Selma Baccar cineasta, productora y política feminista tunecina

Selma Baccar o Salma Baccar (Túnez, Túnez, 15 de diciembre de 1945) es una cineasta, productora y política feminista tunecina.​ Es considerada pionera en el cine y en la política, en el primer ámbito es la primera mujer en rodar un largometraje en su país y en el segundo, además de crear manifiestos a través de sus películas centrados en los derechos de las mujeres, es la primera en dirigir un bloque legislativo en el poder legislativo tunecino.

Selma Baccar nació  en Túnez. Su familia se mudó a Hammam-Lif cuando ella tenía siete años.​ Creció como musulmana por sus padres y ha peregrinado a La Meca con su familia dos veces; sin embargo, se identifica como agnóstica.​ Estudió psicología de 1966 a 1968 en Lausana y se mudó de esa ciudad  para estudiar cine en París en el Institut Francais de Cinema. Se afilió a la Federación Tunecina de Cineastas Aficionados, donde trabajó como asistente de dirección de una serie de televisión tunecina.

A la edad de 21 años, en 1966, Selma Baccar comenzó a realizar cortometrajes junto con otras mujeres en el club de cine amateur de Hammam-Lif.​ Sus películas tratan sobre los problemas y los derechos de las mujeres en Túnez. Su primer cortometraje, realizado en 1966, fue una película en blanco y negro llamada L'Eveil, que abordó la liberación de la mujer en Túnez, misma que recibió elogios de la crítica. Baccar dirigió su primer largometraje en 1975 titulado Fatma 75, considerada como una "película pionera" en Túnez,4​ además de ser el primer largometraje dirigido por una mujer en ese país. Fatma 75 fue, según Van de Peer, "una película de ensayo feminista sobre el papel de la mujer en Túnez".​ La película utilizó un estilo didáctico para abordar el feminismo, por lo que escenas enteras fueron censuradas por el Ministerio de Información de Túnez y no pudo verse en salas de cine comerciales por muchos años.​ Su segundo largometraje, Habiba M'sika (1994), fue una película biográfica de una famosa cantante y bailarina tunecina, Marguerite Habiba Msika.​ En tanto Flowers of Oblivion contó la historia de Zakia, un adicto al opio en un hospital psiquiátrico en la Túnez gobernada por Vichy en la década de 1940.​ Selma Baccar es dueña de su propia productora afiliada a Intermedia Productions junto con otras directoras destacadas con el fin de hacer películas y comerciales.​ Baccar también ha producido varios cortometrajes.

El activismo de Baccar por los derechos de las mujeres tunecinas la llevó a tener una activa carrera política. Se convirtió en miembro del partido político Al Massar. En octubre de 2011 fue elegida miembro de la Asamblea Constituyente y en 2014 se convirtió en presidenta del grupo parlamentario de demócratas en Túnez y vicepresidenta del grupo demócrata, convirtiéndose con ello "la primera y única mujer en presidir un bloque parlamentario" en Túnez.

Filmografía

Películas destacadas

1976: Fatma 75

1994: Habiba M'sika / La Danse du feu / La danza del fuego

2006: Knochkhach / La Fleur de l'oubli / La flor del olvido

2017: El Jaida

Otras películas

1966: L'Eveil (director) (cortometraje)

1985: De la toison au fil d'or / The Golden Fleece (director) (cortometraje)

1989: Moon Child (Productor) (cortometraje) 7​

2010: Baydha (Tabou) (Productor)

2016: Peluche (Productor)

Series de televisión

1996: Le Secret des métiers

1997: Femmes dans notre mémoire

2002: Farhat Lamor ( Joie d'une vie )

2005: Chara Al Hobb

2006: Nwassi w Ateb

2006: Assrar âailya

2007: Chaâbane fi Ramadhane

2007: Kamanjet Sallema

2007: Layali el bidh

El Jaida

Premios y reconocimientos

En 1968, L'Eveil recibió un premio en los festivales de cine de Kelibia y Sfax.

En 1979, Fatma 75, ganó la medalla de oro en el Festival de Cine de Mannhiem.

2014: Caballero de la Orden Nacional del Mérito de Túnez

2015: Oficial de la Orden de la República de Túnez

https://es.wikipedia.org/wiki/Selma_Baccar

https://artify.tn/media/5d947641f388b9112bce8508/el-jaida

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Khadija Al-Salami cineasta activista por la libertad de las mujeres y las niñas

Khadija al-Salami (Saná, 11 de noviembre de 1966)​ es una directora y productora de cine yemení,​ reconocida principalmente por ser la primera cineasta femenina de ese país. Al-Salami reside en la actualidad en París. Ha sido nominada y ha ganado varios premios en importantes eventos relacionados con el cine a nivel mundial como el Festival Internacional de Cine de Dubái y el Festival de Cine Asiático de Vesoul, entre otros.​ Uno de sus documentales, I Am Nojoom, Age 10 and Divorced, fue elegido como la cinta yemení para participar en la categoría de la mejor película de habla no inglesa en la 89.ª edición de los Premios de la Academia,​ primera película de ese país en ser seleccionada para dicho galardón. Aunque el documental no ingresó en la lista final de nominados, se considera este hecho un gran logro para la industria del cine de Yemen.

En su infancia, al-Salami fue enviada a vivir con familiares luego del divorcio de sus padres tras reiteradas escenas de violencia doméstica por parte del padre. A los once años, fue obligada a contraer matrimonio y fue violada por su esposo.​ Algunas semanas después su esposo la llevó donde su tío, quien la repudió de inmediato y se la devolvió a su madre soltera. Ella escapó de la inmensa presión de la familia y la sociedad al encontrar un empleo en la estación de televisión local y al mismo tiempo asistir a la escuela por las mañanas, actividades que le brindaban mucha felicidad en medio de su difícil situación.​ A los 16 años recibió una beca para cursar sus estudios secundarios en los Estados Unidos. Posteriormente se inscribió en la Escuela para Mujeres de Mount Vernon en Washington D. C. Después de un período en Yemen y París, regresó a Washington para obtener su maestría en comunicaciones en la Universidad Americana. Como tesis de grado, al-Salami produjo su primera película.

Su primer largometraje, rodado en su totalidad en Yemen, fue I Am Nujood, Age 10 and Divorced.​ La película narra la historia real de Nujood Ali, la niña obligada a casarse más famosa de Yemen, quien contrajo matrimonio a los diez años y solicitó el divorcio en un tribunal.​ Al-Salami no quería contar solo la historia de Nujood, sino también la suya y la de muchas otras novias infantiles yemenitas, ya que esto permite que otras niñas comprendan los efectos de estos matrimonios.​ Para la creación de la película también se basó en su experiencia personal, al ser obligada a casarse  a los once años y sufrir de la violación por parte de su esposo. Ésta fue la única película de Khadija filmada en su natal Yemen, ya que al poco tiempo se radicó definitivamente en París.​ La cinta ganó el premio al mejor largometraje en el Festival Internacional de Cine de Dubái y también fue exhibida en otros reconocidos festivales.​ En 2016 I Am Nojoom, Age 10 and Divorced se convirtió en la primera película yemení en ser presentada para competencia en la categoría de mejor película de habla no inglesa en la edición número 89 de los Premios de la Academia.

Desde entonces ha trabajado principalmente en el ambiente del cine documental, destacándose su producción de 2013 The Scream (2013), documental sobre el levantamiento de Yemen de 2011 y sobre el papel de la mujer durante este acontecimiento. Su documental Stranger in Her Own City (2005) relata las repercusiones negativas que pueden tener las arraigadas tradiciones familiares en los países del mundo árabe.​ Al-Salami manifestó además que A Stranger in her own City "nunca fue presentada en la televisión yemení porque su contenido es demasiado controversial para las convenciones sociales del país".​ La cineasta creó esta película basada en el dolor propio que experimentó con su matrimonio infantil arreglado, así como la experiencia de una joven llamada Najmia que tenía 13 años en ese momento y atravesaba una situación similar.

Desde entonces al-Salami ha producido varios documentales para canales de televisión de Francia y de Yemen. El enfoque principal de sus documentales está en las mujeres, posiblemente como un reflejo de su experiencia de vida. También es coautora con su actual esposo, el estadounidense Charles Hoots, de una autobiografía titulada The Tears of Sheba.

Khadija hoy es considerada un ejemplo en su familia, paga los estudios de sus sobrinas y ha conseguido que ninguna haya sido obligada a casarse. Además, hace seis años creó unas becas para financiar la escolarización de 550 niñas yemeníes. También organiza talleres para concienciar a los padres sobre la importancia de que sus hijas vayan al colegio y los peligros del matrimonio precoz. 

Traemos una entrevista que nos permite escuchar a esta grandísima mujer :

 La entrevista es de Paka Díaz para  Woman.es el  20/4/2016,

WOMAN: ¿Por qué decidiste ser cineasta?

KHADIJA: Decidí estudiar cine porque ser una mujer en Yemen significa no tener voz, que nadie te escuche. Por eso desde niña decidí hacer lo contrario de lo que se suponía que debía de hacer. A través de las películas sabía que podía poner rostros a las mujeres y a sus historias, darles visibilidad y , sobre todo, ofrecerles un canal donde se pudieran expresar y que las escucháramos hablar de sus sueños sin sentir miedo.

Fuiste obligada a casarte a los once años. ¿Cómo conseguiste divorciarte?

Fue la experiencia más horrible de mi vida. Cuando, siendo una niña de once años, mi madre decidió obligarme a contraer matrimonio, al principio no sabía ni lo que eso significaba. Cuando lo descubrí, me sentí devastada. Intenté escaparme pero me cogieron. Me encerré en el cuarto de baño y golpeé mi cabeza contra la pared hasta hacerme sangre y desmayarme. Me forzaron a casarme y tuve que irme con mi marido a su casa. Allí, intenté suicidarme. Tuvieron que llevarme al hospital y entonces fue cuando mi madre se dio cuenta de que aquello iba en serio. A partir de ese momento, ella me apoyó siempre y me ayudó a pedir el divorcio. Para mi familia aquello era una deshonra así que nos repudiaron. Nos dijeron que ya no éramos parte de la familia.

¿Por qué tu madre, que a su vez había sido casada de niña, permitió que te casaran a ti?

Se lo he preguntado muchas veces. Ella misma ha estado toda su vida traumatizada porque se lo hicieron a ella. Siempre me dice que pensaba que era lo correcto, que era la tradición. No veía otra opción. Por eso es tan importante la educación.

¿Cuánta era tu diferencia de edad con el hombre con el que te casaron?

Me casaron con un hombre de treinta y tantos. Cuando tienes diez u once años, todo el mundo es demasiado mayor para ti. Aquello era una pesadilla. Muchas de las niñas yemeníes obligadas a casarse no sobreviven a la primera noche y muchas mueren dando a luz a su primer bebé. Las demás se ven sometidas a una vida de abusos constantes. El cuerpo de una niña no está desarrollado, ni tampoco está madura sexual ni psicológicamente. No se establecen relaciones sanas en un matrimonio así.

Procedes de una familia humilde. ¿Cómo conseguiste convertirte en la primera mujer cineasta yemení?

Cuando a mi madre y a mi nos repudió mi familia, tuve que buscar trabajo porque era libre pero también tenía que asumir toda la responsabilidad que conllevaba esa libertad. Empecé a trabajar por la tarde e iba a clase por las mañana. Estaba resuelta a estudiar, lo tenía muy claro. Acabé el instituto con 16 años y decidí aplicar para unas becas que daba una Ong norteamericana. Me la dieron y conseguí ir a estudiar cine a los Estados Unidos. Desde que acabé no he dejado de hacer películas.

Tu película ’10 años y divorciada’ refleja tu experiencia como niña casada y también la de Noyud Alí, una niña cuya autobiografía se hizo famosa porque consiguió divorciarse en un juzgado de Yemen. ¿Por qué uniste ambas historias?

Parte de la película refleja mi vida, otra parte la de Noyud y el resto es libre inspiración. Yo tenía mucho que contar de mi experiencia pero me interesaba la parte en que Noyud va a los tribunales a pedir el divorcio, cosa que en mi caso no ocurrió ya que su familia no quiso ayudarla. Noyud tuvo la ayuda de una Ong, en mi caso no existía esa posibilidad y estaba completamente sola. Únicamente mi madre se puso de mi parte tras mi intento de suicidio.

¿Sigues en contacto con Noyud? ¿Qué ha sido de ella?

Sí, tiene 19 años ahora. Lo que pasó es que el libro sobre su vida fue un éxito de ventas e hicieron mucho dinero, así que su editor compró una casa para ella, a su nombre lo que enfadó a su padre. Noyud se ha enamorado, se ha casado y ha tenido un bebé. Para mi ha sido una decepción porque yo deseaba que al menos acabara sus estudios y que fuera un ejemplo para otras niñas, pero ella ha preferido casarse. Al menos, ha sido ella quien ha elegido su vida, no su familia, ni nadie más.

¿Cómo fue el rodaje de tu película en Yemen?

Una auténtica pesadilla. No pude llevar a mi equipo francés porque no los aseguraba ninguna empresa, así que tuve que contratar uno de Egipto que siempre estaba quejándose y no creía en la película. No podía contar a nadie de que iba el guión, ni siquiera a los actores, porque me podía buscar problemas muy serios con los extremistas o con el gobierno. Cada día era una peligrosa aventura. Nos robaban material, hubo un atentado de Al Qaeda… Pasó de todo. Y un mes después de acabar el rodaje, Arabia Saudí comenzó a bombardear el país. Me hubiera gustado hacerlo en mejores condiciones, pero fue imposible. La parte artística no está tan cuidada como me hubiera gustado pero conseguimos acabarla y ahora se usa para mostrar a las niñas que hay salida y a sus familias que ese no es el camino.

¿Estás en contacto con tu familia en Yemen?

Sí. Antes me consideraban la oveja negra, pero ahora piensan que soy un modelo a seguir. De hecho, dependen de mi económicamente y he conseguido que todas mis sobrinas estudien. Mi hermana pequeña fue obligada a casarse, pero desde que cambiaron de opinión sobre mi, ya no hay matrimonios infantiles en mi familia.

Fuiste condecorada con la Legión de Honor francesa, el mayor reconocimiento que se otorga en el país…

Sí, me condecoró la ministra francesa de Cooperación y Desarrollo, Brigitte Girardin. Me llevó a Yemen y me la puso allí, pero lo mejor es que cuando me dijo que me la habían concedido, me preguntó si tenía alguna petición que hacer y le dije que el mejor premio que me podía dar era conseguir la liberación de Amina, una niña sobre la que yo había hecho un documental. Ella fue acusada de matar a su marido, pero se trataba de una niña a la que habían casado con once años. Cuando mató a su marido tenía 14 años y él la sometía a palizas constantes. Aquel día él la estaba intentando estrangular y Amina le clavó unas tijeras. Ella estaba condenada a muerte, no habían tenido en cuenta que fuera en defensa propia. La ministra consiguió que el entonces presidente Saleh la liberará y por eso, sí, la Legión de Honor ha sido el mejor premio de mi vida.

[Nota de la periodista: Lo que no cuenta Khadijah es que, desde entonces, ella ayuda económicamente a Amina para que estudie y consiga una vida mejor].

Antes has mencionado los bombardeos en Yemen, una guerra olvidada de la que apenas dan cuenta los medios. ¿Qué te parece esa dejadez ante un conflicto que ha acabado con la vida de miles de personas?

Yemen lleva un año y pico siendo bombardeado cada día. Caen cientos de bombas, todos los días pero nadie habla de ello porque es un país pobre y porque es Arabia Saudí la que principalmente es responsable de los bombardeos. Los saudíes tienen petróleo así que para los yemeníes los derechos humanos no existen. Es muy triste que solo se tengan en cuenta algunos países y otros no. La mayoría de los muertos en Yemen son civiles y está demostrado que atacan sin piedad a escuelas y hospitales. Quedan muy pocas infraestructuras en pie en el país. Todo es destrucción. Somos un país pobre pero muy rico en patrimonio cultural e histórico. Sesenta sitios arqueológicos han sido destruidos, eso por no hablar de todos los inocentes que han muerto. Es terrible. Y tengo que decir, con el corazón roto y una profunda tristeza, que nadie hace nada y nadie dice nada de lo que está pasando allí. No le importa a nadie. Es como si no existieran, es una vergüenza.

¿En qué estás trabajando ahora?

En un documental sobre un joven matrimonio francés que se ha convertido al Islam que va a instruirse a Yemen. Me interesa mucho porque yo misma he luchado toda mi vida para salir de ciertas tradiciones y me impresiona mucho que una mujer joven francesa tome una decisión así. Estoy haciendo este documental para tratar de entenderla porque me cuesta mucho. A su madre le sucede igual, no lo comprende. Por supuesto, tiene derecho a elegir lo que quiere hacer con su vida, está en su derecho. Pero me es difícil entender que una mujer decida por si misma entrar en un sistema que la va a encerrar, que la va a poner detrás. La forma en la que les enseña me da miedo. Son salafistas que vinieron de Arabia Saudí y estás extendiéndose por todo el país. Gente que piensa que si no estás con ellos eres un infiel y les está permitido matarte. Todo comenzó con la guerra de Afganistán y la URSS, reclutaron a jóvenes de muchos países árabes y los educaron con esa ideología. Cuando regresaban a sus países de origen fundaban madrasas, escuelas coránicas con ideas salfistas extremistas. Les damos recursos, los alimentamos pero ahora vamos a tener que luchar contra ellos porque se nos ha ido de las manos.

¿Cómo es la situación para las mujeres en Yemen?

Antes de la guerra había muchas activistas trabajando por los derechos de las mujeres. Hubo varias mujeres que llegaron a ministras y diputadas. Una cuota del 30% según la Constitución y se estaba estudiando hacer un referéndum para aprobar una ley contra el matrimonio infantil. Peor entonces la guerra estalló y todo se detuvo. Esa guerra está alimentando a los extremistas y ha detenido el progreso del país en general y de las mujeres en particular. Espero que cuando acabe la guerra no tengamos que empezar de cero otra vez, pero hay posibilidades de que eso ocurra. La prioridad ahora ya no son los derechos humanos o la situación de la mujer, sino la mera supervivencia de las bombas o encontrar alimentos básicos o agua. Eso me da mucho miedo.

¿Qué es lo que te parece más importante para mejorar la situación de la mujer?

Para la mujer, la educación es la clave, es lo más importante. Piensa en mi, una niña casada a los once años contra su voluntad, proveniente de una familia humilde y muy conservadora. Pero he conseguido salir de todo eso porque lo tenía muy claro. Y cualquiera puede conseguirlo si se marca un objetivo claro: estudiar. Tienes que ser más fuerte que aquellos que se interponen en tu camino. Todo el mundo lo puede conseguir como yo lo he hecho.

https://en.wikipedia.org/wiki/Khadija_al-Salami
http://cultura.elpais.com/cultura/2016/08/24/actualidad/1471994074_961804.html
http://www.elmundo.es/yodona/2016/06/25/576c046746163fbd758b463a.html
http://www.woman.es/lifestyle/ocio/entrevista-khadija-al-salami-directora-diez-anos-divorciada
https://blogs.acatlan.unam.mx/cineadictos/2017/03/01/me-llamo-nojoom-tengo-diez-anos-y-quiero-el-divorcio/
https://www.aup.edu/news-events/events/2015-04-02/evening-khadija-al-salami-0

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Ruth Orkin fotógrafa, fotoperiodista y cineasta

Ruth Orkin (3 de septiembre de 1921 - 16 de enero de 1985) fue una fotógrafa, fotoperiodista y cineasta estadounidense, vinculada a la ciudad de Nueva York y Hollywood. Mejor conocida por su fotografía An American Girl in Italy (1951). Fotografió a muchas celebridades y personalidades, incluidas Lauren Bacall , Doris Day , Ava Gardner , Tennessee Williams , Marlon Brando y Alfred Hitchcock . 

Ruth Orkin nació el 3 de septiembre de 1921 en Boston , Massachusetts , hija de Mary Ruby y Samuel Orkin.  Ruth creció en Hollywood, debido a la carrera de su madre como actriz de cine mudo. En 1931, recibió su primera cámara, una Univex de 39 centavos, y pronto comenzó a experimentar tomando fotografías de sus amigos y maestros en la escuela.  A la edad de 17 años, decidió moverse en bicicleta por su país, comenzando en Los Ángeles y terminando en la ciudad de Nueva York para la Feria Mundial de 1939 . Ella completó el viaje en tres semanas, tomando fotografías en el camino. 

Ruth asistió brevemente a Los Angeles City College para realizar reportajes fotográficos en 1940,  antes de convertirse en la primera chica mensajera en MGM Studios en 1941, citando su deseo de convertirse en directora de fotografía. Dejó el cargo después de descubrir las prácticas discriminatorias del sindicato que no permitían miembros femeninos.  Se unió al Cuerpo Auxiliar del Ejército Femenino durante la Segunda Guerra Mundial , en 1941,  en un intento de adquirir habilidades cinematográficas, como prometían los anuncios que promovían al grupo. Sin embargo, el intento no fue fructífero, y lo abandonó en1943 sin ningún entrenamiento en cine. 

En 1943, Orkin se mudó a la ciudad de Nueva York en busca de una carrera como reportera gráfico independiente. Comenzó a trabajar como fotógrafa de un club nocturno y recibió su primera asignación en 1945 de The New York Times por fotografiar a Leonard Bernstein.  Poco después, su carrera independiente creció  viajando a nivel internacional contribuyendo con  fotografías a las revistas ,Mira , Ladies' Home Journal , y otras.  A Orkin se le atribuye haber entrado en un campo muy masculino.

La imagen más famosa de Orkin es An American Girl in Italy (1951).  El tema de la fotografía ahora icónica era Ninalee Craig, de 23 años (conocida en ese momento como Jinx Allen). La fotografía era parte de una serie originalmente titulada "No tengas miedo de viajar solo".  La imagen representaba a Craig como una mujer joven que caminaba con confianza junto a un grupo de hombres italianos que mas bien la comían  con los ojos en Florencia.

 En artículos  más recientes, Craig afirmó que la imagen no fue puesta en escena, y fue una de las muchas tomadas durante todo el día, con el objetivo de mostrar la diversión de viajar solo. 

En 1952 se casó con Morris Engel fotógrafo y cineasta. Orkin y Engel colaboraron en dos grandes largometrajes independientes, "Little Fugitive" (1953) y "Lovers and Lollipops" (1955).  Después del éxito de las dos películas, Orkin volvió a la fotografía, tomando fotos en color de Central Park como se ve a través de la ventana de su apartamento. Las fotografías resultantes se recopilaron en dos libros, "Un mundo a través de mi ventana" (1978) y "Más imágenes de mi ventana" (1983). 

Orkin enseñó fotografía en la Escuela de Artes Visuales a fines de la década de 1970 y en el Centro Internacional de Fotografía en 1980.  Después de una larga batalla privada contra el cáncer, Orkin murió de la enfermedad en su departamento de Nueva York el 16 de enero. 1985.

 Reconocimientos 

Ganadora del 3er premio, Concurso de fotógrafos jóvenes de la revista LIFE, 1951

Una de las diez mejores fotógrafas de los EE. UU., Fotógrafos profesionales de América, 1959

1er Premio Cultural Anual de Manhattan, Fotografía, 1980

 

https://youtu.be/GlS56CDXiRo

https://en.wikipedia.org/wiki/Ruth_Orkin

https://www.xatakafoto.com/fotografos/ruth-orkin-la-pasion-por-fotografiar-como-un-estilo-de-vida

https://www.kutxa.eus/es/actualidad/10-arte/2469-kutxa-kultur-artegunea-2022-ruth-orkin-la-ilusion-del-tiempo.html

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Ulrike Ottinger cineasta y fotografa

Ulrike Ottinger (6 de junio de 1942) es una cineasta y fotógrafa alemana.

Desde 1959 fue estudiante visitante en la Academia de Artes de Munich y trabajó como pintora. Su madre, Maria Weinberg, era periodista y su padre, Ulrich Ottinger, era pintor.

De 1962 a 1968, Ottinger trabajó como artista independiente en París y estudió grabado con Johnny Friedlaender entre otros estudios participando en varias exposiciones.

Se ha dicho que las películas de Ottinger "rechazan o parodian las convenciones del cine de arte y buscan nuevas formas de construir el placer visual, creando varias posiciones de espectadores, generalmente descuidadas o marginadas por la dirección cinematográfica".  Sus películas incluyen elementos fuertes de estilización y fantasía, así como exploraciones etnográficas.

En 1966 escribió su primer guión, titulado Die Mongolische Doppelschublade.

Ottinger regresó a Alemania Occidental en 1969 y, en cooperación con el Seminario de Cine de la Universidad de Konstanz, fundó el club de cine "Visuell", que dirigió hasta 1972. También dirigió una galería y la "galeriepress" asociada, donde editaron obras de artistas contemporáneos.

Durante este tiempo conoció a Tabea Blumenschein y Magdalena Montezuma , quienes han sido elegidas como actrices principales en sus películas desde 1972. Ottinger desarrolló su propio estilo de película surrealista extraño, que entre otras cosas, estuvo marcado por el abandono generalizado de una trama lineal y, en cambio, perduran mucho tiempo en escenas individuales, que a su vez hacen que überstarke y disfraces extravagantes de la imaginación, en su mayoría mujeres, sean ingeniosamente diseñados para poseer collages.

Dirigió e hizo escenografía para Clara S. de Elfriede Jelinek en el Teatro Estatal de Württembergisches en Stuttgart en 1983, e hizo lo mismo para Begierde und Fahrerlaubnis de Jelinek en Graz en 1986. En 1989, su película Juana de Arco de Mongolia, con Delphine Seyrig, que actuó en muchas de sus películas, participó en el 39º Festival Internacional de Cine de Berlín. 

En 2003, Ottinger fue seleccionado para una exposición individual en la Renaissance Society en Chicago. Titulada South East Passage, la obra "está en tres capítulos: un diario de viaje del viaje del artista desde el sureste de Polonia hasta las costas búlgaras del Mar Negro y un retrato de dos ciudades costeras, Odessa y Estambul". South East Passage fue el primero de una serie de exposiciones en dos partes que explora el trabajo de video de Europa del Este. 

Con motivo del estreno en 2009 en Nueva York de The Korean Wedding Chest, con la presencia de Ottinger, The New York Times caracterizó al director como  representante  durante el apogeo de 1980 del Nuevo cine alemán, habiendo constituido un oposición femenina de vanguardia a los malhumorados melodramas masculinos de Wenders, Fassbinder y Herzog, sus películas son largas, discursivas y tremendamente ingeniosas . 

Las películas de Ottinger, con su preferencia por el lenguaje formal del Lejano Oriente es visible, convirtieron en las siguientes décadas, algunos documentales poco convencionales sobre la vida en varias regiones asiáticas. 

Ottinger también ha trabajado como fotógrafa, litógrafa y pintora.  Desde 2019, ha sido miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Ottinger ha residido en Berlín desde 1973. Siempre ha sido abiertamente lesbiana .

 

Filmografía
1972: Laokoon & Söhne (Laocoön & Sons)
1973: Berlin-Fieber (Película documental sobre el Happening Berlin-Fieber de Wolf Vostell)
1975: El encanto de los marineros azules [de] (Die Betörung der blauen Matrosen)
1976: VOAEX (Documental sobre la realización de la escultura de Wolf Vostell VOAEX en España)
1978: Madame X - Eine Herrscherin absoluta (Madame X: An Absolute Ruler)
1979: Boleto sin retorno (Bildnis einer Trinkerin)
1981: Freak Orlando
1984: Dorian Gray im Spiegel der Boulevardpresse (Dorian Gray en el espejo de la prensa amarilla)
1986: China. Die Künste - der Alltag (China. Las artes - el pueblo)
1986: Sieben Frauen - Sieben Todsünden (Siete mujeres, siete pecados)
1989: Juana de Arco de Mongolia
1990: cuenta regresiva
1992: Taiga
1997: Exil Shanghai (Exilio Shanghai)
2002: Südostpassage (Pasaje del sudeste)
2004: Zwölf Stühle (doce sillas)
2007: Prater
2009: Todavía en movimiento (corto)
2009: El cofre de bodas coreano
2011: bajo la nieve
2016: La sombra de Chamisso

https://en.wikipedia.org/wiki/Ulrike_Ottinger

http://www.canaleuropa.eu/es/entrevista/ulrike-ottinger/

http://www.ulrikeottinger.com

https://www.youtube.com/watch?v=8drA7IChyBM

https://www.museoreinasofia.es/multimedia/ulrike-ottinger

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María Raftery periodista de investigación, cineasta y escritora irlandesa

Mary Frances Thérèse Raftery (21 de diciembre de 1957 - 10 de enero de 2012) fue una periodista de investigación, cineasta y escritora irlandesa.

Nacida en Dubinn Raftery comenzó su carrera de periodismo de investigación con la revista In Dublin en la década de 1970, antes de pasar a la revista Magill y luego a Raidió Teilifís Éireann (RTÉ) en 1984. Su serie documental States of Fear se transmitió en la televisión irlandesa. canal Raidió Teilifís Éireann (RTÉ) en 1999.  Un libro que escribió más tarde ese año llamado Suffer the Little Children agregó más detalles a su afirmación de que el sistema de cuidado infantil irlandés entre los años 1930 y 1970 fue culpable de persecución y abuso generalizados. En 2000, una Comisión para la investigación del abuso infantil fue establecida por el Gobierno irlandés para examinar la evidencia: su informe fue publicado en mayo de 2009. Su programa " Cardinal Secrets " fue transmitido como un especial de Prime Time en RTÉ en 2002. Condujo a la creación de la Comisión Murphy de Investigación sobre abuso clerical en la Arquidiócesis de Dublín, que publicó el Informe Murphy en 2009.

Fue nominada para "NNI National Journalist of the Year" en 2011 por su trabajo en exponer el abuso clerical de niños

Raftery murió de cáncer de ovario en el Hospital de la Universidad de San Vicente el 10 de enero de 2012, a la edad de 54 años

Raftery fue mejor conocida por su serie documental 'States of Fear', que reveló el alcance del abuso físico y sexual sufrido por niños en escuelas industriales e instituciones residenciales irlandesas.

Condujo a la creación de la Comisión de Investigación sobre Abuso Infantil.

En 2002, su programa 'Cardinal Secrets' para Prime Time de RTÉ llevó a la creación de la Comisión de Investigación Murphy sobre abuso clerical en la Arquidiócesis de Dublín.

 Su padre trabajó en el servicio diplomático irlandés. y María Raftery era una de sus cuatro hijos- La familia se habia cambiado  de casa muchas veces antes de establecerse en Irlanda de forma permanente cuando tenía 12 años.

A fines de la década de 1970, dejó su curso de Ingeniería en UCD para trabajar para la revista In Dublin como subeditora y periodista.

Entre entonces y 1984, continuó escribiendo para Magill, donde su investigación sobre los antecedentes de una prominente familia de delincuentes profesionales de Dublín la alertó por primera vez sobre el efecto de las escuelas industriales en la vida de los niños comprometidos con ellos.

En 1984, se convirtió en una de las primeras personas sin título universitario en ser reclutada por RTÉ como productora / directora de televisión.

Luego pasó a tener una amplia carrera como creadora de programas, que incluyó el programa de artes 'Black Box', una serie en los medios llamada 'Slants' y el programa de la revista 'Evening Extra'.

En su trabajo en la serie de actualidad "Today Tonight", de 1986 a 1993, produjo programas sobre temas nacionales e internacionales.

De 1993 a 1995 fue productora de la serie de salud 'Chequeo'.

Su atención continua al sistema de salud dio lugar más tarde a programas, como el informe Prime Time de 2008 sobre mala práctica en el Hospital Our Lady of Lourdes, Drogheda y el 2004 'Prime Time Investigates: Bad Medicine', un galardonado relato de negligencia médica en Irlanda.

La Sra. Raftery trabajó para RTÉ desde 1984 hasta 2002, luego escribió una columna para The Irish Times y enseñó en el Centro de Estudios de Medios en NUI Maynooth.

También continuó produciendo programas para RTÉ, el último de los cuales, ' Behind the Walls ', se transmitió en septiembre de 2011.

Traducimos  parte del articulo parte del articulo publicaado en 2013 que nos habla de "la mujer que abrio nuestros ojos "

María Raftery, que murió muy joven en 2012, fue sin duda la periodista irlandésa más importante de los últimos 30 años. Los mejores periodistas tengo la esperanza de que puedan  reflejar con exactitud razonable la sociedad en que vivimos. María Raftery no acabo de reflejar la sociedad, ella cambió Irlanda, de manera significativa y para mejor.

La paradoja de su trabajo es que ella hizo  el lugar más decente y civilizado, en gran medida, mostrando  los lados indecentes e incivilizados . Ella era una optimista pasada de moda que creían que la verdad, aunque sea espantosa, nos hace libres.

María Raftery nació en Dublín en 1957, pasó parte de su infancia en el extranjero (su padre era diplomático), sobresalió en matemáticas,  física y  música y se fue a la Universidad de Dublín en 1975 para estudiar  ingeniería. que entonces era un área casi exclusivamente masculina.

Ella apareció por primera vez en The Irish Times en 1977, cuando su corresponsal de educación  Christina Murphy la entrevistó por haber sido elegida como la primera mujer agente del sindicato de los estudiantes a tiempo completo  : "Mary Raftery tenia 19 años, parecía de  alrededor de 14 y  hablaba  sobre su trabajo de una manera que te hacia pensar que podría tener 25 años . 

Ella nunca  termino su carrera y en su lugar comenzó a trabajar como periodista freelance, primero para la revista In Dublin y más tarde para Magill.

. El periódico Irish Independent escribió en su obituario para Raftery:

“Su trabajo ha tenido un impacto devastador en la sociedad irlandesa. Intrépido, implacable, incansable: tres palabras que son sinónimos de una periodista testaruda que hizo más que nadie en su profesión para arrojar luz sobre el capítulo más oscuro de la historia moderna de Irlanda " 

Mary Raftery ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera, incluido el Justice Media Television Award en 1999 y el Irish Film and Television Award, el Houston WorldFest Special Jury Gold Award en 2000 y la New York Festival Gold Medal , todos por States of Fear .

El Fondo de Periodismo Mary Raftery fue creado por amigos y colegas en 2012 para apoyar el periodismo de investigación, y en diciembre de 2018 transfirió sus funciones a la Universidad de la Ciudad de Dublín . Su Colección de Historia de los Medios de la Escuela de Comunicaciones presentó una exposición sobre Mary Raftery en 2019.

 El premio Mary Raftery se otorga al trabajo periodístico en áreas de la sociedad en Irlanda.

http://www.irishtimes.com/newspaper/weekend/2013/0209/1224329820961.html
https://en.wikipedia.org/wiki/Mary_Raftery
https://www.nytimes.com/2012/01/13/world/europe/mary-raftery-54-dies-documented-child-abuse-in-ireland.html
https://www.irishtimes.com/life-and-style/people/the-woman-who-opened-our-eyes-1.1251065

https://de.wikipedia.org/wiki/Mary_Raftery

https://www.dcu.ie/commsteam/news/2020/nov/shortlist-mary-raftery-prize-announced

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Ray Eames diseñadora, cineasta

Bernice Alexandra Kaiser Eames, (15 de diciembre de 1912-21 de agosto de 1988), fue un artista estadounidense, diseñadora, y cineasta. En asociación  con su esposo Charles Eames creó  Eames Office, fue responsable de contribuciones pioneras en el campo de la arquitectura, el diseño de muebles, el diseño industrial, la fabricación y las artes fotográficas.

Ray-Ray fue el apodo que su familia le dio a Bernice Alexandra Kaiser. Más allá de eso, poco se sabe de su infancia en Sacramento, aunque el talento artístico de Ray fue evidentemente reconocido desde el principio. Después de la escuela secundaria se fue de California con su madre viuda a la ciudad de Nueva York, donde estudió con el expresionista abstracto alemán Hans Hofmann y exhibió sus pinturas. Después de la muerte de su madre, Ray dejó Nueva York para continuar su formación en la Academia de Arte de Cranbrook, Michigan, donde Charles Eames fue uno de sus maestros y mentores. Después de divorciarse de su primera esposa, Charles se casó con Ray en 1941 en Chicago. La pareja se fue inmediatamente al sur de California, donde abrieron una oficina de diseño.

Con este movimiento comenzó una extraordinaria colaboración personal y artística, una asociación inusualmente creativa que resultó en diseños innovadores para muebles, casas, monumentos, exposiciones e incluso juguetes. Su objetivo era utilizar nuevos materiales y tecnología, de modo que los objetos cotidianos de alta calidad tanto en forma como en función pudieran producirse a un costo razonable. Muchos de sus diseños de muebles se han convertido en clásicos contemporáneos. Además, alteraron nuestra forma de ver el mundo mediante el uso de presentaciones multimedia a medida que desarrollaban presentaciones de diapositivas en múltiples pantallas para escuelas y corporaciones que presentaban objetos cotidianos de formas nuevas y sorprendentes. Juntos diseñaron innumerables exposiciones y dirigieron más de 80 películas experimentales.

Casa de Ray y Charles Eames

Ray y Charles Eames desarrollaron varios procesos de producción nuevos. Al principio, proporcionaron a la Marina estadounidense tablillas y camillas para las piernas durante la Segunda Guerra Mundial. Pero fueron las sillas que diseñaron a partir de esta madera contrachapada moldeada las que supusieron un gran avance después de la guerra. En los primeros años, Ray todavía pintaba y diseñaba textiles e ilustraciones de títulos para la revista “Art and Architecture”, pero después de 1947 se dedicó por completo al trabajo en equipo necesario para ejecutar y expandir su estudio de diseño. En poco tiempo, Eames Design, especialmente los muebles de madera contrachapada moldeada, plástico reforzado con fibra de vidrio, malla de alambre doblada y soldada y aluminio fundido, distribuidos por el fabricante, Herman Miller, les trajo un seguimiento internacional. Ya en 1949, la pareja pudo construir la casa de sus sueños en un hermoso prado con vista al océano en Pacific Palisades.

Charles fue el socio más carismático que le dio a la firma su rostro público, pero el registro fotográfico de su trabajo —hay pocos documentos escritos— deja claro que esta mujer diminuta, enérgica e ingeniosa era una compañera igualitaria en sus proyectos. Ray fue codirector de casi todas las películas, por ejemplo. Cada proyecto fue de hecho un esfuerzo de equipo, y en la década de 1960 la pareja tenía más de 50 compañeros de trabajo en su empleo. En la década de 1970, Ray estaba asumiendo un papel cada vez más público y las críticas de arte feministas llamaban la atención sobre sus contribuciones a Eames Design, pero es muy difícil aislar su “obra” dentro del complicado proceso de diseño. La llamada "silla Time-Life", por ejemplo, a menudo se le atribuye específicamente. Pero cuando se le preguntó sobre cualquier mueble específico, la propia Ray sostuvo que había contribuido a los detalles del diseño de “un millón de formas” y a la forma general al mirar el conjunto de manera crítica, pero eso era algo que todos en la oficina hicieron.

Se dice que Ray tenía una agudeza visual y una memoria excepcionales. Aunque a veces le resultaba difícil tomar una decisión, a menudo era su obsesiva atención a cada detalle en la elección del color, el material o incluso la forma básica de un mueble lo que conducía al resultado general agradable. A Ray le encantaban los objetos encontrados de todo tipo, y ella coleccionaba con amor los artículos para exhibirlos, organizándolos en una habitación o exposición de tal manera que creaban un efecto visual especial.

Después de la repentina muerte de Charles en 1978, la oficina se disolvió, aunque Ray terminó varios grandes proyectos que ya estaban en marcha, por ejemplo, la versión alemana de "Mathematica", una exposición diseñada originalmente para el Museo de Ciencia e Industria de California en Los Ángeles. En sus últimos años, Ray también se desempeñó como archivero jefe de su legado y colaboró ​​en varios libros sobre Eames Design. Su creatividad y productividad estaban tan entrelazadas con las de su pareja, que difícilmente parece una coincidencia que falleciera el mismo día que Charles exactamente diez años después. Siempre rigurosa por los detalles, ni siquiera una década había sido suficiente para que Ray ordenara los archivos según su meticuloso nivel.

Tomado del articulo de  Margaret E. Ward

En celebración de lo que habría sido el cumpleaños número 100 de Ray, Vitra renombrado una calle en su Campus de Basilea "Ray-Eames-Strasse 1" en su honor.

El 23 de febrero de 2013, una exposición de 3300 pies cuadrados titulada "Ray Eames: Un siglo de diseño moderno", abrió en el Sacramento, Museo de California. La exposición duró un año y contó con el trabajo producido por Ray antes de conocer a Charles en 1941, además del trabajo de The Eames Office.

wiki.net/wiki/Ray_Eames

https://www.revistaad.es/decoracion/articulos/charles-ray-eames/17112

https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/biography/ray-eames

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Olga Sommerová documentalista, profesora universitaria y política

 

Olga Sommerová (2 de agosto de 1949 en Praga ) es una cineasta de documentales, profesora universitaria y política checa. Desde febrero de 2014 ocupa el cargo de Vicepresidenta 1ª del Partido Liberal Ecológico (LES).  En la Cámara de Diputados , el 31 de mayo de 2021, reemplazó a Dominik Feri como miembro del Parlamento . 

En 1977 se graduó de la Facultad de Cine y Televisión de la Academia de Artes Escénicas - Departamento de Realización de Documentales. Trabajó brevemente como editora de documentales de la Televisión Checoslovaca (1979-1980) y luego como directora de Krátký film Praha hasta 1993. De 1991 a 2002 enseñó en la FAMU de Praga, y desde 1994 dirigió el Departamento de Realización de Documentales ocho años. En 1992, fue elegida presidenta del Senado Académico de FAMU. En 1995, a partir de la conferencia de habilitación "Cine documental - mi amor", fue nombrada profesora asociada. De 2005 a 2009 enseñó como profesora extraordinaria en la Academia de Artes de Banská Bystrica y como profesora externa en la Academia de Cine de Písek. Es miembro de la Asociación de Directores y Guionistas (ARAS) y de la Academia Checa de Cine y Televisión (CFTA). En abril de 2012, fue elegida presidenta de la Asociación Checa de Cine y Televisión FITES. 

Olga ha realizado ocho documentales con ella como directora de fotografía. y un documental autobiográfico sobre madre e hija llamado Entrevistas (no) censuradas. 

Desde 2001, ha sido la presidenta de la Sociedad Božena Němcová  y también ha estado involucrada en las iniciativas cívicas Público contra la Corrupción y Devuélvanos el Estado . Según Olga Sommer, "las mujeres son más maduras y de mejor calidad para la mitad de la humanidad" porque "se ocupan, muchas veces solas, de las cosas básicas de la vida, como el cuidado de los hijos o el amor de pareja.

A mediados de febrero de 2014 fue elegida Vicepresidenta 1ª en la Asamblea Constituyente del Partido Liberal Ecológico (LES), obteniendo 68 votos de 70 delegados. Defendió su posición en el parlamento en junio de 2017.  Se postuló para el tercer lugar en las elecciones al Parlamento Europeo de 2014, pero el partido LES no obtuvo buenos resultados. 

En las elecciones a la Cámara de Diputados del Parlamento de la República Checa en 2017, se postuló como miembro de la LES en el sexto lugar de la candidatura de Praga TOP 09 . No fue elegida, pero se convirtió en la primera diputada por voto preferencial. Tras el anuncio de la renuncia del diputado Dominic Feri en mayo de 2021 debido a un caso de acoso sexual y acusaciones de violación, anunció que asumiría el cargo.  Esto sucedió el 31 de mayo de 2021. 

Como directora de Krátký film Praha, lleva doce años realizando documentales para cines en formato de 35 mm. Tras la revolución de 1989, cuando se canceló la proyección de documentales en cines, realizó documentales para la Televisión Checa (ciclos GEN, GENUS, OKO, Cómo vivir ..., El alma perdida de la nación, Confesión, Muertes no claras, Prematuras Muertes, Decimotercera Cámara, EGO, Héroes Desconocidos).

En sus películas anteriores a 1989, abordó temas sociales y relaciones interpersonales, luego importantes personalidades y fenómenos de la vida social y artística, el feminismo y la historia reciente de su país. El ciclo de los presos políticos en la década de 1950 fue precedido por el rodaje de unas doscientas entrevistas con otros presos políticos. Esto creó un banco de archivo de la memoria de la nación, como la de Steven Spielberg con los sobrevivientes del Holocausto.

Ha realizado 122 películas por las que ha ganado cuarenta premios en festivales de cine nacionales y extranjeros, en los últimos años TRILOBIT 2013, Golden Kingfisher Final Pilsen 2013, Premio al Mejor Documental MIDA Shanghai 2013, 2do Premio ATLANT, Lipetsk, Rusia 2013, Crystal Globe Premio del Público en la 49a edición de Karlovy Vary IFF 2014, Evento del año, Radio Checa 2014). 

Basada en la exitosa película What Women Dream of, ha publicado tres libros de entrevistas del mismo nombre, y el libro What Men Dream of , que se han convertido en bestsellers.

https://cs.wikipedia.org/wiki/Olga_Sommerov%C3%A1

https://www.novinky.cz/domaci/clanek/olga-sommerova-nahradi-feriho-ve-snemovne-40361492

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Julia Cameron escritora inspiradora

Julia B. Cameron (nacida el 4 de marzo de 1948  ) es una profesora, escritora, artista, poeta, dramaturga, novelista, cineasta, compositora y periodista estadounidense. Ella se hizo más conocida  por su libro The Artist's Way (1992). También ha escrito muchas otras obras de no ficción, cuentos y ensayos, así como novelas, obras de teatro, musicales y guiones.

Julia Cameron nació y se crió en un suburbio de Chicago. Comenzó la universidad en la Universidad de Georgetown  luego se trasladó a Fordham. Comenzó su carrera de periodismo en el Washington Post, luego pasó a Rolling Stone.

Conoció a Martin Scorsese cuando lo entrevistó para Rolling Stone. Se casaron en 1976 y se divorciaron un año después.Tienen una hija, Domenica Cameron-Scorsese, nacida en 1976. Cameron y Scorsese colaboraron en tres películas.

Sus memorias en  Floor Sample detallan su descenso al alcoholismo y la drogadicción, que  la indujeron a perdidas de control , paranoia y psicosis.  En 1978, llegando a un punto en su vida en el que escribir y beber ya no podían coexistir,  Cameron detuvo las drogas y el alcohol, y comenzó a enseñar a desbloqueo creativamo  publicando el libro basado en su obra The Artist's Way.  Ella afirma que la creatividad es un auténtico camino espiritual.

Cameron ha enseñado cine, desbloqueo creativo y escritura. Ella ha enseñado en The Smithsonian , Esalen , el Instituto Omega de Estudios Holísticos , y el Centro Abierto de Nueva York.  En la Universidad Northwestern , ella fue escritora en residencia para cine.  En 2008 dio una clase en The New York Open Center, 

The Right to Write, nombrado y modelado según uno de sus libros más vendidos,  revela la importancia de escribir. Ella continúa enseñando regularmente en todo el mundo.

Cameron ha vivido en Los Ángeles , Chicago ,  en la ciudad de Nueva York ,  y Washington DC .

Bibliografía
No ficción
Nunca es demasiado tarde para comenzar de nuevo: descubriendo la creatividad y el significado en la mediana edad y más allá ( Tarcher , 2016)
El camino del artista para los padres: crianza de niños creativos ( Tarcher / Hay House , 2013)
El corazón próspero: crear una vida de "suficiente" ( Tarcher / Hay House , 2011; ISBN  978-1-58542-897-7 )
Fe y Voluntad: capear las tormentas en nuestras vidas espirituales ( Tarcher , 2010; ISBN  1585428019 )
La vida creativa: True Tales of Inspiration ( Tarcher , 2010)
El camino del artista todos los días: un año de vida creativa ( Tarcher , 2009)
Oraciones al gran creador: oraciones y declaraciones para una vida significativa ( Tarcher , 2008)
La dieta de la escritura: escriba el tamaño correcto ( Tarcher , 2007; ISBN  1-58542-571-0 )
Muestra de piso ( Tarcher , 2006; ISBN  1-58542-494-3 ), una memoria
Cómo evitar hacer arte (2006; ISBN  1-58542-438-2 ), ilustrado por Elizabeth Cameron
Cartas a un artista joven ( Tarcher , 2005)
El sonido del papel ( Tarcher , 2004; Hardcover ISBN  1-58542-288-6 )
Suministros: una guía de solución de problemas para dificultades creativas ( Tarcher , 2003; edición Rev & Updtd ISBN  1-58542-212-6 )
Caminando en este mundo ( Tarcher , 2003; edición de reimpresión ISBN  1-58542-261-4 )
The Artist's Way, edición 10th Annv ( Tarcher , 2002; ISBN  1-58542-146-4 )
Inspiraciones: Meditaciones de The Artist's Way ( Tarcher , 2001; ISBN  1-58542-102-2 )
Dios es perro deletreado al revés ( Tarcher , 2000; ISBN  1-58542-062-X )
Dios no es motivo de risa ( Tarcher , 2000; ISBN  1-58542-065-4 )
Suministros: un manual de piloto para Creative Flight (2000)
La agenda del artista ( Tarcher , 1999; ISBN  0-87477-653-8 ), ilustrada por Elizabeth Cameron Evans
Money Drunk Money Sober (Ballantine Wellspring, 1999; ISBN  0-345-43265-7 )
The Writing Life ( Suena cierto , 1999; ISBN  1-56455-725-1 )
Transiciones ( Tarcher , 1999; ISBN  0-87477-995-2 )
El camino del artista en el trabajo (Pan, 1998; ISBN  0-330-37319-6 )
Bendiciones ( Tarcher , 1998; ISBN  0-87477-906-5 )
El derecho a escribir: una invitación e iniciación en la vida de la escritura ( Tarcher , 1998; ISBN  1-58542-009-3 )
Pasos del corazón ( Tarcher , 1997; ISBN  0-87477-899-9 )
The Vein of Gold (1997; ISBN  0-87477-836-0 )
The Artist's Way Morning Pages Journal ( Tarcher , 1995; ISBN  0-87477-886-7 )
Encontrar el agua: el arte de la perseverancia ( Tarcher , 2006; ISBN  1585424633 )
El dinero bebido (1993)
El camino del artista (1992)



https://en.wikipedia.org/wiki/Julia_Cameron

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Jennifer Lee cineasta, escritora y oradora feminista

Jennifer Michelle Lee (22 de octubre de 1971 East Providence, Rhode Island, Estados Unidos ) es una guionista, directora y productora estadounidense, conocida por ser la directora y guionista de la película Frozen, con la que ganó el Óscar a mejor película animada.

  Nos dice : 

Crecí en Staten Island en Nueva York con un padre que era un oficial de policía y una madre que era trabajadora social. La vida no era aburrida.

Mi madre trabajó en Willowbrook State School, la institución obsoleta que albergaba a personas con discapacidad mental. Mi madre y varios otras  personas forzaron a cerrar la institución. Geraldo Rivera cubrió el escándalo en su programa de televisión. Esta fue la primera experiencia que tuve con la política, el poder y la capacidad de los ciudadanos para generar cambios.

Nos mudamos a Athens, Georgia, que no era el lugar moderno y genial que es ahora. De hecho, era una ciudad pequeña que todavía estaba luchando con las secuelas del Movimiento por los Derechos Civiles. Luego nos mudamos a Atlanta y pasé mis años de adolescencia viviendo en Quaker Meeting House en Little Five Points, en medio de la comunidad de artistas en Atlanta. Este barrio lo tenía todo, cineastas, actores, activistas homosexuales, activistas políticos, feministas y la vanguardia de la época. Me sumergí en la cultura. Me uní a una compañía de teatro de baile con Celeste Miller y fui voluntaria en Charis Books and More, la librería feminista local.

Después de la escuela secundaria, asistí a Hampshire College y al graduarme, me mudé a San Francisco con la intención de trabajar en Industrial Light and Magic de Lucasfilm en su departamento de óptica. Estaba emocionado de ver dónde se hacían los efectos visuales a través de la cámara y la película. Después de varios años y mucho trabajo duro, comencé a trabajar en el departamento de óptica como compositor en 1989.

Trabajé en muchas películas  mientras estaba en ILM, incluyendo FORREST GUMP, GHOST, BACK TO THE FUTURE 2, LA MUERTE SE CONVIERTE EN ELLA, THE ROCKETEER, THE HUNT FOR RED OCTOBER, HOOK y EN LA BOCA DE LA LOCURA.

Después de vivir en San Francisco durante algunos años, me mudé a Los Ángeles para ampliar mi experiencia cinematográfica. Trabajé con varios estudios de Hollywood, incluidos Warner Bros, Sony Imageworks y Technicolor. Trabajé como productora de efectos visuales, compositora, editora, editora de conformación intermedia digital y productora de efectos en miniatura. Mis créditos incluyen: RACE TO WITCH MOUNTAIN, THE HUMAN STAIN, KILL BILL vol. 1 + 2, DESTINO FINAL, HERBIE TOTALMENTE CARGADA, BEOWULF, PIRATAS DEL CARIBE y ENCANTADA.

Quería ser un cineasta independiente y hacer mis propias películas. La primera película que dirigí fue sobre una arquitecta del sudoeste poco conocida. Lo llamé MARY JANE COLTER: THE DESERT VIEW a. Fue narrado por Ellen Burstyn. Me atraía la historia de la Sra. Colter debido a su trabajo significativo e innovador que parecía desconocido para la mayoría de las personas.

Produje un festival de cine que se celebró en el Teatro Histórico de Winslow del año 2002-2004. Durante ese tiempo, el Winslow Film Festival proyectó películas independientes y organizó una serie de conferencias de efectos visuales con destacados profesionales que trabajaron en el campo.

 Mi propia película, FEMINIST: STORIES FROM WOMEN'S LIBERATION ganó el documental "Best of the Fest" en el Festival Internacional de Cine de Mujeres de Los Ángeles. Explora el significado de la segunda ola del movimiento de liberación de las mujeres y el efecto que tiene en nuestras vidas. Entre las entrevistadas se encuentran la autora y fundadora de NOW, Betty Friedan, las autoras y activistas Frances M. Beal, Robin Morgan, Sonia Pressman Fuentes, Betita Martinez entre otras feministas.

Hoy, estoy invitada a hablar en todo el mundo. Mi misión es que mis audiencias aprendan sobre la historia de las mujeres y vean a las mujeres de hoy como grandes líderes.

Mis conferencias han incluido British Library, Feminism in London Conference, Berkshire Conference on Women's History, Hampshire College, The Women, Action and Media National Conference, UCLA, Universidad de Colorado, Boulder, Girls Athletic Leadership School, Denver, CO, Loyola Marymount University, Southern Illinois University Edwardsville, University of Texas Dallas y la International Islamic University en Islamabad, Pakistán .

En 2014 , fui nombrada una de las Embajadoras Globales para el Proyecto Global de Monitoreo de Medios . El GMMP es el estudio en curso más largo sobre género en los medios del mundo.

https://en.wikipedia.org/wiki/User:Jennifer_H._Lee
http://www.feministstories.com/about-jennifer-lee
http://www.jenniferhalllee.com/
http://www.jenniferhalllee.com/#/about/

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Annik Leroy cineasta belga

Annik Leroy o Annick Leroy ( Bruselas, 27 de mayo de  1953) es una cineasta belga que vive y trabaja en Bruselas.

También es artista contemporánea de cine, vídeo y fotografía y enseña en ERG y Hogeschool Sint-Lukas (Bruselas).

En los últimos años, ha realizado un extenso trabajo sobre Ulrike Meinhof, una de las luchadores más activos del grupo Fraction Red Army.

Filmografia principal 

Paraíso terrenal (8 minutos, 1973)

Berlín - desde el amanecer hasta la noche (67 minutos, 1981), seleccionado en la Berlinale

Hacia La Mer (87 minutos, 1999), seleccionado en la Berlinale: ensayo cinematográfico en forma de road movie, desde la fuente del Danubio hasta su desembocadura.

Courtisane 2018 - Dissent! Annik Leroy from Courtisane Festival on Vimeo.


16 DE AGOSTO DE 2017  POR NADIN MAI

Temblor - Annik Leroy (2017)

Fue en el periódico nacional francés  Libération que encontré por primera vez la obra de Annik Leroy. Me agregué una nota y pensé que realmente necesitaba poner mis manos en su trabajo. Su última película  Tremor - Es ist immer Krieg es mi primera película de Leroy, y la encontré magnífica, embalsamadora e inquietante. Ni siquiera estoy seguro de por dónde empezar con esta película. Contiene mucho de lo que me gustaría hablar. Al mismo tiempo, me gustaría que las imágenes se prolonguen un poco más antes de intentar explicarlas con palabras. Así que veremos adónde nos llevará este post y tú.

Aunque todavía no puedo confirmarlo para el resto de su filmografía, Leroy es conocida por sus películas meditativas, a las que  Tremor  no es una excepción. Comienza con una imagen alucinante que hace que uno se pregunte dónde se encuentra uno. ¿Dónde está la parte superior, dónde está la parte inferior? ¿Está la cámara inclinada o es solo una ilusión? La primera imagen es, creo, una cadena montañosa, tal vez un volcán, pero filmada con una cámara que está de costado. El cielo está a nuestra derecha y no sobre nosotros. Esta desorientación a través de las ilusiones es una de las principales características de la película de Leroy. Hay varias escenas como la que acabo de describir, aunque algunas de ellas son mucho más directas.

Amo la simplicidad de esto; una cámara de lado, en el suelo, grabando un árbol solitario en un amplio campo. Es desorientador, y sin embargo sabes lo que ves. Esta curiosa discrepancia mantiene a uno ocupado, tal vez sorprende a uno, incluso más cuando Leroy gira la cámara sobre su cabeza. Estamos en un bote, pero el cielo está bajo nuestros pies, el agua sobre nuestra cabeza. Es lo opuesto a la libertad. Tenemos la eternidad debajo de nosotros, pero por encima de nosotros ... se siente limitado de alguna manera. A pesar de que el agua puede tener una profundidad aparentemente infinita, la inyección de Leroy sugiere lo contrario. Es más como colocarnos como un globo (como lo notó mi esposo) que está atascado en un techo, que quiere ir más lejos pero no puede hacerlo. Leroy nos mantiene encadenados, por así decirlo, lo que encaja bien con el tema de su película.

Dicho esto, tal vez no sea fácil identificar un solo tema en la película. Creo que  Tremor tiene múltiples capas, aunque el foco es la historia, la historia de Europa, del arte. Pero también se trata de brutalidad y violencia, de vacío. El temblor no contiene diálogo, es una cadena de monólogos, de lecturas de libros en parte. Solo al final de la película sabemos a quién pertenecen las voces que nos acompañan.

"Todos odiamos el poder que soportamos. Nos manipula y crea valores falsos ".

“El fascismo no comienza con las primeras bombas que arrojas, o con el terror del que se puede escribir en los periódicos. El fascismo comienza con la relación entre las personas ".

Son citas como estas que le dan un peso extraordinario a los cuadros de Leroy, tomas largas de lugares vacíos, ruinas, áreas en ruinas. El uso de blanco y negro y la quietud que prevalece en muchas tomas se suman al poder de la película. Especialmente la primera mitad de la película está vacía de gente, se siente casi apocalíptica, mejorada por citas de artistas y locos que hacen pensar. El temblor es una pieza de pensamiento; No es solo una película que obliga a pensar, sino que se piensa a sí misma. Sí, hay algunas películas que exigen un regreso al maravilloso libro de Daniel Frampton,  Filmosophy , y me parece que  Tremores uno de esos Nunca tuve la sensación de que hubiera un director, en todo caso, el director podría haber sido una guía para el desarrollo de la película, pero la película progresó de una forma que era natural para sí misma. Llevó al director a un viaje, no necesariamente al revés.

Tremor no podría ser más actual y creo que la película se estrenó justo en el momento adecuado, el mundo está destrozado debido a decisiones inexplicables en el escenario mundial de la política. El diseño de sonido de la película de Leroy es algo siniestro con respecto a esto y los monólogos que escuchamos: sirenas de ambulancias; Helicópteros sobre nuestra cabeza, pero simplemente no podemos verlos. ¿Son estas señales de advertencia? Señales de advertencia de lo que está por venir? Señales de advertencia de nuestra locura? Debería intentar ver la película por segunda vez para poder captar todo el poder de la creación cinematográfica de Leroy.

https://iffr.com/en/persons/annik-leroy
http://www.samsic.fr/fr/annick-leroy-sculpteur.html
http://www.aleroy.fr/
https://fr.wikipedia.org/wiki/Annik_Leroy
https://theartsofslowcinema.com/2017/08/16/tremor-annik-leroy-2017/

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