis doctoral mientras ejercía de profesora en la universidad de Iowa, con una disertación sobre el poeta irlandés William Butler Yeats dirigida por Paul de Man.

Después de esto, Spivak enseñó Literatura comparada en las universidades de Iowa, Texas, Pittsburgh y finalmente la Universidad de Columbia desde 1991.

En su obra confluyen el marxismo, el feminismo y la deconstrucción, bajo el hilo conductor del otro de Occidente. Tres temas se enlazan en su pensamiento: su relación táctica con el concepto, su apelación al cruce de las luchas y su crítica al intelectual universitario.​ Según Cusset, su obra sólo puede resumirse recurriendo al concepto de intotalidad, es decir, de una "desconfianza sistemática, política, estratégica e incluso autobiográfica hacia los pensamientos y las culturas de la «totalización», del monismo" y de un sistema que Spivak "conoce sin embargo como muy pocos pensadores estadounidenses".

Fue su traducción del libro De la Gramatología de Jacques Derrida lo que le hizo alcanzar la fama, tras lo cual se dedicó al estudio histórico y a la crítica literaria del imperialismo desde una perspectiva feminista. A menudo se refiere a sí misma como una marxista-feminista-deconstructora, considerando cada uno de estos campos como necesarios pero no suficientes por sí solos. Su pensamiento ético-político se centra en la crítica a la tendencia de las instituciones y de la cultura a excluir y marginar a los subalternos, especialmente a las mujeres.

En su libro de 1999 Crítica de la razón postcolonial, Spivak analiza cómo los principales trabajos de los metafísicos europeos, como los de Kant, Hegel o Marx, no sólo tienden a excluir a los subalternos de sus discusiones, sino que previenen activamente a los no europeos de ocupar una posición en la que puedan ser considerados sujetos completamente humanos.

Spivak acuñó el término esencialismo estratégico, con el cual se refiere a la solidaridad temporal con el objetivo de una acción social concreta entre distintos colectivos de pensamiento. Intenta evitar con ello que la excesiva dispersión en el activismo social (por ejemplo feminista) se vea privada de logros concretos a causa de la disparidad y desunión de las acciones. El esencialismo estratégico marca así la necesidad de aceptar temporalmente una posición esencialista que permita una mayor eficacia en la acción.



¿Puede hablar el sujeto subalterno?

Escrito en 1985, Spivak hace referencia al status del sujeto subalterno quien, si bien físicamente puede hablar, no goza de una posibilidad de expresarse y ser escuchado. El término de subalterno se refiere específicamente a los grupos oprimidos y sin voz; el proletariado, las mujeres, los campesinos, aquellos que pertenecen a grupos tribales,​ haciendo énfasis en la condición de la mujer en la India. Con la pregunta "¿Puede hablar el sujeto subalterno?", Spivak menciona dos dificultades: En primer lugar, responde que el sujeto subalterno no puede hablar porque no tiene un lugar de enunciación que lo permita. En segundo lugar, afirma que la mujer ocupa ese lugar radical por su doble condición de mujer y de sujeto colonial. El discurso dominante hace que el colonizado o subalterno sea incapaz de razonar por sí mismo, necesitando siempre de la mediación y la representación de lo que Spivak llama “el intelectual del primer mundo”.4​ Son nulas las posibilidades de que el subalterno aprenda los lenguajes de occidente y a su vez se mantenga en su contexto nativo. O se es un intelectual del primer mundo con plena capacidad de hablar, o se es un subalterno silenciado.4​ Además, este ensayo crítico abre interrogantes sobre la ironía de que si un subalterno dejase de estar silenciado, dejaría automáticamente de ser subalterno.


Gayatri Spivak en Can the subaltern speak? acuña el término de violencia epistémica que consiste en: “la alteración, negación y en casos extremos como las colonizaciones, extinción de los significados de la vida cotidiana, jurídica y simbólica de individuos y grupos.” que posteriormente retoman estudios decoloniales,​ entre ellos está el trabajo de la investigadora mexicana Marisa Belausteguigoitia.



Publicaciones traducidas al castellano

La muerte de una disciplina (2009), Veracruz, Universidad Veracruzana. 

(Con Judith Butler) ¿Quién le canta al Estado-nación? Lenguaje, política, pertenencia (2009), Buenos Aires, Paidós. 

Crítica de la razón poscolonial. Hacia una crítica del presente evanescente (2010), Madrid, Akal. 

¿Puede hablar el subalterno? (2011), Buenos Aires, Editorial El cuenco de plata. 

Otras ASIAS (2012), Madrid, Akal. 

Sobre la deconstrucción. Introducción a De la Gramatología de Derrida (2013), Buenos Aires, Hilo Rojo. 


https://es.wikipedia.org/wiki/Gayatri_Spivak

https://noticias.unsam.edu.ar/2013/11/08/esperando-a-gayatri-spivak-podemos-oir-al-subalterno/

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