Noemí Gerstein (Buenos Aires, 10 de noviembre de 1908-Buenos Aires, 14 de junio de 1996) fue una escultora, dibujante y artista plástica argentina.
En 1934 se inició en la escultura con el maestro Alfredo Bigatti. Viajó a París (Francia), donde realizó cursos de litografía en la Academia de Bellas Artes y en la Academia de la Grande Chaumiére, donde trabajó bajo la dirección del artista ruso Ossip Zadkine (1890-1967). Posteriormente estudió en la Escuela Nacional de Arte.
En 1975 fue la primera mujer nombrada «miembro de número» de la Academia Nacional de Bellas Artes. Participó de numerosas muestras individuales y colectivas nacionales e internacionales. Artista invitada en exposiciones realizadas en Europa, en el Museo de Arte Moderno (Nueva York, 1967), en la Bienal de Escultura al aire libre Middleheim (en Amberes, 1970) y en la Bienal de Venecia (Italia, 1956, 1962 y 1964).
Sus obras se exhibieron en importantes salas y museos internacionales, como Jerusalén (Israel), Alemania y Francia. Otras fueron Art Gallery International, Galería Rubbers, Museo Provincial de Bellas Artes "Rosa Galisteo de Rodríguez", Galería El Triángulo, Galería Vermeer y la Galería Guernica, entre otros.
Trabajó con todo tipo de materiales como mármol, piedra, alabastro, bronce y cemento, pero fue con el hierro, el latón y otros materiales industriales con los que encontró un estímulo mayor. Fue una de las figuras representativas del constructivismo, del informalismo y de la geometría.
Obras destacadas
Monumento al prisionero político desconocido (1953),
Madre e hijo (1953).
Maternidad (1954).
La familia (en ocasiones llamada "El oráculo") (1960).
El samurái (1961).
Los amantes (1961).
Nacimiento (1961).
Goliath (1961-62).
Meteorito (1969).
Achiras (1973).
L’Art et L’Homme (1974).
Seoane Músicos
Milagro de la vida
Seres híbridos (1978).
Reconocimientos
Medallas de Plata en exposiciones de Bruselas y el Senado de la Nación (1957).
Premio del Instituto Di Tella (PK) (1962).
Premio del Fondo Nacional de las Artes (PK) (1972, 1980 y 1990).
Premio Konex de Platino en Artes visuales (1982).
Diploma al Mérito en Artes Visuales (1982).
El director Alberto Worcel realizó un cortometraje documental sobre la artista plástica y sus obras, entre ellas la obra escultórica en la reja de la Galería Santa Fe. Fue realizado con el registro de imágenes en movimiento, música incidental y relato en off, incluyendo el testimonio de Gerstein.
Anna Maria Maiolino (Scalea, Calabria, 20 de mayo de 1942) es una artista , escultora, pintora, grabadora y diseñadora ítalo-brasileña.
En 1954, siendo todavía una niña, se trasladó con su familia a Caracas, Venezuela.
Cuando contaba 18 años de edad se instaló en Río de Janeiro; adquirió la nacionalidad brasileña ocho años más tarde, en 1968. A partir de ese año viajó a Nueva York, donde estudió diseño textil en el International Pratt Graphics Center.
En la década de 1970 estuvo vinculada a la experimentación fílmica, mediante la elaboración de cortometrajes con cámara de Super-8. En 1973 participó en París, Francia, en el Festival Internacional de Cine de Super-8. Al año siguiente obtuvo el primer premio en el Primer Festival de Cine de Super-8, de Curitiba, con la cinta titulada In-Out, Antropofagia. Este premio le colocó en la vanguardia de éste medio artístico, siendo seleccionada para el evento Canival, desarrollado en el MoMA de Nueva York. También en 1974 regresó al Festival Internacional de Cine de Super-8 de París, presentado aquel año en el Espacio Cardin.
Vinculada al cortometraje, en 1976 participó en el 2.º Festival Nacional de Brasil de Cortometrajes, celebrado por la Alianza Francesa de Brasil en su localidad de residencia, Río de Janeiro; ese mismo año también participó en la V Jornada de Cortometraje brasileño celebrada en Salvador de Bahía.
En 1982 expuso en la Fundación Andrés Bello ( muestra O. V. Objetos Voadores, Si Identificados) de Caracas y en el evento Millennium, Film Workshop de Nueva York.1
Reconocimeintos
En 1971 premio del Primer Festival de Cine de Super-8, de Curitiba
En la década de 1990 recibió diferentes premios del Brasil, como el Mário Pedrosa de 1990, concedido por la Asociación Brasileira de Críticos de Arte - ABCA - como mejor exposición de 1989. También el Premio da APCA de 1994, a la mejor exposición de 1993, titulada Um, Nenhum, Cem Mil, por su investigación en los límites del lenguaje.1
En 2012 ha presentado su obra en la 13 documenta de Kassel.
Ana María Pacheco (17 de abril de 1943) es una escultora, pintora y grabadora brasileña. Su trabajo está influenciado por su herencia brasileña y, a menudo, se centra en temas sobrenaturales, incorporándolos en las narrativas que se desarrollan dentro de su trabajo. El trabajo de Pacheco se ha exhibido en galerías a nivel internacional y ha ganado múltiples premios a lo largo de su carrera.
Pacheco nació en Goiás, Brasil. Mientras vivía en Brasil, estudió Escultura y Música en la Pontificia Universidad Católica de Goiás y en la Universidad Federal de Goiás . Posteriormente realizó un posgrado en Música y Educación en la Universidad Federal de Brasil en Río de Janeiro. Más tarde enseñó y dio conferencias en estas instituciones antes de mudarse a Londres en 1973 para estudiar en la Slade School of Art con una beca del British Council. Entre 1985 y 1989, Pacheco fue la primera mujer directora de Bellas Artes de la Escuela de Arte de Norwich .
El trabajo de Pacheco comúnmente se centra en viajes, a menudo con temas que exploran la fantasía y lo sobrenatural. Los ejemplos habituales incluyen leyendas brasileñas , mitología , misticismo cristiano y sátira medieval . Sus obras de arte representan narrativas que el espectador descubre a través de su experiencia de mirar, jugando específicamente con su curiosidad para despertar su interés e imaginación. Su obra es también una reflexión sobre la humanidad, explicando que su "arte nos muestra lo vulnerables que somos". Afirma que su mayor influencia es O Aleijadinho .
Pacheco es mejor conocida por sus grupos de esculturas policromadas de múltiples figuras talladas en madera. Por lo general, se exhiben como piezas de instalación e incluyen Man and his Sheep ( Museo y galería de arte de Birmingham ) y Dark Night of the Soul (1999), creadas durante su residencia en la National Gallery de Londres como respuesta a El martirio de San Sebastián de los hermanos Pollaiuolo .
Pacheco (con un equipo de dos ayudantes) produjo una gran figura en piedra caliza amarilla para el Festival Nacional de Jardines de Stoke-on-Trent de 1986.
Pacheco fue el primer artista asociado escultor en la National Gallery de Londres entre 1997 y 2000. La exposición Ana María Pacheco: New Painting and Sculpture realizó una gira por el Reino Unido después de exhibirse en la National Gallery del 29 de septiembre de 1999 al 9 de enero de 2000.
Be Aware 1
En 2015, el trabajo de Pacheco se exhibió en cuatro exposiciones simultáneas en lugares de Norwich. Las exposiciones fueron comisariadas por Keith Roberts para la Sociedad de Arte Contemporáneo de Norfolk en asociación con Pratt Contemporary. Las exposiciones se exhibieron en The GALLERY, Norwich University of the Arts , Norwich Cathedral , Norwich Castle Museum & Art Gallery y The Cathedral of St John the Baptist . Al hablar de las exposiciones, Roberts dijo: "El arte de Ana abarca temas amplios y duraderos; la violencia, los viajes, la muerte, el amor, la transformación y la metamorfosis reflejan su gran seriedad, pero al mismo tiempo su trabajo no es ni pomposo ni carente de humor. "
Be Aware 5
Dispersing the Night fue una exposición en la Catedral de Salisbury comisariada por Jacquiline Creswell en asociación con Pratt Contemporary que incluía el trabajo de Pacheco. La exposición se inauguró el 23 de julio de 2017. Fue en esta exposición donde se mostró públicamente por primera vez la obra de Pacheco Be Aware . Sobre la exposición, Creswell dijo: '"El tema de la exposición es la esperanza, una actitud optimista y una firme creencia en el lado positivo de la naturaleza humana junto con su poder para expulsar la oscuridad de nuestras vidas... El trabajo de Ana María nos hace conscientes de nuestra vulnerabilidad e ilumina nuestra humanidad. Nos permite reflexionar sobre la forma en que nosotros, los seres humanos, frágiles y valientes, afrontamos nuestro viaje de la vida, sus muchas contradicciones y dimensiones de la realidad: la imperfección de la existencia". '
In Illo tempore
Reconocimientos
Recibió la Orden de Rio Branco del gobierno brasileño en 1999.
En 2002, el Senado de la Universidad de East Anglia la nombró Doctora Honoris Causa en Filosofía en colaboración con la Escuela de Arte de Norwich.
Fue nombrada miembro del University College London en 2003.
Laura Rodig Pizarro (Los Andes, 7 de junio de 1901 - Santiago, 30 de octubre de 1972) fue una pintora, escultora, ilustradora y educadora chilena. Fundadora de la Asociación Chilena de Pintores y Escultores, además de ser una de las primeras artistas chilenas en impulsar el arte social y despertar la conciencia sobre los ancestros indígenas. Además fue una destacada activista política, formó parte del Partido Comunista y una de las líderes del Movimiento Pro Emancipación de las Mujeres de Chile (MEMCH). Durante su estadía en Europa también fue parte del Socorro Rojo Internaciona y de "Mujeres contra Franco". Paralela a su carrera artística, desarrolló su vocación de educadora, realizando clases de dibujo y de artes plásticas.
Nació en Los Andes el 7 de junio de 1901. Ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, impulsada por el diplomático Pedro Felipe Iñíguez, quien descubrió su talento. Como estudiante destacó por su espíritu rebelde frente a las imposiciones academicistas de sus maestros, entre los cuales se encontraba Virginio Arias. Fue expulsada de la Escuela por unas caricaturas que realizó de él,2 pero gracias al maestro Fernando Álvarez de Sotomayor que pidió su reingreso, le fue concedido un taller en el edificio de la misma Escuela, vecino a Backhaus y al de Enrique Lynch.
En 1918 fue nombrada profesora de dibujo del Liceo de Punta Arenas, bajo la dirección de Gabriela Mistral, luego en el Liceo de Temuco y el Liceo 6 de Santiago.
Laura Rodig conoció a Gabriela Mistral en Los Andes y desde ahí mantuvieron una estrecha amistad. Al fallecer los padres de la artista, la poetisa se convirtió en su protectora, además de fuente de inspiración para algunas de sus esculturas, por ejemplo en la obra "Impresiones de Gabriela Mistral": “No conocemos a la genial poetisa, pero la fisionomía moral que sus versos han grabado en nuestra alma no corresponde a la que este busto nos sugiere. Emana de él un conjunto de rasgos espirituales rígidos y fríos que contrastan con la dulce serenidad de la inspirada autora de “Sonetos de la muerte”". También se ha señalado una supuesta relación sentimental de Gabriela Mistral con Laura Rodig .
Formó parte del grupo de estudiantes becados por el gobierno a Europa llamado Generación del Veintiocho,5 durante su estadía en el viejo continente, ingresó a la Academia André Lothe en París, Francia, estudiando artes aplicadas, pintura decorativa y grabado. También estudió en España e Italia. En 1930 regresa a Chile para fundar la Asociación de Pintores y Escultores.
Entre 1922 y 1924 viajó con Mistral a México, invitadas por el gobierno de ese país. Allí Laura Rodig tuvo la oportunidad de conocer de cerca el movimiento muralista azteca. Se interesó además por el arte de raíces indigenistas, el cual influiría en su trabajo posterior. Un ejemplo de ello es la obra "India mejicana", la cual le otorgó reconocimiento a nivel internacional en Madrid, ingresando a la colección del Museo de Arte Moderno de Madrid, hoy conocido como Museo Reina Sofía.
El año 1927 fue comisaria del Salón Oficial de Santiago de ese año y también impartió clases en la Escuela Normal.
Fue la primera artista chilena en impulsar el arte social, y despertar la conciencia sobre los ancestros indígenas. Entre 1941 y 1942 dibujó mapas con datos de geografía económica e ilustraciones infantiles para la revista El Cabrito de la Empresa Editorial Zig-Zag S.A.
En 1930 regresa a Chile para fundar la Asociación de Pintores y Escultores. En sus últimos años se desempeñó como profesora de Artes Plásticas y educadora del Museo Nacional de Bellas Artes donde organizó la primera exposición de arte infantil en el año 1937
Entre los años 1938 y 1939 comisarió la exposición organizada por el Movimiento de Emancipación de las Mujeres de Chile (MEMCH), la cual fue exhibida en la Biblioteca Nacional.
Durante los siguientes años ejercerá su profesión y desde mediados de la década del 60, se desempeñó como orientadora del Museo Nacional de Bellas Artes, trabajando en el material educativo de la institución y visitas para escolares.
Falleció en Santiago de Chile el 30 de octubre de 1972.
Obras en colecciones públicas
Salitreros, Óleo sobre tela, ca. 1936, 80 x 90 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Tipos mexicanos 1, Óleo sobre tela, 80 x 66 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Tipos mexicanos 2, Óleo sobre tela, 80 x 66 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Columnas de sueño, Óleo sobre tela, 46 x 38 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Desnudo de mujer, Óleo sobre tela, 80 x 67 cm. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Maternidad, Escultura, 1950, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Retrato I, Escultura en bronce, 1949, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Reconocimientos
1914 Mención Honrosa, Salón Oficial de Bellas Artes, Santiago, Chile.
1915 Distinción Académica, Buenos Aires, Argentina.
1916 Segunda Medalla, Salón Oficial de Bellas Artes, Santiago, Chile.
1921 Pensionada por el Gobierno Chileno en Europa para completar sus estudios artísticos.
1927 Tercera Medalla en el Salón de Arte Decorativo, Exposición de Bellas Artes.
1928 Medalla de Oro, Exposición de Sevilla, España.
1930 Medalla de Oro, Exposición de Sevilla, España.
1934 Primer Premio de Pintura Decorativa, II Salón de Verano de Viña del Mar, Chile.
1937 Segunda Medalla, Exposición Salón de Viña del Mar, Chile.
1938 Premio Van Buren, Exposición Salón Oficial, Santiago, Chile.
1938 Primera Medalla, Exposición Salón de Viña del Mar, Santiago, Chile.
1939 Premio Conjunto Escultura, Exposición Centenario de San Felipe, San Felipe, Chile.
1939 Primera Medalla, Exposición Salón Oficial, Santiago, Chile.
1940 Medalla de Bronce, Cien Años de Arte Chileno en Buenos Aires, Argentina.
1941 Primera Medalla, Salón 4º Centenario de la Fundación de Santiago, Chile.
1943 Primer Premio, Exposición Nacional del Magisterio, Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
1948 Premio Banco de Chile, XV Salón Nacional, Santiago, Chile.
1949 Premio Nacional de Bellas Artes, Exposición Palacio de la Alhambra, Santiago, Chile.
1952 Premio Adquisición, Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
1962 Premio de Honor, Certamen Edwards, Salón Oficial de Bellas Artes, Santiago, Chile.
1964 Premio de Adquisición, Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago, Chile
Adelgunde Vogt o Adelgunda Vogt (17 de julio de 1811 - 10 de junio de 1892) fue una escultora danesa, conocida por sus esculturas realistas de animales en marfil y bronce.Se la considera la primera mujer en ejercer como escultora profesional en Dinamarca y se le atribuye ser pionera en el género de la escultura animal en el país.
La obra de Vogt se centraba en representaciones realistas de caballos, perros, ciervos y vacas. Realizó esculturas de tamaño natural, además de obras más pequeñas fundidas en bronce y zinc, o talladas en marfil y boj.Aunque es más conocida por sus esculturas de animales, también realizó bustos de personalidades prominentes.
Aunque se le impidió ingresar en la Real Academia Danesa de Bellas Artes, obtuvo acceso informal al mercado del arte a través de Bertel Thorvaldsen, quien también le cedió un espacio en su estudio.Las obras de Vogt se exhibieron regularmente en la Exposición de Primavera de Charlottenborg. Sus piezas fueron adquiridas por diversas personas influyentes de la época, incluyendo a Christian VIII, uno de sus mecenas. Gran parte de su obra ya no se conserva debido al incendio de Christiansborg en 1884 y a las deficientes técnicas de archivo.
Emilie Adelgunde Vogt era hija de Michelle Elisabeth Christiance Charlotte Stibolt (1788-1861) y Michael Johan Christian Herbst (1775-1830) que fue Comisario General y director de la fábrica de ropa militar de Usserød. Pasó su juventud en Sorø y Slagelse. Tras la muerte de su padre, la familia se trasladó a Copenhague en 1837.
Cuando tenía 12 años, sufrió una caída traumática. Como consecuencia, permaneció en cama hasta los 14 años y se dedicó a dibujar y tallar animales. Sus padres le facilitaron clases del escultor Johan Peter Heldt, quien entonces estudiaba en la Real Academia Danesa de Bellas Artes. En 1837, comenzó a estudiar con Hermann Ernst Freund. Empezó a trabajar en el taller de Bertel Thorvaldsen en Charlottenborg en 1840.
Escultura de ciervo frente al Castillo de Jægerspris (1850)
Debutó como artista en 1838, cuando expuso tres obras, incluyendo una pequeña escultura de marfil de un caballo, en la Exposición de Primavera de Charlottenborg. En 1839, recibió el Premio Neuhausen por su escultura "En Ko med en diende Kalv" de la Real Academia Danesa de Bellas Artes. En 1843, Thorvaldsen, entonces director de la academia, la nombró miembro honorario. Sin embargo, como no se permitía el ingreso de mujeres, se le concedió un subsidio de viaje de la corona, que utilizó para estudiar en Italia, donde permaneció cinco años.
El 1 de marzo de 1846 se casó con el encargado de negocios Frederik Siegfried Vogt (1777-1855) en Nápoles. Tras el regreso de la pareja a Dinamarca desde Italia, se retiró de su carrera y se centró en su papel de esposa y madre de sus dos hijos: Henrik Christian (1848-1928) y Gundo Seiersfred (1852-1939). Henrik Christian se hizo ingeniero y Gundo, al igual que su madre, escultor. Solo tras la muerte del esposo de Vogt en 1855, reanudó su trabajo como escultora, exponiendo regularmente en la Exposición de Primavera de Charlottenborg con gran éxito entre 1860 y 1672. Durante esta última etapa de su carrera, produjo principalmente esculturas pequeñas, ya que ya no contaba con los recursos ni espacio.
Falleció en Copenhague el 10 de junio de 1892 y fue enterrada en el cementerio de Assistens junto a su esposo y su hermana. Su obra se expuso póstumamente en la Exposición de Mujeres de Copenhague de 1895 y se le atribuye haber inspirado a la generación de escultoras que surgió a finales del siglo XIX.
Obras seleccionadas
En ko med diende kalv (1839), Museo de Arte de Fionia
En kronhjort med hind og kalv (1842), Vemmetofte
Busto de I.J. Unsgaard (1842)[6]
En bjørn (1862), Mansión Gammel Estrup
To stående heste (1863), Galería Nacional de Dinamarca
Ada Elba Pérez Rodríguez (Yaguajay, 20 de septiembre de 1961-La Habana, 14 de julio de 1992). Escritora, poetisa, compositora, escultora y pintora cubana.
Nació en el pueblo de Jarahueca. Desde pequeña amaba la música y las artes plásticas, encausando su vocación en la Escuela Provincial de Arte Olga Alonso de Santa Clara, y posteriormente en la Escuela Nacional de Arte.
En el año 1982, se integró a la Brigada "Hermanos Saíz". Su obra literaria alcanzó numerosos premios en Cuba y el extranjero, entre ellos: un "Reconocimiento" a su destacada participación en el Movimiento Artístico y Literario 1986, y "Diploma de Honor" por su contribución al Movimiento de Artistas Aficionados 1988. Ese mismo año fue invitada por el Ateneo de Caracas y el Museo de Arte Maracaibo para exponer su obra.
Ada incursionó en varios géneros literarios: poesía, cuento, novela, testimonio y crítica literaria. Entre los temas abordados en sus obras, se destacan el canto a la tierra que labra el campesino, internacionalismo, optimismo y el amor a su pueblo de Jarahueca.
Dominaba la guitarra, el piano y el canto, componía canciones e incursionó en la crítica literaria. Su cancionero para niños devino un aporte de considerable importancia a la literatura en estas edades, que dejó títulos como El cangrejo Alejo, Ana la campana, El trencito y la hormiga, Señor arcoíris, El tonto de papel, La luna aburrida y El vendedor de asombros. Asimismo compuso para adultos La guayabita madura, El sitio de los ángeles, Tonadas para el camino, Eleg.
Contaba con sólo 30 años, cuando la sorprende la muerte el 14 de julio de 1992 en La Habana. El 18 de febrero de 1993 (Día del Instructor de Arte) le fue otorgada postmortem la medalla "Raúl Gómez García".
Desde el año 1997, en el mes de septiembre, se celebra en La Habana, Isla de la Juventud y Jarahueca, la Bienal "Identidad". En el marco de esas actividades son premiados los ganadores en Literatura y Artes Plásticas de los Concursos anuales "Ada Elba Pérez".
María Mohor Zummers (Concepción, 2 de enero de 1920 - Santiago de Chile, 25 de mayo de 2002) fue una pintora y escultora chilena. Fue licenciada en Humanidades, con estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Recibió varias distinciones por su trabajo pictórico y escultórico, y es reconocida como referente de una práctica que busca construir su propia identidad.
Con estudios superiores en arte, en 1963 obtiene el título de Licenciada en Humanidades e ingresa a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Su presencia en la historia de las artes visuales chilenas es parcialmente desconocida, sin embargo, sus modos de hacer aparecen en la actualidad como referentes para una práctica artística que busca un sello propio y que no adscribe a movimientos o tendencias.
La figura humana y el retrato son temas característicos en su obra gráfica y pictórica. Gonzalo Arqueros señala que «la originalidad en obra de María Mohor radica en la simplicidad de la forma». Por su parte, Ana Maria Steven, valora en su retratística una innata audacia que no trepida ante la negación de la belleza formal.
La crítica tradicional reseña su obra dentro del expresionismo y como «una de las grandes cultoras de la pintura ingenua chilena, aunque el vigor y la calidad de su pintura muestran rasgos propios de pintores expresionistas». Lucía Santa Cruz la catalogó junto a María Luisa Bermúdez entre las denominadas «pintoras instintivas», aunque Gema Swinburn señala que tal clasificación tiene un sesgo, dado que «Nunca se sometió a ningún movimiento o moda pictórica. Su obra tiene un sello de identidad muy profundo. Cuesta asociarla con algún movimiento y encontrarle compañeros de senda o discípulos».
Expuso de forma individual en múltiples ocasiones en lugares de referencia
Posterior a su muerte, deja un gran patrimonio cultural en su colección compuesta por más de 300 obras, entre pinturas, grabados, esculturas y mosaicos, la cual es custodiada y preservada por la Fundación María Mohor Zummers.
Reconocimientos
Mención honrosa en la Tercera Bienal Americana de Grabado de Santiago (1968).
Premio Pablo Neruda del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (1968).
1965 Mención Honrosa, Salón de Alumnos de la Escuela de Bellas Artes, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
1967 Primer Premio en Pintura Concurso Crav, Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
1967 Premio Club Zonta como la mujer más destacada del año, Santiago, Chile.
Beca Instituto Chileno Francés de Cultura (1967 - 1970), Santiago, Chile.
1968 Primer Premio Concurso de Pintura Crav, Santiago, Chile.
Primer Premio en Grabado, Primer Premio Pintura, Salón de alumnos de la Universidad de Chile, Santiago, Chile.
Rachel Margaretha van Dantzig ( Róterdam, 12 de noviembre de 1878 - Oudergem, 15 de febrero de 1949 ) fue una escultora, grabadora y dibujante holandesa .
Van Dantzig era hija Adèle Rippe y de Samuel van Dantzig (1844-1921), corredor de valores. Estudió en la Academia de Artes Visuales de Rotterdam y se trasladó a Bruselas . Hasta el momento ninguna mujer habia sido admitida en la Academia de Bruselas. Van Dantzig recibió lecciones privadas del profesor Charles Van der Stappen.
Cara de niña
Luego se mudó a París , donde tomó clases en la Académie Colarossi . Después de viajes de estudios por España , Marruecos e Italia , abrió su propio estudio en Rotterdam y más tarde en su casa 't Hoveke en Sloterdijk . Desde 1918 vivió y trabajó en Bélgica , donde se instaló definitivamente en Bruselas a partir de 1920.
Van Dantzig era miembro de Arti et Amicitiae y miembro activo de la Asociación de Artistas de Sint Lucas . Participó en diversas exposiciones. En 1913 ganó la medalla de primera clase con una escultura en la exposición La mujer 1813-1913 .
Ese año, el busto de mármol de Hugo de Groot que ella realizó fue develado durante el XX Congreso Mundial por la Paz en el Palacio de la Paz de la Haya . Esta estatua, donada a la Fundación Carnegie , está situada en el palacio en el último piso frente a la escalera principal.
Valdemar Irminger, Mi esposa en el trabajo 1909, Ribe Kunstmuseum
Ingeborg Plockross Irminger ( 18 de Junio de 1872, Kopenhagen- 25 de Octubre de 1962, Köpenhamn) fue una artista danesa que es recordada tanto por sus esculturas como por las estatuas en miniatura de porcelana de animales y figuras humanas que diseñó mientras trabajaba para Bing & Grøndahl. En 2012 se instaló un molde de bronce de su busto del escritor Herman Bang de 1903 en Sankt Annæ Plads en Copenhague.
Nacida en el distrito Frederiksberg de Copenhague, Plockross Ingeborg era hija de Cathrine Frederikke Tietgen (1833-91) y del comerciante Johannes Frederik Plockross (1821-96 . Después de mostrar interés en el modelaje desde temprana edad, comenzó sus estudios con el escultor Aksel Hansen antes de asistir a la escuela de arte dirigida por Emilie Mundt y Marie Luplau. En febrero de 1893, Plockross Irminger ingresó en la Real Academia Danesa de Bellas Artes, donde estudió escultura con August Saabye hasta 1899, cuando trabajó varios años en el estudio de Vilhelm Bissen. En 1908, se casó con el pintor Valdemar Irminger.
Ingeborg expuso por primera vez en la exposición de primavera de Charlottenborg en 1897 con En Spæd, un relieve en bronce. Ella continuó exhibiendo allí hasta 1952, especialmente desde 1904 hasta 1925. También exhibió ocasionalmente en la Kvindelige Kunstneres Samfund (Sociedad de Artistas Femeninas) de 1920 a 1961. Su trabajo fue presentado en la Exposición de París de 1900, en la Exposición Báltica de 1914 en Malmo y en la Exposición Nacional Danesa de 1927 en Brooklyn. Gracias a las subvenciones de la Academia, realizó viajes de estudio a París, Alemania e Italia.
Bajo la guía de Bissen, Ingeborg desarrolló su propio estilo que raya en el naturalismo. Entre sus creaciones principales se encuentran Drengen og Pinfsvinet (El niño y el erizo, 1899 y bronce 1911), Yngling (Juventud, mármol, 1909), galardonada con la medalla de la Academia del año, y Ung Pige (mármol, 1907) que recuerda a Ludvig Brandstrup. También creó retratos de J.F. Willumsen ( 1900), Herman Bang (bronce, 1904) y Ludvig Brandstrup (1922). También creó dos bronces finos de su esposo en 1912 y 1919, caracterizados por una mirada inmóvil y bastante introvertida.
También son interesantes las urnas funerarias decorativas y las figuras que diseñó mientras estuvo en Bing & Grøndahl's desde 1898 hasta 1925. Destacan su Moder og Barn (Madre e hijo, 1902), Læsende Børn (Lectura infantil, 1903) y Ung Pige med Kat (Niña con gato, 1911). Las figuras se hicieron muy populares. Muchas fueron adquiridos por museos en Berlín y Dresde. Todavía se producen hoy, fielmente reproducidos de los diseños originales de Ingeborg.
Ingeborg Plockross Irminger murió en Copenhague con 90 años.
Jeanne Lombard (22 de agosto de 1865 en Le Grand-Saconnex - 6 de diciembre de 1945 en Corcelles ) fue una pintora y escultora suiza del cantón de Ginebra .
Jeanne Lombard era hija de Louise-Eberhardine de soltera Gonindel y del pastor francés Joseph Lombard , quienes provenían de los valles valdenses en Piamonte . Perdió a su madre cuando era una adolescente e inicialmente vivió con su familia en Francia. El padre trabajó para la iglesia protestante de Neuchâtel desde 1873 . Su hermano Emile Lombard (1875-1965) fue profesor de teología en la Universidad de Lausana y más tarde en Neuchâtel .
En 1879, Jeanne Lombard tomó lecciones de dibujo y formación artística con el escultor y medallista Fritz Ulysse Landry y aprendió dibujo y pintura con Gustave Jeanneret . A partir de 1890 continuó su formación en la técnica del retrato con Jean-Louis Loubet (1841-1911) en Lyon , y a partir de 1895 estudió en París en la Académie Julian y con Marie Krug Le Fustec (1884-1911). De 1988 a 1918 pudo mostrar su obra regularmente en las exposiciones de la Société des Amis des Arts de Neuchâtel .
Tras regresar a Suiza en 1900, trabajó como pintora y escultora. Fue miembro de la Société romande des femmes peintres et sculpteurs , fundada en Lausana en 1902 por Berthe Lassieur , de la que surgió en 1909 la sociedad nacional de pintoras y escultoras suizas (desde 2003 la Sociedad Suiza de Artistas Visuales ). En 1908, Jeanne Lombard fundó la sección de Neuenburg de la asociación con otros artistas.
A partir de 1921, Jeanne Lombard vivió con sus dos hermanas Alice y Eugénie Lombard en una casa en Corcelles, en el cantón de Neuchâtel . Además de naturalezas muertas y retratos, Jeanne Lombard creó un grupo de obras en las que aborda la historia de los protestantes perseguidos en Francia. Algunas de estas imágenes se encuentran en el Musée du Désert de Mialet , dedicado a la historia de los protestantes en el sur de Francia.
Las obras conservadas del estudio de Corcelles pertenecen a la colección del Museo de Arte y de Historia de Neuchâtel , que, a partir de la obra del artista, presentó la exposición especial "Jeanne Lombard (1865-1945) y les artistas neuchâteloises 1908 -2008” en 2008.
Desde su estancia en París, Jeanne Lombard estuvo involucrada en el movimiento contra el alcohol y se unió a la Cruz Azul . En 1910 creó un cartel para la Asociación Suiza de Mujeres por la Abstinencia .
Susan Durant Durant (8 de julio de 1827 - 1 de enero de 1873) fue una artista y escultora británica. Fue una de las primeras escultoras en lograr un éxito crítico y financiero en la Gran Bretaña victoriana. Durant creó una importante obra, a menudo en mármol y con personajes de la literatura inglesa o de la Biblia, pero gran parte de la cual se ha perdido.
Durant nació en Stamford Hill en Middlesex , ahora parte de Londres, hija de Mary , de soltera Dugdale y de George Durant , ambos de Devon. George Durant era un exitoso corredor de seda y al menos en una ocasión la familia pasó un invierno en Roma, lo que alentó el interés de Susan Durant por la escultura. Se trasladó a París donde se formó en el estudio del barón Henri de Triqueti . Aunque estableció un estudio en Londres, Durant regresaba con frecuencia a París para trabajar con De Triqueti, ya sea como su asistente o en encargos comunes. En 1847 recibió la medalla de plata Isis de la Sociedad de las Artes por un busto original. Desde 1847 hasta su muerte, Durant expuso con frecuencia bustos en la Royal Academy de Londres, incluido un autorretrato en 1853. En total, Durant expuso unas 38 obras en la Royal Academy.
Dos obras de Durant, The Chief Mourner y Belisarius , se presentaron en la Gran Exposición celebrada en Londres durante 1851 y su estatuilla de Robin Hood se mostró en la Exposición de Tesoros de Arte de 1857 en Manchester . ] En 1857 creó un busto de mármol de la autora estadounidense Harriet Beecher Stowe , que ahora se conserva en el Centro Harriet Beecher Stowe en Connecticut , mientras que el Castle Howard en Yorkshire tiene una versión en yeso. El busto, que muestra a Stowe adornada con hojas de parra y con un chal sujeto por un camafeo de su marido, ayudó a realzar la reputación de Durant. El retrato de Stowe y un medallón de 1863 de George Grote , conservados por el University College de Londres , se encuentran entre los dos retratos más antiguos que se conocen de Durant. En 1863, Durant fue la única mujer entre los 14 artistas encargados por la Corporación de Londres para proporcionar esculturas de figuras de la literatura para decorar el Salón Egipcio de la Mansion House . Su escultura de La pastora fiel le valió a Durant una tarifa de 500 libras esterlinas.
Harriet Beecher Stowe por Susan D Durant
A través de De Triqueti, Durant conoció a miembros de la Familia Real Británica y recibió varios encargos de la Reina Victoria y, durante un tiempo, enseñó modelismo a la Princesa Luisa . Durant recibió el encargo de producir perfiles en alto relieve sobre círculos de mármol policromado de Victoria, el Príncipe Alberto y sus hijos para la Capilla Alberto en el Castillo de Windsor . También se fundieron copias de tamaño reducido en metal como obsequio oficial, un conjunto de las cuales se encuentra en la colección de la National Portrait Gallery de Londres. La Reina encargó a Durant que realizara un monumento a su tío, el rey Leopoldo I de Bélgica , para la Capilla de San Jorge en el Castillo de Windsor. El monumento, que muestra al rey reclinado con su mano sobre un león frente a dos ángeles en relieve sosteniendo las banderas de Inglaterra y Bélgica, fue inaugurado en Windsor en 1867, donde permaneció hasta 1879, cuando fue trasladado a Christ Church en Esher . El estilo de trabajo de Durant se desarrolló aún más con el tiempo, volviéndose más naturalista y adoptando aún más el uso de mármol policromático, una técnica promovida por De Triqueti, por ejemplo en su retrato de 1871 de la niña, Nina Lehmann .
Victoria, emperatriz de Alemania y reina de Prusia (1840-1901) , de Susan Durant
Durante su vida, Durant promovió la igualdad de acceso de las mujeres a la educación, al voto y a las carreras profesionales. Entre sus últimas obras conocidas se encuentra un busto, ahora perdido, de Elizabeth Garrett Anderson Elizabeth Garrett Anderson .
Susan D. Durant, Busta de Henry Triqueti
Durant nunca se casó pero en 1869 tuvo un hijo, Paul Harvey , de De Triqueti. Murió de pleuresía en París en 1873 y está enterrada en el cementerio Pere Lachaise de esa ciudad .
Exposiciones seleccionadas
1847 Royal Academy , Londres;- También en 1848 a 1853; 1856 a 1860, 1863, 1864, 1866 a 1869, 1872 y 1873
Léonie Halévy , nacida como Hannah Léonie Rodrigues-Henriques (31 de enero de 1820, París-16 de julio de 1884, Saint-Germain-en-Laye ), fue una escultora , coleccionista de arte y salonière francesa .
Léonie Rodrigues-Henriques nació en una familia adinerada judía. Fue hija de Esther Gradis (1780-1859) y de Isaac-Alexandre Rodrigues-Henriques (1765-1834), banquero de Burdeos. Fue hermana de la literata Eugénie Foa , de Elise Busnach y del historiador Hippolyte Rodrigues .
Se casó con el compositor Fromental Halévy en 1842 y de este matrimonio nació Geneviève , futura esposa de Georges Bizet y posteriormente del abogado Émile Straus, que era un famoso salonnière.
Cuando enviudó se dedicó a la escultura. Se convirtió en alumna de Emmanuel Frémiet y comenzó en el Salón de los Independientes en 1877 donde expuso en varias ocasiones.
Entre sus obras se encuentran :
Busto de Fromental Halévy: un busto de bronce de su esposo, el compositor Fromental Halévy, que se encuentra en el Musée de la Musique en París .
Busto de Madame Krauss: un busto de la actriz Madame Krauss que fue exhibido en el Salon des Indépendants en 1877.
Con su nieto Jacques Bizet
Léonie Halévy también tenia un salón en París.
* Retrato de Léonie Halévy pintado por Edgar Degas modificado
Agradecemos la información a las siguientes fuentes:
Yela Loffredo Rodríguez (Guayaquil, 22 de julio de 1924 - Ibidem, 16 de mayo de 2020) fue una escultora ecuatoriana, fundadora de la "Asociación Cultural Las Peñas" y directora del Museo Municipal de Guayaquil, considerada un símbolo del arte guayaquileño.
Yela Loffredo Rodríguez, conocida como la "madre de los artistas", fue hija de Salvatore Loffredo Calabrese, italiano y Julia Rodríguez Coello, ecuatoriana.
A la edad de cuatro años, Yela tocó por primera vez la mezcla de papel y engrudo, dado que sus hermanos mayores elaboraban caretas para los años viejos. Así empieza su desarrollo por una carrera de escultora aunque también se desarrolló en varios ámbitos, tales como pintura, grabados, música, esculturas
En 1936, a la edad de doce años, su vida es marcada por el fallecimiento de su padre. Tres años después (1939) estudió en el Colegio Nacional Guayaquil y tomó cursos de ballet.
En la década de los cuarenta conoció a Paúl Klein Wolf, un joven inmigrante de orígenes judío-alemán, quien se convertiría en su esposo. .
Fruto de su matrimonio con Paul Klein, tuvo cinco hijos, un varón y cuatro mujeres, nietos, bisnietos, también marcados por el arte.
En 1965 viajó a Estados Unidos para tratar una enfermedad de una de sus hijas, viaje que le permitió conocer Greenwich Village en el distrito de Manhattan, vislumbrando inmediatamente que algo parecido se podría realizar en su natal Guayaquil, en el barrio Las Peñas.
Uno de sus logros fue unirse junto a otros artistas para conformar lo que hoy se conoce como “Asociación Cultural Las Peñas”, siendo su primera edición en 1966 y en donde actualmente se realizan exposiciones de pintura y escultura cada 25 de julio. Esto con el objetivo de enriquecer y motivar el arte en la urbe porteña. A partir de ese año se realizaron anualmente varias exposiciones en el que se mostraba obras de artistas nacionales. Es por esta actividad de mecenazgo, que se la catalogó como "la madre de los artistas".
En 1979 fue nombrada directora del Departamento Cultural de la Escuela Superior Politécnica del Litoral (Espol), cargo que ejerció durante más de 32 años.
Su exposición individual 'Sinfonía de las Formas', realizada en 1984, fue una de las más aclamadas, recibiendo las mejores críticas.
Yela Loffredo impulsó actividades artísticas como los lunes culturales que se realizaban en el aula magna del campus Las Peñas de la Escuela Superior Politécnica del Litoral (ESPOL), entre las décadas de los 90 y 2000.
Obtuvo el premio Nacional de Cultura “Eugenio Espejo” en 1999 gracias a su gran aporte en las artes plásticas de la ciudad.
En 2014 se realizó la muestra Vida y Paz en el camposanto Parque de la Paz, donde la artista exhibió veinticinco obras realizadas en diversos materiales, tales como marmolina, bronce, aluminio, cobre y resina, pertenecientes a las colecciones artísticas de la escultora.
La maestra de la escultura creó un sinnúmero de obras.
Estudió en la escuela Municipal número 4 Manuel María Valverde y cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Señoritas Guayaquil. En el periodo de 1960 estudió artes en la Escuela Municipal de Bellas Artes, en Guayaquil, siendo discípula de escultura del maestro y rector de Bellas Artes, Alfredo Palacio Moreno y en pintura de Theo Constante, finalizando sus estudios en 1966.
En 1957 estudió arqueología junto al arqueólogo y publicista ecuatoriano Presley Norton. Su gusto por la arqueología comenzó por la amistad forjada con Francisco Huerta Rendón y Carlos Zevallos Menéndez lo que la motivó a estudiar durante siete años esta carrera en la Escuela que mantenía la Casa de la Cultura, Núcleo del Guayas.14
Falleció en Guayaquil el sábado 16 de mayo de 2020, a los 95 años de edad..
Título Aura Castro, escultora chilena Autor Fco Javier Zubiaur Carreño,2008
Aura Castro Núñez (Santiago de Chile, 12 de diciembre de 1946) es una escultora y catedrática chilena adscrita al abstraccionismo y al arte pop que trabaja principalmente con «pequeños formatos y grandes piezas urbanas». Ha incursionado en temas religiosos, sobre género y mitológicos, entre otros.
Estudió licenciatura en arte en la Universidad de Chile, y posteriormente viajó a España donde desarrolló la primera etapa de su trabajo escultórico. Su obra se caracteriza por el sentido del color, simpleza abstracta y fuerza donde prima «la utilización de una amplia gama de materiales que se extiende desde la talla tradicional en mármol y piedra, la fundición de metales, especialmente bronce y aluminio, o a la cera perdida, serigrafía, y el cartón piedra» y «representa a la escena posterior a las vanguardias de las décadas de los cincuenta y setenta».
Rayo de energía
El año 2009 recibió una nominación al Premio Altazor de las Artes Nacionales en la categoría Escultura por Microcosmos-Macrocosmos.
Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas durante su carrera, entre ellas la muestra Imágenes de Chile en el Museo de América de Madrid (1985), La Escultura Contemporánea Chilena en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia (1998), Residencia en el Valle del Museo de Artes Visuales de Santiago (2005), las exposiciones Concurso Escultura Centenario, VII Concurso Colocadora Nacional de Valores, Plástica Chilena Horizonte Universal, Ferroesculturas, 6 Vías en la Escultura, Seis Escultoras y Microcosmos-Macrocosmos en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile (1980, 1981, 1985, 1991, 1996, 2005, 2008 respectivamente), Borges en la Plástica y Arte Joven, Gráfica, Pintura, Escultura en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (1975), entre otras exposiciones en Chile, América Latina y España.
.jpg)
