Rosaura Revueltas Sánchez (6 de agosto de 1910, Lerdo, Durango, México — 30 de abril de 1996, Cuernavaca, Morelos, íd.) fue una actriz de cine y teatro, bailarina y escritora mexicana. Recordada por su impactante rol en la película La sal de la tierra (1954).
Fueron sus padres Romana Sánchez Arias y José Revueltas Gutiérrez . La familia se mantenía gracias a un comercio de abarrotes y semillas propiedad del padre. Tenía 11 hermanos y hermanas, 2 de los cuales murieron de niños. Destacaron sus hermanos Silvestre, José y Fermín, músico, escritor y pintor, respectivamente; Emilia fue una gran pianista que dejó la música por su matrimonio con Julio Castellanos, y Consuelo, pintora naive que comenzó a pintar a los 60 años y llegó a exponer en el Palacio de Bellas Artes.
La familia se mudó a la Ciudad de México en 1921. Rosaura y varios de sus hermanos asistieron al Colegio Humboldt, considerado el mejor de la época, donde aprendió alemán e inglés. Después de casarse con el ciudadano alemán Frederick Bodenstedt y tener un hijo, Arturo, Rosaura incursionó en la danza, y pasó a integrar una compañía de danza folclórica. Luego comenzó a participar en pequeños papeles en cine.
En danza debutó públicamente en Carmen, en Bellas Artes (1945), y participó luego en la compañía de Arte Folklórico Baile Español de María Antinea (1945), en La doma de la fiera, dirigido por Seki Sano y con coreografía de Waldeen Falkenstein, y en Tres estampas de vida (1949), en Preludio y fuga, con coreografía de Waldeen Falkenstein (1952); en 1954 formó un grupo que se presentó en la celebración del 1.º de Mayo en Moscú en 1954, donde la reconocieron como la protagonista de La sal de la tierra. En 1958, tras negativas de participar en cine, debutó como segunda tiple en el Teatro Iris.
En 1949 obtuvo su primer rol cinematográfico en Pancho Villa vuelve. Le siguieron Un día de vida, por el que ganó un Premio Cuauhtémoc, y en Islas Marías (1950); Muchachas de uniforme (1951), El rebozo de Soledad, por el que ganó un Premio Ariel; Cuarto cerrado, La antorcha y Sombrero (1952). En Alemania filmó para la televisión una serie llamada Sonrisas de México.
En 1949 su primera obra de teatro fue La desconocida de Arrás, dirigida por Charles Rooner (1946), luego actuó en El cuadrante de la soledad (1950) (escrita por su hermano José, dirigida por Ignacio Retes y con escenografía de Diego Rivera), y Un alfiler en los ojos (Seki Sano, 1952). En Alemania actuó en La hija adoptiva (1956), en El círculo de tiza caucasiano, de Bertolt Brecht, y en Sandhog, en Dresde (1957). De vuelta a México, participó en El seminarista de los ojos negros (1958). Finalmente en su paso por Cuba protagonizó nuevamente El círculo de tiza caucasiano, en 1961.
En 1954, aceptó el rol de Esperanza Quintero en el filme estadounidense Salt of the Earth (La sal de la tierra), del director Herbert J. Biberman. Se encontraba Estados Unidos en plena Guerra Fría, en una campaña política conocida como mccarthismo, y Howard Hughes denunció al director y a gran parte del elenco como comunistas. Así fue como Rosaura pasó a formar parte de la lista negra de Hollywood, al igual que el filme. Fue encarcelada y deportada con el fin de detener la filmación, pero finalmente ésta se logró terminar y la película dio la vuelta al mundo. En 1956, en la Académie du Cinéma (premios Étoile de cristal) de París y en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, en Checoslovaquia (ahora República Checa), le otorgaron un Premio a la Mejor Actriz, por su desempeño en la película.
En una presentación del filme en la República Democrática Alemana en 1957, fue invitada a integrarse a la compañía Berliner Ensemble, de Bertolt Brecht, hasta 1958. Ha sido la única mexicana que ha trabajado en esta compañía teatral tan prestigiosa. En 1960 fue invitada a Cuba a dar clases de actuación y a participar en obras de Brecht. Cuando ocurrió la invasión de Playa Girón, Rosaura participó activamente.
Los intentos por regresar al cine en México fueron vanos, pues estaba vetada por la industria cinematográfica debido a su participación previa en La sal de la tierra.
En 1976, volvió a participar con roles pequeños en las películas Lo mejor de Teresa (1976); Balún Canán (1976) y Mina, viento de libertad (1977).
En 1979 publicó el libro Los Revueltas: Biografía de una familia. Luego publicó una compilación de las memorias de su hermano Silvestre Revueltas, Silvestre, por él mismo. Posteriormente participó como jurado en festivales de cine en Berlín y Barcelona.
Los últimos años de su vida los dedicó a la enseñanza de la danza y el yoga. En 1995 se le diagnosticó cáncer de pulmón, y falleció el 30 de abril de 1996 en su hogar en Cuernavaca, Morelos, a los 85 años de edad.
La actriz española Ángela Molina encarnó a Rosaura Revueltas en la película Punto de mira (One of the Hollywood Ten) (Karl Francis, 2001).
María Dolores Gómez de Ávila (Barcelona, 10 de abril de 1920 - Zaragoza, 27 de febrero de 2014) fue una bailarina y maestra de ballet española.
Con apenas diez años comenzó sus estudios con Pauleta Pàmies en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, donde pronto entró a formar parte de su ballet, siendo su primera bailarina desde 1939. Su mayor actividad artística la desempeñó en el Liceo, pero también participó en otros proyectos escénicos como la Compañía Española de Ballet o los Ballets de Barcelona. También realizó recitales en colaboración con otros artistas, entre los que destacó el bailarín Juan Magrinyá, quien fue su partenaire artístico principal.
En 1948 contrajo matrimonio con el ingeniero zaragozano José María García Gil y decidió abandonar el escenario, no sin antes rechazar un contrato para trabajar en New York. Acompañando a su esposo en un proyecto, vivió durante un tiempo en Sacedón, una localidad de la provincia de Guadalajara. Allí nació su única hija Dolores García Gómez (1949), conocida artísticamente como Lola de Ávila y más coloquialmente como Lolita, ya que a su madre la solían llamar Lola.
En 1954 abrió su propia escuela de danza clásica en la calle del Coso, en Zaragoza, más tarde trasladada a la sede actual de Francisco de Vitoria, lugar donde se han formado varias generaciones de grandes bailarines y maestros reconocidos tanto a nivel nacional como internacional. Fue fundadora del Ballet Clásico de Zaragoza y del Joven Ballet María de Ávila (1989). En 1983 fue nombrada Directora del Ballet Nacional de España y del Ballet Nacional de España-Clásico, cargo del que dimitió a finales de 1986 para regresar a su labor docente en su escuela de Zaragoza. La actual directora de la escuela María de Ávila es su hija Lola.
En 1979 fue nombrada miembro de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis (Zaragoza) y en su discurso de ingreso expuso una reflexión personal titulada: "El ballet, arte del siglo XX".
Es una de las figuras más destacadas de la danza académica en España durante el siglo XX, dado el trascendental papel que ha ejercido como maestra y el extenso legado que ha dejado gracias a su labor como pedagoga de danza.3 No puede olvidarse, sin embargo, el tiempo que ejerció como directora de las dos compañías nacionales y el reconocimiento que en ese sentido ha recibido desde ambas instituciones. De ahí que durante la celebración de su 35º aniversario, la Compañía Nacional de Danza realizara una gala homenaje en Zaragoza en su honor4 y puso su nombre a una de las salas de ensayo de su sede oficial.5 La lista de honores, premios y homenajes recibidos es larga y extensa, entre ellos destacan los reconocimientos otorgados por su ciudad de adopción, Zaragoza, que ha incluido su nombre en el callejero de la ciudad, en el barrio de Montañana.
Reconocimientos
Premio Santa Isabel de la Excelentísima Diputación Provincial de Zaragoza (1965).
Premio San Jorge de la Institución Fernando el Católico (1974).
Medalla de Oro de la Ciudad de Zaragoza. Premio otorgado por el Ayuntamiento de la ciudad (1982)
Medalla de Oro de las Bellas Artes de España (Ministerio de Cultura) (1989).
El Instituto Internacional del Teatro de la UNESCO le encarga la redacción del mensaje del Día Internacional de la Danza (1980)
Homenaje en el Pabellón aragonés de la Exposición Universal de Sevilla (1992)
Homenaje en la Gala del DID de la Comunidad de Madrid organizada por la APDCM y la ACPD (1993)
Homenaje en el Teatro Principal de Zaragoza (1999)
Maximino de Honor (2004)
Gran cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio de España, otorgada por el Ministerio de Cultura (2006).6
Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, España (1998).
Premio Aragón (1996).
El Conservatorio Superior de Danza de Madrid lleva su nombre desde 2006.
Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo, otorgada por el Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales (2007)7
Medalla de Oro del Teatro del Liceo (2009).
El Ayuntamiento de Zaragoza denomina una calle con su nombre en Montañana.
Premio Heraldo de Aragón a los valores humanos (2010).
Galardón "Una vida para la danza", otorgado por el Festival Internacional de Danza de Miami (2013).
Stefania Grodzieńska (2 de septiembre de 1914 - 28 de abril de 2010) fue una actriz de teatro, bailarina, locutora de radio y escritora satírica conocido como la Primera Dama del Humor Polaco.
Grodzieńska nació en Łódź en una familia de un profesor universitario durante los últimos años de la ocupación imperial rusa . Pasó parte de su infancia en Moscú y asistió a una escuela de ballet en Berlín. Se casó por primera vez a la edad de 18 años y se mudó a Varsovia en 1933. Trabajó en el Teatro Cyganeria , y bailó en Teatr Kameralny . Entro en al equipo de Cyrulik Warszawski , un teatro satírico polaco. Grodzieńska conoció allí a su segundo marido, el escritor Jerzy Jurandot con quien se casó en 1938. Durante la ocupación alemana nazi de Polonia vivieron en el gueto de Varsovia , consiguiendo escapar y seguir vivos .
Después de la Segunda Guerra Mundial comenzó a escribir en los suplementos de la revista satírica polaca Szpilki , también escribió muchos monólogos y . Sus textos fueron interpretados por Hanka Bielicka , Adolf Dymsza , Loda Halama , Alina Janowska , Kalina Jędrusik , Bogumił Kobiela , Irena Kwiatkowska y otros. Durante varios años, Stefania Grodzieńska estuvo trabajando en Polskie Radio , y luego durante un par de años en la sección de entretenimiento de Telewizja Polska .
Stefania Grodzieńska murió luego de una breve enfermedad el 28 de abril de 2010, a la edad de 95 años, en Skolimów.
Ella es autora de varios suplemenos : Dzionek satyryka , Jestem niepoważna , Brzydki ogród , Felietony i humoreski , Plagi i plażki , Rozmówki y Kłania się PRL . También escribió la novela, Wspomnienia chałturzystki , así como varias biografías y memorias. Firmó sus numerosos libros (colecciones de columnas, sátiras y sketches) como Stefania Grodzieńska, aunque desde 1937 tomo el nombre de Grodzieńska-Jurandot tras casarse con George Jurandot, poeta, dramaturgo y compositor, quien animó a su esposa a escribir. Estuvieron casados durante 42 años, hasta la muerte de Jurandot en 1979, y su relación ciertamente podría considerarse muy exitosa, ya que sus vidas estuvieron llenas de amor, respeto y una fascinación común por las palabras.
Stefania se especializaba en un enfoque irónico y penetrante de las relaciones entre hombres y mujeres, y sus "armas" eran los chistes grotescos, absurdos y abstractos, aunque también estaba familiarizada con textos serios, como el poemario "Los niños del gueto", que publicó en 1949 bajo el seudónimo de Stefania Ney, tomando el apellido de soltera de su madre.
Se describía a si misma, contándose entre los niños cuyo destino estaba determinado por acontecimientos trascendentales en la historia de Europa. Stefania Nina Grodzieńska nació en Łódź; unas semanas antes había comenzado la Gran Guerra. Fue concebida en Ginebra, donde su madre, siendo una joven estudiante, se casó con un ciudadano suizo, profesor de la Universidad de Ginebra. Esta relación no fue un éxito, ya que Eleonora, de 18 años, en su noveno mes de embarazo, decidió irse con su familia a Łódź, donde dio a luz a una hija. Al poco tiempo, con el bebé en el pecho, se fue a Moscú y allí se volvió a casar, esta vez con un lituano rusificado. La pequeña Stefania admiró el ballet ruso, especialmente la primera bailarina Ekaterina Geltzer. Empezó a aprender danza cuando tenía sólo tres años, pero tras el estallido de la Revolución de Octubre, la familia "vagó por Europa, instalándose en un país diferente cada pocos años" (Stefania Grodzieńska, "Memorias de una chałturist"). Stefania finalmente encontró su sitio con sus abuelos en Łódź, y años más tarde escribió en la ficción "Memories...": "Aquí, por primera vez, me acogieron con el corazón, a los diez años, terriblemente independiente y desconfiada, hablando una especie de esperanto, que es una mezcla ruso-francés-alemana. En Łódź, inmediatamente me echaron a la luz y me enviaron a una escuela polaca" (me gradué en la escuela secundaria femenina Janina Pryssewiczówna). . Las lecciones de ballet que le dio su abuelo en la escuela de Irena Prusicka se convirtieron en un trampolín para las preocupaciones cotidianas.
Años más tarde, no reprochó a su madre haberla enviado de regreso con sus abuelos, al contrario, habló de ella con gran respeto: "Nunca en mi vida he conocido a una persona tan encantadora, que combine la dulzura con el sentido del humor. belleza con inteligencia, imprudencia con educación, alegría de vivir en los peores momentos con nostalgia en el mejor de los casos. Mi madre parecía una cosita indefensa, y durante su corta y muy difícil vida fue costurera, sombrerera, empleada en el despacho de un abogado, guía de museos parisinos, incluido el Louvre, profesora de tres idiomas, traductora. Hablaba cinco idiomas, pero era famosa en el barrio latino. "París se construyó gracias a los bajos precios que cobraba por remendar ilegalmente los guardarropas de los estudiantes más pobres"
A pesar de los problemas económicos, visitaba de vez en cuando a su hija adolescente. Cuando Stefania alcanzó la mayoría de edad, se mudó a Varsovia.
Aunque tenía formación en ballet, comenzó su carrera profesional como bailarina en las revistas de Varsovia, tan populares en la capital de antes de la guerra. Actuó en el Teatro Cyganeria y en el Teatro de Cámara. También se convirtió en modelo para Herse Fashion House. Hasta que finalmente consiguió un trabajo en Cyrulik Warszawski, donde el director artístico era el famoso Fryderyk Járosy (por cierto, en 1988 Grodzieńska publicó un libro dedicado a él.
Se destacó entre la multitud de chicas: todas sus amigas eran rubias altas, ella tenía una figura pequeña y cabello oscuro, que cubría con una peluca rubia durante las actuaciones. Pero en 1937, durante los ensayos del programa "Słońce", fue descubierta en el escenario de Cyrulik por Jerzy Jurandot, sólo tres años mayor que ella, pero ya un renombrado autor de sketches y letras de canciones.
En el documental de 2008 "Szarpió African" (así llamaba Fryderyk Járosy a Stefania), Grodzieńska, de 93 años, con su típico encanto recordó cómo Jerzy Jurandot le propuso matrimonio. Acababa de publicar una colección de sus textos con una dedicatoria impresa: " A mi esposa", y luego le entregó el volumen a la inconsciente Stefania. Ella pensó que su amante le había escondido a su esposa... Después de una breve discusión y explicación, ella le gritó que sí, que se convertiría en su esposa. Se casaron un mes después. Y pronto Stefania escribió su primera "parodia de matrimonio", que fue representada en el escenario de Cyrulik por Fryderyk Járosy y Lena Żelichowska durante dos meses. Al final de la temporada 1938/1939, se convirtió en copresentadora del teatro dirigido por Járosy. Su carrera escénica estaba en auge; lamentablemente estalló la guerra.
Stefania Grodzieńska era de origen judío por parte de madre y Jerzy Jurandot, también era judío. Ambos acabaron tras los muros del gueto de Varsovia. Al principio, Jurandot, tras obtener el consentimiento de las autoridades clandestinas de la Asociación de Artistas Escénicos Polacos, organizó espectáculos de música y danza en el Palacio de la Melodía y más tarde "abrió el Teatro Femina en la calle. Leszno 35 , donde también actuó Stefania Grodzieńska. En el escenario de Femina se representaron principalmente comedias y representaciones satíricas.
En el libro »Ciudad de los Presos. 2 años en el gueto de Varsovia", publicado en 2014, incluía el texto de la comedia de Jurandot "El amor busca un apartamento", que trata el problema de la superpoblación del gueto" (según: Janusz R. Kowalczyk, "Stefania Grodzieńska", Culture.pl ). Por su parte, Jacek Marczyński en "Rzeczpospolita" (edición del 22 de abril de 2014) destacó que "a las memorias de Jurandot se añadió una colección de poemas "Los niños del gueto", que Stefania Grodzieńska publicó bajo seudónimo en 1949 y nunca dio su consentimiento para ediciones posteriores "Son retratos sencillos de pequeños habitantes auténticos que murieron de hambre o fueron fusilados por los alemanes."
En agosto de 1942, Stefania y Jerzy, gracias a la ayuda de amigos del lado ario, lograron escapar del gueto. Se escondieron hasta el final de la guerra, entre ellos: en Gołąbki, cerca de Varsovia. Tan pronto como fue posible, Stefania fue a Lublin, donde pronto se convirtió en la primera locutora de la radio polaca de la posguerra. Gracias a esto su marido la encontró y se fueron juntos a Łódź. Jurandot cofundó allí, el Teatro Syrena, que inició sus actividades el 5 de julio de 1945 con la obra "Otro mundo". En la película "Szarpió Africanskie", Stefania Grodzieńska destacó que los carteles anunciaban. "actuaciones invitadas del teatro de Varsovia" ! Tres años más tarde, el Teatro Syrena se trasladó a la capital, que estaba emergiendo de las ruinas de la posguerra.
Como leemos en Janusz R. Kowalczyk, en los años siguientes "Grodzieńska escribió columnas para Szpilki, monólogos y parodias para el escenario.Entre los conocidos textos de Grodzieńska también se encuentran bocetos de la serie "Marido y mujer" en la interpretación radiofónica de Magdalena Zawadzka y Wiktor Zborowski.
Grodzieńska desarrolló el gusto por la escritura: en total se publicaron varias colecciones de sus columnas, publicadas anteriormente en "Szpilki" y "Przekrój" (por ejemplo, "Plagi i beachki", "Dzionek satyryka", "Fieletony i humoreski", "Ugly Garden" ", "Soy frívola" o "Piezas femeninas, masculinas y sosas"). Escribió sus memorias: los ficticios "Recuerdos de un chałturista", así como "Ya no tengo que hacer nada" y "No hay nada de qué reírse".
Es cierto que Stefania Grodzieńska fue coautora de guiones cinematográficos ("Sprawa do zaliiec", 1953, y "Julio lluvioso", 1957), pero nunca se sintió atraída por el mundo del cine. Definitivamente le gustó trabajar con la Radio y Televisión Polaca (trabajó en el departamento de entretenimiento de la Televisión Polaca durante varios años).
En 1956, los Jurandot finalmente se mudaron a su propia casa, en Old Mokotów. Allí vivían con su hija Joanna, que nació el 28 de mayo de 1946 .
Por su parte, George Jurandot toleró tranquilamente el hecho de que a su esposa no le gustara ni supiera cocinar. “¿Y cómo se suponía que iba a saberlo? Los niños emigrantes no se empaparon de las tradiciones de la cocina casera, las familias emigrantes comían todo lo que podían encontrar y estaban felices de tener algo para comer. En las habitaciones alquiladas, la prohibición de cocinar casi siempre ocupaba un lugar de honor. "No recuerdo a mi madre en la cocina", recordó años más tarde Stefania Grodzieńska. Sin embargo, hay que admitir que cuando Jurandot sufrió un derrame cerebral en 1973, renunció a su trabajo en TVP y durante los siguientes seis años, hasta Jerzy. Muerte de Jurandot el 16 de agosto de 1979. – ella lo cuidó mucho. Tuvieron un matrimonio feliz, aunque (¿o tal vez por eso?) a ella le encantaban las montañas y el montañismo, a él le gustaba el mar, a ella le gustaba comer pescado, y le gustaba la carne.
Después de la muerte de su marido, en agosto de 1979 siguió activa pot más de tres décadas y no evitó los encuentros con los lectores, incluso cuando su salud ya no era buena. En la promoción de su último libro apareció sólo con calcetines, porque ya no podía ponerse ningún zapato con sus pies enfermos. En los últimos años de su vida tuvo cada vez más problemas para caminar y no podía estar sola, por lo que se mudó con unos amigos a la Casa de Artistas Veteranos de los Escenarios Polacos en Skolimów. Murió allí el 28 de abril de 2010. Fue enterrada en el cementerio militar de Powązki en Varsovia, junto a su amado esposo.
En 2011, en el escenario del Teatro Ateneum se recordó la colorida vida y obra de los Jurandot en la obra "Escenas casi matrimoniales de Stefania Grodzieńska".
En una entrevista realizada por Beata Kęczkowska (Wyborcza.pl, 26 de diciembre de 2010), Grażyna Barszczewska anunció el personaje que interpreta: "La heroína es una mujer, una actriz, pero también una esposa idiota. Stefania sabía reconocer perfectamente este aspecto de la naturaleza femenina y, como nadie, sabía bromear sobre ello con precisión.
Alexandra Theodora Maria (Lex) Radius ( Ámsterdam , 3 de julio de 1942 ) es una ex bailarina holandesa .
El ballet se desarrolló a una edad temprana; A veces faltaba a la escuela con el apoyo de sus padres. Según ella misma, comenzó a practicar con una barra a la edad de cuatro años , probó el claqué y un año después intentó ponerse de pie con zapatillas de punta . Las lecciones serias comenzaron a la edad de ocho años; El maestro fue Nel Roos (Academia Nel Roos). También recibió lecciones de Aart Verstegen . A los quince ya estaba en el escenario; no completó la educación secundaria .
Radius hizo su debut con el Nederlands Ballet de Sonia Gaskell , en 1957. Ante la insistencia de Benjamin Harkarvy, se trasladó al Nederlands Dans Theatre (1959-1969) y al Nederlands Nationaal Ballet (1970). También estuvo asociada con el American Ballet Theatre de Nueva York durante un año (1969-1970) . No fue una niña prodigio, pero el trabajo duro y las circunstancias jugaron a su favor (según Radius en 1987).
En 1970 se convirtió en solista. Bailó en piezas clásicas, pero también en coreografías contemporáneas de, por ejemplo , Rudi van Dantzig y Hans van Manen . Alexandra Radius bailó con Han Ebbelaar , su marido, durante la mayor parte de su carrera . Como dúo se hicieron mundialmente famosos, celebraron su 25 aniversario en 1982 durante una velada de gala y en 1989 recibieron juntos el Premio VSCD Oeuvre . En 1990, a la edad de 48 años, se retira del ballet de alto nivel con una gira de despedida de aproximadamente 25 funciones, que finalizó el 20 de junio de 1990 . Unos días más tarde, recibió la Medalla de Honor al Arte y la Ciencia de la Orden de la Casa de Orange de manos de la Reina Beatriz de los Países Bajos en Huis ten Bosch . Ya había sido nombrada caballero de la Orden de Orange-Nassau junto con su marido en 1975 .
En 2018 recibió el Anillo Jiří Kylián .
A lo largo de su vida como bailarina inspiro a coreógrafos como Hans van Manen , Rudi van Dantzig , Toer van Schayk y Nils Christe . También formo parte de la junta directiva de la Fundación Dansersfonds '79 durante muchos años .
El premio para jóvenes talentos emergentes de la danza lleva su nombre. Este Premio Alexandra Radius se otorgan anualmente desde 1988 los Amigos del Ballet Nacional a una bailarina o un bailarín de esa compañía que haya realizado la actuación más sorprendente.
Delia Zapata Olivella (Santa Cruz de Lorica, 1 de abril de 1926-Bogotá, 24 de mayo de 2001) fue una bailarina, folclorista y reconocida profesora. Se destacó como artista y maestra de los bailes folclóricos de las costas Pacífica y Atlántica de Colombia.
Nació en Lorica, Córdoba-Colombia. Al año de nacida, su familia se trasladó a Cartagena y se instalaron a la calle del Espíritu Santo del barrio Getsemaní. Hizo su bachillerato en la Universidad de Cartagena y luego se formó en artes plásticas en la Universidad Nacional, mientras tomaba clases de baile. Como escultora ganó su primer premio en 1954 en la ciudad de Barranquilla. Fundó la compañía de danza "Ballet Folklórico Delia Zapata Olivella" y en variadas ocasiones trabajó junto a los Gaiteros de San Jacinto. Desarrolló una amplia labor como promotora del folklore de las costas de Colombia junto con su hermano Manuel Zapata Olivella.
Delia Zapata fue una autoridad de la música y los bailes de las costas Caribe y Pacífica de Colombia. Durante décadas, realizó un impecable trabajo de investigación y difusión que la convirtió en fuente esencial de información sobre éstas tradiciones culturales. Enseñó en la Universidad Nacional de Colombia y en la Universidad Central y creó la carrera de Danzas y Teatro tradicionales -junto con Rosario Montaña- en la Universidad Antonio Nariño de Bogotá. Delia fue pionera en describir las danzas folclóricas y en realizar planimetrías y dibujos coreográficos. Su principal misión fue la de ser maestra transmisora de estas danzas que fueron su inspiración.
Gracias a su hija Edelmira Massa Zapata, hoy tenemos acceso a su trabajo investigativo. Edelmira se dio a la tarea de recoger todos sus apuntes y publicarlos en el Manual de Danzas de la Costa Atlántica de Colombia, importante legado cultural. Cuando se encontraba en Costa de Marfil (África), investigando las raíces del folklore colombiano, contrajo malaria y esto le causó la muerte en el año 2001. El cuerpo fue cremado, y sus cenizas traídas a la ciudad que la acogió en su infancia. El galeón Bucanero navegó la bahía para depositar en el fondo del mar sus cenizas. Se despidió de esta tierra la mujer que decía tomar el néctar de los dioses cuando se comía un raspao, que sacaba la lengua mientras arrastraba los pies al ritmo del tambor.
La niña Delia, como le decían, vivenció ese espíritu creador y tradicional de la gente cartagenera. Su primer contacto con las artes escénicas fueron obras de teatro que inventaba con su padre, el viejo Zapata, y sus hermanos, inspirados en el cine mudo. A la edad de 27 años ya tenía su grupo de danza que se presentó en el Primer Espectáculo de Danzas Negras en el Teatro Colón de Bogotá, en 1953, escenario dedicado a las artes puras y cultas, el primer espectáculo de danzas negras, con Delia como bailarina protagonista; a partir de ese momento podemos considerarla como la precursora y promotora del sentimiento popular dignificado. A mediados de los cincuenta trabajó en espectáculos en Barranquilla y Cali. A partir de 1957 comenzó una gran gira con sus bailarines: recorrieron España, Francia, Alemania, Checoslovaquia, la Unión Soviética y China. En China y Moscú fueron invitados a los festivales de la juventud. En los sesenta, continuó su recorrido internacional en giras por Estados Unidos y Centroamérica, y en los setenta creó la Fundación Instituto Folclórico Delia Zapata Olivella en Bogotá.
En 1963 fue nombrada Coreógrafa Titular y Directora del Cuerpo de Danza del Instituto Popular de Cultura de Cali. El siguiente año fue invitada a Panamá al Festival Artístico de Verano. En 1965 recibió una beca de Intercambio Cultural Internacional que la llevó a dictar un curso en el Departamento de música de la OEA en Washington y a dedicarse al estudio de danzas negras con Katherine Dunham. En la ciudad de Nueva York organizó el Grupo de Danzas Colombianas, realizó un desfile el Día de la Raza y se ganó todo el cariño de la colonia colombiana de Nueva York, que le otorgó el Premio al Mérito. En 1984, Delia Zapata Olivella decidió crear un grupo de danzas en Cartagena. Como Delia vivía en Bogotá, y tenía allá su grupo base, delegó a su hija Edelmira Massa Zapata la dirección del nuevo grupo en Cartagena. Así, se convocaron audiciones para los jóvenes entusiastas del baile en la ciudad. El grupo comenzó a ensayar rigurosamente tres horas diarias entre semana y hasta cuatro horas los sábados en la Escuela de Bellas Artes. Delia visitaba Cartagena cada dos o tres meses para supervisar el progreso del grupo, Edelmira dirigía las clases regularmente y su madre comenzaba sentada, observando el ensayo, pero terminaba bailando a la par de los estudiantes.
Llegó el año 1986 y Cartagena recibió la visita del papa Juan Pablo II. Fue Delia Zapata Olivella la encargada del montaje del espectáculo folclórico que se ofreció al sumo pontífice. El grupo ensayaba en el salón Vicente Martínez Martelo de la alcaldía, hasta la noche del 6 de julio, cuando llegó el Santo Padre. El repertorio fue un recorrido danzante por Colombia: joropo de los Llanos Orientales, san juanero de los Andes, contradanza y jota chocoana del Pacífico y finalmente, los indios farotos y la cumbia de la Costa Caribe.3 Al concluir la función, el papa bajó del templete construido en la explanada de Chambacú para el evento, se aproximó a la tarima, saludó y agradeció, en su español con acento polaco, a los “danzantes y musicantes” por aquella presentación. Regaló a Delia un rosario y le dio la bendición.
Después de la visita del papa quedó consolidado el grupo como Calenda, nombre que le dio Manuel Zapata Olivella, el hermano de Delia. Calenda es la palabra de la que proviene calendario, y para los antiguos romanos era el primer día de cada mes. En Cartagena, "calenda" era el día 3 de febrero, o día libre que tenían los esclavizados durante la época colonial. Ese día, los esclavizados se congregaban en el Convento de la Popa y bajaban por el cerro en una procesión. Hacían una sátira o mofa de las cortes europeas, semejante a un cabildo, la institución colonial que, desde el siglo XVI, prohibía a los negros la celebración de sus ritos. Por esta razón, en el Cabildo de los negros había reyes y reinas, príncipes y princesas, duques, condes y bufones .
Reconocimientos
El Colegio Distrital en Bogotá Delia Zapata Olivella es un colegio público ubicado en Bogotá específicamente en los barrios Fontanar del Río y Bilbao en la Localidad de Suba.
También el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella reconoce su legado
Margaret Morris ( Londres , 17 de abril de 1891-Glasgow, 29 de febrero de 1980 ) fue una bailarina, coreógrafa y educadora británica.
En 1909 Morris conoció a Raymond Duncan , el hermano de Isadora Duncan , quien le enseñó las seis posiciones de danza clásica griega. Los adaptó y utilizó como base de su propio sistema de movimiento. Morris también se inspiró en el uso de notación taquigráfica que hacía Duncan para registrar estas posiciones. En 1910 coreografió las danzas de Orfeo y Eurídice de Gluck , que fue puesta en escena por Marie Brema en el Teatro Savoy de Londres. Entrenó a los bailarines en su nueva técnica durante un mes antes de los ensayos. Ella también diseñó el vestuario y la decoración. El Daily Express dijo: "El triunfo de la producción es La danza de las furias de Miss Morris , nunca se ha visto nada parecido en los escenarios de Londres". Ese año también interpretó Water en The Blue Bird de Maeterlinck en el Haymarket Theatre . También produjo los bailes para la producción de Enrique VIII de Sir Herbert Tree .
En 1910, Morris conoció a John Galsworthy , quien la animó a abrir su propia escuela en St Martin's Lane, Londres. Ese mismo año realizó una gira con su propia compañía, primero llamada "Margaret Morris and her Dancing Children". En 1911 fue coreógrafa y bailarina principal de The Little Dream , una fantasía de Galsworthy, en el Gaiety Theatre de Annie Horniman , Manchester . También creó la escenografía de baile para la ópera El nacimiento de Arthur de Rutland Boughton en Winter Gardens, Bournemouth .
En 1912 creó el papel de Guinevere Megan en The Pigeon de John Galsworthy en el Royal Theatre, actuando con Gladys Cooper y Dennis Eadie . Ese mismo año tuvo una temporada en el Royal Court Theatre de Londres, donde interpretó ballets como Callisto de Maurice Hewlett y The Little Dream de Galsworthy. Fundó el primer teatro pequeño en Londres, Kings Road , Chelsea , que ofrecía Seasons Christmas for Children interpretadas por niños. Fue aclamada por la prensa como la primera mujer 'actora, directora' y la más joven, ya que sólo tenía 21 años. En 1913 llevó una compañía a París para bailar en el Théâtre Marigny en los Campos Elíseos . En 1915, produjo en su teatro una interpretación de la Séptima Sinfonía de Beethoven, con vestuario diseñado por John Duncan Fergusson y posteriormente actuó con orquesta completa en Bournemouth Winter Gardens y en Harrogate .
En 1917, Morris inició la primera Escuela de Verano en Devon, que desde entonces se ha celebrado anualmente hasta la fecha, excepto durante los años de la guerra. En 1922 fundó la primera "Escuela Educativa" en Inglaterra para combinar materias educativas normales con formación educativa en danza y actuación. Fergusson se convirtió en directora de arte de todas sus escuelas. La pintura y el diseño se convirtieron en una parte integral del plan de estudios de los estudiantes, que ya incluía actuación, composición e improvisación de danza, materias educativas normales y su sistema de notación de danza.
Me di cuenta por primera vez de la absoluta necesidad de relacionar el movimiento con la forma y el color cuando estudiaba pintura del movimiento moderno en París en 1913. A partir de ese momento la incorporé como uno de los principales estudios de mi escuela. En este sentido, estoy profundamente en deuda con JD Ferguson, el pintor que durante años enseñó pintura, diseño y escultura en mi escuela y que fue el primero en hacerme comprender las posibilidades del trabajo teatral considerado desde el punto de vista visual y el valor de el estudio de la forma y el color como medio de educación.
El Movimiento Margaret Morris fue elegido para representar a Gran Bretaña en el Festival de Danza de 1931 en Florencia , Italia.
En abril de 1935, los bailarines de Margaret Morris interpretaron el ballet Electric Revolutions in Seven Episodios, diseñado por Margaret Morris y Elizabeth Ainsworth, en el baile anual de la Asociación Eléctrica para Mujeres .
En 1925, Morris comenzó a interesarse por los aspectos curativos del movimiento y dio su primera conferencia demostrativa a médicos en Londres sobre las posibilidades curativas de sus ejercicios. Realizó un curso de fisioterapia en el Hospital St Thomas, que aprobó con distinción en 1930. Tenía gran fe en el valor de su sistema para los discapacitados, creyendo que "cuanto más normal hagas sentir a la gente, más normales se volverán". ". Amplió sus ejercicios al entrenamiento deportivo, escribió un libro con la estrella del tenis Suzanne Lenglen e intentó que las autoridades educativas aceptaran sus métodos en las escuelas. Aunque logró una aceptación limitada en esta área, su influencia fue inmensa en la práctica moderna de la educación física, en el trabajo de recuperación y en la innovación coreográfica. En 1937, se convirtió en miembro fundador del Consejo Asesor Nacional de Entrenamiento Físico y Recreación.
Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Margaret Morris se mudó a Glasgow. En 1940 formó el Celtic Ballet Club y produjo varios ballets importantes para organizaciones benéficas de guerra. En 1947 formó una pequeña compañía profesional, el Celtic Ballet of Scotland, y realizó giras por Glasgow y Francia. El Celtic Ballet utilizó tanto la propia técnica de Margaret como los movimientos de danza country escocesa y de las Highlands. En 1951, el Celtic Ballet tuvo una temporada en el Theatre Royal de Glasgow . En 1954, el Celtic Ballet realizó una gira por los Estados Unidos y actuó en el festival de danza Jacob's Pillow de Ted Shawn . Entre 1958 y 1959 el Ballet Celta actuó en festivales de Rusia, Austria y Checoslovaquia . En 1960 formó el Ballet Nacional Escocés y apareció en el Festival Theatre de Pitlochry . El Celtic Ballet College de Glasgow se basó en el ballet moderno, no en el clásico. La última gira que hizo como The Scottish National Ballet la hicimos en Glasgow (La Alhambra), Edimburgo, Aberdeen, Carlisle y Sunderland. Además de formarse para la danza teatral, también formaba a sus alumnos para que fueran terapeutas de danza. Solía ir todos los viernes al Southern General Hospital de Glasgow y mi formación se basaba en personas con problemas de salud física y mental.
Morris ideó un método de notación de danza destinado a documentar todo tipo de movimiento humano. Publicado por primera vez en The Notation of Human Movement (1928), más tarde llegó a referirse a la notación como Danscript.
Margaret Morris, comenzó a pintar desde una edad temprana. El Third Eye Centre reconoció su trabajo tanto en danza como en arte con el catálogo de la exposición Margaret Morris: Drawings and Designs and the Glasgow Years. En 1984 se celebró una exposición de su obra en Glasgow en la Galería de Bellas Artes Cyril Gerber. La exposición Color, Ritmo y Danza se mostró en Escocia y Francia en 1985. En 1991, se celebró una exposición centenaria de sus dibujos y pinturas en la Galería Cyril Gerber. La Galería Fergusson presenta artefactos de todos los aspectos de su carrera, incluidos trajes originales, diseños de vestuario, dibujos de su infancia y carrera adulta, pinturas y cuadernos de bocetos.
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Tuvo una relación a largo plazo con el artista escocés John Duncan Fergusson. Lo conoció en París en 1913 y se convirtieron en compañeros de vida, pero nunca se casaron. Fue una influencia importante en su trabajo. La introdujo en el mundo del arte parisino y con ella fundó en 1915 el Margarent Morris Club en Chelsea , que rápidamente se convirtió en el foco de los restos de la vanguardia de antes de la guerra en Londres. Algunos miembros de este grupo, después de la guerra, participaron en la organización de un colectivo relacionado con el Partido Laborista conocido como "Arts League of Service", cuyo objetivo era llevar las artes a la vida cotidiana.
En 1961, tras la muerte de JD Fergusson, su compañero de vida, se cerró la Escuela de Glasgow. En 1972, a la edad de 81 años, le pidieron a Morris que entrenara a los bailarines del exitoso musical Hair en el Metropole Theatre de Glasgow . En 1973, el Consejo Escocés de las Artes realizó la película 'Movimiento Margaret Morris' .
Margaret Morris murió en Glasgow el 29 de febrero de 1980, a la edad de 89 años.
Morris hizo una contribución única al desarrollo y la enseñanza de la danza en Inglaterra y el extranjero. Su interés original en crear su propio ejercicio y movimiento de danza se basó en su deseo de idear una técnica que fuera más natural de realizar que el ballet. Durante esos primeros años, la amplitud del movimiento que creó abarcó un ámbito diverso de ejercicio, danza y entrenamiento de movimiento con una amplia gama de elementos y niveles diseñados para incluir todas las edades y habilidades.
A partir de esas raíces pioneras, tomó conciencia de la necesidad de educación para la salud y del valor de brindar explicaciones claras para obtener el máximo beneficio de cada ejercicio. Descubrió que el cuerpo respondía rápidamente a este entrenamiento sistemático preciso y proporcionaba a los estudiantes cuerpos fuertes y tonificados, mayor capacidad torácica, densidad ósea, movilidad y frecuencia cardíaca. Al mismo tiempo, mejoraron la postura, el equilibrio, el nivel de concentración y la coordinación de los estudiantes. La expresión y la composición del movimiento libre se integraron en toda la técnica, proporcionando la base para la coreografía, así como muchos beneficios psicológicos.
En 2019, la Biblioteca de la Universidad de Edimburgo organizó una exposición de archivos financiada por Wellcome Trust , Body Language, que exploró el legado de Morris como coreógrafo y profesor de danza, junto con los archivos de la Facultad de Educación Física y Gimnasia Escocesa de Dunfermline.
Obras coreografiadas
"La danza de Anitra" (1909) música de Grieg
Un baile interpretado originalmente por Morris en su primer recital en solitario en Hampstead.
La sirena abandonada , música de Erik Chisholm (1940)
El tema de este ballet es el viejo cuento de hadas sobre un pescador que se enamora de una sirena, la abandona y finalmente se reencuentra con ella en el fondo del mar. Es la historia de la obra de fantasía Sadko de Rimsky-Korsakov . [13]
The Earth Shapers , música de Erik Chisholm (1941)
Guillermina Bravo (Chacaltianguis, Veracruz, 13 de noviembre de 1920 - Santiago de Querétaro, 6 de noviembre de 2013) fue una bailarina mexicana además de coreógrafa y directora de ballet. Pilar de la danza moderna y nacionalista, fundadora del Ballet Nacional de México y creadora de más de 50 coreografías.
De 1947 a 1948, fue codirectora y fundadora, junto con Ana Mérida, de la Academia de la Danza Mexicana. Estableció, junto con Josefina Lavalle, la compañía de ballet nacional en la Ciudad de México en 1948, que ha sido localizada en Querétaro desde 1991, donde estableció también el Centro Nacional de la Danza Contemporánea.
Hija de Guillermo Nicolás Bravo y María de los Dolores Canales y Mondragón. Nació en Chacaltianguis, Veracruz. Estudió danza con Waldeen von Falkenstein y danza folklórica en la Escuela Nacional de Danza. También siguió cursos de música en el Conservatorio Nacional de Música. En 1938 atendió cursos impartidos por Estrella Morales, y enseñó la coreografía que había aprendido de forma autodidacta desde 1940 hasta 1945, mientras bailaba como bailarina del Ballet de Bellas Artes, en la Ciudad de México. Posteriormente se involucró en la creación de la Academia de la Danza Mexicana y el Ballet Nacional. Después de 1960 se retiró.
Murió en su casa en Santiago de Querétaro el 6 de noviembre de 2013, a los 92 años.
Reconocimientos
Se le otorgó el Premio Nacional Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 1979 y el Premio Nacional de Danza José Limón (1989). Es considerada figura principal de la danza moderna mexicana.
Jaddanbai Hussain (1892 - 8 de abril de 1949); conocida profesionalmente como Jaddanbai fue una cantante, compositora, bailarina, actriz, cineasta y una de las pioneras del cine indio. Fue una de las primeras compositoras de música en el cine indio. Fue madre de Akhtar Hussain, Anwar Hussain y la conocida actriz hindi Nargis , y abuela materna de Priya Dutt y Sanjay Dutt .
Jaddanbai Hussain nació alrededor de 1892 en Miajaan y Daleepabai, hija de uno de los bailarines más renombrados de chilbila, Meja Allahabad . Su madre, Daleepabai, solía ser conocida como Dilipa Devi y era de una familia de brahmanes hindúes antes de ser secuestrada cuando era niña por un grupo errante de personas que entrenaban y dirigían bailarines. Se preparó a fondo y tuvo mucho éxito en esta profesión, trabajando como cantante y bailarina. Luego, sus gerentes arreglaron su matrimonio con un Sarangi.jugadora empleada por la compañía a quien su madre solo conocía como Miyan Jaan. Miyan Jaan murió cuando tenía cinco años. Jaddanbai se mudó a la ciudad y se convirtió en cantante, pero tuvo dificultades debido a su falta de formación formal. Más tarde se acercó a Shrimant Ganpat Rao (Bhaiya Saheb Scindia) de Calcuta y se convirtió en su alumna. Shrimant Ganpat Rao murió en 1920 cuando aún era estudiante, por lo que completó su formación con Ustad Moinuddin Khan. Más tarde también entrenó con Ustad Chaddu Khan Saheb y Ustad Laab Khan Saheb.
Su música se hizo popular y se convirtió en una cntante aún más famosa que su madre. Comenzó a grabar gazales con la Columbia Gramophone Company yva participar en sesiones de música y fue invitada por los gobernantes de muchos estados principescos . También había interpretado canciones y gazales en varias estaciones de radio de todo el país.
Más tarde comenzó a actuar cuando Play Art Photo Tone Company de Lahore se acercó a ella para un papel en su película Raja Gopichand en 1933. Interpretó el papel de la madre del personaje principal y continuó con una compañía cinematográfica que se movia por distintas ciudades de India .
Trabajó en dos películas más, Prem Pariksha y Seva Sadan , antes de comenzar su propia compañía de producción llamada Sangeet Films. La compañía produjo Talashe Haq en 1935, en la que actuó y compuso la música. También presentó a su hija Nargis como artista infantil. En 1936 actuó, dirigió y escribió la música de Madam Fashion .
A pesar de ser musulmana nominal y de que su esposo se convirtió formalmente al Islam, Jaddanbai y su familia practicaban aspectos del hinduismo, fluctuando entre una identidad hindú y musulmana. Jaddanbai a veces era conocido por el alias "Jayadevi Tyagi", un nombre hindú, incluso en algunos documentos oficiales. Es suegra de Sunil Dutt y abuela de Priya y Sanjay Dutt .
Pepita de Oliva de nombre real Josefa Durán y Ortega, (nacida en el barrio del Perchel de Málaga en 1830, fallecida el 1 de marzo de 1871 en Turín) fue una bailarina española, abuela de la escritora inglesa Vita Sackville-West.
Fue miembro del coro de ballet de Madrid. Se hizo célebre bailando la cachucha o la danza llamada Olé. En 1852 se trasladó a Alemania y debutó por primera vez allí en Stuttgart con éxito. Desde Leipzig, donde también tuvo un gran éxito, su reputación fue reforzada y ampliada aún más con su actuación en Berlín en 1853. Durante el período de Berlín vivía en un castillo cerca de Hakenfelde Spandau. Desde entonces bailó en todos los principales teatros de Alemania. Más tarde fue a Múnich y actuó allí en febrero de 1856 por primera vez como la muda Fenella (papel de bailarina) en la ópera Masaniello, o La muda de Portici de Daniel-François-Esprit Auber. Sus numerosas actuaciones por el Imperio austrohúngaro y su fama en el mismo dejó incluso un testimonio léxico de su fama: su nombre de pila forma parte del vocabulario checo al designar un tipo de tela con diminuto ajedrezado de color negro y blanco que ella solía utilizar en sus actuaciones. La palabra también se descubre en polaco —pepitka— y en alemán —der/das pepita.
Pepita de Oliva, Lithografia de Eduard Kaiser, 1859
Se enamoró del aristócrata y diplomático Lionel Sackville-West, secretario de la Embajada de Inglaterra en Alemania, aunque estaba casada con su maestro de baile, Juan de Oliva, del que tomó el nombre artístico; Lionel también contaba con esposa, pero ellos continuaron viviendo juntos y se instalaron en Arcachón (Francia); llamaron a su residencia Villa Pepita. Allí nacieron sus hijos: Maxilien, Flora, Amalia, Henry y Victoria, futura madre esta de la escritora bisexual Vita Sackville-West, la cual escribió un libro sobre su abuela andaluza, Pepita (Barcelona: Tusquets, 1989). Pepita Oliva murió de sobreparto a los 41 años, y tras su fallecimiento los hijos de la pareja reclamaron la paternidad del diplomático.
En Pepita, Vita Sackville-West relata la historia de su abuela documentándose con los recuerdos familiares y con las pesquisas realizadas por un investigador contratado por la familia para demostrar la paternidad y reivindicar a su madre, Victoria, repudiada por la conservadora sociedad victoriana que rechazaba a la niñas de la relación adúltera pero que terminará sin embargo casada con su primo e instalada en la lujosa mansión de Knole donde nació la escritora.
Pepita de Oliva era su nombre popular. Su nombre artístico era Josefa de la Oliva y su nombre de nacimiento completo Josefa Durán y Ortega.
August Conradi, autor del Berliner Couplet, le dedicó la Pepita Oliva Polka y Johann Strauss hijo le dedicó la polca Pepita, (Polka-Pepita, opus 138). También existe una marcha militar compuesta en su nombre que se llama la marcha Pepita (Pepita-Marsch).
Carmen Amaya Amaya (Barcelona, 2 de noviembre de 1918 - Bagur, Gerona, 19 de noviembre de 1963) fue una bailarina, cantante y actriz española.
Desde pequeña se conoce con el sobrenombre de La Capitana, cuando se inició en el flamenco acompañando a su padre. Su padre Francisco Amaya, también conocido como "el Chino" fue un guitarrista pobre que se ganaba la vida tocando por las tabernas de su pueblo de noche y de día. Cuando tenía tan solo cuatro años, Carmen empezó a salir con su padre por las noches a buscarse la vida. El hombre tocaba la guitarra mientras la pequeña Carmen cantaba y bailaba. Después, se dedicaban a pasar la mano, o a recoger las monedas que el público les había arrojado al suelo.
Al mismo tiempo comenzó a aparecer en algunos teatros que carecían de prestigio alguno. Según sus propias palabras, debutó en el Teatro Español del Paralelo en la compañía de cómicos de Josep Santpere, un avispado empresario de variedades el cual fue el primero en fijarse en Carmen y llevarla a una categoría mayor, y Josep Bergés. Sin embargo, su edad era un gran inconveniente ya que esta no le permitía trabajar legalmente, y forzaba a una constante tensión, por lo que es bastante probable que la fecha de nacimiento de la artista que consta oficialmente no corresponda a la realidad según investigaciones recientes realizadas. Su etnia también puede ser una de las causas por las que su fecha de nacimiento es actualmente un enigma, ya que según Montse Madridejos, doctora en Historia de la Música por la Universitat de Barcelona e investigadora sobre la historia del flamenco, mostrando un especial interés en Carmen Amaya: "En ese momento, una gitana ni se bautizaba ni se registraba".
Probablemente, su primera actuación en un teatro fuera con la obra La Campana de Gràcia o el Fill de la Marieta (secuela de la tan coreada La Marieta de l’ull viu) estrenada el 7 de junio de 1924.
Poco tardó en dar un gran salto para actuar en París con gran éxito, en el Teatro Palace. Aprovechando su estancia en París, el director de cine Benito Perojo se fijó en el Trío Amaya (formado por Carmen, su tía Juana y su prima María) para ambientar “a lo flamenco” unas secuencias de su película La Bodega. La aparición de Carmen Amaya bailando por zambra en esta película de 1929 puede considerarse el mejor documento para descartar que naciera en 1913, como se ha escrito con poco fundamento desde que murió en 1963. La niña, muy niña, que baila con su tía y su prima, no parece tener mucho más de 11 años.
En 1929, fue la primera vez que su nombre apareció en letra impresa, trabajando en Barcelona en el escenario de La Taurina gracias al crítico Sebastián Gasch, quien escribió un artículo en el seminario Mirador sobre Carmen muy elogioso, y le reportó reconocimiento general por su talento como bailaora.
Ya en aquella época la vio bailar Vicente Escudero, bailarín, bailaor, coreógrafo y pionero en la renovación del flamenco, leyenda del baile español, quien aseguró que Carmen Amaya haría una revolución en el baile flamenco ya que representaba la síntesis de dos grandes estilos: el de la bailaora antigua y el estilo trepidante del bailaor en sus variaciones de pies.
En 1930, formó parte de la compañía de Manuel Vallejo, actuando por toda la geografía española. A su regreso a Barcelona bailó en el Teatro Español, recomendada por José Cepero.
En 1929, figuraba en el cartel del tablao Villa Rosa de Madrid y, en 1930, actúa en la Exposición Internacional. La contrata el empresario Juan Carceller para una gira en la que recorre varias capitales, entre ellas San Sebastián, en 1935, presentándola en Madrid, Luisita Esteso, durante un espectáculo en el Coliseum. Esta actuación fue seguramente la auténtica consagración de Carmen a nivel nacional.
El mismo año trabaja en el Teatro de la Zarzuela, con Conchita Piquer, Miguel de Molina y otros destacados artistas, y en el Fontalba. También el mundo del cine se fijó en ella y desde su primera intervención en el cine interpretando un pequeño papel en la película La hija de Juan Simón, con Angelillo, en 1935 hasta su última en Los Tarantos se descubre en su baile el valor del más puro baile flamenco. Sus películas son trascendentales, pocas veces se han creado películas en torno a un único personaje como ella y ahí es donde ha quedado para la historia el baile de una mujer que convirtió la danza flamenca en espejo para todas aquellas bailaoras que se han definido como “bailaoras de temperamento”. También, en Barcelona, participa en una revista musical.
La llegada de la II República supuso un cambio a mejor en las condiciones de vida de toda su familia, los periodistas ya hablaban de ella, su caché subía y consiguieron abandonar la barraca de la playa para trasladarse a un piso en la calle de las Tapias, en el Barrio Chino.
A partir de 1933, sus actuaciones y éxitos se suceden, ya conocida como La Capitana. Apareció brevemente en la película de José Buchs Dos mujeres y un Don Juan y compartió escenarios con las figuras más relevantes del flamenco de esa época: La Niña de los Peines, Manuel Vallejo, Manuel Torres, José Cepero, los Borrull, Pastora Imperio, Niño Ricardo, Ramón Montoya o Sabicas, que se convertiría durante muchos años en su pareja artística a la guitarra.
El despegue definitivo, a nivel nacional, se produjo en 1935, año en el que el director José Luis Sáenz de Heredia la contrató como artista invitada en la película La hija de Juan Simón y Jerónimo Mihura hizo lo propio para el cortometraje Don Viudo de Rodríguez. Instalada con su familia en Madrid, actuó en multitud de salas, como el Teatro de la Zarzuela con Concha Piquer y Miguel de Molina y en otras localidades españolas, como Huesca, Sevilla, San Sebastián o Valladolid. Su primer papel como protagonista en el cine se lo proporcionó Francisco Elías para María de la O, rodada en 1936, meses antes de dejar España, al comienzo de la Guerra Civil.
En 1952 se casó con el guitarrista Juan Antonio Agüero, miembro de su compañía, un hombre perteneciente a una distinguida familia de Santander, que no era gitano. Vivieron una auténtica historia de amor, con una boda íntima. En el año 1959 Carmen vivió otro de los momentos más emocionantes de su vida, cuando se celebró la ceremonia de inauguración de la fuente a la que habían puesto su nombre en el Paseo Marítimo de Barcelona, que atraviesa el barrio de Somorrostro, los mismos lugares y la misma fuente por donde ella había paseado muchos años antes, con los pies descalzos y arrastrando sus miserias de niña.
En 1988 el Tablao de Carmen se fundó en el Pueblo Español como homenaje a Carmen Amaya en el mismo lugar donde bailó para el rey de España, AlfonsoXIII, durante la inauguración de la Exposición Internacional de 1929. El Tablao de Carmen expone parte del legado fotográfico de Carmen Amaya. La guitarra de su marido Juan Antonio Agüero (1930, por Santos Hernández) forma parte del patrimonio de la familia fundadora del Tablao y se toca en él en ocasiones especiales.
El 18 de julio de 1936, recién comenzada la Guerra Civil, con el golpe de Estado, Carmen Amaya y su troupe se encontraban en el Teatro Zorrilla de gira en Valladolid con el espectáculo de Luisita Esteso, trabajando en la compañía de Carcellé, gran empresario español que se dedicaba a la organización de grandes eventos en España. Por esos momentos las cosas ya les iban bien económicamente, y habían comprado su primer coche. Tenían que ir a Lisboa para cumplir un contrato, pero el coche les fue requisado y hasta noviembre no pudieron pasar a Portugal.
De allí cruzaron la frontera hasta Portugal y, tras un breve espacio de tiempo en Lisboa, se embarcaron rumbo a Buenos Aires en el buque Monte Pascoal, que tardó quince días en cruzar el Atlántico, haciendo escalas en Brasil y Uruguay.
Coincidiendo con la temporada veraniega (austral) en Buenos Aires, su compañía fue contratada para actuar en el Teatro Maravillas, estrenando espectáculo el 12 de diciembre de 1936. El éxito fue inmediato y apabullante: centenares de funciones ininterrumpidas, todo un año en cartel con el papel vendido y su fama creciendo como la espuma. El triunfo de Carmen Amaya y los suyos superó todas las expectativas. Fueron para quedarse solo cuatro semanas y, finalmente, vivieron allí durante nueve meses, ya que cada vez que Carmen actuaba el teatro se llenaba y las entradas llegaron incluso a venderse con dos meses de antelación. Buena muestra de la enorme popularidad que la artista consiguió en este país sudamericano, es la construcción del teatro que lleva su nombre: el Teatro Amaya.
El éxito que cosechó en Argentina le permitió presentarse en otros países como Uruguay, México y Cuba. En 1939, rodó en La Habana a las órdenes de Jean Angelo el cortometraje El Embrujo del Fandango, en el que actuó con un traje de inspiración bolera de color verde que fue inmortalizado por Ruano Llopis en su famoso cuadro dedicado a “Carmen Amaya, prodigio del arte flamenco, con admiración y afecto”, en junio de 1939, en México.
En la capital mexicana debutó en el Teatro Fábregas en abril de 1939 y se mantuvo hasta agosto de ese mismo año, con incursiones en otras localidades como Guadalajara (actuó en el Teatro Tívoli el 24 de junio) o Torreón (en cuya plaza de toros actuó el 16 de julio). De enero a abril de 1940 actuó en la sala El Patio de México D.F. junto al bailarín Antonio Triana quien, según su mujer Rita de Triana, fue el intermediario entre Carmen y Sol Hurok, el mánager de estrellas norteamericano quien la anunció como "El Vesubio humano" y quien la contrató para debutar en Nueva York en 1941, donde pocas veces se encuentra en su historia que la danza y el flamenco hayan alcanzado tanto éxito como obtuvo en sus tiempos Carmen Amaya. De estos años son los elogios del director de orquesta Arturo Toscanini declarando: “nunca en mi vida he visto una bailarina con tanto fuego y ritmo y con una personalidad tan maravillosa”, o los de Leopold Stokowski: “¿qué diablo será el que lleva en el cuerpo?”
Además, parece ser que durante buena parte de aquellos años en América la bailaora mantuvo una relación sentimental con Sabicas, quien declaró poco antes de su muerte que Carmen y él habían sido novios durante nueve años, y que se habían separado en México.19
En América, Carmen Amaya conoció a muchas de las personas más influyentes de su tiempo. En 1941 viaja a Nueva York, y actúa en el Carnegie Hall, en el que solo actúan artistas de prestigio principalmente con espectáculos de música o ballet clásico, en unión de Sabicas y Antonio de Triana.
Carmen fue portada de multitud de revistas y la admiraron los más famosos astros del cine y el arte. Estuvo varias veces en Hollywood para rodar algunas películas y las personalidades más destacadas del cine, la música o la cultura quisieron verla bailar. El músico Toscanini fue un día a verla, y declaró que nunca antes había visto a una artista con más ritmo y más fuego que ella. Improvisaba continuamente, con tanta rapidez como perfección. En América conoció también a Roosevelt, el presidente de los Estados Unidos. Como anécdota se cuenta que este le regaló una chaqueta bolera con incrustaciones de brillantes tras verla actuar y la invitó a actuar en una fiesta en la Casa Blanca.
Desde 1942 en Hollywood, se convierte en una de las atracciones más grandes. Interpretó una versión de El amor brujo de Manuel de Falla, en el Hollywood Bowl, ante veinte mil personas, con la Orquesta Filarmónica. Intervino en un gran número de películas y grabó para diferentes compañías discográficas.
Vuelve a Europa y se presenta en el Teatro de los Campos Elíseos de París, para hacerlo más tarde en Londres, , y en teatros holandeses, desde donde pasa a México y después otra vez a Nueva York y Londres, para seguir por Sudáfrica y Argentina, retornando a Europa.
Cuando Carmen Amaya volvió a España en 1947 era ya una figura mundial indiscutible. Los largos años americanos le habían servido no solo para asentar profesionalmente su arte, sino también para que su leyenda creciera imparable. Por entonces, su baile era el flamenco más bravo que había subido al teatro. Pero no destacaba únicamente por su arte, también por su personalidad fascinante, que conquistaba a todos cuantos conocía, tanto por su baile como por sus imprevisibles comportamientos. Además de ser extraordinariamente generosa.19 Su reaparición en los escenarios fue en el Teatro Madrid con el espectáculo Embrujo español.
Obtiene un resonante éxito en el Princess Theatre londinense en 1948, y en su siguiente gira por América, recorre Argentina en 1950. Al año siguiente vuelve a bailar en España, presentándose en el Teatro Tívoli de Barcelona, después de varias actuaciones en Roma. Continúa actuando en Madrid, París, Londres, y diversas ciudades de Alemania, Italia y otros países europeos. En Londres, le felicita la reina inglesa, y aparece en la prensa una fotografía con el siguiente texto: «Dos reinas frente a frente». La Europa del norte, Francia, España, Estados Unidos, México y América del Sur son los itinerarios que sigue con su elenco en los años siguientes. En 1959, alcanza un gran triunfo en el Westminster Theatre de Londres y en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, inaugurándose en Barcelona la Fuente de Carmen Amaya en su antiguo barrio del Somorrostro, en medio del homenaje popular; con este motivo se celebró una función benéfica en el Palacio de la Música Catalana.
Su enfermedad se vio agravada por el rodaje de su última película, Los Tarantos, de Rovira-Beleta (1963). A pesar de los inconvenientes, Carmen lo sobrellevó con gran entereza, y al acabar el rodaje de la película, iniciaron la gira de verano. Cuando actuó por última vez en Madrid, Carmen Amaya estaba ya enferma de muerte. Finalmente, su enfermedad le impide continuar, una especie de insuficiencia renal que le impedía eliminar debidamente las toxinas que su cuerpo acumulaba. Los médicos no pudieron encontrar ninguna solución a su problema y bailó por última vez en Málaga. El 8 de agosto de 1963, cuando estaba trabajando en Gandía, Carmen no llegó a terminar su actuación. Estaba bailando uno de sus números, cuando de pronto le dijo a Batista: "Andrés, terminamos".
Los últimos diez años de su vida los vivió rodeada de gente y casi santificada. No solo por su público, sino por quienes trabajaban con ella. Su genio era instintivo, animal, tenía poco que ver con los aprendizajes académicos.
Su muerte, de una enfermedad renal a los 45 años, constituyó una gran aflicción para todo el mundo flamenco, siéndole otorgada la Medalla del Mérito Turístico de Barcelona, el Lazo de Dama de la Orden de Isabel la Católica y el título de Hija Adoptiva de Bagur.
Su entierro convocó a un gran número de personas gitanas y no gitanas de Cataluña así como de distintos puntos del resto de España y Francia.
En el año 1964, los maestros León y Solano compusieron la copla Aquella Carmen dedicada a la memoria de Carmen Amaya, que decía: Se murió Carmen Amaya, y España entera lloró.
Su fallecimiento constituyó una gran aflicción para todo el mundo flamenco, siéndole otorgada la Medalla del Mérito Turístico de Barcelona, el Lazo de Isabel la Católica y el título de Hija Adoptiva de Bagur. Su entierro convocó a un gran número de gitanos de distintos puntos de España e incluso de Francia.
Enterrada en Bagur, donde vivió sus últimos días, sus restos fueron trasladados en el año 1970 al cementerio de Ciriego de Santander, donde descansan en el panteón de la familia de su marido, el guitarrista Juan Antonio Agüero.
Tres años después de su defunción, en 1966, se inauguró su monumento en el Parque de Montjuic de Barcelona, y en Buenos Aires le fue dedicada una calle, mientras que en Madrid, en el Tablao Los Califas, se le tributó un homenaje en el que intervinieron entre otros artistas como Lucero Tena, entre otros. También en 1970, se le rindió homenaje en Llafranch (Gerona).
La personalidad de Carmen Amaya, ha sido glosada por diversos críticos, flamencólogos y escritores, así como por los poetas, entre ellos Fernando Quiñones, autor del poema Soneto y letras en vivo para Carmen Amaya. De estos comentarios transcribimos una selección: Vicente Marrero:
En julio de 2018 la Asociación “Herstóricas. Historia, Mujeres y Género” y el Colectivo “Autoras de Cómic” creó un proyecto de carácter cultural y educativo para visibilizar la aportación histórica de las mujeres en la sociedad y reflexionar sobre su ausencia consistente en un juego de cartas. Una de estas cartas está dedicada a Carmen Amaya.
El flamenco, claramente vinculado a la sociedad gitana española desde finales del siglo XVIII, se había atenido a unos roles de género. El papel del hombre y el de la mujer han estado claramente diferenciados en muchos aspectos. Desde la mayor presencia masculina en las expresiones artísticas flamencas de finales del XVIII, principios del XIX, hasta la clasificación de palos más propios de hombre o de mujer e incluso de bailes propios de un género u otro.
Carmen revolucionó el baile que se hacía en ese momento. Fue el comienzo de una nueva escuela, una manera diferente de bailar para la mujer en una época donde el feminismo aun ni existía[cita requerida].
La aparición de Carmen Amaya supuso un punto de inflexión en el baile flamenco en general, y en el baile de mujer en particular. Revolucionó la forma de baile generalizada hasta la fecha, en la que la mujer se lucía básicamente con marcajes, desplazamientos, quiebros y braceos y el zapateado quedaba relegado al uso de técnicas muy simples (tanto rítmicas como de ejecución) y apenas se usaba como adorno y en los finales.
Carmen rompió estos esquemas ofreciendo un baile propio, en el que los gestos y marcajes no obedecían a figuras estéticas sino a las emociones que experimentaba la bailaora, la fuerza y libertad que primaban en cualidades reservadas hasta el momento para el hombre así como el carácter propio del palo que interpretaba. Una de las formas de expresión de ese genio fue (y es) sin duda, la fuerza expresiva y rítmica de su zapateado. Sus bailes incorporaban una o dos letras pero el gran protagonismo lo tenían las escobillas en las que derrochaba toda su gran riqueza rítmica y el indudable virtuosismo de su zapateado, tanto por las técnicas como por la velocidad. Además el baile a veces era interpretado con pantalón, en lugar de vestido. Esa forma de bailar única, pues llevaba un sello absolutamente personal de reconocimiento y lucha, dejó huella en una generación de bailaoras que se iniciaban en el momento de más esplendor de Carmen: la Singla, la Chunga, Juana Ximenis, la Chana...
Fue una artista genial, de inimitable estilo, dinamismo fulminante y temperamento personalísimo, son inolvidables sus alegrías, zapateados, fandangos, soleares y bulerías. De ella dijo Vicente Escudero: “La vida de Carmen ha sido pura leyenda y todo el mundo debería haberla visto bailar por lo menos una vez. Ha sido una bailaora única por su electricidad, por el genio y la rabia de sus figuras”. Y el gran Antonio corroboró: “La mejor. No habrá nunca otra como ella”.
Con su forma de bailar, Carmen Amaya demostraba que para ella el flamenco era sentimiento, alma y pasión. Su baile parecía surgir de rabia y violencia contenidas, lo que hacía que lo ejecutase con una velocidad y fuerza asombrosas. Hoy sigue siendo modelo de una forma de entender el baile y el flamenco.
Actualmente, el legado de Carmen Amaya sigue vigente. Baile de fuerza y de compás, intensidad y poder. Una forma de expresión que rompió con la dulzura del baile flamenco que había dominado hasta entonces.
Filmografía
Carmen Amaya ha sido la encarnación del baile flamenco por excelencia. Su baile ha quedado reflejado en una gran cantidad de películas.
1929 - La bodega. (Primera aparición en el cine, siendo niña).
1934 - 2 mujeres y 1 Don Juan.
1935 - La hija de Juan Simón. (Carmen Amaya baila sobre una mesa, con castañuelas).36
1935 - Don Viudo de Rodríguez.
1936 - María de la O.37 (Carmen Amaya es la protagonista).
1939 - El Embrujo del Fandango.39 (Cortometraje rodado en Cuba).
1941 - Original Gypsy dances.
1942 - Aires de Andalucía.
1942 - Panama Hattie.
1944 - Knickerbocker Holiday (Pierna de Plata).
1944 - Follow The Boys (Sueños de Gloria).
1945 - Los amores de un torero. (Largometraje rodado en México).40
1945 - See My Lawyer (Entiéndase con mi abogado).
1953 - Quand te tues-tu?
1954 - Dringue, Castrito y la lámpara de Aladino.
1955 - Música en la Noche.
1963 - Los Tarantos. (Su última película, en color, con secuencias inolvidables como el baile por bulerías).
