Thanpuying Puangroi Apaiwong ( 28 de diciembre de 1914 - 17 de agosto de 2000 ) fue considerada la primera compositora tailandesa. Su canción "Bua Kao" (Loto Blanco) es un clásico muy popular en Tailandia.
Thanpuying Puangroi Apaiwong, nacio como Mom Luang Puangroi Sanitwong en Bangkok . Aprendió a tocar la guitarra y el piano a una edad temprana. Después de graduarse de la Academia Wattana Wittaya en 1934 , pasó a estudiar música en el Trinity College de Londres.
Apaiwong es considerada la primera compositora tailandesa y saltó a la fama por su trabajo en el género tailandés Phleng Thai, que combina notación e instrumentos occidentales con estilos musicales tradicionales tailandeses. [ Compuso más de 100 piezas a lo largo de su carrera. Es más conocida por la canción "Bua Kao" (Loto Blanco), que escribió para la banda sonora de la película The Old Flame a finales de la década de 1930. La canción se ha convertido en un clásico muy conocido en Tailandia y fue reconocida por la UNESCO como "Canción de Asia" en 1979.
]
Como compositora, Apaiwong escribió canciones para obras de teatro y posteriormente para bandas sonoras de películas. También fue responsable de componer para la familia real tailandesa y recibiría cinco condecoraciones reales. Fue nombrado Artista Nacional de Tailandia por el Consejo Cultural Nacional en 1986. Además de componer, también enseñó música clásica occidental. El 28 de diciembre de 2019 , un doodle de Google celebró el 105.º cumpleaños de Thanpuying Puangroi Apaiwong.
Cécile Louise Stéphanie Chaminade (París, 8 de agosto de 1857 — Montecarlo, 13 de abril de 1944) fue una compositora y pianista francesa.
Cécile Chaminade nació en París y comenzó a estudiar música con su madre, continuando con Félix Le Couppey, Savart, Martin Pierre Joseph Marsick y Benjamin Godard.
Compositora precoz, con sólo 8 años interpretó alguna de sus piezas ante Georges Bizet, el autor de Carmen. Su popularidad aumentó a lo largo de su vida, desde su primer concierto, que dio con 18 años. Escribió sobre todo piezas para piano y canciones de salón. Su obra fue considerable, y en ella se puede mencionar una sinfonía dramática: Las Amazonas, opus 26, una Suite de orquesta, una ópera cómica La Sevillana, opus 10, un Trío n.º 2 para violón, violonchelo y piano, opus 34 y un Concertino para flauta y orquesta, opus 107. Entre sus 200 piezas para piano, en estilo romántico, destacan Estudio Sinfónico, opus 28; Seis Estudios de concierto, opus 35, Arabesco, opus 61; Seis Romances sin palabras, opus 76.
Ernestina Lecuona Casado (Matanzas, 16 de enero de 1882 - La Habana, 3 de septiembre de 1951) fue una compositora, pianista y docente cubana.
Ernestina Lecuona y Casado era hija de Elisa Casado Bernal (1862-1931) que el 7 de noviembre de 1885 se caso con el periodista Ernesto Lecuona Ramos (Santa Cruz de Tenerife, 1854 - Santa Cruz de Tenerife, 1902), quien había emigrado en 1880 a la ciudad de Matanzas ―la Atenas de Cuba―, 100 km al este de La Habana. . Ernesto y Elisa tuvieron doce hijos, de los cuales sobrevivieron solo siete: Luis, José, Elisa, Ernestina, Fernando, Teodoro y Ernesto. Su hermano menor era el pianista y compositor Ernesto Lecuona (1895-1963). El guitarrista y compositor cubano Leo Brouwer (1939-) es nieto de Ernestina Lecuona.
Cuando Ernestina era niña, su familia se radicó en la villa de Guanabacoa, una pequeña localidad histórica a 10 km al sureste de la capital cubana. Allí su padre desarrolló una notable labor periodística, fundamentalmente como director del diario El Comercio, Político y Mercantil, de La Habana. Ernestina empezó a estudiar piano con Antonio Planas en la academia de música del Centro Asturiano de La Habana, y los continuó en el Conservatorio Municipal de Música de La Habana (hoy Conservatorio Amadeo Roldán).
En 1895, cuando Ernestina tenía 13 años de edad, nació su hermano Ernestito (1895-1963) a quien enseñaría piano desde su más tierna edad.
Con suavidad, pero también con rigor y disciplina, se dedicó a formar al incipiente pianista que emergía en la modesta casa de la calle Cerería [ahora calle Estrada Palma] en Guanabacoa, quien, a los tres años, se sentaba al piano de sus hermanas y, utilizando los cinco dedos de la mano derecha y uno de la mano izquierda, se afanaba por tocar a pesar de no tener el más elemental conocimiento de la música. Ernestina con su piano y Elisa con su bandurria tenían la casa de Cerería siempre llena de música.
En 1897, a los 15 años de edad, Ernestina compuso su primera obra, Luisa (habanera), que ese mismo año fue publicada por la editorial de Anselmo López y distribuida ampliamente en Cuba y España.
Se siguió perfeccionando en el piano con la profesora francesa madame Lucía Calderón, que había enseñado en el Conservatorio de París y acababa de instalarse en La Habana en esa primera década del siglo XX.
En 1902, cuando Ernestito tenía siete años, su padre Ernesto ―de 48 años de edad― decidió trasladarse a Santa Cruz de Tenerife, su ciudad natal, para descansar. Un mes después se enteraron de que había muerto solo ocho días después de haber llegado.
Muy joven aún, Ernestina contrajo matrimonio con el médico de origen franco-holandés Juan Bautista Brouwer Etchecopar, quien llegó a Cuba a finales del siglo XIX y ejerció como profesor en la Escuela de Medicina Veterinaria de la Universidad de La Habana en la primera mitad del siglo XX. Tuvieron cuatro hijos: Elisa, Julieta, Ángel y Juan Bautista (este último sería el padre del guitarrista y compositor Leo Brouwer). La crianza de estos niños la obligó a abandonar su carrera musical durante largo tiempo. El piano de la casa quedó al servicio de su hermano Ernesto, a cuyos estudios e inicial carrera de concertista apoyaron ella y Brouwer.
En 1928 ―ya con 46 años de edad―, con sus hijos ya crecidos, Ernestina Lecuona, impulsada por su hermano ―ubicado entonces en la cumbre de su popularidad como pianista y compositor― retomó su faceta de compositora, letrista, pianista y acompañante de cantantes líricos nacionales y extranjeros en radioemisoras y teatros. Ese año dio a conocer el bolero Anhelo besarte.
A la usanza de los trovadores tradicionales de fines del siglo XIX y principios del XX, realizó contestaciones a obras de otros creadores. De tal manera, al Te odio de Félix B. Caignet respondió con su criolla ¿Me odias? (1928), estrenada en La Habana por el tenor italiano Leo Micheluzzi.
Desde su posición destacada como reconocida pianista acompañante, apoyó las carreras de varias jóvenes cantantes habaneras:
Fui presentada a Ernesto Lecuona cuando sus hermanas Elisa y Ernestina me llevaron a su casa, donde conocí a su mamá. Allí, Lecuona me propuso una tournée por Oriente, y el 11 de diciembre de 1929 salimos para Santiago de Cuba. Debuté el 13 de diciembre en el teatro Vista Alegre. La presentación era muy buena, con dos grandes pianos y el acompañamiento de Ernesto y Ernestina. El Canto indio me lo enseñó Lecuona tarareándomelo, en el tren, y así lo aprendí y lo canté: sin ensayo.
Rosario García Orellana (cantante, 1905-1997)10
En el mes de marzo de 1931 llegan ambos hermanos a México, donde triunfan con sus excelentes interpretaciones bajo la supervisión de Elisa Casado. Estando en México los sorprende un lamentable hecho: la muerte de su madre. Tras el fallecimiento, Ernestina Lecuona participa como pianista en un espectáculo de música cubana integrado por otros músicos y artistas cubanos, dirigidos por Ernesto.
En 1932, Ernestina conoció en la CMCA a la cantante habanera Esther Borja (1913-2013), y la integró a un programa de radio dirigido por ella, donde interpretaba canciones de la pianista. Cuando Ernestina la llevó a su casa salió de un cuarto una ancianita tocando las paredes (porque era ciega) y preguntó: «Ernestina, ¿quién está cantando?». Y Ernestina le contestó: «Es una jovencita que vino para que yo la escuchara, tía Carmen». Y la señora expresó: «¡Ay, Ernestina, cuando Ernestico la oiga!». Y Esther pensó: «¡Eso mismo es lo que yo necesito!».En esa primera audición con Ernestina, esta fue a su cuarto, trajo unas cuantas partituras, las tocó al piano y le sugirió que las aprendiera para su repertorio. Eran obras de María Cervantes (1885-1981), Fernando Anckermann Rafart (1890-1933), Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944), y otras grandes figuras.11
El 3 de agosto de 1935 formó parte de un concierto de música cubana celebrado en el Teatro Auditórium de La Habana (hoy Teatro Auditorium Amadeo Roldán), en el que interpretó La comparsa de Ernesto Lecuona, con un novedoso arreglo para ocho pianos, doce pianistas, voces y orquesta.12
Hizo, además, innumerables presentaciones con su hermano, quien le dedicó tres de sus obras: Danza negra, Mi vida es soñar (bolero) y Anhelo besarte (bolero).
En 1936, la Unión Panamericana la invitó a visitar Estados Unidos, donde entre el 11 y el 17 de diciembre presentó varias de sus composiciones en el teatro Cervantes, de Nueva York, con la colaboración de la soprano mexicana Margarita Cueto. En esa semana también acompañó con el piano al tenor mexicano Tito Guízar (1908-1999), quien cantó su canción Cierra, cierra los ojos en la radio NBC.13En Estados Unidos se puso en contacto con la cantante angloestadounidense Jessica Dragonette (1900-1980), quien añadió a su repertorio operístico algunas obras de la pianista.
En 1936, Ernestina viajó a Buenos Aires (Argentina) con su hermano Ernesto, la cantante Esther Borja ―a la sazón de 23 años― y el cantautor y pianista Ignacio Villa ―más conocido como Bola de Nieve―. Después de Argentina viajaron a Santiago de Chile, y regresaron a La Habana.11Pocos meses después hicieron otra gira por Panamá, Perú, Chile, Argentina, Uruguay y Brasil.11Recorrieron en una gira por casi todos los países de América Latina: Argentina, Brasil, Chile, Perú y Uruguay donde alcanzaron cierta popularidad. Al regresar a Cuba en 1937 fundó en La Habana la Orquesta de Conciertos, compuesta solo por mujeres. Con ella tocó ―dirigiendo desde el piano― en el Teatro Alkazar. En 1938 realizaron conciertos en el Teatro Nacional de Cuba.
En 1936 realizó su primera gira por Argentina, en compañía de Ernesto, Esther Borja y Bola de Nieve. Repitieron la visita en 1937, 1938 y 1940.15
Entre 1940 y 1942 hizo varias giras por Sudamérica, con su hermano Ernesto y con Bola de Nieve en una gira por casi todos los países de América Latina: Argentina, Brasil, Chile, Perú y Uruguay donde alcanza cierta popularidad.
En Argentina fue incorporada a SADAÍC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores).16
En 1942, la alcaldía de Matanzas la proclamó «Hija Eminente de Matanzas».16
A veces tocaba a dúo a cuatro manos con su hermano en estaciones de radio y en salas de conciertos como el Carnegie Hall (en 1948).
Como pedagoga se dedicó a la enseñanza del piano en su propia casa.
Falleció en La Habana, el 3 de septiembre de 1951, a los 69 años de edad.
En 1957, su amiga la cantante habanera Esther Borja grabó en La Habana el LP Esther Borja interpreta canciones inolvidables de Ernestina Lecuona, con orquesta y arreglos de Humberto Suárez.
Barbara Pentland (2 de enero de 1912 - 5 de febrero de 2000) fue una de entre los integrantes más destacadas de la generación de compositores canadienses que alcanzaron la madurez artística en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
Nacida en Winnipeg , Manitoba , Pentland sufrió un trastorno cardíaco que limitó significativamente sus actividades físicas y sociales durante su infancia. Como resultado, dedicó gran parte de su tiempo desde temprana edad a actividades académicas y otras actividades intelectuales. A los 9 años comenzó a estudiar piano en su ciudad natal en la Rupert's Land Girls' School. Pronto desarrolló un interés en la composición musical, pero sus primeras incursiones en esta área fueron fuertemente desaconsejadas tanto por su maestra como por su familia relativamente rica y conservadora, quienes veían la actividad como un pasatiempo excéntrico que era "demasiado emocionante para una niña delicada".
A pesar de las objeciones de su familia, Pentland continuó componiendo en privado cuando era una adolescente. Finalmente fue alentada en esta búsqueda por uno de sus maestros, el organista y director Frederick H. Blair , quien le enseñó piano y teoría musical mientras asistía al internado en Miss Edgar's and Miss Cramp's School en Montreal de 1927 a 1929. Luego estudió composición con la aprobación familiar en París en 1929 con Cécile Gauthiez mientras asistía a una escuela de posgrado en esa ciudad; después de lo cual, regresó a su ciudad natal donde estudió con H. Hugh Bancroft (órgano) y Eva Clare (piano) de 1930 a 1936 y se embarcó en una carrera como concertista de piano.
En 1936, Pentland ingresó al programa de posgrado en música de la Juilliard School de la ciudad de Nueva York, donde estudió contrapunto del siglo XVI con Frederick Jacobi y técnicas de composición modernas con Bernard Wagenaar hasta 1939. Durante estos años, sus propias composiciones adoptaron un lenguaje que era principalmente neoclásico, mostrando la influencia de Paul Hindemith , Igor Stravinsky y más tarde Aaron Copland (con quien estudió en el Tanglewood Music Center durante los veranos de 1941 y 1942). Su trabajo fue parte del evento musical en el concurso de arte de los Juegos Olímpicos de Verano de 1948 .
El lenguaje compositivo de Pentland comenzó a alejarse del neoclasicismo en 1955, cuando se encontró con la obra de Anton Webern por primera vez durante una visita a Darmstadt . Aunque nunca se convirtió en una estricta compositora en serie a la manera de Webern, sí adaptó elementos de su estilo y técnica a su nuevo lenguaje musical "libre atonal ". Es el trabajo de este período el que se considera el mejor, descrito por el musicólogo David Gordon Duke como música que "se inspiró en las texturas y principios organizativos de la escuela de Webern pero estaba impregnada de un lirismo expresamente individual".
Aunque la posición de Pentland a la vanguardia de la vanguardia musical canadiense fue reconocida durante su vida, su carrera también estuvo marcada por luchas sustanciales. Como mujer compositora de música "difícil", encontró resistencia por parte de los intérpretes masculinos y, a menudo, sus compañeros compositores la trataron con desdén. Su carrera académica fue relativamente breve; Dejó su puesto en la Universidad de Columbia Británica debido a un conflicto con el director del departamento sobre la cuestión de los estándares académicos. Tras el final de su carrera (obligada por problemas de salud más de una década antes de su muerte), Pentland cayó en una relativa oscuridad, eclipsada en las discusiones sobre la música canadiense por sus contemporáneos masculinos. No obstante, sus obras han sido grabadas por artistas como Angela Hewitt ( Studies in Line ), Glenn Gould ( Ombres/Shadows ) y Robert Rogers (múltiples obras).
El centenario de Pentland se celebró con una serie de conciertos en 2012 patrocinada por el Canadian Music Center (Región BC), y con una reposición de su ópera The Lake presentada por Astrolabe Musik Theatre, Turning Point Ensemble y Westbank First Nation . Ese año, el sello CMC Centrediscs también lanzó Toccata , una grabación de las composiciones de Pentland de la pianista Barbara Pritchard.
Pentland fue una de los primeros miembros del Canadian Music Center , que brinda acceso público a una gran cantidad de sus partituras y grabaciones. Library and Archives Canada posee los fondos Barbara Pentland.
Reconocimientos
Pentland fue nombrada Miembro de la Orden de Canadá en 1989, y Miembro de la Orden de Columbia Británica en 1993.
Augusta Mary Anne Holmès (París, 16 de diciembre de 1847 - París, 28 de enero de 1903) fue una pianista y compositora francesa.
Augusta Mary Anne Holmès era hija de padres irlandeses. Fue niña prodigio del piano, pues a los cuatro años ofrecía conciertos públicos con elevada técnica y sentimiento sonoro y llegó luego a ser alumna muy predilecta de los maestros Henri Lambert, Hyacinthe Klosé y César Franck; desde entonces escribió letra y música de sus obras, usando el seudónimo de Hermann Zeuta.
Falleció el 28 de enero de 1903 en París.
Obras
Entre sus obras se encuentran las óperas Hero y Leandro, Astarté, Lancelot del lago, La montaña negra, el salmo In exitu, las sinfonías Orlando furioso, Lutecia, y también Los argonautas; los poemas sinfónicos Irlanda, Palagne y Andrómeda; la suite sinfónica El país azul; obras corales y gran cantidad de piezas para orquesta y canciones artísticas.
Compositora reconocida en su época,Augusta Holmès fue posteriormente más olvidada: durante mucho tiempo, su nombre fue apenas mencionado brevemente en diccionarios, enciclopedias e historias de la música clásica. Tras su muerte, su música dejó de interpretarse y gradualmente se desvaneció del recuerdo. Cabe destacar su inclusión en el Diccionario Universal de Mujeres Compositoras.
Fue redescubierta a principios del siglo XXI, y sus obras están siendo revividas e incluso estrenadas, como Orlando Furioso en 2019. Noche y Amor formó parte del programa del “Sommernnachtkonzert Schönbrunn 2024”, celebrado el 7 de junio de 2024 en Viena, Austria.
Cordell Jackson (nacida Miller ; 15 de julio de 1923 - 14 de octubre de 2004) fue una guitarrista estadounidense considerada la primera mujer en producir, diseñar, arreglar y promocionar música en su propio sello discográfico de rock and roll .
Nació con el nombre de Cordell Miller en Pontotoc, Mississippi , donde su padre dirigió una banda de cuerdas , los Pontotoc Ridge Runners. De niña aprendió a tocar la guitarra, el piano, la armónica y el contrabajo , y pronto comenzó a actuar en la banda de su padre y en la radio en Tupelo . En 1943, se graduó de la escuela secundaria y se casó con William Jackson. La pareja se instaló en Memphis, Tennessee , donde Cordell Jackson trabajó como remachadora, se unió a la Fisher Air Craft Band y escribió canciones. Después de instalar un equipo de grabación en su casa en 1947, grabó discos de demostración para Sam Phillips antes de que él creara Sun Records .
Cordell Jackson fundó el sello Moon Records en Memphis en 1956 y lanzó su primer sencillo "Beboppers Christmas" ese mismo año. Incapaz de entrar en el grupo de artistas masculinos del sello Sun, formó su nuevo sello para lanzar su música. Comenzó a lanzar y promocionar sencillos que grababa en su estudio casero, trabajando como ingeniera, productora y arreglista. Los artistas que grabaron la incluyeron a ella y a una pequeña familia de intérpretes de rock and roll temprano , rockabilly y música country que reclutó de varios estados del sur. Además de dirigir Moon Records, Cordell Jackson trabajó en varios trabajos diurnos durante las décadas de 1960 y 1970, incluso como decoradora de interiores o DJ .
Se creó un nuevo interés en su carrera en la década de 1980 cuando se comenzaron a hacer versiones de algunos de los viejos sencillos de su sello Moon, como "Dateless Night", una canción que escribió originalmente en la década de 1950 para el artista de Florida Allen Page. Jackson luego comenzó a tocar en shows ocasionales en la década de 1980 con su característica guitarra eléctrica roja Hagstrom en clubes nocturnos de Memphis, Hoboken, Nueva York y Chicago.
Aunque normalmente actuaba como solista, ocasionalmente era apoyada por otras bandas. Grabó material nuevo en su sello con los músicos de Memphis Colonel Robert Morris y Bob Holden, y se hizo conocida como una instrumentista de guitarra solista como "abuela del rock-and-roll". Apareció en 1991 y 1992 en programas de entrevistas nacionales como Late Night with David Letterman y en un comercial de Budweiser compitiendo con el artista de rockabilly Brian Setzer en la guitarra. Cordell Jackson también produjo un programa de radio contemporánea, Let's Keep the Family Together America.
A finales de los años 90, Jackson coescribió y tocó con el ícono del rockabilly, el coronel Robert Morris, en Memphis, que ayudó a editar el libro basado en su vida y carrera. Apareció como "La dama del baño" en The Gun in Betty Lou's Handbag de 1992 , y como extra en Great Balls of Fire !
Su sello Moon Records era el sello más antiguo en funcionamiento continuo en Memphis en el momento de su muerte en 2004. The 50s Rock on the Moon of Memphis, Tennessee + an Oddity , un álbum recopilatorio de los sencillos de la década de 1950 del sello, se lanzó en vinilo a principios de la década de 1980 y luego se vendió en disco compacto hasta su muerte en 2004. Los sencillos de vinilo originales de la década de 1950 recopilados en ese álbum se han exhibido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en Cleveland, Ohio . También lanzó sencillos en video a través de su sello en la década de 1990, incluyendo "Football Widow" y la producción del cineasta Dan Rose de "The Split". Su comercialización de sus propios sencillos en video, en lugar de comercializarlos en colecciones de videos de varias canciones, tiene fama de ser otra primicia en su innovadora vida de hacer las cosas a su manera, oponiéndose a las tendencias de la práctica estándar de la industria.
El único álbum en solitario de Jackson hasta la fecha, Cordell Jackson — Live in Chicago, fue lanzado por Pravda Records en 1997. La información y los recuerdos sobre Jackson están incluidos en el Museo Memphis Rock N' Soul en Memphis, así como en el Museo Nacional de Historia Estadounidense .
Jackson murió en Memphis el 14 de octubre de 2004, a los 81 años.
Ludmila Shleg, ( 21 septiembre de 1948, Bielorrusia) se graduó en el Conservatorio Estatal de Bielorrusia (clase de composición del Prof. DBSmolsky, 1972), realizó cursos de posgrado en el Conservatorio Estatal de Leningrado (clase de composición del Prof. SMSlanimsky, 1980).
Miembro de la Unión de Compositores de Bielorrusia, 1974.
Composiciones principales: radioópera, ópera popular, oratorio “Glorificación”, réquiem “¡Recuerda!”, oratorios “El cuento de Igar”, “Iconostasis”, cantatas “Sward-grass”, “Pipers”, la interpretación vocal y sinfónica “Call for Spring”, composiciones para orquesta vocal, poemas para voz y orquesta folclórica, la cantata de cámara “Heritage of Past Time”, “In Memoriam” para coro, solista y órgano, cuadros sinfónicos “Nesterka”. , un poema “Symon-músico”, un concierto de piano, un concierto “El. "Día de San Yuri", fresco orquestal, piezas para orquesta de cámara, música de cámara, ciclos corales, poema coral, coros, ciclos vocales, romances, arreglos de canciones populares para coros, conjuntos, voz y piano.
Ha creado una variedad de obras en diferentes géneros musicales. Algunas de sus composiciones más destacadas incluyen:
Requiem “Remember…” (1982): Basado en el libro “I am from the fiery village” de A. Adamovich, Y. Bryl y V. Kolesnik.
Oratorio “Glorification”: Una obra que celebra la historia y cultura bielorrusa.
Cantata “Sward-grass”: Una cantata que refleja temas de la naturaleza y la vida rural.
“In Memoriam”: Para coro, solista y órgano.
“Slutsk Letter” (1988): Sonata para contrabajo solo.
Shleg también ha compuesto óperas, conciertos para piano y orquesta, y arreglos de canciones populares para coro y conjuntos.
Lorenza Strozzi (6 de Marzo de 1514, Capalle (Florencia) -10 de Septiembre de 1591,S. Nicola di Prato ) fue una compositora, escritora y religiosa dominica italiana, Era hermana de Ciriaco Strozzi, un humanista y poeta. Ingresó en el monasterio de San Nicolás del Prato, donde se dedicó a los deberes religiosos, la enseñanza y la música.
Compuso varios himnos sagrados para todas las fiestas de la iglesia católica, que se publicaron con el título de In singula lotius anni solemnia hymni (Himnos para cada solemnidad del año litúrgico) en Florencia, en 1588. También poseía un gran conocimiento de las lenguas griega y latina. Fue una de las pocas mujeres que destacaron en el campo de la música y la literatura en el siglo XVI.
Caroline Friederike Wiseneder, nacida Schneider (20 de agosto de 1807 en Braunschweig - 26 de agosto de 1868 allí) fue una compositora , directora de coro y educadora alemana .
Caroline Schneider nació en Braunschweig en 1807 como hija de un fundador del peltre. Su talento musical se fomentó mediante lecciones a una edad temprana. Después de terminar la escuela en 1821, asistió a la Academia de Canto, tomó lecciones de piano y participó en varias actuaciones. Posteriormente, ella misma dio clases de música y fundó varias sociedades de canto en Braunschweig , que también dirigió. Dirigió el coro mixto de 1834 a 1845 y el coro de mujeres de 1855 a 1862 . En 1829 se casó con el cantante de ópera de la corte y más tarde inspector de teatro Carl Wiseneder originario de Viena, había trabajado en el Teatro de la Corte de Braunschweig desde 1826 y era editor de la revista teatral del Teatro de la Corte Ducal de Braunschweig. El matrimonio no tuvo hijos. Caroline Wiseneder compuso canciones y dos óperas. Sus óperas se representaron en el Hoftheater Braunschweig en 1848 y 1849. Junto con Elise Schmezer (1810-1856), es una de las dos compositoras de Braunschweig más importantes del siglo XIX. Siguiendo el ejemplo de Friedrich Fröbel , Caroline Wiseneder fundó en 1862 una escuela de educación musical en Fallersleber Straße 12 en Braunschweig, la Wiseneder'schen Kindergarten , en la que se animaba a los niños a recibir una educación musical temprana . Su concepto de educación musical fue imitado más allá de Braunschweig.
Wiseneder inventó una notación musical móvil, que fue patentada en junio de 1868. Murió en agosto de ese año a la edad de 61 años en Braunschweig. La guardería Wiseneder fue continuada inicialmente por su alumna Luise Vorhauer. La instalación, que se amplió para incluir una institución educativa para maestros de jardín de infantes, continuó existiendo bajo el liderazgo de Lilly Heyde durante décadas hasta el siglo XX.
Este sistema utilizaba símbolos táctiles que permitían a las personas ciegas leer y tocar música. Aunque no tengo una imagen específica de su notación, el sistema Braille moderno para música sigue principios similares, utilizando una combinación de puntos en relieve para representar notas, ritmos y otros elementos musicales
Obras (selección)
La Dama de Palacio . Gran ópera en tres actos, 1848.
El Jubileo o Los Tres Presos . Ópera cómica en tres actos, 1849.
Cuatro canciones para voz cantante con piano. op. 15 . Weinholz, Braunschweig, 1849. (Incluye las canciones To Heaven y The Departed )
Ada Elba Pérez Rodríguez (Yaguajay, 20 de septiembre de 1961-La Habana, 14 de julio de 1992). Escritora, poetisa, compositora, escultora y pintora cubana.
Nació en el pueblo de Jarahueca. Desde pequeña amaba la música y las artes plásticas, encausando su vocación en la Escuela Provincial de Arte Olga Alonso de Santa Clara, y posteriormente en la Escuela Nacional de Arte.
En el año 1982, se integró a la Brigada "Hermanos Saíz". Su obra literaria alcanzó numerosos premios en Cuba y el extranjero, entre ellos: un "Reconocimiento" a su destacada participación en el Movimiento Artístico y Literario 1986, y "Diploma de Honor" por su contribución al Movimiento de Artistas Aficionados 1988. Ese mismo año fue invitada por el Ateneo de Caracas y el Museo de Arte Maracaibo para exponer su obra.
Ada incursionó en varios géneros literarios: poesía, cuento, novela, testimonio y crítica literaria. Entre los temas abordados en sus obras, se destacan el canto a la tierra que labra el campesino, internacionalismo, optimismo y el amor a su pueblo de Jarahueca.
Dominaba la guitarra, el piano y el canto, componía canciones e incursionó en la crítica literaria. Su cancionero para niños devino un aporte de considerable importancia a la literatura en estas edades, que dejó títulos como El cangrejo Alejo, Ana la campana, El trencito y la hormiga, Señor arcoíris, El tonto de papel, La luna aburrida y El vendedor de asombros. Asimismo compuso para adultos La guayabita madura, El sitio de los ángeles, Tonadas para el camino, Eleg.
Contaba con sólo 30 años, cuando la sorprende la muerte el 14 de julio de 1992 en La Habana. El 18 de febrero de 1993 (Día del Instructor de Arte) le fue otorgada postmortem la medalla "Raúl Gómez García".
Desde el año 1997, en el mes de septiembre, se celebra en La Habana, Isla de la Juventud y Jarahueca, la Bienal "Identidad". En el marco de esas actividades son premiados los ganadores en Literatura y Artes Plásticas de los Concursos anuales "Ada Elba Pérez".
María Rosalina Madroñal Abejo, (13 de julio de 1922 - 5 de junio de 1991)fue una compositora, directora de orquesta. Nació en Tagoloan en Misamis Oriental en Filipinas. Fue compositora de obras orquestales, operetas, misas e himnos. Rosalina era una monja de la Congregación de los Religiosos de la Virgen María. Su tía la hermana María Rosario Madroñal, fue su primera maestra de música.
Terminó sus estudios básicos en música en St. Scholastica's College, especialización en piano y consiguió su Maestría en Composición Musical en la Universidad de Mujeres de Filipinas en 1957. En 1977, se mudó a Estados Unidos, donde estudió en la Eastman School of Music y la Catholic University of America obteniendo títulos de la Escuela de Composición Labunski en Ohio, la Escuela de Música Eastman en Rochester y la Universidad Católica de América en Washington DC.
Rosalina enseñó teoría de la composición y la música en la Universidad de Kansas y el Seminario St. Pius en Kentucky. Fue Presidenta de la Fundación Filipina de Artes Escénicas en América en 1980.
Fue la primera monja en dirigir orquestas sinfónicas, con el permiso del Papa Juan XXIII . Para recaudar fondos, viajó mucho.
Algunas de sus mejores obras fueron "Concierto para piano eólico" en 1949, la cantata "La conversión del rey Humabon" en 1967, el oratorio "Pagtubos" (Redención) en 1969 y muchos otros, incluyendo piezas de música de cámara.
Murió a la edad de 68 años en Fresno, California.
Rosalina Abejo compuso mas de 400 obras, 25 de ellas para Orquesta :
Beatriz Symphony
Gregoria Symphony (1950)
Pioneer Symphony (1954)
Thanatopsis Symphony (1956)
Aeloian Piano Concerto (1956)
Golden Foundation Piano Concerto (1959-1960)
Guerilla Symphony (1971)
The Trilogy of Man Symphony (1971)
Dalawang Pusong Dakila Symphony (1975)
Brotherhood Symphony, 1986,
Jubilee Symphony, 1984,
Symphony of Psalms, 1988,
Symphony of Life, 1988,
Symphony of Fortitude and Sudden Spring, 1989.
Overture 1081
3 String Quartets
Reconocimientos
Premio del Patrimonio Cultural de la República en 1967
Premio del Día de la Independencia de Filipinas en 1973.
Reconocimiento Centenario de la Madre Battig, 1970
Liza Lehmann (Londres, 11 de julio de 1862-ibídem, 19 de septiembre de 1918) fue una soprano y compositora inglesa, conocida por sus composiciones vocales.
Tras estudiar canto con Alberto Randegger y Jenny Lind, y composición con profesores como Hamish MacCunn, debutó como cantante en 1885 en Londres y siguió una carrera de concertista durante casi una década. En 1894 se casó y abandonó los escenarios. Se dedicó entonces a componer música y se dio a conocer por sus canciones, entre ellas muchas infantiles. También compuso varias piezas para el teatro y escribió un libro de texto sobre canto. En 1910 realizó una gira por Estados Unidos, donde acompañó sus propias canciones en recitales. Fue la primera presidenta de la Society of Women Musicians y se convirtió en profesora de canto en la Guildhall School of Music and Drama en 1913.
Nació en Londres con el nombre de Elisabetha Nina Mary Frederica Lehmann, hija de Amelia (A.L.) Chambers profesora de música, compositora y arreglista y del pintor alemán Rudolf Lehmann . «Creció en un ambiente intelectual y artístico» y vivió en Alemania, Francia e Italia en sus primeros años. Estudió canto en Londres con Alberto Randegger y Jenny Lind, y tuvo como profesores de composición a Hamish MacCunn en Londres, Niels Raunkilde en Roma y Wilhelm Freudenberg en Wiesbaden.
El 23 de noviembre de 1885, debutó como cantante en un concierto popular de los lunes en el St James's Hall y durante los nueve años siguientes actuó en numerosos e importantes conciertos en Inglaterra. Recibió el apoyo de importantes músicos europeos como Joseph Joachim y Clara Schumann. Se retiró de los escenarios tras un último concierto en el St James's Hall el 14 de julio de 1894.
Se casó con el compositor e ilustrador Herbert Bedford y se dedicó a componer música. En 1910, realizó una gira por Estados Unidos, donde acompañó sus propias canciones en recitales. Fue la primera presidenta de la Society of Women Musicians en 1911 y 1912. También fue profesora de canto en la Guildhall School of Music en 1913. Ese mismo año escribió un texto de estudio de la voz, Practical Hints for Students of Singing.
Lehmann y Bedford tuvieron dos hijos; el mayor, Rudolf, murió en un entrenamiento durante la Primera Guerra Mundial, y el menor, Leslie Herbert Bedford (1900-1989), fue un inventor que desempeñó un papel clave en el desarrollo del radar. Fue el padre del director de orquesta Steuart Bedford y del compositor David Bedford.
Liza terminó sus memorias en 1918 y falleció poco después de terminarlas, en Pinner (Middlesex) a la edad de 56. Está enterrada en una tumba familiar en el lado este del cementerio de Highgate con su marido y su padre.
Alice Mary Smith, cuyo nombre de casada era Alice Mary Meadows White (Londres, 19 de mayo de 1839-Londres, 4 de diciembre de 1884), fue una compositora británica. Su producción compositiva incluye dos sinfonías y una gran colección de obras corales, tanto religiosas como profanas.
Smith nació en Londres, siendo la tercera hija de una familia relativamente acomodada. Desde sus primeros años ya mostró talento y aptitud para la música y comenzó así a recibir lecciones privadas de William Sterndale Bennett y George Alexander Macfarren, llegando a publicar su primera canción en 1857. En noviembre de 1867 contrajo matrimonio con el abogado Frederick Meadows White. Ese mismo año, fue elegida Profesional Femenina Asociada de la Royal Philharmonic Society. En 1884 fue elegida como miembro honorario de la Royal Academy of Music. Ese mismo año, tras viajar al extranjero para intentar recuperarse de un período de enfermedad, falleció por fiebre tifoidea en Londres.
Alice Mary Smith fue un compositora prolífica que escribió para una diversa gama de formaciones musicales.
Entre sus obras de música de cámara, podemos encontrar cuatro cuartetos con piano, tres cuartetos de cuerda y una sonata para clarinete y piano (1870). Sus composiciones orquestales incluyen seis oberturas, un andante para clarinete y orquesta, y dos sinfonías. Smith escribió su primera sinfonía, en Do menor, a la edad de 24 años, y ésta fue interpretada por la Sociedad Musical de Londres en 1863. Su segunda sinfonía, en La menor, fue escrita para el concurso de Alexandra Palace de 1876, pero nunca se presentó.
Las dos obras de mayor envergadura compuestas por Smith fueron: Gisela de Rüdesheim, una opereta para orquesta, coro y solistas que se interpretó en 1865 en la Fitzwilliam Music Society de Cambridge; y The Masque of Pandora (1875), para la que nunca se completó su orquestación.
La obra de Smith incluye una de las mayores colecciones de música coral sacra escritos por una compositora, incluyendo seis himnos, tres cánticos (y el principio de un cuarto), así como la cantata breve Exile, obra de carácter religioso basada en episodios de Esther, de Jean Racine. En febrero de 1864, sus himnos Quienquiera que tenga los bienes de este mundo y Por las aguas de Babilonia fueron interpretados por Joseph Barnby durante una liturgia de la iglesia de St Andrew's, Wells Street, convirtiéndose así en la primera vez en utilizarse la música de una compositora para las liturgias de la Iglesia de Inglaterra.
En 1880, decidió centrarse en escribir cantatas de mayor envergadura, y todas ellas fueron publicadas por Novello and Co. Entre estas obras encontramos su Oda al viento del noreste para coro y orquesta, y la que es su obra más larga, la Oda a Las Pasiones (1882), interpretada en el Festival de Hereford de ese mismo año. Asimismo, Smith compuso dos cantatas para voces masculinas durante los dos últimos años de su vida. El esposo de Smith afirmó en el obituario de la compositora que ésta se encontraba trabajando en una musicalización del poema The Valley of Remorse de Louisa Sarah Bevington para coro, solistas y orquesta. Sin embargo, no se ha encontrado ningún manuscrito que respalde esta afirmación. De sus cuarenta canciones, su trabajo más popular fue el dueto vocal O that we two were maying.
Desde 2010, los manuscritos de Smith se encuentran en la biblioteca de la Real Academia de Música de Londres. Sus dos sinfonías y oberturas han sido publicadas por A-R Editions, editadas por Ian Graham-Jones. Sus Sinfonías en la menor, en Do menor, y el Andante para clarinete y orquesta han sido grabados por Howard Shelley y los London Mozart Players para el sello discográfico Chandos. Leonard Sanderman editó el completo de la música coral sacra de Smith, grabándola además con The Eoferwic Consort, gracias a una subvención de la AHRC Knowledge Exchange.
En un obituario de la revista The Athenaeum publicado el 13 de diciembre de 1884 se podía leer: «Su música está marcada por la elegancia y la gracia … poder y energía. Su uso de la forma era siempre claro y sus ideas libres de excentricidad; simpatizaba de manera evidente con la escuela clásica, más que con la romántica».
Tatiana Petrovna Nikoláyeva (en ruso: Татья́на Петро́вна Никола́ева; Bézhitsa, óblast de Briansk, 4 de mayo de 1924-San Francisco, 22 de noviembre de 1993) fue una pianista clásica, compositora y pedagoga rusa.
Nikoláyeva nació en Bézhitsa, su madre fue pianista y su padre violinista. Estudió el piano desde los tres años y comenzó a componer a los doce. A esa edad entró en el Conservatorio de Moscú donde estudió con Yevgueni Gólubev y con Alexander Goldenweiser, amigo personal de Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Nikolái Médtner.
En 1950, Nikoláyeva ganó el concurso Johann Sebastian Bach, donde conoció a Dmitri Shostakóvich marcando el inicio de una amistad y colaboración artística legendaria. Fue ella la elegida para el estreno de los 24 Preludios y Fugas del cual hizo tres registros completos.
Profesora del conservatorio moscovita, realizó grabaciones de Bach y Beethoven y accedió a la fama internacional con la disolución de la Unión Soviética.
Fue la maestra de Nikolái Luganski.
Sufrió una hemorragia cerebral durante un concierto en San Francisco y falleció nueve días después.
Lesley Sue Goldstein (Brooklyn, Nueva York; 2 de mayo de 1946-Manhattan, Nueva York; 16 de febrero de 2015), más conocida como Lesley Gore, fue una cantante, actriz, compositora y activista estadounidense. Logró su mayor éxito con el tema «It's My Party», el cual alcanzó el puesto número 1 en el Billboard Hot 100 en 1963.
Compuso música para bandas sonoras como la de la película Fame, de 1980, nominada a los Premios Óscar a la mejor canción por el tema «Out of here on my own». Su tema «You Don't Own Me» (1964), que se convirtió en un himno del movimiento feminista, fue popularizado nuevamente en 1996 en la película The First Wives Club por Bette Midler, Diane Keaton y Goldie Hawn.
En 2005, publicó su último disco, Ever Since, En los 80 y los 90 apareció en conciertos y actuaciones televisivas.
Gore confirmó que era homosexual en un documental televisivo para la cadena PBS en 2005. Estuvo unida a su pareja, Lois Sasson, por más de tres décadas.
Lesley Gore falleció el 16 de febrero de 2015 víctima de un cáncer que venía luchando hace largo tiempo.
Emilie Marie Baroness von Bach (11 de marzo de 1896 -26 de febrero de 1978) fue una pianista, violinista, compositora y artista austríaca.
Marie Bach nació en Viena , Austria hija deEleonore Josepha Maria Theresia Auguste Bach y Robert Bonaventura Michael Wenzel von Bach . En 1897, se mudó con su familia al castillo de Leesdorf, en Baden , Austria . Su padre era abogado, pintor y violinista. Su madre, Elenore, era cantante y compositora y había actuado con los directores Gustav Mahler y Johannes Brahms.. Maríe tenía dos hermanas mayores, Theresa y Katharina, y una hermana menor, llamada Henriette. Theresa escribió poesía que se puso a la música que Marie componía. Katharina se casó con una familia muy aristocrática. Henriette era violonchelista solista. Marie tomó lecciones de piano en la Musikschule Grimm en Baden ya la edad de catorce años comenzó a tomar lecciones de violín.
Marie Bach comenzó a tomar lecciones privadas de piano a la edad de cinco años con un miembro de la facultad de la Escuela de Música Grimm. Más tarde tomaría lecciones con Paul De Conne en 1912. Más tarde también comenzó a tomar lecciones de violín con Jaroslav Suchy de la Ópera de Viena. Tocaba el segundo violín y la viola en el conjunto de cuerdas interno de su padre. Tanto ella como Henriette se las animaba a realizar largas y constantes horas de práctica individual. Las dos hijas solían tener sesiones de lectura musical de tres horas para aprender música de cámara clásica y romántica.
En 1914, Maríe comenzó a componer su primer preludio, al que siguió con canciones y otras piezas para piano. Los domingos, a Maríe y Henriette se les permitía actuar en las veladas de su familia, reuniones donde interpretaban música, cuando adquirían más experiencia con sus instrumentos. En 1917, Maríe Bach compuso "Flohtanz (Danza de la pulga)". En "Flohtanz", el animado solo de piano dura aproximadamente tres minutos.
Marie Bach comenzó a estudiar composición en la Academia de Música de Viena con Joseph Marx en 1919. Bajo la tutela de Marx, María escribió fugas en cuatro partes, breves partituras para piano y analizó la música de Chopin, Debussy y Stravinsky. Marx más tarde ayudaría a Maríe a desarrollar su propio estilo personal de composición. Hizo su debut como compositora en 1921 con Narrenlieder für Tenor und Orchester , un ciclo de canciones que más tarde fue impreso por Schott en Viena.
Mientras estudiaba con Marx, Maríe se especializó en escribir fugas a cuatro voces y partituras breves para piano.
Durante la guerra, el partido nazi estableció prohibiciones musicales en Austria. Debido a su preferencia por la música clásica, que se consideraba conservadora y tradicional, no se permitió la interpretación de composiciones "modernas". Sin embargo, las composiciones de Maríe se consideraron aceptables para ser interpretadas.
Marie Baroness von Bach pintada por Ferdinand Hodler
Durante la década de 1920, Bach desarrolló una relación con Ivan Boutnikoff, un compositor y director de orquesta ruso. Boutnikoff más tarde se convirtió en su mentor en dirección y orquestación. El 7 de octubre de 1952 Maríe se casó con Arturo Ciacelli que era un pintor italiano que enseñó arte en la Escuela Italiana de Viena de 1939 a 1941. Durante su tiempo juntos, Maríe comenzó a pintar paisajes, principalmente de Italia. Después de que comenzó a exhibir, sus pinturas tuvieron casi más éxito que sus composiciones. Ciacelli murió en 1966 y, durante un tiempo, Maríe abandonó los esfuerzos creativos, pero finalmente comenzó a componer nuevamente. Recibió una medalla de oro en composición en 1962 y obtuvo el título de profesora en 1976 con ochenta años.
Maríe Bach murió el 26 de febrero de 1978, posiblemente por la inhalación de una fuga de gas de su horno defectuoso en su apartamento en Viena. Sus documentos se encuentran en la Biblioteca del Ayuntamiento de Viena.
Jennifer Jean Warnes ( 3 de marzo de 1947 en Seattle, Estados Unidos) conocida como Jennifer Warnes, es una cantante, compositora y actriz estadounidense. Ha logrado ser famosa a lo largo de toda su carrera, con éxitos como «Right Time of the Night» (1977), «Up Where We Belong» junto a Joe Cocker y varios más.
Tres canciones interpretadas por ella se llevaron el Óscar a la mejor canción original: «It Goes Like It Goes» de la película Norma Rae (1979), la mencionada «Up Where We Belong» de Oficial y caballero (1982) y «(I've Had) The Time of My Life» de Dirty Dancing (1987), junto a Bill Medley.
La vocalista Jennifer Warnes nació en Seattle en 1947. En 1968 formaba parte del reparto en la obra Hair en Los Ángeles y, ese mismo año, editó su primer álbum debut "...I Can Remember Everything". Pero desde entonces, sus carrera en solitario no fue tan bien, Warnes empezó a cantar como acompañante de Leonard Cohen hasta que llegó el éxito Right Time of the Night en 1977.
La colaboración de Jennifer Warnes y Joe Cocker en 1982, en“Up Where We Belong” para la película An Officer And a Gentleman, les valió a ambos el premio Grammy a la mejor interpretación pop de un dúo o grupo con voz.
Apareció en el álbum de Cocker, The Best of Joe Cocker en 1993.
Para 1987, logró obtener gran éxito por el sencillo The Time Of My Life junto a Bill Medley, una canción para la película "Dirty Dancing".
Discografía
I Can Remember Everything - 1968
Seel Me, Feel Me, Touch Me, Heal Me- 1969
Jennifer - 1972
Jennifer Warnes - 1976
Shot Through the Heart - 1979
Famous Raincoat - 1987
The Hunter - 1992
The Well - 2001
Emilia Gubitosi (Nápoles , 3 de febrero de 1887 – Nápoles, 17 de enero de 1972). Fue una pianista , directora de coros y compositora italiana. Es conocida por la composición de un gran número de obras, tanto de coral, canto, piano y diversas formaciones de música de cámara, así como por la fundación de la Asociación Alessandro Scarlatti en Nápoles.
Emilia Gubitosi provenía de una familia que pertenecía a la alta burguesía napolitana, hija de Filomena Abbamonte y Samuel Gubitosi. Estudió música con Beniamino Cesi , Constantino Palumbo , Francesco Simonetti , Camilo De Nardis y Nicola D'Arienzo en el Conservatorio de San Pietro en Maiella de Nápoles , donde se diplomó en piano y composición en el año 1904. Ese mismo año comenzó una carrera artística con Alberto Curci.
Al finalizar sus estudios, tuvo una breve carrera de conciertos por toda Europa. Compuso música de forma constante durante toda su vida, experimentando diversas formas, desde la ópera a la música de cámara, vocal e instrumental. En 1906 se convirtió en la primera mujer de Italia que logró un diploma en composición. En ese momento no estaba permitido a las mujeres que realizaran ese tipo de estudios académicos, y era necesario pedir un permiso especial.
En 1907 compuso el drama lírico Nada Delwig , con libreto de Federico Verdinois y Antonio Menotti-Buja.
En 1908 se interpretó en el Teatro Mercadante un esbozo lírico suyo, Ave María . Al éxito de esta presentación siguió, en 1910, la representación de su ópera en un acto Nada Delwig , en el teatro municipal de Pistoria y en el Regio Politeama de Nápoles. Entonces decidió escribir un trabajo lírico de mayor envergadura, Fatum y, en 1917, un concierto para piano y orquesta.
A partir de 1914 fue profesora en el Conservatorio de Nápoles , y combinó las actividades de enseñanza con las culturales, hacia la organización de festivales de música antigua. Formó parte del cuerpo de profesores del Conservatorio de Nápoles como profesora del Curso Fundamental de Teoría y Solfeo hasta 1957. En 1919 imprimió una obra didáctica titulada Sonido y ritmo , en la que se explican los elementos musicales más importantes para todos los interesados en dedicarse al estudio de la música. Esta obra sigue utilizándose todavía en los conservatorios italianos. A su vez se dedicó a impartir clases particulares de piano, canto y música coral.
Durante la guerra, Guibtosi actuó como concertista en Italia y en el extranjero, donde se ganó una gran reputación, también publica el " Concierto para piano y cuerdas " en 1917.
A finales de noviembre de 1918, con la guerra recién terminada, Emilia, junto con María de Sanna y el poeta Salvatore di Giacomo , tienen la idea de crear una institución con el objetivo de promover el conocimiento de la música antigua italiana y la cultura musical en general.
En 1919 se fundó en Nápoles, con la colaboración de Salavatore Di Giacomo (escritor y poeta reconocido) y María de Sanna, la Asociación Musical de Alessandro Scarlatt en 1948 que pasará a ser una Organización sin ánimo de lucro. Esta asociación contó con el apoyo de un gran número de intelectuales .
La Asociación nace con el deseo de descubrir y difundir la música y la cultura napolitana, principalmente de la época barroca, sin excluir la promoción de la música contemporánea italiana y extranjera.
Aquel otoño (1919), Emilia Gubitosi presentó al público napolitano e italiano, la ópera La rappresentazione di anima e di corpo de Emilio Cavalieri , que fue la demostración inaugural de la primera representación moderna de una obra sacra del compositor. En ese mismo período decidió profundizar en sus estudios sobre música coral italiana, presentando en dos temporadas sucesivas el Eurídice de Peri y Caccini ( 28 y 30 de enero de 1920), Jefté de Carissimo (14 de abril de 1920), Orfeón de Monteverdi (13 y 16 de mayo de 1920) y las Beatitudini de César Frank.
En 1922 se casó con Franco Michele Napolitano ( Gaeta , 22 de enero de 1887 - Nápoles, 16 marzo de 1960). La boda fue muy discreta, tanto que hasta el momento no hay noticia del día exacto. Desde entonces sus vidas y carreras artísticas han crecido juntas, en el Conservatorio de San Pietro en Majella (donde eran profesores los dos), en su casa de Via Tarsia, 23, de Nápoles, también dentro de la Asociación Alessandro Scarlatti, y en la su casa "La Pausa", de Anacarpi (que se convertirá en su casa de vacaciones de verano de toda su vida). Los años siguientes la pareja destaca en la dirección del Coro de Emilia y la Orquesta de Michele Franco.
En ese mismo período, junto con su marido, profundizó en el trabajo desarrollado por la Asociación Alessandro Scarlatti. Durante cuarenta años dirigió esta asociación y fue responsable de la creación de la primera orquesta sinfónica de Nápoles ( Orchestra da Camera Napoletana ), junto con Vincenzo Vitale, y que con el tiempo se convertiría en la Orquesta Sinfónica de la RAI (Radio Televisión Italiana) de Nápoles.
En 1936, Emilia compone la Sonata en sí menor Blanca, el poema de voces femeninas y pequeña orquesta, sobre un texto del escritor Sergio Corazzini.
Cuando el Conservatorio de San Pedro de Majella inauguró su gran sala de conciertos, la Scarlatti ( posteriormente destruida por un incendio), en presencia del Ministro de Instrucción Pública, Emilia Gubitosi dirigió a los motetes de Scarlatti que había encontrado, transcrito y revisado.
En 1941, la pareja napolitana debe dejar la dirección de la Asociación Alessandro Scarlatti, que pasa a ser dirigida por Giuseppe Cenzato , amante apasionado de la música y presidente durante muchos años del Conservatorio de Música de San Pedro de Majella.
En 1943 compone el Concierto para piano y orquesta, considerado uno de sus mejores trabajos.
Gracias a su "olfato" fueron invitados a Nápoles, para dirigir la orquesta de Scarlatti, algunos de los directores contemporáneos más importantes. Animó a los jóvenes en todos los campos musicales y, como declara la compositora Bárbara Giuranna, intentó ayudar a las mujeres a encontrar su camino en el campo musical.
Emilia Gubitosa murió en Nápoles en 1972 a los ochenta y cinco años, y fue enterrada en Anacapri junto a su marido. Hoy, la Fundación Franco Michele Napolitano de Nápoles (fundada en 1961) continúa el trabajo de Emilia Gubitosi, la catalogación de las bibliotecas de Franco Michele Napolitano y de Emilia Gubitosi y la presentación de música napolitana antigua y moderna mediante conciertos en Nápoles y en toda la región de Campania. Además, la fundación subvenciona a una orquesta de cámara y una compañía de ballet.
Emilia Gubitosa está enterrada junto a su marido en Anacapri , en un mausoleo diseñado por el arquitecto Roberto Pano y decorado con tubos de órgano que lleva una estrella de cinco puntas con dos notas (Do), una es grave y una más aguda , superado por un punto coronado, símbolo de la eternidad y el recuerdo.
Obra
Escribió una serie interminable de obras que incluyen muchas canciones por coral, canto, piano, arpa (su pasión), un concierto para piano y orquesta, muchas piezas de cámara, diversas revisiones y reelaboraciones de obras de Scarlatti, Paisello , Pergolesi, Cherubini y Cimarosa.
Casi todas sus composiciones, la mayoría por grandes conjuntos vocales, fueron interpretadas durante su vida por la orquesta y la coral de Scarlatti.
En su obra musical, Emilia Gubitosi, nos ha dejado la parte de su vida que responde a su personalidad pública, su aguda visión y su pasión por la vida y por las grandes fuerzas y tonalidades. Sólo un cuidadoso estudios de su obra musical, comparándola con la producción de su marido y la italiana del mismo período, puede dar más luz sobre sus cualidades creativas.
.jpg)
