Maria Leontina Mendes Franco da Costa pintora, grabadora, dibujante, vitralista y azulejista brasileña

 

Maria Leontina Franco de la Costa (São Paulo, 22 de julio de 1917 — Río de Janeiro, 6 de julio de 1984) fue una pintora, grabadora, dibujante, vitralista y azulejista brasileña, cuyo nombre es una referencia importante dentro de la pintura moderna brasileña.

En 1942 frecuentó el taller de Waldemar de la Costa y estableció contactos con artistas como Clóvis Graciano y Lothar Charoux, entre otros. En 1947 conoció al pintor Milton Dacosta, y se casaron. La unión duró 37 años, hasta la muerte de Maria Leontina. Milton Dacosta murió cuatro años después.

En 1952, gracias a una bolsa de estudios concedida por el gobierno francés, fue para Francia junto con su marido, y allí permanecieron por dos años. Participó en diversas bienales de São Paulo, varias exposiciones en Brasil y en otros países, en donde realizaba exposiciones individuales prácticamente todos los años.

 Inicialmente, su obra se basa en el figurativismo expresionista, pero se aproxima a la abstracción tras una estancia en París entre 1951 y 1952, época en la que frecuenta el estudio de Johnny Friedlaender (1912-1992). 

Reconocimientos

En 1960, en Nueva York, recibió el premio nacional de la Fundación Guggenheim y, en 1975, 

Premio de pintura de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo (APCA).

https://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Leontina_da_Costa

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/10/pintores-brasilenos-maria-leontina.html

https://pinacoteca.org.br/es/programacao/exposicoes/maria-leontina-da-forma-ao-todo/

https://www.arteinformado.com/guia/f/maria-leontina-mendes-franco-da-costa-41675

https://web.archive.org/web/20161023200442/http://enciclopedia.itaucultural.org.br/es/pessoa8721/maria-leontina

Leer más...

Alice Soares pintora, y diseñadora brasileña

Alice Soares (Uruguayana, 17 de julio de 1917 — Porto Alegre, 21 de marzo de 2005) fue una pintora, y diseñadora brasileña.

Su contacto con el arte, comenzó en la infancia, alentada por sus padres, que le traían papel y bocetos como distracción. Se diplomó en pintura en 1943, y en la especialidad de escultura en 1945, por el "Instituto de Artes" de la Universidad Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS). En ese mismo año de su graduación, comenzó a enseñar en el Instituto de Artes y, en abril de 1980 recibió el título de "profesora emérita" de la UFRGS.

La búsqueda de la mejora fue un objetivo constante en la trayectoria de esta diseñadora y pintora. Realizó un curso de cerámica con Wilbur Olmedo, grabado en metal con Iberê Camargo, y otro curso con Horácio Juárez, en Buenos Aires. Participó de la 1ª Bienal de São Paulo a inicio de los años 1950, y realizó muestras individuales de pinturas y de diseños en el Museo de Arte de Rio Grande do Sul, en 1959. Participó de salones,​ y conquistó varios premios.

En la mayor parte de su vida, trabajó en el estudio que compartía con su amiga, también pintora Alice Brueggemann. En más de 60 años de dedicación al arte, "las niñas" fueron el tema constante de su obra.

Reconocimientos

En 2003, Alice Soares recibió el Premio Líderes & Vencedores, en la categoría Expresión Cultural, ofrecido por la Asamblea Legislativa de Rio Grande do Sul.

Publicaciones

ALICE BRUEGGEMANN, ALICE SOARES, CRISTINA BARTH MORÉ, MARISA VEECK, ANA ALBANI DE CARVALHO, BLANCA BRITES. 1998. Alice Brueggemann & Alice Soares. Editor Galería de Arte Mosaico, 64 pp.

https://es.wikipedia.org/wiki/Alice_Soares

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/09/pintores-brasilenos-alice-soares.html

https://acervo.macrs.rs.gov.br/artistas-macrs/alice-soares/

Leer más...

Beatriz Milhazes artista brasileña

Beatriz Milhazes (Río de Janeiro, 1960) es una artista brasileña, conocida por su trabajo que expone imágenes culturales brasileñas y referencias a pinturas modernistas occidentales.

Beatriz Milhazes es una pintora y artista brasileña de collage, es conocida por sus grandes obras y exhibiciones. Se le ha catalogado como “la pintora más exitosa de Brasil”.​ Ha trabajado en el Jardín Botánico de Río de Janeiro desde entonces atendiendo el Parque Lage, escuela de arte en el borde del bosque Tijuca. Entre la escuela de arte y su estudio actual Milhazes alquiló un espacio de estudio con otros artistas de su clase en un intento de empezar una carrera

Milhazes es  hija de una historiadora de arte y de un abogado .  Estudió comunicación social en la Faculdades Integradas Hélio Alonso (FACHA), Río de Janeiro, de 1978 a 1981 y estudió en la Escuela de Artes visuales (Escola de Artes Visuais (EAV)), de Parque Lage, Río de Janeiro de 1980 a 1982.​

Milhazes ha tenido exhibiciones individuales y grupales en una gran cantidad Museo de Arte Moderno y el Musée d'Arte Moderne de la Ville de París. De 4 al 21 de julio de 2009, el Fondation Cartier verter l'arte contemporain en París presentó una exposición importante de su trabajo.

Las pinturas de Milhazes son colecciones permanentes en muchos museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno, el Guggenheim, el Museo Metropolitano de Arte, el Banco Itaú, y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sof

En la técnica de Milhazes se puede encontrar un estilo predominantemente que realza con el principio de collage, dibujando con una mezcla combinada de ambas tradiciones latinoamericanas y europeas.​ La mezcla cultural de su Brasil nativo es algo de lo que Milhazes es consciente y en algún grado comunica en sus pinturas junto a una notoria expresión del movimiento modernista brasileño.​ Muchas otras influencias provienen de su fascinación propia con las artes decorativas, moda, y geometría. Milhazes ha descrito su trabajo propio al decir “ pienso de mi trabajo como geométrico, aun así no puedo poner todo en un cuadrado o un círculo.” Su proceso desarrollado del arte que hace se desarrolló durante su extensa investigación de imprimir procesos en la década de 1980s.

 En sus palabras propias Milhazes compara su proceso al de clase trabajadora, diciendo “digo mis amigos que soy como un trabajador de banco...Vengo al estudio cinco días a la semana a hacer mi trabajo. Presto atención a los detalles e intento no hacer equivocaciones”.

Milhazes cree que el arte es una manera esencial para personas a estetizar y exteriorizar sus pensamientos y sentimientos.8​ Su trabajo a menudo sirve como una exploración del concepto de conflicto. Llenado con formas y colores intensos, su trabajo sirve para inspirar un diálogo fuerte así como “movimientos de ojo desafiante sobre belleza fácil.”​ Milhazes También dibuja sus influencias de muchos otros artistas hembra como Sonia Delaunay, Georgia O'Keefe, y Elizabeth Murray. Milhazes ha citado en ocasiones el canon de la historia Brasileña como “Celebrando en esta celebración a las mujeres artistas como ella.”

Temáticamente, el trabajo de Beatriz Milhazes ha sido descrito por  la crítica como “abstracto, aun así habiendo algo nuevo que ofrecer.” Esta descripción es algo que cree que conlleva a las personas a adentrarse en su estilo, especialmente a aquellas de una audiencia Occidental. Su trabajo es conocido por contener muchas referencias al folk brasileño, y puede ser interpretado como particularmente complejo.​ Estas referencias, aparentes en muchos de los colores vibrantes y formas, es a menudo asociado con la parte más pobre de la población y es generalmente pensado de poco interés a las clases superiores o intelectuales. Estas referencias hoy en día han cambiado en su significado, puesto que la élite social ha prestado principal importancia a ellos —la importancia de ser brasileño y tener arte brasileño. Encontrando la idea de una contradicción fascinante, es otro factor que influenciasel resultado de su arte.

Su instalación Gamboa II por ejemplo, estaba fuertemente influenciada por carnavales presentes en su país nativo, Brasil, el cual incluye baile, trajes y desfiles. Estos elementos son evidentes en el trabajo con sus colores brillantes que también abraza un estilo femenino al trabajo.

Inspirada por el arquitecto de paisaje Roberto Burle Marx y la artista Beatriz Milhazes, creó Gamboa II, una instalación suspendida del techo en el Museo judío en NYC en mayo del 2016 a mediados hasta septiembre de 2016.

https://www.artnexus.com/es/magazines/article-magazine-artnexus/604a71da192a39bd2cb47857/106/beatriz-milhazes

https://conchamayordomo.com/2023/02/14/beatriz-milhazes/

https://es.wikipedia.org/wiki/Beatriz_Milhazes

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2015/06/pintores-brasilenos-beatriz-milhazes.html

Leer más...

Bertha Worms pintora franco-brasileña

Bertha Worms - Auto-retrato 1893

Anna Clémence Bertha Abraham Worms (26 de febrero de 1868 - 27 de junio de 1937) fue una profesora de arte y pintora de escenas de género y retratos brasileña nacida en Francia .

 Berta nació en Uckange, en la región francesa de Mosela, en una familia judía. A los trece años comenzó a pintar y se matriculó en la École des Beaux-Arts de París . A los diecisiete años obtuvo el título de profesora de dibujo en el Ministerio de Instrucción Pública y enseñó en las escuelas comunales.

En 1892 se casó con Fernando Samuel Worms, un cirujano dentista brasileño . Ella lo acompañó cuando regresó a Brasil y vivió en el sur del país durante dos años. En 1894 se instalaron en São Paulo , donde ella estableció un curso de dibujo y pintura; organizando exposiciones anuales para sus alumnos.

En 1895, tuvo una importante exposición en el Salão Nacional de Belas Artes de Río de Janeiro , ganando una medalla de oro. En 1911 participó de la primera Exposição Brasileira de Belas Artes, realizada en la Escuela de Artes y Oficios de São Paulo , aportando tres obras. En 1922 presentó varias obras en la Comemorativa do Centenário da Independência, celebrada en el Palácio das Indústrias de São Paulo. Al año siguiente, realizó una exposición conjunta con su hijo, el pintor y escultor Gastão Worms  .

Se destacó en el retrato captando características psicológicas de sus personajes. En sus pinceladas destacaban los trazos amplios, que buscaban precisión y una expresión clara en sus pinturas, en las que prefería usar colores en tonos de amarillo, ocre y marrón

Murió el 27 de junio de 1937 en São Paulo.

Canción sentimental, 1904

https://en.wikipedia.org/wiki/Bertha_Worms

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/08/pintores-brasilenos-bertha-worms.html

https://pt.wikipedia.org/wiki/Lista_de_pinturas_de_Bertha_Worms

Leer más...

Anna Maria Maiolino artista

Anna Maria Maiolino (Scalea, Calabria, 20 de mayo de 1942) es una artista , escultora, pintora, grabadora y diseñadora ítalo-brasileña.

En 1954, siendo todavía una niña, se trasladó con su familia a Caracas, Venezuela.​

Cuando contaba 18 años de edad se instaló en Río de Janeiro; adquirió la nacionalidad brasileña ocho años más tarde, en 1968. A partir de ese año viajó a Nueva York, donde estudió diseño textil en el International Pratt Graphics Center.

En la década de 1970 estuvo vinculada a la experimentación fílmica, mediante la elaboración de cortometrajes con cámara de Super-8. En 1973 participó en París, Francia, en el Festival Internacional de Cine de Super-8. Al año siguiente obtuvo el primer premio en el Primer Festival de Cine de Super-8, de Curitiba, con la cinta titulada In-Out, Antropofagia. Este premio le colocó en la vanguardia de éste medio artístico, siendo seleccionada para el evento Canival, desarrollado en el MoMA de Nueva York. También en 1974 regresó al Festival Internacional de Cine de Super-8 de París, presentado aquel año en el Espacio Cardin.

Vinculada al cortometraje, en 1976 participó en el 2.º Festival Nacional de Brasil de Cortometrajes, celebrado por la Alianza Francesa de Brasil en su localidad de residencia, Río de Janeiro; ese mismo año también participó en la V Jornada de Cortometraje brasileño celebrada en Salvador de Bahía.

En 1982 expuso en la Fundación Andrés Bello ( muestra O. V. Objetos Voadores, Si Identificados) de Caracas y en el evento Millennium, Film Workshop de Nueva York.1

Reconocimeintos

  En 1971 premio  del Primer Festival de Cine de Super-8, de Curitiba

En la década de 1990 recibió diferentes premios del Brasil, como el Mário Pedrosa de 1990, concedido por la Asociación Brasileira de Críticos de Arte - ABCA - como mejor exposición de 1989. También el Premio da APCA de 1994, a la mejor exposición de 1993, titulada Um, Nenhum, Cem Mil, por su investigación en los límites del lenguaje.1​

En 2012 ha presentado su obra en la 13 documenta de Kassel.

https://universes.art/es/bienal-venecia/2024/anna-maria-maiolino

https://museutapies.org/es/exposicio/anna-maria-maiolino/

https://www.artforum.com/events/anna-maria-maiolino-2-237748/

Leer más...

Niède Guidon arqueóloga brasileña

Niède Guidon ( Jaú , 12 de marzo de 1933 - São Raimundo Nonato , 4 de junio de 2025 ) fue una arqueóloga brasileña , conocida por su labor al frente del Parque Nacional de la Sierra da Capivara , en el estado de Piauí .   

Licenciada en historia natural por la Universidad de São Paulo , trabajaba en el Museo Paulista , cuando en 1963 conoció el yacimiento arqueológico de São Raimundo Nonato en Piauí . Se especializó en arqueología prehistórica en La Sorbona y obtuvo el doctorado en la Universidad de París I .

Desde 1973 trabajó en la Misión Arqueológica Francobrasileña, en Piauí . En 1978 solicitó al gobierno brasileño la creación del Parque Nacional de la Sierra da Capivara , creado definitivamente en 1990, en el territorio donde consolidó sus investigaciones arqueológicas durante tres décadas. Desde 1988 fue patrocinada por el IBAMA (Instituto Brasileño del Medio Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables), que en 1991 la designó coordinadora del Plan de Manejo del Parque, que efectuó con la participación activa de las comunidades de la zona. Niède se convirtió en responsable de preservación, desarrollo y administración.

Ha sido la jefa de arqueología de este parque, donde ella y sus colegas han descubierto unos 800 lugares prehistóricos relacionados con las posibles primeras ocupaciones humanas en Sudamérica . Este parque es un área protegida por la Unesco .

Sus contribuciones a la arqueología y a la comunidad brasileña son ampliamente reconocidas. Sus excavaciones y hallazgos la hicieron partidaria de la teoría del poblamiento temprano de América . En 1986 publicó un artículo en la revista Nature , en la que sostiene haber descubierto en el sitio de Piedra Furada objetos fabricados por el ser humano que podrían tener 32.000 años.  La antigüedad y la fabricación humana (artefactos) o natural (geofactos) de los objetos hallados ha sido objeto de una intensa polémica en la que han participado muchos expertos. Por su parte, su equipo de arqueólogos tomó 35.000 imágenes que se han publicado en revistas, libros y vídeos.

Niède consideraba que las posibilidades de preservación de los yacimientos arqueológicos serían mínimas si la población local no estuviera informada sobre lo que significan para el país y para la humanidad. Por eso creó en 1986 la Fundación del Museo del Americano con el objetivo de fomentar la educación y la participación de las comunidades locales, basada en numerosos centros de base que ofrecen servicios públicos, atención médica y educación sobre ecología , prehistoria , conservación y restauración de yacimientos arqueológicos . Esta fundación tiene desde 2002 un convenio con el IBAMA para la gestión del parque. También ha trabajado en proyectos para construir o ampliar escuelas. Su esfuerzo por conservar el Parque Nacional Sierra de Capivara ha tenido éxito, aunque recientemente ha sido amenazada en represalia por la prohibición de la caza comercial. 

También ayudó a fundar y consolidar una empresa para producir y comercializar cerámicas ( Grupo Cerámica Artesanal Serra da Capivara ) que se ha convertido en una empresa de mujeres que además contribuye al bienestar de los niños. 

En 2005, Niède recibió el premio Príncipe Claus , que se otorga a personas u organizaciones que han proporcionado mayores esperanzas de un futuro mejor. Se jubiló en 2006, a la edad de 73 años, pero continuó dirigiendo excavaciones y trabajando por el desarrollo integral de Brasil.

 

 https://www.nytimes.com/2025/06/10/science/niede-guidon-dead.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Ni%C3%A8de_Guidon

https://www.facebook.com/photo?fbid=10161876964472639&set=pcb.10161876964532639

Leer más...

Ana Cristina Cesar poeta y traductora brasileña

Ana Cristina Cruz Cesar (Río de Janeiro, 2 de junio de 1952 - ibídem, 29 de octubre de 1983) fue una poeta y traductora brasileña. Es considerada uno de los nombres más importantes en la generación del mimeógrafo de la década de 1970 y su nombre es a menudo vinculado con el movimiento de la Poesía Marginal.

Hija de la profesora de francés y latín Maria Luiza Cruz y del sociólogo y periodista Waldo Aranha Lenz-Cesar , Ana Cristina nació en una familia culta y protestante de clase media. Tuvo dos hermanos: Flavio Lenz-Cesar, periodista y activista de la prostitución y los derechos sexuales, y Felipe Lenz-Cesar, activista de la protección del medio ambiente.

Incluso antes de recibir educación formal, le dictaba poemas a su madre a la edad de seis años, los que comenzaron a publicarse en 1959 en algunas revistas.​ En 1969, Ana Cristina viajó a Inglaterra de intercambio y pasó un tiempo en Londres, donde tuvo contacto con la literatura inglesa. A su regreso a Brasil, ingresó a la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro (PUC-RJ) a los diecinueve años; además, trajo consigo textos de Emily Dickinson, Sylvia Plath y Katherine Mansfield, los que se dedicó a traducir.

Ana Cristina Cesar comenzó a publicar poemas y textos de prosa poética en la década de 1970 en colecciones, revistas y periódicos alternativos. Sus primeros libros, Cenas de Abril y Correspondência Completa, se publicaron en editoriales independientes. Paralelo a la escritura de poemarios, Ana Cristina también se dedicó a la investigación literaria, realizó una maestría en comunicaciones en la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFRJ), viajó nuevamente a Inglaterra con el fin de cursar una maestría en traducción literaria en la Universidad de Essex en 1980; a su regreso a Río, publicó Luvas de Pelica (1980) que escribió en Inglaterra y A teus pés (1982). En sus obras, Ana Cristina César tiene una delgada línea entre la ficción y la autobiografía.7​8​9​10​

A la edad de treinta y un años se suicidó, arrojándose por la ventana del departamento de sus padres, en el octavo piso de un edificio de la calle Tonelero en Copacabana.​ Armando Freitas Filho, poeta brasileño, era su mejor amigo, y fue a él a quien dejó la responsabilidad de cuidar sus publicaciones póstumas. Los escritos personales de la autora están bajo la tutela del Instituto Moreira Salles. Su poesía completa fue publicada por Companhia das Letras en 2013. En el 2016, la Feria del Libro de Paraty, en Brasil, fue dedicada a su vida y obra.

Poesía

A Teus Pés (1982).

Luvas de pelica (1980).

Inéditos e Dispersos (1985).

Novas Seletas (póstumo, editado por Armando Freitas Filho).

Poética (póstumo, 2013)

Crítica

Literatura não é documento (1980)

Crítica e Tradução (1999) (2016)

Otros

Correspondência Incompleta

Escritos no Rio (póstumo, editado por Armando Freitas Filho).

Escritos em Londres (póstumo, editado por Armando Freitas Filho).

26 Poetas Hoje (antología de Heloísa Buarque).

Ediciones en español

Forma sin norma. Antología poética, traducción de Ángel Guinda (Olifante Ediciones de Poesía, Zaragoza, 2006).

https://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Cristina_Cesar

https://revistamarieclaire.globo.com/Cultura/noticia/2022/06/cartas-apaixonadas-de-uma-ana-c-aos-17-revelam-amor-e-formacao-da-poeta.html

http://amediavoz.com/cesar.htm

Leer más...

Ana María Pacheco escultora, pintora y grabadora brasileña

Ana María Pacheco (17 de abril de  1943) es una escultora, pintora y grabadora brasileña. Su trabajo está influenciado por su herencia brasileña y, a menudo, se centra en temas sobrenaturales, incorporándolos en las narrativas que se desarrollan dentro de su trabajo.  El trabajo de Pacheco se ha exhibido en galerías a nivel internacional y ha ganado múltiples premios a lo largo de su carrera. 

Pacheco nació en Goiás, Brasil.  Mientras vivía en Brasil, estudió Escultura y Música en la Pontificia Universidad Católica de Goiás y en la Universidad Federal de Goiás .  Posteriormente realizó un posgrado en Música y Educación en la Universidad Federal de Brasil en Río de Janeiro. Más tarde enseñó y dio conferencias en estas instituciones antes de mudarse a Londres en 1973 para estudiar en la Slade School of Art con una beca del British Council.  Entre 1985 y 1989, Pacheco fue la primera mujer directora de Bellas Artes de la Escuela de Arte de Norwich . 

El trabajo de Pacheco comúnmente se centra en viajes, a menudo con temas que exploran la fantasía y lo sobrenatural.  Los ejemplos habituales incluyen leyendas brasileñas , mitología , misticismo cristiano y sátira medieval .  Sus obras de arte representan narrativas que el espectador descubre a través de su experiencia de mirar, jugando específicamente con su curiosidad para despertar su interés e imaginación.  Su obra es también una reflexión sobre la humanidad, explicando que su "arte nos muestra lo vulnerables que somos".  Afirma que su mayor influencia es O Aleijadinho . 

Pacheco es mejor conocida por sus grupos de esculturas policromadas de múltiples figuras talladas en madera. Por lo general, se exhiben como piezas de instalación e incluyen Man and his Sheep ( Museo y galería de arte de Birmingham ) y Dark Night of the Soul (1999), creadas durante su residencia en la National Gallery de Londres como respuesta a El martirio de San Sebastián de los hermanos Pollaiuolo . 

Pacheco (con un equipo de dos ayudantes) produjo una gran figura en piedra caliza amarilla para el Festival Nacional de Jardines de Stoke-on-Trent de 1986. 

Pacheco fue el primer artista asociado escultor en la National Gallery de Londres entre 1997 y 2000.  La exposición Ana María Pacheco: New Painting and Sculpture realizó una gira por el Reino Unido después de exhibirse en la National Gallery del 29 de septiembre de 1999 al 9 de enero de 2000. 

Be Aware 1 

En 2015, el trabajo de Pacheco se exhibió en cuatro exposiciones simultáneas en lugares de Norwich.  Las exposiciones fueron comisariadas por Keith Roberts para la Sociedad de Arte Contemporáneo de Norfolk en asociación con Pratt Contemporary.  Las exposiciones se exhibieron en The GALLERY, Norwich University of the Arts , Norwich Cathedral , Norwich Castle Museum & Art Gallery y The Cathedral of St John the Baptist . Al hablar de las exposiciones, Roberts dijo: "El arte de Ana abarca temas amplios y duraderos; la violencia, los viajes, la muerte, el amor, la transformación y la metamorfosis reflejan su gran seriedad, pero al mismo tiempo su trabajo no es ni pomposo ni carente de humor. " 

Be Aware  5

Dispersing the Night fue una exposición en la Catedral de Salisbury comisariada por Jacquiline Creswell en asociación con Pratt Contemporary que incluía el trabajo de Pacheco.  La exposición se inauguró el 23 de julio de 2017. Fue en esta exposición donde se mostró públicamente por primera vez la obra de Pacheco Be Aware .  Sobre la exposición, Creswell dijo: '"El tema de la exposición es la esperanza, una actitud optimista y una firme creencia en el lado positivo de la naturaleza humana junto con su poder para expulsar la oscuridad de nuestras vidas... El trabajo de Ana María nos hace conscientes de nuestra vulnerabilidad e ilumina nuestra humanidad. Nos permite reflexionar sobre la forma en que nosotros, los seres humanos, frágiles y valientes, afrontamos nuestro viaje de la vida, sus muchas contradicciones y dimensiones de la realidad: la imperfección de la existencia". ' 

In Illo tempore

 Reconocimientos 

Recibió la Orden de Rio Branco del gobierno brasileño en 1999.

 En 2002, el Senado de la Universidad de East Anglia la nombró Doctora Honoris Causa en Filosofía en colaboración con la Escuela de Arte de Norwich.  

Fue nombrada miembro del University College London en 2003. 

https://www.anamariapacheco.co.uk/be-aware-2017-2022

https://en.wikipedia.org/wiki/Ana_Maria_Pacheco

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2014/01/pintores-brasilenos-ana-maria-pacheco.html

Leer más...

Yara Bernette pianista

Bernette Epstein, más conocida como Yara Bernette ( Boston , 14 de marzo de 1920 – São Paulo , 31 de marzo de 2002 ) fue una pianista brasileña nacida en Estados Unidos.

A los 6 meses Yara se mudó a Brasil, llevada por su familia, de origen ruso , y allí se naturalizó.  A los 6 años comenzó a estudiar piano con su tío José Kliass, quien fue alumno de Martin Krause, alumno a su vez de Franz Liszt . A los 11 años, Yara ya debutaba en el Teatro Municipal de São Paulo , en un concierto infantil.

Su debut profesional se produciría a los 18 años, con la Orquesta Sinfónica Municipal de São Paulo . Cuatro años más tarde estaría actuando en el Town Hall, de Nueva York , bajo el estímulo de Arthur Rubinstein y Claudio Arrau . 

Fue el comienzo de su carrera internacional. Pronto, todavía en la década de 1940 , vendrían temporadas en Estados Unidos y Canadá , además de Brasil y América Latina . En 1955 , debutó en Europa , interpretando las Bachianas n.º 3 , de Heitor Villa-Lobos , como solista de la Orquesta del Conservatorio de París , dirigida por el propio compositor.

Pronto vinieron conciertos en Viena , Amsterdam y Londres , donde recibiría la medalla Arnold Bax Memorial, como mejor intérprete contemporáneo. En 1958, Yara actuó como solista con la Orquesta Filarmónica de Berlín , en el Festival Brahms de Berlín , dirigida por Karl Böhm . 

Aclamada por la crítica y solicitada para presentaciones en varios países, Yara comenzó a dedicarse a la enseñanza de la música. En 1972 , fue elegida, entre 130 candidatos de todo el mundo, para ser directora de la cátedra de piano de la Escuela Superior de Música y Arte Dramático de Hamburgo, Alemania .

Todavía en los años 1970 ,  por encargo de Deutsche Grammophon , Yara se convirtió en el primer pianista en grabar los Preludios op. 23 y 32 de Sergei Rachmaninoff , consideradas las composiciones para piano más difíciles. Gran parte del trabajo de Yara, sin embargo, plasmado en numerosas grabaciones principalmente para la radio alemana , permanece inédito en su país.

Sólo en 1995 (debido al descontento con la calidad de las grabaciones en Brasil), Yara grabó su primer álbum en el país, que contiene sólo bises (piezas cortas, generalmente interpretadas como "bises" en recitales). Hay 19 temas, que incluyen: Mazurka op. 7 nº 3 , de Frédéric Chopin ; El pájaro profeta , de Schumann ; Preludio op. 32 nº 12 , de Rajmáninov; La Terrasse des Audiences du Clair de Lune , de Claude Debussy , y O Polichinelo , de Villa-Lobos.

En 1955, tuvo una breve participación en el cine brasileño, doblando las actuaciones de la pianista Sílvia ( personaje de Tônia Carrero ), de la película Appassionata .

Yara murió a la edad de 82 años, de un infarto de miocardio , en São Paulo.

https://pt.wikipedia.org/wiki/Yara_Bernette

Leer más...

Soledad Barrett compatriota de tres o cuatro pueblos

Soledad Barrett Viedma (Paraguay, 6 de enero de 1945 — Olinda, Pernambuco, 8 de enero de 1973​) fue una militante comunista paraguaya, que vivió en Brasil y fue parte de la Vanguardia Popular Revolucionaria (VPR).

Soledad Barrett fue, nieta del escritor y anarquista español Rafael Barrett. La hermana de Soledad, Nanny Barrett relata que su padre y su abuelo fueron perseguidos por sus ideas políticas. Cuando Soledad Barrett tenía 3 meses, su familia tuvo que huir a Argentina, país donde pasaron cinco años. Luego volvieron a Paraguay. Pasó su adolescencia como una joven inquieta, comenzando a militar en grupos políticos, como los “gorriones”, quienes estaban vinculados al Frente Juvenil-Estudiantil de Asunción y al FULNA.

Más tarde, tienen que emigrar nuevamente por la dictadura, pero esta vez a Montevideo, Uruguay. En ese país también destacó en la danza folclórica y el canto, convirtiéndose en símbolo de la juventud paraguaya, acudiendo constantemente a actos en solidaridad de su país natal. Pero el 6 de julio de 1962, cuando tenía 17 años, fue secuestrada en un automóvil por un comando nazi uruguayo, quienes, le marcaron los muslos una cruz esvástica con una navaja por negarse a repetir la consigna: "¡Viva Hitler! ¡Abajo Fidel!"; esto, porque dichos grupos asociaban el 'antisemitismo' con el antisocialismo, y Barrett tenía ascendencia judía por parte de su madre.En el barrio del Reducto, en Montevideo, Soledad es recordada.

En esta época, Soledad viaja a Moscú a la Escuela del Komsomol por un año. Posteriormente se radica en Argentina militando en el Partido Comunista Paraguayo. En 1967 decide viajar a Cuba, en donde recibió un entrenamiento guerrillero, y también fue en ese lugar donde conoció a su pareja sentimental, el brasileño José María Ferreira de Araujo, con quien se casó y tuvo una hija, a quien llamaron Ñasaindy (claro de luna en guaraní).

En julio de 1970, José María volvió a Brasil para unirse a la lucha armada, pero ese mismo año fue capturado y asesinado por militares oficialistas. Soledad no se enteró de la muerte de su esposo hasta 1971, cuando se dispuso a buscarlo. Ante esta noticia, decide integrarse a la guerrilla brasileña para derrocar a la dictadura junto a la Vanguardia Popular Revolucionaria (VPR). La VPR la envió a Recife con otros combatientes. En ese lugar conoció a José Anselmo dos Santos, "el cabo Anselmo", pero con el nombre de Daniel, quien había militado junto a su esposo y también antiguo conocido en Cuba.

Soledad Barrett fue delatada por el cabo Anselmo el 8 de enero de 1973, junto otros miembros de la VPR,. Según la Policía, habían fallecido en un enfrentamiento en una granja, en lo que suele denominarse 'La masacre de la Chacra de São Bento', pero realmente fueron detenidos por separado en lugares diferentes en Olinda y luego asesinados.​ En ese sitio, en São Bento, municipio de Abreu e Lima, cerca de Recife, fueron encontrados sus cuerpos.

El cuerpo de Soledad Barrett no fue entregado y aun no se conoce su paradero. Tenia 28 años .

El poeta Mario Benedetti la retrata así en sus versos:

MUERTE DE SOLEDAD BARRETT

Viviste aquí por meses o por años

trazaste aquí una recta de melancolía

que atravesó las vidas y las calles

hace diez años tu adolescencia fue noticia

te tajearon los muslos porque no quisiste

gritar viva hitler ni abajo fidel

eran otros tiempos y otros escuadrones

pero aquellos tatuajes llenaron de asombro

a cierto uruguay que vivía en la luna

y claro entonces no podías saber

que de algún modo eras

la prehistoria de Ibero

ahora acribillaron en recife

tus veintisiete años

de amor templado y pena clandestina

quizá nunca se sepa cómo ni por qué

los cables dicen que te resististe

y no habrá más remedio que creerlo

porque lo cierto es que te resistías

con sólo colocárteles en frente

sólo mirarlos

sólo sonreír

sólo cantar cielitos cara al cielo

con tu imagen segura

con tu pinta muchacha

pudiste ser modelo

actriz

miss paraguay

carátula almanaque quién sabe cuántas cosas

pero el abuelo rafael el viejo anarco

te tironeaba fuertemente la sangre

y vos sentías callada esos tirones

soledad no viviste en soledad

por eso tu vida no se borra

simplemente se colma de señales

soledad no moriste en soledad

por eso tu muerte no se llora

simplemente la izamos en el aire

desde ahora la nostalgia será

un viento fiel que hará flamear tu muerte

para que así aparezcan ejemplares y nítidas

las franjas de tu vida

ignoro si estarías

de minifalda o quizá de vaqueros

cuando la ráfaga de pernambuco

acabó con tus sueños completos

por lo menos no habrá sido fácil

cerrar tus grandes ojos claros

tus ojos donde la mejor violencia

se permitía razonables treguas

para volverse increíble bondad

y aunque por fin los hayan clausurado

es probable que aún sigas mirando

soledad compatriota de tres o cuatro pueblos

el limpio futuro por el que vivías

y por el que nunca te negaste a morir

http://elmuertoquehabla.blogspot.com.es/2010/01/recordando-soledad-barrett.html

http://elmuertoquehabla.blogspot.com.es/2011/01/soledad-barret-lleno-de-asombro-un.html
http://www.eleditor.net/mundo-del-crimen/soledad-barrett-una-vida-dedicada-a-la-liberacion-de-america-latina/

https://es.wikipedia.org/wiki/Soledad_Barrett_Viedma

Leer más...

Alice Brill pintora, fotógrafa y crítica de arte germanobrasileña.

Alice Brill (Colonia, 13 de diciembre de 1920 - Itu, 29 de junio de 2013) fue una pintora, fotógrafa y crítica de arte germanobrasileña.​

Nació en una familia judía que huyendo del nazismo se fue refugiando en España, Italia y Holanda antes de asentarse definitivamente en Brasil. Su padre murió en el campo de concentración Jungfernhof en 1942.

Con 16 años estudió con el pintor Paulo Rossi Osir, que influenció su producción de fotografías y pinturas en batik. Participó en el Grupo Santa Helena, asociación informal de pintores paulistas, donde conoció a Mario Zanini o Alfredo Volpi. En 1946, ganó una beca de la Fundación Hillel para estudiar en la Universidad de Nuevo México y en la Art Students League of New York.

Al regresar a Brasil, continuó sus estudios con maestros como Yolanda Mohaly. Comenzó entonces una larga serie de exposiciones, tanto colectivas (entre ellas la I Bienal de São Paulo, en 1949) como individuales, en Brasil y en el extranjero. Hoy en día, sus obras forman parte de las colecciones de importantes museos.

Pero también es conocida por su trabajo como fotógrafa, que ejerció durante 10 años, en la década de 1950, y cuyas imágenes obtuvieron un gran reconocimiento en la década de 1990. Alice fue una de las homenajeadas de la Colección Pirelli/MASP de fotografías (1997), tiene imágenes en la colección digitalizada del Itaú Cultural y, en el año 2000, su archivo de negativos fue donado al Instituto Moreira Salles. Además de la exposición fotográfica itinerante El mundo de Alice Brill, del IMS, en 2005, la exposición Transeuntes, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC/USP), le dedicó una sala.

 Fundadora del Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM/SP), del Club de Artistas y Amigos del Arte de São Paulo y de la Asociación Brasileña de Investigadores en Arte, Alice se licenció en Filosofía Pura por la PUC/SP en 1975, y posteriormente realizó un máster y un doctorado en Estética en la USP. 

Es autora de tres libros: «Mário Zanini e seu Tempo» (Ed. Perspectiva, 1984), resultado de su tesis de maestría, «Da Arte e da Linguagem» (Ed. Perspectiva - 1988) y «Flexor» (Edusp, 1990), galardonado como Mejor Libro del Año 1990 por la Asociación Paulista de Críticos de Arte y reeditado en 2005. Su tesis doctoral, «Viagens Imaginárias - transformação de uma técnica milenar em linguagem contemporânea» (Viajes imaginarios: transformación de una técnica milenaria en lenguaje contemporáneo), sobre el batik, sigue sin publicarse. Entre otras colaboraciones, Alice también es autora del capítulo sobre artes plásticas del libro «O Expressionismo» (El expresionismo), organizado por Jacó Guinsburg (Ed. Perspectiva, 2002).

Además de tantas actividades profesionales, Alice,  estuvo casada más de 50 años, y fue madre de cuatro hijos . También ha impartido clases de arte en las Facultades de Filosofía, Ciencias y Letras Nossa Senhora do Patrocínio, en Itu, y en la Facultad Santa Marcelina, en São Paulo, además de tener algunos alumnos en su taller.

Reconocimientos

Obtuvo más de diez premios, como el Premio Adquisición del XIV Salón Paulista de Arte Moderno de São Paulo (Pintura - 1964). 

https://historiadaparte.wordpress.com/alice-brill/

https://es.wikipedia.org/wiki/Alice_Brill

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2014/03/pintores-brasilenos-alice-brill.html

https://www.itu.com.br/cultura/noticia/biografia-alice-brill-20100202

https://www.flaviasantosleiloes.com.br/peca.asp?ID=12506577

Leer más...

Zina Aita artista brasileña

 

Zina Aita (1900-1967)  fue una artista brasileña que practicó el modernismo temprano dentro de la cultura brasileña. Trabajó duro con muchos artistas en este tiempo tratando de cautivar y realzar la cultura única de Brasil para el público, algo que era exclusivamente brasileño. Participó en La Semana del Arte Moderno . Practicó el primer modernismo brasileño hasta que se mudó a Italia, donde se dedicó a la acuarela y la cerámica hasta sus últimos días, muriendo por causas naturales.

Zina Aita pasó la mayor parte de su infancia en Nápoles , Italia . Nació en una familia impulsada por el arte, rodeada del negocio de cerámica de su familia italiana.  Se mudó a Brasil cuando se hizo adulta, momento en el que el modernismo temprano en Brasil estaba en su apogeo. Se involucró mucho en el movimiento y, a lo largo del movimiento modernista temprano, se movió intensamente con múltiples técnicas y estilos artísticos, trabajando con acuarelas, tapices, óleo sobre lienzo, dibujos y cerámica.  Trabajó con el modernismo y participó en celebraciones sobre la cultura única de Brasil. Hacia el final de su vida, regresó a Italia, donde se hizo cargo del negocio familiar de cerámica.

Aita estuvo muy involucrada en el movimiento modernista en Brasil a lo largo de su carrera junto con muchos otros artistas.  Los artistas trabajaron con el modernismo como una forma de romper y rechazar el estilo artístico académico. 

En 1922 participó en un evento artístico llamado Semana de Arte Moderna. El evento tenía como objetivo resaltar el trabajo modernista que los artistas estaban haciendo en Brasil en ese momento.  Muchos artistas conocidos como Tarsila Amaral y muchos más participaron en este evento. 

Aita trabajó principalmente con paisajes y autorretratos. A través de estas conexiones y su obra de arte única, fue invitada a participar en muchos eventos artísticos. 

Exposiciones 

1922 – Semana de Arte Moderno (São Paulo, SP)

1952 – Exposición Angelicum (São Paulo, SP)

1954 – Arte Contemporáneo: exposición de la colección del Museo de Arte Moderno de São Paulo (São Paulo, SP)

1972 – La Semana del 22: antecedentes y consecuencias (São Paulo, SP)

1979 – Retratos de Mario de Andrade (São Paulo), SP)

1982 – Del Modernismo a la Bienal (São Paulo, SP)

2010 – sp-arte (São Paulo, SP)

https://hhmagazine.com.br/zina-aita-sobre-o-potencial-de-metamorfose-na-trajetoria-individual/

https://criticadeartebh.wordpress.com/category/zina-aita-retrato-1920-oleo-sobre-tela-50-x-61-cm-colecao-particular/

https://en.wikipedia.org/wiki/Zina_Aita

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2013/10/pintores-brasilenos-zina-aita.html

https://fcs.mg.gov.br/historia-da-arte-e-modernismo-no-brasil-caso-do-desaparecimento-de-zina-aita/

https://literalmeida.blogspot.com/2008/02/zina-aita-modernista-mineira-esquecida.html

https://pt.wikipedia.org/wiki/Zina_Aita

https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoas/7646-zina-aita

Leer más...

Maria Luciene da Silva Siqueira, Sil, artista popular brasileña

 Hoy felicitamos en su cumpleaños a Maria Luciene da Silva Siqueira, llamada Sil, de Capela-ALuna ex-cortadora de caña que  se convirtió en una  de las mas  expresivas y  talentosas artistas populares de Brasil .

Sil nació el día 14 agosto de 1979 en el municipio de Cajueiro, pero fue criada en la zona rural del municipio vecino , Capela. Hija de cortadores de caña . Sil trabajo en el corte de caña hasta los 20 años de edad.Una fabrica propietaria de las tierras donde vivía Sil con su marido fracaso y ellos fueron obligados a abandonar el lugar. En busca de trabajo se mudaron para la sede del municipio. En el inicio Sil cuenta que ella y su marido pasaron muchas dificultades. Andres trabajaba haciendo pucheros, en cuanto ella se quedaba en casa cuidando la casa de las niñas.

La inquietud  es el deseo por una profesión y un trabajo llevaron a Sil  a solicitar  ayuda al Servicio Brasileño de Apoyo a las Micro y Pequeñas Empresas SEBRAE, Allí participo  de varios talleres : bordados, croche y tapices. Una dia surgió la oportunidad de participar de un taller de barro, fue allí que ella encontró por primera vez en su vida con el maestro João das Alagoas.

En la primera visita que hizo al taller, del maestro fue para quedarse, vio su trabajo todo muy bonito  ...El  le me dio muchas oportunidades para empezar y aprender ... dice Sil. Desde este encuentro nació una artista de gran talento, una de las mejores apariciones del arte popular en Brasil en los últimos tiempos.

Reproduçao fotográfica Galeria Pontes, Sao Paulo-SP(www.galeriapontes.com.br).

 Reproduçao fotográfica Galeria Pontes, Sao Paulo-SP(www.galeriapontes.com.br).

Con João das Alagoas ya son más de diez años de relación laboral y amistad. El maestro tiene un taller en la ciudad de Capela, donde trabaja de domingo a domingo junto con sus discípulos y ahora compañeros de trabajo. Además de Sil, en el taller trabajan su esposa, su hijo João Carlos, Nena, Leonílson, Gisé, entre otros; son diez en total. El maestro cuenta que no les enseñó el arte a ninguno de ellos, solo les dio la oportunidad de que cada uno expresara el suyo.

A lo largo de los años, Sil ha imprimido un estilo propio a su obra. Su experiencia de vida y las costumbres de su pueblo se transmiten a las piezas con un realismo y un esmero impresionantes. Todas presentan expresiones fuertes; son hombres y mujeres del pueblo, bodas campestres, novios paseando a caballo, juegos infantiles y experiencias de la vida en el campo retratadas con suavidad y una impresionante riqueza de detalles. La jaqueira, un árbol abundante en la zona boscosa de Alagoas, se ha convertido en un elemento omnipresente en su obra y, como ella misma afirma, en su marca registrada.

Sil, jaraguá, cerâmica. Reproduçao fotográfica Galeria Tina Zapolli, Porto Alegre-RS

Sil, brincadeira no pé de jaca (Boneca), cerâmica. Acervo pessoal.

Sil, brincadeira no pé de jaca (Boneca) - detalhe, cerâmica. Acervo pessoal.

De su matrimonio con André, Sil tuvo tres hijas. Andressa, sigue los pasos de su madre  con un talento evidente. 

Las obras de Sil ya han formado parte de varias exposiciones realizadas en Brasil y se pueden encontrar en las galerías de arte más prestigiosas de ciudades como São Paulo, Belo Horizonte, Recife, Maceió, Río de Janeiro y Porto Alegre. También se pueden adquirir directamente a la artista en Capela-AL.

La ciudad de Capela se encuentra a 63 km de la capital, Maceió.

Contato com Sil:
Tel. (82) 9991 5250
http://artepopularbrasil.blogspot.com/2010/12/sil.html

Leer más...