Pintura de su hermano Ludvig Karsten que no nos consta que sea de Titti Karsten
Kristine "Titti" Karsten (13 de junio de 1880 – 25 de diciembre de 1963) fue una destacada artista textil noruega, reconocida por su papel en el renacimiento del arte textil en Noruega a principios del siglo XX.
Nacida en Østre Aker, Karsten provenía de una familia con inclinaciones artísticas. Estudió en la Real Escuela de Dibujo de Christiania (actual Oslo) entre 1896 y 1900, bajo la tutela de arquitectos como Henrik Nissen y Hermann Major Schirmer. Posteriormente, se formó en el taller de la renombrada artista textil Frida Hansen, donde adquirió conocimientos en técnicas de tejido, composición de patrones y tintes naturales
Tras la disolución del Norske Billedvæveri en 1904, Karsten se unió a la organización Husfliden, donde trabajó durante muchos años como consultora textil para la Asociación de Artesanía de Bergen y su región. Allí desarrolló una amplia gama de diseños para textiles del hogar, incluyendo cortinas, tapices, tapizados, cojines y manteles. Su enfoque combinaba la tradición noruega con influencias internacionales, especialmente del movimiento Arts and Crafts.
Uno de los momentos culminantes de su carrera fue su participación en la Exposición del Jubileo de 1914 en Kristiania (hoy Oslo), donde, junto con Ingeborg Arbo, se encargó de la decoración textil de una villa de exhibición. Sus diseños, caracterizados por una paleta de colores delicada y una estética influenciada por el Jugendstil, recibieron elogios por su refinamiento y armonía con el mobiliario.
Además de su labor artística, Karsten fue integrante activo de la Forening for Anvendt Kunst (Asociación para el Arte Aplicado), fundada por su hermana Marie Karsten en 1901.
Obras y legado
Aunque muchas de sus obras no se conservan en colecciones públicas, algunas de sus creaciones se encuentran en el Museo de Artes Aplicadas de Helsinki. Su legado perdura en la influencia que tuvo en el desarrollo del arte textil noruego y en la integración de técnicas tradicionales con tendencias modernas de su época.
Ingeborg Ellen Katarina Wettergren ( 20 de noviembre de 1878, Arboga - 11 de junio de 1960, Estocolmo) fue una artista textil y pintora sueca .
Con sus bordados en seda , realizados en pequeño formato con motivos paisajísticos y florales o como textiles de iglesia , renovó una forma de arte medieval.
Wettergren era hija del médico de la ciudad Carl Wettergren y Anna Stenberg. Tanto ella como los dos hermanos tenían talentos artísticos. La hermana Anna Wettergren-Behm se convirtió en artista textil y el hermano Erik Wettergren se convirtió en director del Museo Nacional . A principios de siglo estudió en la Escuela Superior de Arte e Industria de Estocolmo y realizó estudios autónomos durante viajes a Francia, Países Bajos e Italia y residió durante un tiempo en Suiza.
Wettergren diseñó y ejecutó principalmente textiles para iglesias, especialmente antependios y ganchos de masa . Su arte está influenciado por los textiles medievales, pero también por motivos orientales y el antiguo arte popular sueco.
En 1913 contribuyó con una exposición permanente de arte eclesiástico que se convirtió en el origen de Libraria, y fue empleada desde su fundación en AB Libraria, la empresa de arte eclesiástico de la Junta de Diaconisas. Wettergren también era empleada de Handarbetets vänner , donde dibujaba bordados de seda , en parte para uso de la iglesia, en parte en forma de pinturas con representaciones pictóricas. Sus primeras composiciones mantienen un estilo personal, lírico-religioso. Las composiciones posteriores tienen una forma más libre y un color rico y poderoso. Las composiciones son principalmente paisajes y motivos florales. Wettergren ha producido textiles para, entre otras, la catedral de Västerås , la iglesia de San Nicolás en Arboga, la iglesia del rey Carlos en Kungsör, la iglesia de Himmeta y la iglesia de Gunnilbo .
Participó en varias exposiciones de Handarbetets vänners y en 1935 el museo de Malmö mostró una exposición más pequeña con sus bordados y una exposición más grande se mostró en el museo Statens historiska medeltidssal en 1949, donde se mostró una selección de sus más de 40 años de actividad.
Por otra parte, expuso pinturas y bordados en la Galerie Blanche en 1958, a la que siguió una exposición individual en Arboga el mismo año. En 1949 recibió el premio Litteris et artibus. Ingeborg Wettergren está enterrada en el antiguo cementerio de Arboga.
Sheila Hicks ( Hastings, Nebraska, 24 de julio de 1934 ) es una artista estadounidense. Vive y trabaja en París, Francia. Antes de eso, vivió y trabajó en Guerrero, México (1959–63).
Sheila Hicks recibió los títulos de BFA (1957) y MFA (1959) en pintura de la Escuela de Arte de Yale. Recibió una beca Fulbright para Chile (1957–58), fotografió sitios arqueológicos en los Andes y viajó a la región volcánica de Villarrica, la isla de Chiloé y Tierra del Fuego, que continúa influyendo en su trabajo. De 1959 a 1964 residió y trabajó en México. Desde 1964, Hicks vive y trabaja en París, Francia.
Estudió en la Escuela de Arte de Yale en Connecticut (1954-1959). Su tesis fue sobre textiles preincaicos y estuvo supervisada por Junius Bird , arqueólogo del Museo Americano de Historia Natural de Nueva York y la artista Anni Albers.
En 1959 consiguio una beca para estudiar en Francia (1959–60), lo que le permitió profundizar en su conocimiento pre-colombino .
Posteriormente, Hicks se mudó a Taxco el Viejo , México, donde comenzó a tejer, pintar y enseñar en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) .
Ella fotografió extensivamente temas que incluyen la arquitectura de Félix Candela y otros artistas activos en México.
El arte de Hicks abarca desde lo minúsculo hasta lo monumental. Sus materiales varían tanto como el tamaño y la forma de su trabajo. Habiendo comenzado su carrera como pintora, ha permanecido cerca del color, usándolo como un lenguaje que construye, teje y envuelve para crear sus piezas.
Ella incorpora varios materiales en sus "minimos", tejidos en miniatura hechos en un telar de madera. Estos incluyen fideos transparentes, trozos de pizarra, conchas de almejas de afeitar, collares de camisa, madejas de muestra de hilos de bordado recolectadas, gomas, cordones y calcetines de carmelita. Sus instalaciones temporales han incorporado miles de "fajas" hospitalarias, bandas de nacimiento para recién nacidos, camisas para bebés, blusas azules de enfermeras y camisas caqui del ejército, así como las sábanas de lana de las monjas carmelitas.
El trabajo de Hicks se caracteriza por su examen directo de las prácticas de tejido indígena en los países de origen. Esto le ha llevado a viajar por los cinco continentes, estudiando la cultura local en México, Francia, Marruecos, India, Chile, Suecia, Israel, Arabia Saudita, Japón y Sudáfrica, desarrollando relaciones con diseñadores, artesanos, industriales, arquitectos, políticos y políticos. líderes
En 2007, la publicación Sheila Hicks: Weaving as Metaphor , diseñada por Irma Boom para acompañar la exhibición del mismo nombre en Bard Graduate Center, fue nombrada "El libro más hermoso del mundo" en la Feria del Libro de Leipzig.
En 2010, una retrospectiva de los 50 años de carrera de Hicks se originó en la Galería Addison en Andover, Massachusetts, con lugares adicionales en el ICA en Filadelfia y en el Museo Mint en Charlotte, Carolina del Norte. Esto incluía tanto obras en miniatura (sus "mínimas") como una escultura a gran escala.
El trabajo de Hicks se puede encontrar en colecciones privadas y públicas de todo el mundo.
En 2013, la columna de investigación / columna flexible de 18 pies de altura se incluyó en la Bienal de Whitney.
En 2017, Hicks tuvo una exposición individual en la galería Alison Jacques de París. Hicks también participó en la Bienal de Venecia 2017, Viva Arte Viva , del 13 de mayo al 26 de noviembre de 2017.
En 2018, del 7 de febrero al 30 de abril, Hicks tuvo una exposición individual Life Lines en el Centro Pompidou que incluyó más de 100 obras.
Hicks ha recibido numerosos premios, Ha sido nombrada Chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres por el Gobierno de Francia en 1987, y elevado a Officier en 1993.
Además, posee doctorados honorarios de la Escuela Nationale supérieure des Beaux Arts de Paris (2014) y Rhode Isla Escuela de Diseño (1984). Su trabajo está de forma permanente en :
Colecciones del Museo de Arte de Filadelfia, Museo de Bellas Artes, Boston; Instituto de Arte de Chicago; Tate Gallery, Londres;
Museo Stedelijk, Amsterdam; Centro Pompidou, París; Museo de Arte Moderno, Tokio; Museode Bellas Artes, Santiago, Chile; Museo de Arte Moderno, NuevoYork; El Museo Judío, Nueva York; El museo metropolitano de Arte, Nueva York; Galería Nacional de Arte, Washington, D.C .Museo de Arte, Miami...
Somos cada día más las mujeres que actuamos para frenar la misoginia y la desigualdad y es un gran placer encontrarse en esa sincronía.
Por eso desde aquí quiero agradecer el trabajo artístico de Patricia Ruiz Delgado que visibiliza a cada mujer asesinada en Chile y le dedica su atención y trabajo haciendo algo para requilibrar el dolor de la ausencia y del desamor.
Expo “CORAZONES: NI UNA MENOS”
Enero 17 - Febrero 17
Muestra de Patricia Ruiz, activista feminista, compuesta por corazones bordados atrapados o dispuestos en cajas blancas, que representan la muerte de mujeres víctimas de violencia de género.
Quedan dos días para que finalice su exposición no se la pierdan .
A través de corazones bordados enmarcados en un nicho y acompañados de un poema escrito para cada mujer asesinada, la activista feminista Patricia Ruiz Delgado, hace un llamado sobre la violencia de género.
La muestra “Corazones: Ni Una Menos”, que en su primera edición en la Biblioteca de Santiago contó con al apoyo de Fondo Alquimia, se presenta desde el 17 de enero al 17 de febrero en el Salón Los Conservadores del Archivo Nacional Histórico, ubicado en Miraflores 50, Santiago.
“Las puntadas de mis cuadros fueron guiadas por todas las mujeres, las arpilleristas, las tejedoras, las luchadoras de los 80, las dirigentas de las ollas comunes, las mujeres de Temuco, las chilotas, las poetas, las presas políticas, las exiladas, mis abuelas y, por supuesto, mi madre y todas que en Latinoamérica bordamos, bordamos la historia, nuestros dolores, nuestras alegrías”, indica Patricia Ruiz respecto de la exposición.
Los bordados de Patricia se inspiraron en los corazones mexicanos de lata. “La muerte es un cotidiano de las mujeres de este continente, la cultura nos asesina y yo no puedo quedarme en silencio, debo gritar, decir en voz alta sus nombres, contar sus vidas y que cada una de esas mujeres se transforme en colores”, sostiene.
Toshiko Horiuchi MacAdam es una artista japonesa nacida en 1940, especializada en el arte textil. Durante sus primeras décadas de actividad artística se dedicó a las creaciones con punto y ganchillo. No obstante, a partir de los 90 centró buena parte de sus esfuerzos en crear parques de juego para niños. Es la propietaria, junto a su marido Charles, de la empresa Interplay Design & Manufacturing, con la que concibe y produce estos entornos textiles confeccionados a mano.
Según hemos sabido por el número 22 de la revista Paisea, “su primer proyecto en Europa es una instalación infantil en un parque público en Zaragoza”, cosa que ocurrió en el 2011.
Maria Nepomuceno. Nacida el 8 de agosto de 1976 en Río de Janeiro, Maria Nepomuceno estudió pintura y dibujo en el prestigioso Parque Lage escuela de artes visuales antes de estudiar diseño industrial en la Universidad de Río de Janeiro y el arte la filosofía en la Escuela de Artes Visuales de Río de Janeiro. Maria Nepomuceno es de una joven generación de artistas brasileños defendidos por el centro dinámico de Río de Janeiro Hace algunos años, se dedica principalmente a la escultura. Sus obras establecen una relación entre el cuerpo y la naturaleza del micro al macrocosmos, y trenzan las memorias de sus propios orígenes y experiencias, promoviendo el encuentro entre presente, pasado y futuro. La artista que vive y trabaja en Río de Janeiro está actualmente representada por la galería La Gentil Carioca y también por la galería Victoria Miro. Ha participado en múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas . Habiendo recibido varios premios y reconocimientos
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