Gunvor Hofmo escritora noruega

 

Gunvor Hofmo (30 de junio de 1921 - 17 de octubre de 1995) fue una escritora noruega, considerada una de las poetas modernistas más influyentes de Noruega . 

Gunvor Hofmo nació en Oslo, Noruega. Sus padres fueron Bertha Birkedal (1891-1969 y Erling Hofmo (1893-1959)  ). Se crio en una familia de clase trabajadora entre socialistas, comunistas y antinazis

 Se la considera una de las poetas noruegas más importantes del movimiento modernista, un género literario que rompió conscientemente con géneros anteriores. Sus obras están publicadas en más de veinte colecciones de poesía, con un total de unos 700 poemas. Su debut se produjo durante la Segunda Guerra Mundial, mientras trabajaba como cajera. Recibió una beca y utilizó el dinero para viajar a Francia y Dinamarca. También recibió varios premios de la Sociedad Noruega de Autores. A veces escribía bajo los seudónimos de Asle Jord, Gray Stone y Tore Tam. Su vida posterior estuvo muy influenciada por la muerte de su amiga íntima, Ruth Maier, quien fue deportada a Auschwitz y asesinada allí en 1942. Publicó cinco colecciones de poesía de 1946 a 1955. Sufriendo problemas psiquiátricos, fue hospitalizada los siguientes 16 años. 

Comenzó a escribir nuevamente en 1971 y produjo quince colecciones más de poesía hasta su fallecimiento. Su trabajo se inspiró con frecuencia en el sufrimiento de la guerra, la culpa por sobrevivir, la muerte de su amiga cercana Maier y su enojo con Dios. Dejó suficiente material para publicar varios libros de poesía más, algunos de los cuales se publicaron después de su muerte. 

Fue la primera autora noruega importante en declararse lesbiana, y su relación de toda la vida con la autora Astrid Tollefsen las convirtió a ambas en mujeres socialmente destacadas para su época. 

Su muerte se produjo repentinamente tras una breve enfermedad y está enterrada con su madre y su hermano en Vestre Gravlund, Oslo.

Expectación

¡Tu imagen brillaba intensa

y tiernamente detrás de todo lo que veo,

una locura de expectación

que me amenaza y me suplica!

¿Oh profundo, profundo sosiego:

estuviste tú aquí alguna vez?

Todo está sepultado

en este fuego hambriento.

¡Sí, entre mí y el mundo

queda un puente calcinado

porque mi alma se abrasó

en el fuego de mi sangre!

Traducción de Carlos F. Cabanillas Cárdenas

UiT-Universidad Ártica de Noruega (Tromsø)

 De su primer poemario Quiero volver a la casa de los humanos (Jeg vil hjem til menneskene, 1946)

Una se pone enferma del grito que pide realidad

Estuve demasiado cerca de las cosas
de manera que me quemé al atravesarlas
y estoy al otro lado de ellas,
donde la luz no está separada de la oscuridad,
donde no se ha puesto ningún límite,
solo un silencio que me lanza a un universo de soledad,
de incurable soledad.

Mira, me refresco la mano en hierba fría.
Esta será la realidad,
será suficiente realidad para tus ojos
pero yo estoy al otro lado
donde las briznas de hierbas son campanas
sonoras de pena y amarga expectativa.
Tengo en las manos la mano de una persona,
miro los ojos de un ser humano,
pero yo estoy al otro lado
donde el hombre es bruma de soledad y angustia.

Ay, si yo fuera una piedra
que pudiese sostener el peso de este vacío,
si yo fuese una estrella
que pudiese beber el dolor de este vacío,
pero yo soy un ser humano arrojado país fronterizo 
y oigo rugir al silencio
desde mundos más profundos que este.

Tomada dele texto firmado por Goizalde Landabaso

https://blogs.eitb.eus/pompasdepapel/2014/12/15/el-poema-gunvor-hofmo-noruega/

https://en.wikipedia.org/wiki/Gunvor_Hofmo

https://agradecidassenas.com/poesia-noruega-ii-gunvor-hofmo/

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Stella Rothenberg escritora y poeta

Stella Rotenberg , de soltera Siegmann ( 27 de marzo de 1916 en Viena , Austria-Hungría -3 de julio de 2013 en Leeds ) fue una escritora y poeta de habla alemana .

Stella Siegmann estudió medicina en la Universidad de Viena después de obtener su título de secundaria . En 1938 la expulsaron por la fuerza y ​​trató de obtener permiso para entrar en Gran Bretaña. Su camino finalmente la llevó a Leiden , donde se suponía que debía administrar la casa de un hombre soltero, siendo  acosada por él . Luego, Siegmann habló con el Comité de Refugiados de La Haya , que le asignó un trabajo como ayudante a domicilio no remunerada en un orfanato de La Haya, donde además tenía que presentarse todos los días ante la policía.

En agosto de 1939 finalmente logró emigrar a Gran Bretaña, donde completó sus estudios de enfermera y luego trabajó como asistente médico y contable. En 1940 se casó con Wolf Rotenberg, un antiguo compañero de estudios de Viena, y ese mismo año comenzó a escribir.

Tras el final de la guerra , se enteró de que sus padres y casi todos sus familiares habían sido asesinados en los campos de exterminio nazis .

Stella Rotenberg vivió en Leeds desde 1948 . En 2001 recibió el primer premio Theodor Kramer por escribir sobre resistencia y exilio de la Sociedad Theodor Kramer . Rotenberg fue miembro honorario del Centro PEN para autores de habla alemana en el extranjero .

https://de.wikipedia.org/wiki/Stella_Rotenberg

https://en.wikipedia.org/wiki/Stella_Rotenberg

https://en.wikipedia.org/wiki/Stella_Rotenberg

https://muse.jhu.edu/article/378172/pdf

https://theodorkramer.at/theodor-kramer-preis/preistraeger-innen/2001-stella-rotenberg/

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Anne Loughlin sindicalista británica

 Anne Loughlin  (28 de junio de 1894 - 14 de julio de 1979) fue una activista y sindicalista británica reconocida por su país con el gran honor de  DBE( Dame Commander of the Most Excellent Order of the British Empire .

Loughlin nació en Leeds , Inglaterra. Su padre, Thomas, era un agente comercial de calzado de ascendencia irlandesa. Cuando Anne tenía 12 años, su madre murió y tuvo que cuidar de sus cuatro hermanas (dos de las cuales se casarían con dirigentes sindicales). Cuando tenía 16 años, su padre murió y Anne se convirtió en el sostén de la familia y empezó a trabajar en una fábrica de ropa de Leeds por 3 peniques la hora.

En 1915, a la edad de 21 años, se convirtió en organizadora a tiempo completo del Sindicato Nacional de Trabajadores de Sastres y Confección (NUTGW), el sindicato al que dedicaría toda su carrera. Al año siguiente, se hizo cargo de una huelga de 6.000 trabajadores de la confección en Hebden Bridge. Mostró talento para el periodismo y reconoció el tipo de cosas que harían que las mujeres jóvenes leyeran el periódico sindical The Garment Worker . Escribió una serie de artículos a finales de la década de 1920 titulada The Woman Worker at Home , en los que instruía a las "solteras" sobre dieta (consejos sobre varias formas de cocinar huevos), ejercicio y maquillaje. Sin embargo, los trabajadores de la confección, especialmente en Londres, se enfrentaron a un mayor uso de trabajadores peor pagados; los ingresos siguieron siendo bajos y hubo un creciente descontento entre la fuerza laboral en general.

El NUTGW tenía su sede en Leeds y la mayoría de los funcionarios de tiempo completo procedían de la región de Leeds; los miembros de Londres se sentían divorciados del centro del poder sindical. También hubo diferencias religiosas que aumentaron las tensiones. Los miembros de Londres eran principalmente judíos y protestantes, mientras que la minoría católica de Leeds proporcionaba la mayoría de los funcionarios principales: el secretario nacional (Andrew Conley) era católico, al igual que el secretario del distrito de Londres (Bernard Sullivan), y la propia Anne.

Anne Loughlin pasó a ocupar la máxima dirección del sindicato durante la década de 1930. Desarrolló habilidades que serían de gran utilidad durante la Segunda Guerra Mundial . En diciembre de 1939 fue nombrada miembro del comité asesor para la producción de ropa militar. También formó parte del subcomité del Ministerio de Trabajo y Servicio Nacional sobre el comercio mayorista de ropa. Los desafíos para el sindicato fueron grandes durante la guerra y después de ella: aguda escasez de mano de obra (con la pérdida de más de un tercio de sus trabajadores a manos de las fuerzas armadas y trabajos de guerra urgentes), concentración de la industria y racionamiento de materiales.

En 1948, Anne reemplazó a su mentor y amigo cercano Andrew Conley como secretaria general del sindicato. Su elección no era en modo alguno una conclusión inevitable, ya que había varios candidatos fuertes. En particular, se pensaba que el comunista Mick Mindel tenía alguna posibilidad (en la atmósfera de 1947) y la causa anticomunista estaba representada por el devoto católico Bernard Sullivan, que había servido durante mucho tiempo (desde 1905). Los historiadores del sindicato describieron la capacidad de Conley como "una mezcla de palabrería irlandesa, encanto y pura inspiración" para persuadir a las mujeres jóvenes del NUTGW de que no sólo estaban a la altura del trabajo de organizadoras sindicales, sino que podían hacerlo mejor que la mayoría de los hombres. . Esto fue motivado por su temor a lo que el faccionalismo podría afectar a un sindicato que había logrado su unidad sólo con gran esfuerzo (después de una fusión complicada y el intento anterior de ruptura del Movimiento de la Minoría Nacional liderado por los comunistas ) .

En 1942, Loughlin fue elegida presidenta del Consejo General del TUC (en el que había trabajado desde 1929). Fue sólo la segunda mujer, después de Margaret Bondfield , en ocupar este puesto y la primera en presidir la conferencia anual (Bondfield habia sido  llamada por  el Ministerio de Trabajo a principios de su año como presidenta).

Su gran decepción profesional se produjo en esta posguerra con la disolución del Consejo de Desarrollo de la Industria de la Confección (CIDC). Hubo llamados a favor de algo de esta naturaleza en las deliberaciones del Heavy Clothing Working Party (publicado en 1947), en el que Loughlin había formado parte, junto con otros representantes sindicales y empleadores. Lo que se propuso fue un organismo central que, entre otras cosas, llevaría a cabo investigaciones científicas, promovería la capacitación y mejoraría el marketing y el diseño. Anne sintió profundamente la necesidad de esto. Los planes para la CIDC fueron anunciados por el presidente de la Junta de Comercio, Harold Wilson , en marzo de 1948.

Los empleadores, para angustia de Loughlin, estaban descontentos con las propuestas, en particular con el impuesto obligatorio y la representación casi igual ofrecida a los sindicatos y a las organizaciones de empleadores. Sin embargo, la protesta orquestada por los empleadores no fue suficiente para detener la aprobación parlamentaria del establecimiento del CIDC en noviembre de 1949. A finales de 1952, poco después de que Anne anunciara su retiro del puesto de secretaria general debido a problemas de salud, el consejo fue disuelto y reemplazado por un organismo voluntario igualmente de corta duración y menos eficaz.

En 1943, Anne Loughlin fue nombrada DBE( Dame Commander of the Most Excellent Order of the British Empire , un honor que aceptó creyendo que abriría puertas para el sindicato.  Luego formo parte de la Comisión Real sobre Igualdad Salarial (1944-1946) y fue una de sus honorables voces disidentes. Estaba firmemente convencida de que no había justificación para pagar menos a las mujeres que a los hombres por el mismo trabajo y argumentó que la introducción de la igualdad salarial no tendría los efectos desestabilizadores profetizados en el informe principal de la comisión.

Quienes la conocieron comentaron sobre su capacidad para expresar argumentos complejos con lucidez y en términos que todos pudieran entender. Los empleadores respetaban a esta mujer de apenas 1,5 m de altura y ella podía obtener concesiones que otros no podían. No tuvo miedo de hablar sobre las injusticias que encontró, ya sea en pequeños talleres de ropa clandestinos o en grandes empresas públicas que emplean a miles de trabajadores de la confección. Pero también se apresuró a elogiar a las empresas que introdujeron servicios de asistencia social. Ya fuera colocando la primera piedra de una nueva fábrica, hablando en una cena de una asociación profesional o entregando premios en una escuela técnica (ella creía apasionadamente en la necesidad de una fuerza laboral bien calificada).

 Al jubilarse, rompió claramente con el sindicato y no parece haber registros de lo que hizo durante los años que le quedaban. En 1975, la NUTGW  en el marcó del Año Internacional de la Mujer se colocó  una placa en la sala de juntas ejecutiva (rebautizada como Sala Anne Loughlin) que conmemoraba sus logros.  La propia Dame Anne estaba demasiado enferma para asistir, pero estuvo representada por una de sus hermanas, la Sra. Agnes McLaughlin. Cuatro años más tarde, el 14 de julio de 1979, murió intestada, dejando 33.419 libras netas (34.159 libras brutas).

https://www.npg.org.uk/collections/search/portrait/mw52943/Dame-Anne-Loughlin

https://en.wikipedia.org/wiki/Anne_Loughlin

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Karolina Utriainen predicadora laica y visionaria finlandesa

 Hilda Karoliina Utriainen  (30 de junio de 1843 , Vesamäki , Finlandia -14 de julio de 1929, Keitele) fue una predicadora laica y visionaria finlandesa. La  importancia de  Hilda  como predicadora es tanto más notable cuanto que en Finlandia incluso las mujeres con doctorados en teología no fueron admitidas como pastoras hasta después de 1954.

Hilda  Utriainen, era  hija de una familia de jornaleros pobres, quedó tan débil después del nacimiento que fue bautizada de emergencia.

Su vida estuvo marcada por la pobreza, el alcoholismo paterno y la muerte de seres queridos. A pesar de su debilidad física, desarrolló una extraordinaria devoción religiosa. A los nueve años, comenzó a tener visiones apocalípticas y predicaba con fervor, aunque a menudo no recordaba sus discursos. Sus palabras se difundieron y se publicaron en más de veinte ediciones. 

Utriainen hablaba sobre el fin del mundo, el Juicio Final y la necesidad de arrepentimiento. A pesar de su juventud, impresionó profundamente a sus contemporáneos. En 1864, se casó con el adinerado propietario de tierras Taavetti Väänänen y continuó predicando. 

A lo largo de su vida, pronunció alrededor de 20.000 sermones. Aunque las mujeres no eran ordenadas como pastoras en la Iglesia evangélica luterana finlandesa hasta 1953/54, Utriainen dejó una huella duradera en la historia religiosa de su país1. Es interesante notar que Hilda Karoliina Utriainen también influyó en otras figuras, como Hilda “Hotti” en la región de Juvan, quien también practicaba el unissasaarnaaminen (predicación en estado de trance) y se inspiró en Utriainen

  En 1912, 20 de sus discursos fueron grabados  con el título Herätyssaarnoja , sermones de avivamiento . En 1913, este talento se agotó repentinamente, hasta que reapareció con la misma rapidez; Sin embargo, sólo cayó en trance unas pocas veces antes de su muerte. 

Karolina Utriainen pasó los últimos años con su hija menor, Anna, profesora en Keitele 

   Incluso a los 77 años, Karolina Utriainen caminaba regularmente 10 kilómetros desde la escuela donde su hija era profesora hasta la reunión religiosa a la que asistía y lo explicaba diciendo que la intensidad de tu deseo es proporcional al logro que conseguirás: "Tienes  fuerza para hacerlo si tu deseo es lo suficientemente grande".

Es considerada una santa para la Iglesia  evangélica luterana y se la recuerda el 14 de julio.

https://de.wikipedia.org/wiki/Karolina_Utriainen

Hilda Karoliina Utriainen (fembio.org)

Hilda Hotti ja unissasaarnaaminen Juvalla – Juvan kulttuurisivut

https://www.heiligenlexikon.de/BiographienK/Karoline_Utriainen.html

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Thelma Reiss violonchelista

Thelma Reiss (  2 de julio de 1906, Plymouth- 17 de septiembre de 1991, Suffolk),  fue una violonchelista inglesa . Nació en una de las principales bases dela Royal Navy, donde su padre era marinero.

Recibió sus primeras lecciones de un miembro de la Royal Marines Band. en Plymouth, progresando rápidamente: a los 7 años interpretó a Goltermann Concierto para violonchelo en un debut público. Ella también estaba estudiando canto, baile y piano. Obtuvo su primer trabajo profesional estable a los  11 años, como violonchelista del trío contratado para tocar en un restaurante suizo en Plymouth. 

A menudo padecía problemas de salud  y contrajo tuberculosis, que finalmente se curó. Luego ganó una beca para el Royal College of Music de Londres, donde estudió con Ivor Jaime.

Después de graduarse, volvió a tener problemas de  salud contrayendo  tifus. Tocó algunos conciertos de música clásica, pero sobre todo actuó en teatros, club nocturnos  e incluso actuaciones variadas en muelles junto al mar. 

En 1930 hizo su Recital de debut en Wigmore Hall, con la pianista Joan Black. La audiencia los elogios y la aprobación de la crítica obtuvieron su recompensa con un concierto inmediato con Sir Henry Wood en un concierto Promenade en Queen's Hall, en que eligió el concierto para violonchelo de Elgar.

Entonces su carrera se consolidó fácilmente. Ella frecuentemente tocaba con importantes orquestas británicas, y luego en el extranjero, y a menudo en la radio.

Durante la Segunda Guerra Mundial tocó en fábricas y hospitales. Tenía una apariencia  una cálida personalidad escénica haciéndose querer por el público. Los informes contemporáneos hablan de su concierto. manera muy elegante y brillantemente ejecutada.

Además de sus conciertos solistas y orquestales, le gustaba mucho tocar música de cámara y apareció con artistas como Myra Hess, Albert Sammons y Harriet Cohen. 

Ella toco la Sonatina (1933),  escrita por Pablo Casals. Se realizó por primera vez en 1934 por Harriet Cohen y Thelma Reiss bajo el título 'Sonata en Re menor'; pero cinco días después la emitieron como ‘Sonatina’, que es la título dado tanto en el manuscrito como en la partitura impresa. Ella también estrenó 'Fantasy' de George Dyson en el Festival de los Tres Coros de 1936 en Hereford. En 1936 y 1938 realizó importantes giras por Polonia y los estados  Báltico. estados.

En 1955 volvieron a aparecer los problemas de salud y tuvo que jubilarse.  No se dedicó seriamente a la enseñanza, sino que se retiró a Suffolk,ndonde adoptó el hobby de la jardinería. Hay un premio con su  nombre en el Royal College of Music de Londres. 

Cabe mencionar que formo parte   de la Orquesta Sinfónica de Londres.

https://johnstone-music.com/wp-content/uploads/2020/07/vlc79-Cellists_Corner-THELMA_REISS.pdf

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Delia Caguana, Viceprefecta de Chimborazo

 

Delia Caguana (1973-26 de junio del 2020) es tan simpática, y su vida tan interesante, que no importa qué se tenga que hacer para encontrarse con ella: cambiar el sitio de encuentro, a última hora, y viajar 50 minutos para lograrlo; o buscarla en todas las puertas del Mercado Santa Clara. Delia, de la etnia puruhá, actualmente es la presidenta de la Confederación del Movimiento Indígena de Chimborazo. Delia tiene un magnetismo, que hace que la gente se detenga en la calle a hablarle. Es dueña de una energía especial; seguramente la misma que usa para curar, y la misma que le permite decirme, poco antes de despedirnos:“Báñate en una cascada, abraza un árbol”.

Vengo trabajando desde que tengo 12 años, que fui tesorera en la escuela donde terminé la primaria; luego fui presidenta de los catequistas en mi comunidad; después presidenta de la pastoral indígena de mi parroquia. Estuve en el Centro de Formación Monseñor Leonidas Proaño, en donde tuve la oportunidad de prepararme gracias al apoyo de una hermana francesa que me ayudó para que sea buena dirigente y buena compañera.

Desde pequeña me decían Mama Delia; no sé por qué, pero siempre lo hacían y me pedían que les representara, que me preparara, que fuera a talleres para saber cómo liderar a la comunidad. Pero yo les decía que no podía porque a mis padres no les gustaba que vaya para allá. Yo para salir a cualquier lugar tenía que dejar haciendo los quehaceres domésticos; dejar hierbas para los animales.

A mí me dicen que siempre ando sonriendo, que no soy brava y que soy trabajadora. Siempre me gustó trabajar la tierra, me gustaba llevar a pastar a los borregos, y por eso mis abuelitos me llegaron a querer mucho más que a otros nietos. Yo tenía ese amor por servir, con cariño, por mis abuelitos, que me enseñaron a que siempre sonría; viví con ellos hasta tener 18 años, porque no me enseñaba a vivir con mis papás.

Con la ayuda de monseñor Víctor Corral Mantilla me fui a Suecia para prepararme y predicar la palabra de Dios, celebrar las fiestas, dar hostias, hablar con los enfermos. Cuando volví trabajé dos años, pero un sacerdote me hizo la vida imposible, no me quería dar las hostias. Entonces yo tenía que ir corriendo donde Monseñor para que me ayude; él me decía: si no quiere dar las hostias el padre, yo voy a mandar. Y me las mandaba. Me gustaba trabajar con los católicos, me mandaban a las comunidades lejanas; y no solo iba a dar hostias sino que hablaba de temas sociales y económicos, para fortalecer nuestra economía con nuestra tierra, agua y semillas.

Después de que regresé de Suecia, a los 28 años, entré a la secundaria. Terminé el bachillerato y luego estudié para ser tecnóloga en Medicina. Es que por estar en las organizaciones no he estudiado (se ríe), y ahora me arrepiento (sigue sonreída). Y estoy soltera porque mi compromiso ha sido siempre con las organizaciones, porque conocí el documento de monseñor (Leonidas) Proaño, que hablaba de la iglesia liberadora, de los movimientos sociales.

Llegar a este espacio no fue fácil, tuve que pelear con bastantes hombres dirigentes de mi provincia y si me equivoco puede que después digan: “No, las guambras no sirven”. Pero mi sueño es que las guambras y los mayores sirvamos y trabajemos por el bienestar de nuestro pueblo.

 Tania Macera escribió  a la partida de Delia   :

Delia Caguana viceprefecta de Chimborazo se ha marchado. Durante la emergencia su trabajo se centró en llegar con alimentos a las comunidades indígenas y campesinas de su provincia. Delia fue inspiración y fuerza en todo el proceso de construcción y debate de las Reformas al Código de la democracia que la asamblea nacional aprobó a finales de 2019 y que se sellaron una vez que pasó por el ejecutivo. Aprendí tanto de tí Delia querida, tu partida me duele y te lloro porque fuiste de las mujeres políticas de este país maravillosas, generosa, crítica. El último mensaje tuyo en mi móvil dice: ven a verme, hagamos el taller sobre reformas y sigamos debatiendo sobre Violencia Política de Género. La maldita pandemia limitó que fuese y la misma pandemia te ha arrebatado la vida. Vuela alto, llega lejos. Te extrañaré y me harás muchísima falta.

https://elespectadorchimborazo.com/delia-caguana-fue-considerada-como-persona-no-grata/

https://www.elcomercio.com/tendencias/deliacaguana-mujeres-40anos-testiomonio-movimientoindigena.html

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Helen F. Hood pianista, compositora y profesora

 

Helen Francis Hood (28 de junio de 1863 - 22 de enero de 1949) fue una pianista, compositora y profesora estadounidense. Nació en Chelsea , Massachusetts , y estudió música en Boston con Benjamin Johnson Lang , JCD Parker , John Knowles Paine y George Chadwick . Continuó sus estudios en Berlín con Moritz Moszkowski y Philipp Scharwenka . Recibió un diploma y una medalla por sus logros en la Exposición Mundial Colombina, Chicago , Illinois . Murió en Brookline , Massachusetts. 

Obras 

Es posible que Hood haya compuesto el primer trío americano para piano, violín y violonchelo. 

 Las obras seleccionadas incluyen:

Decepción 

La violeta 

Canción de cuna de Cornualles

Robin 

Pastora

Mensaje de la Rosa 

https://www.loc.gov/resource/music.mussm-sm1885-20946/?st=gallery&c=40

https://www.loc.gov/resource/music.mussm-sm1883-14788/?st=gallery

https://en.wikipedia.org/wiki/Helen_Francis_Hood

https://books.google.es/books?id=IvoQQU1QL_QC&q=Helen+Francis+Hood+(1863%E2%80%931949)&pg=PA226&redir_esc=y

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Hiba Kamal Abu Nada bioquímica nutricionista y poeta palestina

 

Hiba Kamal Abu Nada (La Meca, 24 de junio de 1991 - Jan Yunis, Franja de Gaza, 20 de octubre de 2023)​ fue una poeta, novelista, bioquímica, nutricionista, activista feminista y colaboradora de Wikipedia de nacionalidad palestina.

Abu Nada nació en 1991 en La Meca, Arabia Saudita, provenía de una familia refugiada durante la Nakba, ​como se le denomina al desplazamiento forzado de palestinos a causa de la ocupación israelí en 1948.

Abu Nada estudió bioquímica en la Universidad Islámica de Gaza, donde ejerció como profesora y completó una maestría en nutrición clínica. En 2021, se ofreció como voluntaria en la enciclopedia virtual de Wikipedia a través de un programa a distancia llamado WikiWrites, siendo correctora lingüística de artículos previos a su publicación.

En 2017, ganó el premio Sharjah a la Creatividad Árabe por su novela El oxígeno no es para los muertos (En árabe: الأكسجين ليس للموتى -transcrito en alfabeto latino como: al-Uksujīn laysa lil-mawtā).

Abu Nada murió el 20 de octubre de 2023 a la edad de 32 años,​ en su casa de Jan Yunis, en la franja de Gaza, a causa de un bombardeo por parte de las fuerzas israelíes.

Su último poema, escrito el día antes de ser asesinada en medio de los ataques de Israel contra Palestina:

«La noche en la ciudad es oscura, 

excepto por el brillo de los misiles;

 silenciosa, 

excepto por el sonido del bombardeo;

 aterradora,

 excepto por la promesa tranquilizadora de la oración;

 negra,

 excepto por la luz de los mártires.

 Buenas noches«.

Obra

El oxígeno no es para los muertos, 2017

Desde aquí repetimos la necesidad de frenar esta y todas las guerras: ¡ NUNCA  LA GUERRA¡

https://www.anred.org/2023/10/21/heba-abu-nada-poetisa-y-novelista-palestina-fallecio-ayer-por-los-ataques-en-gaza/

https://www.nortes.me/2023/10/22/se-lo-diremos-al-mundo-en-tu-nombre-companera-heba-abu-nada/

https://www.nortes.me/2023/10/22/se-lo-diremos-al-mundo-en-tu-nombre-companera-heba-abu-nada/

https://www.naiz.eus/eu/iritzia/articulos/el-oxigeno-no-es-para-los-muertos-hiba-kamal-abu-nada

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Olga Costa pintora, promotora cultural y coleccionista alemana nacionalizada mexicana

Olga Costa, nombre artístico de Olga Kostakowsky Fabricant (Leipzig, Alemania, 28 de agosto de 1913 - Guanajuato, Guanajuato 28 de junio de 1993), fue una pintora, promotora cultural y coleccionista alemana nacionalizada mexicana. Trabajó a favor del desarrollo de museos del estado de Guanajuato con su esposo, el pintor mexicano José Chávez Morado.​

Su obra pictórica es numerosa, abarcó el periodo de 1936 a 1988 y forma parte de importantes colecciones como la del Banco Nacional de México, la Blaisten y la del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

De sus exposiciones individuales destacan: el homenaje del Festival Internacional Cervantino en 1989, la del Museo de Arte Moderno en 1990 y la que se realizó en 2013 en el Instituto Nacional de Bellas Artes para conmemorar el centenario de su nacimiento.

En 1990 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de Bellas Artes.

Sus padres, Ana Fabricant y Jacobo Kostakowsky, originarios de Odesa, Unión Soviética (hoy Ucrania), emigraron en 1909 a Alemania durante la Primera Guerra Mundial. Vivieron en Leipzig donde nacieron sus dos hijas: Olga y Lya. Posteriormente se trasladaron a Berlín debido a la profesión de su padre, violinista, director de orquesta y compositor . Por su activismo político e ideas socialistas, Jacobo Kostakowsky estuvo en la prisión de Baviera. Cuando le otorgaron la amnistía, la familia decidió emigrar a México. Llegaron el 7 de septiembre de 1925 al Puerto de Veracruz a bordo del barco Espagne. Se establecieron definitivamente en la Ciudad de México.​

Los Kostakowsky Fabricant organizaban reuniones semanales en las que participaban músicos, pintores y escritores, por lo que Olga no estuvo ajena a la vida cultural de la época. Ella, a lo largo de su vida, mantendría vínculos amistosos y profesionales con artistas plásticos, escritores, músicos y promotores culturales.​

Olga asistió al Colegio Alemán de México hasta tercero de secundaria. Aunque realizó estudios de canto y piano, no continuó con ellos y  se inscribió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Academia de San Carlos (ENAP) en 1933. Uno de sus maestros fue Carlos Mérida. Su estancia en la ENAP fue muy breve, ya que por problemas económicos, dejó sus estudios a cuatro meses de haberlos iniciado para trabajar en una tienda.​

En el taller de litografía dirigido por Emilio Amero, en la ENAP conoció a José Chávez Morado. En 1935 contrajo matrimonio con él, quien años después declararía:

Tomados de la mano fuimos al encuentro de una vida en común, unimos nuestras pobrezas materiales, pero también nuestras riquezas vitales, exteriores e interiores. Desde que nos conocimos nos hemos ido construyendo uno al otro. Si una pintura mía no la ha visto Olga, yo no la he visto completamente, y lo mismo sucede con esa pintura tan delicada que hace ella, y aunque vemos el mundo pictóricamente de distinto modo, nos completamos.

En 1936, se trasladó a Jalapa, Veracruz, debido a encomiendas profesionales de su marido. Vivió un año y medio en esta ciudad, donde reinició su actividad artística y su proceso de autoformación como pintora.

En 1940 vivieron en San Miguel de Allende, Guanajuato. Regresaron a la Ciudad de México al año siguiente, donde mantuvieron contacto con el grupo de refugiados españoles y personas que habían llegado a México huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Asistieron con frecuencia a un barrio denominado “la pequeña Iberia”, cerca del Monumento a la Revolución.

En 1941 fundó la Galería Espiral junto con Angelina Beloff, Feliciano Peña y Francisco Zúñiga, de la cual fue directora.​ En ese año diseñó escenografías y vestuarios para el Ballet Waldeen.

En 1943 participó como cofundadora de la Sociedad de Arte Moderno que, dirigida por Susana y Fernando Gamboa, fue la primera galería que logró montar en México importantes exposiciones como la presentación de la obra de Picasso.

Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, la invitó a preparar su primera exposición individual en 1945. A partir de ese momento participó regularmente en exposiciones individuales y colectivas.

En 1948 se integró a la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas; que derivó, el año siguiente, en la fundación del Salón de la Plástica Mexicana, institución sucesora de la Sociedad de Arte Moderno, conformada por un grupo de 52 artistas cuyo objetivo era promover el arte mexicano.

Recibió su primer encargo oficial en 1951, que consistió en pintar un óleo de gran formato para el Instituto Nacional de Bellas Artes. El resultado es La vendedora de frutas, que forma parte del acervo del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. En los años siguientes participó en las primeras exposiciones itinerantes organizadas por el INBA y por el Frente Nacional de Artes Plásticas, que tenían como fin dar a conocer el arte mexicano en diferentes países de Europa y Asia.8​9​

En 1952, con mosaicos, realizó su única obra mural, titulada Motivos sobre el agua, en el balneario Agua Hedionda, en Cuautla, Morelos. Se trata de la imagen de una inmensa ola, de la que sale un enorme caracol prehispánico, la cual conjunta el agua, el viento y la tierra. También aparecen unas sirenas que, en lugar de escamas, están cubiertas por flores.10​ En ese año también diseñó azulejos y mosaicos en piedra.

En 1955 vivió una temporada en la ciudad de Guanajuato. En esta época, el paisaje empezó a tomar más importancia en su obra. A partir de 1959 abandonó casi por completo la figura humana como tema, como consecuencia del horror que le produjo la masificación de la sociedad moderna.

Realizó un viaje a Japón en 1964, cuyas influencias se manifestaron en su obra, pues se inspiró en los materiales, la técnica y el estilo pictórico del arte oriental.

Se estableció definitivamente en la ciudad de Guanajuato en 1966, donde participó con Chávez Morado en la organización del Museo de la Alhóndiga de Granaditas. Vivieron en el municipio de Silao por muchos años. Durante este periodo, Olga Costa regresó a la pintura y produjo pequeños trabajos en óleo y gouache.

En 1975, Olga Costa y José Chávez Morado donaron su colección de piezas prehispánicas al Museo de la Alhóndiga de Granaditas. En 1979 fundaron el Museo del Pueblo de Guanajuato, al cual donaron su colección de pintura de los siglos XVIII, XIX y XX, por lo que recibieron la condecoración El Pípila de Plata. Con parte de la obra que coleccionaron se fundó el Museo Olga Costa-Chávez Morado, en el municipio de Silao, Estado de Guanajuato

El Festival Internacional Cervantino, en su edición XVII (1989), le rindió homenaje a Olga Costa con una muestra retrospectiva de su obra, que abarcó el periodo 1935-1989.

El jurado del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de las Bellas Artes, le otorgó en 1990 el reconocimiento a su obra artística y su quehacer cultural.​

Falleció en la ciudad de Guanajuato en 1993.

La obra de Costa se caracteriza por una extensa gama cromática y la integración de elementos de la naturaleza, como plantas, frutas y flores. Entre sus obras destacan los géneros de paisaje, naturaleza muerta y retrato.

Raquel Tibol valora su aporte artístico en las siguientes líneas: “Olga Costa nunca fue dogmática en lo estético ni en lo artístico. Detestaba cualquier regla o teoría que discriminara tendencias y valores en el arte. […] No necesitó de aprobaciones foráneas para descubrir en la producción plástica mexicana atributos muy propios y muy elevados, que muchas veces ni siquiera habían logrado ser reconocidos nacionalmente. Los frutos tropicales fueron el vehículo con el que transitó del arte ingenuo al naturalismo, al esquematismo geométrico y al Neofauvismo. Persiguiendo un refinamiento cromático cada vez mayor, más sugerente, más inventivo”.​

Algunas de sus obras forman parte del acervo artístico del Banco de México, FEMSA, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y la Colección Blaisten.

Obra

Bañistas, gouache, 1936

Ramillete con fondo azul, gouache, 1936

Dama verde, gouache, 1936

Las bañistas, óleo sobre tela, 1936

Desnudo, temple,1937

La vedette, óleo sobre tela,1938

Retrato del Maestro José Chávez Morado, óleo sobre tela, 1939

La novia, óleo sobre tela, 1941

Chimenea, 1941, temple sobre papel, 25 x 37 cm, Col. De la Artista*

El duelo, óleo sobre tela, 1942

Niño muerto, óleo sobre tela, 1944

La niña de las palmas, óleo sobre tela, 1944, 85.7 x 66 cm,

Naturaleza Muerta, óleo sobre tela, 1945, 93 x 72 cm,

Autorretrato, óleo sobre tela, 1947, 90 x 75 cm, Col. Andrés Blaisten-

Autorretrato, para Marte R. Gòmez, làpiz grafito s/ papel, 1946, 38.6 x 37.4 cm, Col. Museo Soumaya

La frondosa, óleo sobre tela, 1948

Sin nombre, óleo sobre tela, 1948,

Escena del istmo, técnica mixta, 1950

Hermanitos, óleo sobre tela, 1950,

Flor de alcachofa, óleo sobre tela, 1950,

La vendedora de frutas, óleo sobre tela, 1951, 195 x 245 cm, colección Museo de Arte Moderno

Tehuana con sandía (Isabel Villaseñor) 1952 óleo sobre tela, 130 x 111 cm-

Flores, óleo sobre masonite, 1953,

Pescadores óleo sobre masonite, 1953,

Macetas, óleo sobre tela, 1954,

Recuerdos de Silao, óleo sobre masonite, 1954,

La tormenta, óleo sobre masonite, 1955,

La barda, óleo sobre tela 1955, Col. Museo del pueblo de Guanajuato

La valenciana, óleo sobre fibracel, 1955,

Caserío, óleo sobre tela, 1955,

Meseta de Piedra, óleo sobre tela, 1956,

Isla en el aire, óleo sobre masonite, 1956,

Peregrinos, óleo sobre tela, 1957,

Sin título, dibujo y tinta, 1960,

Ofrenda, óleo sobre masonite, 1961,

Dulces mexicanos, óleo sobre tela, 1961,

Tetera blanca, óleo sobre tela 1961,

Nísperos, óleo sobre masonite 1962,

Retrato de Damián, óleo sobre tela, 1962,

Nísperos, óleo sobre masonite, 1962,

Margarita de perfil óleo sobre tela, 1963

La dama del sweater, óleo sobre masonite, 1963

Costeña, óleo sobre masonite, 1963

Tehuanas, óleo sobre masonite, 1963,

Dos perfiles, óleo sobre papel, 1964,

Mandarinas, óleo sobre triplay, 1964,

Los volcanes, óleo sobre papel, 1964

Gato, óleo sobre papel, 1964,

Paisaje con cielo crepuscular, óleo sobre papel, 1964

Cabeza de muchacha, óleo sobre papel, 1964

Florero azul, óleo sobre masonite, s/fecha.

Dama enjoyada, plumil y tinta, 1965

Pescado plateado, tinta y plata, 1965

Casahuates, óleo sobre papel, 1965

Hojas secas, tinta y plata, 1965

Montañas con luna dorada, óleo sobre papel, 1965

Golden flash, temple y oro, 1965

Paisaje oriental, óleo y plata, collage, 1965

Tabachin, óleo sobre papel, 1966

Pitayas, óleo sobre tela, 1967,

Después de la cosecha, óleo sobre tela, 1967,

Cerro de la Bufa, óleo sobre masonite, 1967,

Frutero con sandía, óleo sobre tela 1968,

Peregrinos, óleo sobre masonite, 1968,

Campos labrantíos, óleo sobre masonite, 1968,

Señal óleo sobre tela, 1969,

Sandías, óleo sobre tela, 1970,

Paisaje geométrico, óleo sobre tela, 1970,

Frutero, óleo sobre tela, 1971,

Araucaria I, óleo sobre tela, 1971,

Araucaria II, óleo sobre tela, 1971,

Tres manzanas, óleo sobre tela 1971,

Sembradío, óleo sobre tela, 1971,

Paisaje guanajuatense, La bufa, óleo sobre tela 1971,

Jardín geométrico, óleo sobre tela, 1971

Florero verde, óleo sobre tela, 1971,

Manzanas y duraznos, óleo sobre tela, 1972,

Árboles entre flores, tinta y acuarela, 1972,

Jardín, tinta y acuarela, 1971,

Nochebuenas, óleo sobre tela, 1971, 80 x 100 cm

Flores rojas, óleo sobre tela 1972,.

Árbol luminoso, óleo sobre tela, 1972,

Sin título, óleo sobre tela 1972,

Follajes, plumil, 1972

Paisaje en penumbra, plumil, 1972

Claro en el bosque, plumil, 1972

Campo al amanecer, tinta, 1972,

Construcción, crayola, 1972,

Esferas rojas, plumón sobre papel, 1972, 31 x 24.5 cm

La construcción, pastel sobre papel, 1972, 29 x 38 cm

Cerros parchados, 1973, Litografía acuarelada, 40x 56 cm.

Jardín, óleo sobre tela, 1973,

Espigas de zacate, óleo sobre tela, 1973

Sin título, 1973,

Jardín con árbol del fraile, óleo sobre tela, 1973,

La casa azul, óleo sobre tela, 1973,

Las guayabas, óleo sobre tela, 1973, 75 x 100 cm

Follajes azules, 1974

Composición, óleo sobre masonite, 1974, Col. privada

Óleo sobre tela, 1974, Museo del Pueblo de Guanajuato

Tronco seco y piedras, tinta china 1974

Asteroide, tinta china, 1974

Composición no. 1, plumil, 1974

Composición no. 2, plumil, 1974

Composición no. 3, plumil, 1974

Composición no. 4, plumil, 1974

Composición no. 6, plumil, 1974

Caserío vertical, crayola y tinta, 1974

Grab sik, plumil, 1974

Esqueleto de nopal, crayola y tinta china, 1974

Piedra con liquen, tinta china, 1975

Tres árboles, 1975, tinta china,

Acantilado, plumil y tinta china, 1975

Árbol, óleo sobre tela, 1973-76,

Sembradío, óleo sobre mayatex, 1973-76

Para flor de mi jardín, óleo sobre tela, 70 x 40 cm, 1976

Rara flor de mi jardín, óleo sobre tela, 1976,

Rara flor, óleo sobre papel, 1976

Gráfica de follajes, crayola, 1976

Composición no. 7, plumil, 1976

Dos árboles, óleo sobre tela, 1976,

El charco, óleo sobre tela, 1977,

La casa roja, óleo sobre tela, 1977,

El cerro de Pastita, óleo sobre tela, 1977,

Los jales, óleo sobre tela 1977,

Llanura paisaje con sembrado de zempazuchil (SIC) óleo sobre madera, 1977,

Ventanita iluminada, Técnica mixta, 1977

Los Mina, óleo sobre mayatex, 1978,

Paisaje con nubes, óleo sobre tela, 1978,

Mi jardín, óleo sobre tela, 1979,

Serranía, óleo sobre tela 1979,

Laderas, óleo sobre tela 1978-79,

Flores en blanco y amarillo, óleo sobre tela, 1980

El Charco, óleo sobre tela, 1980, Col. Fomento Cultural Banamex

El quelite colorado, óleo sobre tela 1980,

Casitas y casotas, óleo sobre tela, 1981,

Sin título, óleo sobre tela, 1981,

Manzanas, óleo sobre lino, 1981,

La casa negra, óleo sobre tela, 1981,

Geranios rojos, óleo sobre tela, 1981,

Casas azules, óleo sobre tela, 1981,

Árboles, óleo sobre tela, 1981,

La bola azul, plumil, 1981,

Vitral, óleo sobre tela y cartón, 1981

El jacalón azul, plumil, 1981

Casa azul, solución gráfica, crayón, 1981

Bosque, óleo sobre tela,1982,

Enredadera, óleo sobre tela, 1982,

Persianas primera versión, óleo sobre masonite, 1982

Tres naranjitas, óleo sobre tela, 1983

El volcán, óleo sobre tela, 1982

Naturaleza muerta con pirulíes, 1983

Paisaje, óleo sobre tela, 1983

Naturaleza muerta con cocos, 1987

Quebraplato azul, 1987

Retrato de Doña Luz Morado, sin fecha,

Fronda, óleo sobre tela,

Árbol en el pantano, óleo sobre tela, s/fecha,

Macetas colgantes, óleo sobre tela y madera,

Magnolia, óleo sobre cartón,

Árbol y flores del campo, óleo sobre tela 121 x 146, Col. del Banco de México

Corazón egoísta, óleo sobre tela, 67 x 73'

Danzante, óleo sobre masonite, 80 x 60.

Diseños geométricos, óleo sobre tela, 38 x 53.5 cm'

El Charco, óleo sobre tela, 120 x 145 Col. Banco Nacional de México

Flor de invierno, óleo sobre tela, sin fecha, 30 x 20 cm

Florero, óleo sobre tela, 35 x 22 cm

La Presa, óleo sobre tela, 120 x 50 cm Col. Banco de México.

Lavando en el río, gouache sobre papel 32 x 21 cm

https://es.wikipedia.org/wiki/Olga_Costa

 https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/12/pintores-mexicanos-olga-costa.html

https://museoblaisten.com/Obra/1806/Coraz-n-ego-sta

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Gwen John pintora

Autorretrato 

Gwendolen Mary John (Haverfordwest, 22 de junio de 1876 – Dieppe, 18 de septiembre de 1939) fue una artista galesa que trabajó en Francia durante la mayor parte de su carrera. Sus pinturas, principalmente retratos de mujeres anónimas, se representan en una gama de tonos estrechamente relacionados. Aunque su hermano Augustus John la eclipsó durante su vida, su reputación ha crecido constantemente desde su muerte.

Autorretrató 

Fue la segunda de los cuatro hijos deAugusta (nacida Smith) y Edwin William John y su esposa . El hermano mayor de Gwen era Thornton John; sus hermanos menores eran Augustus y Winifred.​  Su padre  era un abogado cuyo temperamento sombrío le daba escalofríos a su familia, y Augusta a menudo estaba ausente de los niños debido a su mala salud, dejando a sus dos hermanas, severas salvacionistas, para que ocuparan su lugar en la casa.​ Augusta era una acuarelista aficionada, y ambos padres alentaron el interés de los niños por la literatura y el arte.​ Su madre murió cuando ella tenía ocho años. 

Después de la muerte prematura de la madre en 1884, la familia se mudó a Tenby en Pembrokeshire, Gales, donde la educación temprana de Gwen y su hermana Winifred fue proporcionada por institutrices.​  Los hermanos a menudo iban a la costa de Tenby a dibujar. John dijo que ella hacía "dibujos rápidos de gaviotas, conchas y peces varados en pedazos de papel sueltos, o algunas veces en la portada del libro que estaba leyendo".​ Aunque pintó y dibujó desde una edad temprana, el primer trabajo de Gwen John se remonta a su decimonoveno año.

Una esquina de la habitación de la artista 

De 1895 a 1898, estudió en la Escuela de Arte Slade, donde el programa se inspiraba en los métodos de los talleres franceses.​ Era la única escuela de arte en el Reino Unido que permitía alumnas, aunque en general no había mezcla de hombres y mujeres en las clases o en los pasillos. Al igual que su hermano menor, Augustus, quien había comenzado sus estudios allí en 1894,​ estudió dibujo de figuras con Henry Tonks.​ Durante este período, ella y Augustus compartieron vivienda y redujeron aún más sus gastos al subsistir con una dieta de nueces y frutas.​ Ella desarrolló una relación cercana con la mujer que se convertiría en la esposa de su hermano, Ida Nettleship. En este momento, ella también tenía una relación con otro amigo de su hermano, Arthur Ambrose McEvoy, que resultó infeliz.​ Los buenos amigos también incluyeron a Ursula Tyrwhitt y Gwen Salmond.​ Gwen John ganó el Premio Melvill Nettleship para la Composición de Figuras en su último año en Slade.​

Se animaba a los estudiantes de Slade a copiar las obras de antiguos maestros en los museos de Londres. Las primeras pinturas de Gwen John, como Retrato de la Sra. Atkinson, Mujer joven con violín e Interior con figuras son obras intimistas pintadas en un estilo tradicional caracterizado por colores tenues y esmaltes transparentes.

Augustus admiró mucho el trabajo de su hermana, pero creyó que descuidaba su salud y la instó a que adoptara una "actitud más atlética ante la vida". Ella rechazó su consejo y demostró durante toda su vida un marcado desprecio por su bienestar físico.

En 1898 hizo su primera visita a París con dos amigos de Slade, mientras estudiaba con James McNeill Whistler en su escuela, la Académie Carmen. Regresó a Londres en 1899 y expuso su trabajo por primera vez en 1900, en el New English Art Club (NEAC). Sus circunstancias materiales eran pobres, y en 1900–01 vivió como una ocupante ilegal en un edificio abandonado.​

Dorelia in a Black Dress por Gwen John (1903-4)

En el otoño de 1903, viajó a Francia con su amiga Dorelia McNeill (que luego se convertiría en la segunda esposa de Augustus John). Al llegar a Burdeos, emprendieron un recorrido a pie con su equipo de arte en la mano, con la intención de llegar a Roma. Durmiendo en los campos y viviendo del dinero ganado en el camino mediante la venta de bocetos de retratos, llegaron hasta Toulouse. En 1904, las dos se fueron a París, donde Gwen encontró trabajo como modelo de artistas, principalmente para mujeres artistas. En ese mismo año, comenzó a modelar para el escultor Auguste Rodin, y se convirtió en su amante. Su devoción por el mucho más viejo Rodin, que era el artista más famoso de su época, continuó durante los siguientes diez años, como se documenta en sus miles de cartas fervientes para él. Rodin, a pesar de su genuino sentimiento por ella, finalmente recurrió al uso de conserjes y secretarios para mantenerla a distancia.

Durante sus años en París conoció a muchas de las principales personalidades artísticas de su tiempo, entre ellas Matisse, Picasso, Brâncuși y Rainer Maria Rilke​ pero los nuevos desarrollos en el arte de su tiempo tuvieron poco efecto en ella, y trabajaba en soledad.​ En 1910 encontró vivienda en Meudon, un suburbio de París donde permanecería por el resto de su vida. Cuando su relación con Rodin llegó a su fin, Gwen John buscó consuelo en el catolicismo.​ Sus cuadernos de la época incluyen meditaciones y oraciones; escribió sobre su deseo de ser "el pequeño artista de Dios".​ y de "convertirse en una santa"..​ En una carta de ca. 1912, escribió: "En cuanto a si tengo algo que valga la pena expresar, eso no está en cuestión. Puede que nunca tenga nada que expresar, excepto este deseo de una vida más interior "..​

La hermana 

Dejó de exponer en el NEAC en 1911, pero obtuvo un importante patrocinador en John Quinn, un coleccionista de arte estadounidense que, desde 1910 hasta su muerte en 1924, compró la mayoría de las obras que Gwen John vendió.​ El apoyo de Quinn liberó a John de tener que trabajar como modelo y le permitió dedicarse a su trabajo. Aunque participó en exposiciones con bastante regularidad, su perfeccionismo produjo en ella una marcada ambivalencia hacia la exposición. Escribió en 1911: "Yo pinto mucho, pero a menudo no consigo una imagen, eso requiere, para mí, un tiempo muy largo de mente tranquila, y nunca pensar en exposiciones".​ En 1913, una de sus pinturas se incluyó en el seminal Armory Show en Nueva York, que Quinn ayudó a organizar.​

Su actitud hacia su trabajo era a la vez modesta y segura. Después de ver una exposición de acuarelas de Cézanne, comentó: "Son muy buenas, pero yo prefiero las mías".

Hacia 1913, como una obligación para las Hermanas Dominicas de la Caridad en Meudon, comenzó una serie de retratos pintados de la Mère Marie Poussepin (1653–1744), la fundadora de su orden. Estas pinturas, basadas en una estampa de oración, establecieron un formato, la figura femenina en una postura sentada de tres cuartos, que se convirtió en característica de su estilo maduro.​ Pintó numerosas variantes en temas tales como Mujer joven con un vestido azul manchado, Chica sosteniendo un gato y La convaleciente. Las identidades de la mayoría de sus modelos son desconocidas.

En Meudon vivía en soledad, excepto por sus gatos. En una carta sin fecha, escribió: "Me gustaría ir a vivir a un lugar donde no conociera a nadie, hasta que sea tan fuerte que la gente y las cosas no pudieran afectarme más allá de la razón". Deseaba también evitar los lazos familiares ("Creo que la familia ha tenido su día. Ahora no vamos al Cielo en familias, sino uno por uno")​ y su decisión de vivir en Francia después de 1903 puede haber sido el resultado de su deseo de escapar de la personalidad abrumadora de su famoso hermano.​

John expuso en París por primera vez en 1919 en el Salón de Otoño, y expuso regularmente hasta mediados de la década de 1920, después de lo cual se volvió cada vez más recluida y pintó menos.​ Solo tuvo una exposición individual en su vida, en las Nuevas Galerías Chenil en Londres en 1926.​ En ese mismo año compró un bungaló en Meudon. En diciembre de 1926, angustiada por la muerte de su viejo amigo Rilke, conoció y buscó orientación religiosa de su vecino, el filósofo neotomista Jacques Maritain. También conoció a la cuñada de Maritain, Véra Oumançoff, con quien tuvo su última relación romántica, que duró hasta 1930.​

El último trabajo fechado de Gwen John es un dibujo del 20 de marzo de 1933, y ninguna evidencia sugiere que ella dibujara o pintara durante el resto de su vida.​ El 10 de septiembre de 1939, escribió su testamento y luego viajó a Dieppe, donde colapsó y fue hospitalizada. Murió allí el 18 de septiembre de 1939 y fue enterrada en el cementerio Janval.​ Según Paul Johnson en Art: A New History, "parece haber muerto de hambre" (pág. 675).

La Convaleciente (ca. 1923–24), una de las diez versiones que pintó de esta composición.

En 1916, Gwen John escribió en una carta: "Creo que una imagen debe hacerse en una sesión o como máximo dos. Para eso hay que pintar muchos lienzos y desecharlos".​ Su obra sobreviviente es comparativamente pequeña, con 158 pinturas al óleo conocidas​ que rara vez superan las 24 pulgadas de altura o anchura. La mayoría son retratos, pero también pintó bodegones, interiores y algunos paisajes. Escribió: "... un gato o un hombre, es lo mismo ... es un asunto de volúmenes ... el objeto no tiene importancia".​ Aunque vivió en Francia desde los 28 años hasta que murió, su trabajo siempre mostró una sensibilidad británica.

Sus pinturas tempranas, como el Retrato de la hermana de la artista, Winifred (ca. 1897–98) y Dorelia en un vestido negro (1903–04), están pintadas con esmaltes delgados a la manera tradicional de los antiguos maestros. Comenzando con su serie de pinturas de la Mère Poussepin (ca. 1913), su estilo se caracteriza por una pintura más gruesa aplicada en pequeños toques tipo mosaico.​ Se convirtió en su hábito pintar el mismo tema repetidamente. Sus retratos son generalmente de mujeres anónimas sentadas en un formato de tres cuartos, con las manos en sus piernas. Una de sus modelos, Jeanne Foster, escribió sobre John: "Ella me suelta el cabello y lo peina como si fuera suyo ... me hace sentar como lo hace, y siento la absorción de su personalidad cuando me siento".

El número de dibujos de John es de miles.​ Además del trabajo de estudio, hizo muchos bocetos y acuarelas de mujeres y niños en la iglesia. A diferencia de sus pinturas al óleo de mujeres solitarias, estos bocetos frecuentemente representan a sus sujetos por detrás y en grupos. También hizo muchos bocetos de sus gatos. Aparte de dos grabados que dibujó en 1910, no hizo impresiones.

Sus cuadernos y cartas contienen numerosas fórmulas personales para observar la naturaleza, pintar un retrato, designar colores mediante un sistema de números y otros similares. Su significado es a menudo oscuro, pero revelan la predilección de John por el orden y la influencia duradera de Whistler, cuya enseñanza enfatiza la preparación sistemática.

El arte de Gwen John, en su quietud y sus sutiles relaciones de color, contrasta con el trabajo mucho más vívido y asertivo de su hermano. Aunque alguna vez fue eclipsada por su hermano más popular, la opinión crítica ahora tiende a ver a Gwen como la más talentosa de los dos.​ El mismo Augustus había predicho este cambio, diciendo: "Dentro de 50 años seré conocido como el hermano de Gwen John".​

A lo largo de su vida, John se sintió atraída por personas de ambos sexos. 

La obra de Celia Paul nos acerca a su vida y sentimientos .

Legado

Los cuadros de John se encuentran en muchas colecciones públicas. Algunos de los mejores ejemplos se encuentran en el Museo Nacional de Cardiff y en la Tate Britain de Londres.

Still Lives, de Candida Cave, es una obra de tres mujeres sobre Gwen, Ida (esposa de Augustus John) y Dorelia (la amante de Augustus John).

Una novela de misterio artístico La escultura de Gwen John, de John Malcolm, presenta su estancia en Meudon, Francia y su relación con Rodin.

Un documental de S4C presentado por Ffion Hague sobre la vida de Gwen John incluyó el rodaje de la revelación de una placa conmemorativa a la artista en el cementerio Janval de Dieppe en 2015.

https://www.theneweuropean.co.uk/the-private-passions-of-gwen-john/

https://es.wikipedia.org/wiki/Gwen_John

https://artuk.org/discover/artworks/a-corner-of-the-artists-room-in-paris-116863

https://www.libreriale.es/libro/cartas-a-gwen-john_312756

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Catharine Macaulay historiadora inglesa

Catharine Macaulay (Olantigh, 23 de marzo de 1731 - Binfield, 22 de junio de 1791), también conocida como Catharine Graham y Catharine Sawbridge, fue una historiadora inglesa. Fue la primera mujer inglesa en convertirse en historiadora y durante su vida la única historiadora del mundo. ​

Catharine Macaulay fue hija de Elizabeth Wanley (fallecida en 1733) de Olantigh  y John Sawbridge (1699-1762) qu era un terrateniente de Wye, Kent, cuyos antepasados eran los terratenientes de Warwickshire . 

Fue educada en casa por una institutriz. En el primer volumen de su Historia de Inglaterra, Macaulay afirmó que desde una edad temprana fue una lectora prolífica, en particular de "aquellas historias que exhiben la libertad en su estado más exaltado en los anales de las Repúblicas romana y griega ... [ desde la infancia] la libertad se convirtió en objeto de un culto secundario ". ​ Sin embargo, este relato está en desacuerdo con lo que le dijo a su amigo Benjamin Rush, a quien se describió a sí misma como "una chica irreflexiva hasta los veinte años, momento en el que contrajo el gusto por los libros y el conocimiento al leer un extraño volumen de historia, que recogió en una ventana de la casa de su padre ". ​ También le dijo a Caleb Fleming que no sabía latín ni griego.

Poco se sabe sobre su vida temprana. En 1757, una erudita en latín y griego, Elizabeth Carter, visitó una función en Canterbury donde conoció a Macaulay, que entonces tenía 26 años. En una carta a un amigo, Carter describió a Macaulay como una "mujer muy sensible y agradable, y mucho más profundamente erudita de lo que se supone de una buena dama; pero entre las leyes espartanas, la política romana, la filosofía de Epicuro y el ingenio de St. . Evremond, parece haber formado un sistema de lo más extraordinario ". 

"Hubo una Historia de Inglaterra de Macaulay mucho antes de que se supiera de la de Lord Macaulay; y en su época era una historia famosa".

"Hubo una Historia de Inglaterra de Macaulay mucho antes de que se supiera de la de Lord Macaulay; y en su época era una historia famosa".

Robert Chambers, The Book of Days. Volume I (1864), p. 810.

Entre 1763 y 1783, Macaulay escribió, en ocho volúmenes, La historia de Inglaterra desde la adhesión de Jaime I a la de Brunswick Line . Sin embargo, al completar los últimos tres volúmenes, se dio cuenta de que no llegaría a 1714 y, por lo tanto, cambió el título a Historia de Inglaterra de la adhesión de Jaime I a la Revolución .  Siendo prácticamente desconocida antes de la publicación del primer volumen, de la noche a la mañana se convirtió en "la celebrada Sra. Macaulay ". 

La Historia es una historia política del siglo XVII. El primer y segundo volumen cubren los años 1603-1641; los volúmenes tres y cuatro cubren 1642-1647; el quinto volumen cubre 1648-1660; los volúmenes seis y siete cubren 1660-1683 y el último volumen abarca 1683-1689. Macaulay eligió este período porque, como escribió en el primer volumen, quería "hacer justicia ... a la memoria de nuestros ilustres antepasados". Lamentó que sus contemporáneos hubieran olvidado que los privilegios de los que disfrutaban habían sido luchados por "hombres que, con el riesgo e incluso la pérdida de la vida, atacaron las formidables pretensiones de la familia Stewart y alzaron las banderas de la libertad contra un tiranía que se había establecido durante una serie de más de ciento cincuenta años ".​

Creía que los anglosajones habían poseído libertad e igualdad con las instituciones representativas, pero que estas se perdieron en la conquista normanda. La historia de Inglaterra, en opinión de Macaulay, era la historia de la lucha de los ingleses para recuperar sus derechos que fueron aplastados por el "yugo normando". ​ Consideró a la Commonwealth de Inglaterra como "la época más brillante que jamás haya adornado la página de la historia". . . Nunca los anales de la Humanidad proporcionaron el ejemplo de un gobierno, tan recién establecido, tan formidable para los estados extranjeros como lo fue en este período de la Commonwealth inglesa ". ​ El Parlamento Largo fue "el gobierno más patriótico que jamás haya bendecido las esperanzas y los esfuerzos militares de un pueblo valiente". La lucha del ejército parlamentario "no fue un comercio de sangre, sino un ejercicio de principios y obediencia al llamado de la conciencia, y su conducta no sólo fue desprovista de insolencia, sino benevolente y humana".

Su visión de la Revolución Gloriosa de 1688 fue crítica. Reconoció que el Acuerdo Revolucionario limitaba el poder de la corona y había rechazado el "derecho hereditario irrenunciable" en favor de "un contrato con el pueblo" como base del poder de la monarquía. Sin embargo, también afirmó que los patriotas habían desatendido "esta justa oportunidad de cortar todas las prerrogativas de la corona" que habían "imputado justamente las calamidades y heridas sufridas por la nación". El Acuerdo de la Revolución no había logrado "admitir ninguno de esos refinamientos y mejoras que la experiencia de la humanidad les había permitido hacer en la ciencia de la seguridad política". 

Macaulay compartió el anticatolicismo de sus compañeros radicales. 

A lo largo de su Historia, Macaulay mostró preocupación por el carácter moral y la conducta de los sujetos. A sus ojos, el interés propio era la peor falta de la que era capaz un rey o un político. Criticó "su aparente devoción a la política para beneficio personal más que para el avance de la libertad". Su enfoque fue moralizador, ya que creía que solo un pueblo virtuoso podía crear una república. 

Los Whigs dieron la bienvenida a los primeros volúmenes de la Historia como una respuesta whig a la Historia "Tory" de Inglaterra de David Hume. ​ Sin embargo, en 1768, las relaciones entre ella y los Whigs se enfriaron y la abandonaran. 

Thomas Hollis registró en su diario (30 de noviembre de 1763) que "la Historia está escrita con honestidad, y con una habilidad y un espíritu considerables; y está llena de los sentimientos de libertad más libres y nobles". ​ Horace Walpole escribió a William Mason, citando con aprobación la opinión de Thomas Gray de que era "la historia de Inglaterra más sensata, no afectada y mejor que hemos tenido hasta ahora". ​

William Pitt elogió la Historia en la Cámara de los Comunes y denunció el sesgo conservador de Hume.  También aprobaron Joseph Priestley y John Wilkes . Alrededor de 1770, Lord Lyttelton escribió que Macaulay era "muy prodigiosa", con retratos de ella "en el mostrador de cada vendedor de impresiones". Había una figura de porcelana Derby de ella ​ y una de las primeras figuras de cera de tamaño natural de Patience Wright era de Macaulay. ​ James Burgh escribió en 1774 que Macaulay escribió "con el propósito de inculcar al pueblo británico el amor por la libertad y su país".  Los estadistas franceses Mirabeau, Jacques Pierre Brissot y el marqués de Condorcet admiraron la Historia como correctivo a Hume.  En 1798, el Ministerio del Interior francés recomendó la Historia en una lista de obras aptas para premios escolares. 

Macaulay también deseaba escribir una Historia de Inglaterra desde la Revolución hasta la actualidad, sin embargo, solo se completó el primer volumen (que cubre 1688-1733). 

Macaulay estuvo asociada con dos grupos políticos en las décadas de 1760 y 1770: los Real Whigs y los Wilkites. ​ Sin embargo, estaba más interesada en la polémica que en la estrategia cotidiana. ​ Fue partidaria de John Wilkes durante la controversia wilkesita de la década de 1760 y estuvo estrechamente asociada con la sociedad radical para los partidarios de la Declaración de Derechos. Ambos grupos querían reformar el Parlamento.

En 1790, Macaulay afirmó que en sus escritos solo se refería a la desigualdad política, insistió en que no estaba "argumentando contra esa desigualdad de propiedad que más o menos debe darse en todas las sociedades". 

Macaulay se opuso a la emancipación católica, criticando en 1768 a aquellos "que pretenden ser amigos de la Libertad y (por una afectación de pensamiento liberal) tolerarían a los papistas". ​ Consideró a la gente de Córcega como "bajo la superstición papista" y recomendó las obras de Milton para iluminarlos. 

Apoyó al exiliado corso Pasquale Paoli . ​ En su Bosquejo de una forma democrática de gobierno defendía un estado de dos cámaras (Senado y Pueblo). Ella escribió que "El segundo orden es necesario porque ... sin que el pueblo tenga suficiente autoridad para ser clasificado así, no puede haber libertad ". El pueblo debe tener derecho a apelar la decisión de un tribunal ante el Senado y el Pueblo. Además, debería haber una rotación de todos los cargos públicos para prevenir la corrupción. Se necesitaba una ley agraria para limitar la cantidad de tierra que un individuo podía heredar para evitar la formación de una aristocracia. Afirmó que debía haber "un poder desenfrenado alojado en alguna persona, capaz de la ardua tarea de establecer un gobierno así" y afirmó que este debería ser Paoli. Sin embargo, Paoli se distanció de Macaulay ya que su única preocupación era mantener el apoyo inglés a Córcega en lugar de intervenir en la política interna. 

Macaulay atacó los pensamientos de Edmund Burke sobre la causa del descontento actual. Ella escribió que contenía "un veneno suficiente para destruir toda la poca virtud y comprensión de la política sana que queda en la nación", motivado por "el principio corrupto del interés propio" de "la facción y el partido aristocráticos" cuya supremacía El objetivo era volver al poder. ​ Burke no había comprendido que el problema residía en la corrupción que tuvo su origen en la Revolución Gloriosa. El parlamento se redujo a "un mero instrumento de administración real" en lugar de controlar al ejecutivo. Macaulay abogó por un sistema de rotación de diputados y "un poder de elección más amplio e igualitario". ​

Ninguna de las obras históricas o políticas de Macaulay se refería a los derechos de las mujeres. En su apoyo a la reforma parlamentaria, no prevé otorgar el voto a las mujeres. ​ Ella estuvo fuertemente influenciada por las obras de James Harrington, especialmente por su creencia de que la propiedad era la base del poder político. 

Durante una visita a Francia en 1774 cenó con Turgot, quien le preguntó si quería ver el Palacio de Versalles . Ella respondió que "no tengo ganas de ver la residencia de los tiranos, todavía no he visto la de los Georges". 

Su último trabajo fue un panfleto que responde a las Reflexiones sobre la revolución en Francia de Burke (1790). Ella escribió que estaba bien que los franceses no hubieran reemplazado a Luis XVI, ya que esto habría complicado su tarea para garantizar la libertad. ​ Ella respondió al lamento de Burke de que la era de la caballería había terminado afirmando que la sociedad debería liberarse de las " falsas nociones de honor" que no eran más que una "barbarie sentimental metodizada". ​ Mientras que Burke apoyaba los derechos heredados de los ingleses en lugar de los derechos abstractos del hombre, Macaulay afirmó que la teoría de Burke de los derechos como obsequios de los monarcas significaba que los monarcas podían quitarles fácilmente los derechos que les habían otorgado. Solo reclamándolos como derechos naturales podrían asegurarse. La "presumida herencia de un inglés" que ella siempre había considerado como "una pretensión arrogante" porque sugería "una especie de exclusión del resto de la humanidad de los mismos privilegios".

Fue miembro de toda la vida de la Iglesia de Inglaterra, aunque su aparente libre expresión de opiniones religiosas heterodoxas conmocionó parte de su contemporaneidad y la llevó a acusaciones de infidelidad. ​ En su Tratado escribió que Dios era "omnipotente en el sentido más amplio de la palabra, y que sus obras y mandamientos" estaban "fundados en justicia y no en mera voluntad". El Tratado revela su optimismo sobre la humanidad y la creencia en el logro de la perfección en los individuos y la sociedad. ​ También afirmó que la razón, sin fe, era insuficiente y escribió sobre la necesidad de que la Iglesia se concentrara "en las doctrinas prácticas de la religión cristiana", como los poderes dados por Dios al hombre para mejorar su propia condición y reducir el mal. También rechazó la idea de una naturaleza humana inherente: "No hay una virtud o un vicio que pertenezca a la humanidad, que no hagamos nosotros mismos". 

Macaulay creía en la otra vida. Cuando cayó gravemente enferma en 1777 en París, le dijo a una amiga que la muerte no la asustaba porque no era más que "una breve separación entre amigos virtuosos" después de la cual se reunirían "en un estado más perfecto". 

Escribió en 1790 en sus Cartas sobre la educación, como lo hizo Mary Wollstonecraft dos años más tarde en Vindicación de los derechos de la mujer, que la aparente debilidad de las mujeres se debía a su mala educación. 

Ella estuvo asociada personalmente con muchas figuras destacadas entre los revolucionarios estadounidenses. Fue la primera radical inglesa en visitar América después de la independencia, permaneciendo allí del 15 de julio de 1784 al 17 de julio de 1785.  Macaulay visitó a James Otis y su hermana Mercy Otis Warren . Mercy escribió después que Macaulay era "una dama cuyos recursos de conocimiento parecen ser casi inagotables" y le escribió a John Adams que era "una dama de talento extraordinario, un genio imponente y brillantez de pensamiento".  Según el biógrafo de Mercy, Macaulay tuvo "una influencia más profunda en Mercy que cualquier otra mujer de su época". ​ Luego visitó Nueva York y conoció a Richard Henry Lee, quien luego agradeció a Samuel Adams por presentarle a "esta excelente dama". ​ Por recomendación de Lee y Henry Knox, Macaulay se quedó en Mount Vernon con George Washington y su familia. Posteriormente, Washington escribió a Lee sobre su placer al conocer a "una dama ... cuyos principios son tan admirados y con tanta justicia por los amigos de la libertad y la humanidad".

Últimos años

Según Mary Hays, a Macaulay "el general Washington le había proporcionado muchos materiales" para una historia de la Revolución Americana, pero que "por el estado de salud enfermizo" se lo impidió. Macaulay escribió a Mercy en 1787: "Aunque la historia de su gloriosa revolución tardía es lo que ciertamente debería emprender si fuera joven de nuevo, sin embargo, tal como están las cosas, por muchas razones debo rechazar tal tarea". 

Murió en Binfield en Berkshire el 22 de junio de 1791 y fue enterrada en la iglesia parroquial de Todos los Santos allí.

https://es.wikipedia.org/wiki/Catharine_Macaulay

https://allthingsliberty.com/2019/05/catharine-macaulay-englands-first-female-whig-historian-the-war-begins-1775/

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