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martes, 12 de septiembre de 2023

Nellie Wong poeta norteamericana de origen asiático



Nellie Wong ( 12 de septiembre de 1934) es una poeta y activista de causas feministas y socialistas .
Los poemas de Wong tratan temas que involucran a estadounidenses de origen asiático, especialmente  en el sentido de dejar atrás el "hogar". "Me preocupan las raíces de la cultura asiático-estadounidense y cómo y por qué vinieron aquí", dice Wong, refiriéndose a la larga historia de inmigración de asiáticos a Estados Unidos. "Es algo que todas las familias asiáticas han experimentado".

Wong nació en Oakland, California hija de inmigrantes chinos. Su padre había emigrado a Oakland en 1912.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la familia Wong trabajó en una tienda de comestibles en Berkeley. El internamiento de los americanos japoneses vecinos dejó un profundo impacto en su desarrollo intelectual, su sensibilizar a las cuestiones de racismo y las preocupaciones de los estadounidenses de origen asiático . 
La familia pidió prestados dos mil dólares para abrir el restaurante, La Gran China, en Oakland Chinatown, donde Wong trabajó como camarera durante su juventud. Asistió a la escuela pública, donde se graduó de Oakland High School secundaria , y comenzó a trabajar  como secretaria para la Bethlehem Steel Corporation, cargo que ocupó hasta 1982, Más tarde se desempeñó como analista senior en la acción afirmativa en la Universidad de California, San Francisco (UCSF).

Wong comenzó a estudiar escritura creativa en la Universidad Estatal de San Francisco (SFSU) y comenzó a escribir y publicar su poesía. Wong reconoce a sus compañeras  feministas en SFSU como estimulo  de su escritura. Un profesor  una vez le había dicho que tirara un poema que ella había escrito que expresaba enojo . Una compañera de clase le dijo, "No tiene que escucharlo!"

Mientras estudiaba en la SFSU, Wong participó en la Unión de Mujeres Escritoras, que  se organizaba en torno a temas de raza, sexo y clase. Allí se encontró con miembros de organizaciones feministas y socialistas, Mujeres Radicales y el Partido de Libertad Socialista , y en pocos años se había unido a sus filas.

A finales de 1970 y principios de 1980, Wong co-fundó  el grupo literario los americanos asiáticos , que también incluyó la lesbiana poeta, educador y activista Merle Woo. 

En 1983, Wong viajó a China en el primer toure stadounidense de Escritoras  a China patrocinado por la Asociación de Amistad de los Pueblos Unidos-China con Tillie Olsen , Alice Walker , Paule Marshall , entre otras.

Durante los años 1980 y 1990, Wong fue la oradora principal en numerosas conferencias nacionales y regionales, incluidas las mujeres del Tercer Mundo y Perspectivas Feministas, Mujeres Contra el Racismo y la Asociación Nacional de Estudios de la Mujer. Ella ha recitado sus poemas en China, Cuba , y en todo los EE.UU. También ha participado en los paneles sobre el trabajo, la literatura americana asiática, y la poesía. Por otra parte, Wong ha enseñado estudios de la mujer en la Universidad de Minnesota y la escritura de poesía en el Mills College en Oakland, California.

Extractos de dos de sus poemas han sido instalados de forma permanente en forma de placas en los sitios públicos en el Municipal de San Francisco de tren . Ha recibido premios de la Fundación Mujeres (San Francisco), Universidad de California, Santa Barbara asiática Facultad de América 's y la Asociación del Personal, y el San Francisco -basada Kearny Street Workshop , un multidisciplinario arte colectivo . Trabajó muchos años como la Bay Area organizador del Partido de Libertad Socialista, y sigue activo con el partido, Mujeres Radicales, y Bay Area Unidas Contra la Guerra. Actualmente vive en San Francisco.


La primera colección de poesía de Wong, Sueños en Harrison Railroad Park (1977),  pasó por cuatro impresiones y fue el lanzamiento más exitoso en la historia de Kelsey Street Press. Otros de sus títulos son La muerte de  la señora de Long Steam  (1986), publicado por West End Press y Stolen Moments (1997). Su trabajo ha aparecido en alrededor de 200 antologías y publicaciones.

Wong escribe directamente de su vida laboral; ella dice "Muchos de mis poemas vienen de los lugares de trabajo, que es donde yo he experimentado una gran cantidad de sexismo y el racismo." Otros temas incluyen la historia familiar y la identidad americana asiática, de la que ella ha dicho, "Me preocupo por las raíces de la cultura americana asiática y cómo y por qué vinieron aquí [...] Es algo que cada familia asiática ha experimentado." Su poesía abarca cuestiones del feminismo, la lucha contra el racismo, la injusticia en el lugar de trabajo, y la identidad de la búsqueda como un escritor y activista.

En 1981, Wong participó con Mitsuye Yamada en la película documental Mitsuye y Nellie, poetas asiáticos americanos  , producido por Allie Luz y Irving Saraf . La película relata las experiencias y dificultades que afectaron a los escritores y sus familias. Significativo al enfoque de la película es como la Segunda Guerra Mundial y el bombardeo de Pearl Harbor anima percepciones que dividen  tratando al  japonés como "malos" asiáticos, mientras que los chinos fueron vistos como "buenos"  asiáticos. "No se puede decir," uno de los poemas Wong recita en la película, destaca el intento del autor de entender por qué sus vecinos japoneses estaban siendo enviados a campos de internamiento, cuando ella y su familia, como estadounidenses de origen chino, fueron considerados ciudadanos patrióticos.

La película también muestra animados intercambios entre Wong y sus hermanos.

Sus trabajos se encuentran en los Archivos Étnicos y Multiculturales de California .




Al hablar de su trabajo, Wong afirma: "Muchos de mis poemas provienen del lugar de trabajo; ahí es donde he experimentado una gran cantidad de sexismo y racismo". Wong ha publicado tres colecciones de poesía: Death of Long Steam Lady (1986) y Dreams in Harrison Railroad Park (1977) y Stolen Moments (1997). Su poema, "Canción de despedida", se instaló en 1996 en una plataforma Muni de la línea F en el medio de la carretera Embarcadero cerca de Greenwich Street. El poema, elegido por la Comisión de Artes de San Francisco, es parte del Programa de Señalización Histórica e Interpretativa del Proyecto de Transporte Frente al Mar a lo largo del Embarcadero Norte de San Francisco. Basado en los pensamientos y sentimientos de un hombre que deja China y la esposa que deja atrás en los primeros años del siglo XX, "Song of Farewell" trata sobre la separación, la partida y, en última instancia, la muerte, dice Wong. Uno de sus artículos, titulado “Las mujeres asiático-americanas y la política” apareció recientemente en la antología asiático-americana titulada, Legacy to Liberation: política y cultura de la revolucionaria América del Pacífico Asiático (2000). En 1983, Wong fue delegada de la primera gira de escritoras estadounidenses a China. También ha sido profesora invitada en estudios de la mujer en la Universidad de Minnesota, Minneapolis (1985).

 En 1989 fue honrada por la San Francisco Women's Foundation con el premio Women of Words. Wong se enorgullece de sus puntos de vista feminista y socialista. "Cuanto más veo a algunas personas atacando, más veo a todos adquiriendo la fuerza para contraatacar", dice Wong. "De lo contrario, simplemente cerraría la puerta y diría, 'adiós mundo'. Pero esa no soy yo ".




https://www.filmandtvnow.com/interview-special-allie-light-any-wednesday/
https://www.library.ucsb.edu/special-collections/cema/wong_n
https://en.wikipedia.org/wiki/Nellie_Wong
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lunes, 11 de septiembre de 2023

Jean Said Makdisi escritora palestina


Jean Said Makdisi ( 1940) es una escritora palestina y académica independiente, más conocida por sus escritos autobiográficos. 

Jean Said Makdisi nació en Jerusalén en el seno de una familia palestina. La hermana menor de Rosemarie Said Zahlan y Edward Said , fue criada en Egipto y educada en los Estados Unidos e Inglaterra .  Se casó con un académico libanés de origen palestino, Samir Makdisi. Vivieron en Estados Unidos antes de mudarse a Beirut en 1972,  donde enseñó inglés y humanidades en el Beirut University College .  Permanecieron en Beirut durante la Guerra Civil Libanesa y la invasión israelí de 1982.. Makdisi documentó el declive de la ciudad en su primer libro, Beirut Fragments: a war memoir (1989):

Hoy, el ojo de Beiruti se enfrenta constantemente a edificios en diversas etapas de colapso; cristales rotos y toldos rotos; letreros eléctricos colgantes y rotos: que una vez brillaron en publicidad chillona; calles destartaladas, sucias y superpobladas; bloques llenos de refugiados, sus hijos jugando en los montones de basura esparcidos aquí y allá, monumentos a la guerra; líneas telefónicas y eléctricas que cuelgan sueltas de postes doblados; perros y gatos callejeros, enfermos y lentos, olfateando la basura en los rincones vacíos. 

En Teta, madre y yo (2005), Makdisi revivió un siglo de vida árabe a través de la historia de tres generaciones de mujeres árabes: ella misma, su madre, Hilda Musa Said, y su abuela, Munira Badr Musa.




En sus memorias, Beirut Fragments: A War Memoir (1990), Jean Said Makdisi describe la vida en Beirut devastada por la guerra. Describe barrios, edificios y calles, explorando cómo cada una de estas construcciones contribuye a la creación de un "paisaje de recuerdos" que abarca la guerra y las dolorosas experiencias de las personas en ella. En su segundo libro, Teta, Mother, and I: An Arab Woman’s Memoir (2005), Makdisi entrelaza las esferas personal, doméstica, social y política de tres generaciones de mujeres en su familia a través del tiempo y el espacio. En una entrevista con Makdisi, la autora habló de su identidad de múltiples capas, en la que se identificó a sí misma de manera diferente en las diferentes etapas de su vida. Actualmente se considera una escritora inquisitiva que intenta resaltar las historias cotidianas de las mujeres árabes y una feminista de toda la vida que continúa participando y organizando conferencias, convenciones y debates sobre estos temas(1). . También se identifica como madre, esposa y hermana, ya que esos roles colorearon y perfilaron sus múltiples contribuciones al feminismo y su comprensión. También es miembro de la Asociación Libanesa de Mujeres Investigadoras, donde escribe sobre la vida de las mujeres que vivían en la década de 1920, los cambios provocados por la Primera Guerra Mundial y las representaciones de la masculinidad.

Su hijo es el crítico literario Saree Makdisi .



Obras 

Fragmentos de Beirut: una memoria de guerra . Nueva York: Persea Books, 1989

Teta, madre y yo: memorias de una mujer árabe . Londres: Saqi, 2005

(ed. con Martin Asser) Mi vida en la OLP: la historia interna de la lucha palestina por Shafiq al-Hout . Traducido por Hader al-Hout y Laila Othman. Londres: Plutón Press, 2010

(ed. con Noha Bayoumi y Rafif Rida Sidawi) Feminismos árabes: género e igualdad en Oriente Medio . Londres: IB Tauris, 2013

https://civilsociety-centre.org/content/jean-said-makdisi-writer-feminist-and-historian

https://en.wikipedia.org/wiki/Jean_Said_Makdisi

https://ar.wikipedia.org/wiki/%D8%AC%D9%8A%D9%86_%D8%B3%D8%B9%D9%8A%D8%AF_%D9%85%D9%82%D8%AF%D8%B3%D9%8A

https://ar.wikipedia.org/wiki/%D8%AC%D9%8A%D9%86_%D8%B3%D8%B9%D9%8A%D8%AF_%D9%85%D9%82%D8%AF%D8%B3%D9%8A

https://learningpartnership.org/resource/jean-said-makdisi-oral-history-content-summary-document

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domingo, 10 de septiembre de 2023

Helena Munktell compositora sueca

Helena Mathilda Munktell (Grycksbo, 24 de noviembre de 1852-Estocolmo, 10 de septiembre de 1919) fue una compositora sueca.

Nació en Grycksbo en la provincia de Dalarna, Suecia. Era la menor de los nueve hijos de Henrik Munktell (1804-1861) y Christina Augusta Eggertz (1818-1889). Su madre vivía separada en Estocolmo y después de la muerte de su padre, quien la inició en el interés por la música, la familia se mudó allí. Su hermana Emma Josepha Sparre (1851-1913) fue pintora,​ ambas recibieron educación musical en lecciones privadas.

Munktell estudió música en el Real Conservatorio de Estocolmo con Conrad Nordqvist, Johan Lindegren, Ludwig Norman y Joseph Dente, y luego en Viena con Julius Epstein . Estudió piano y canto, y continuó su formación en composición en París con Benjamin Godard y Vincent d'Indy. Su debut como compositora tuvo lugar en Suecia en 1885. A finales de la década de 1890, Helena Munktell comenzó a componer música para orquesta. En 1915 se convirtió en miembro de la Real Academia Sueca de Música y en 1918 cofundó la Sociedad Sueca de Compositores.

La esencia musical de sus composiciones combinaron eficazmente el neorromántico, el folk nórdico y el timbre francés.

Sufría de una enfermedad ocular y murió a los sesenta y siete años en Estocolmo. Fue sepultada en Norra begravningsplatsen, en Solna.




Obras

Munktell compuso para orquesta pero se inclinó por obras vocales, corales y operísticas. Las composiciones seleccionadas incluyen:

Opera

I Firenze, enaktsopera med libretto av Daniel Fallström (estrenada en 1889)

Obras orquestales

Svit för stor orkester (1895)

Bränningar, symfonisk bild, op. 19 (estrenada en 1898)

Dalasvit, op. 22 (1910)

Valborgsmässoeld, poem för orkester, op. 24 (1910-talet)

Barcarolle pour orchestre, orquestal en un solo movimiento

Música de cámara

Dalsvit, op. 22, arrangemang för piano (1916)

Humoresque för piano

Kleines Trio för piano, violin och violoncell

Stor kattfuga för piano (1868)

Valborgsmessoeld, op, 24, version för piano

Violinsonat i Ess-dur, op. 21 (1905)

Música coral

Davids psalm: Den sig åt Herrens namn förtror för manskör a cappella. Con letra de Edvard Evers según los Salmos

En liten fågel sjöng för damkör a cappella

Gammal kaffe- o namnsdagsvisa för blandad kör a cappella

Hell dig, Emma, solomstrålad för damkör a cappella

Hymn för tre fruntimmersröster till min mor på dess 61sta födelsedag för 3 röster och orgel (1879)

Jul för mezzosopransolo, damkör och piano. Con letra de Emma Sparre (1913)

Kantat till invigningen af Svenska kyrkan i London för solokvartett, barnkör, blandad kör och orgel. Con letra de Edvard Evers (1911)

Kantat till Kvinnokongressen 21 sept. 1897 för sopransolo, damkör, piano och orgel. Con letra de Henrika Widmark

Morgonhelsning till min mor d. 24 juli till text av tonsättaren

Natt för manskör a cappella

Slutkör vid Fredrika Bremers minnesfest d. 31 okt. 1901 för damkör, piano och orgel

Strengnäs för manskör a cappella. Con letra de V. Modin

Sverige i sigte för manskör a cappella

Sång till skogen för blandad kör a cappella (1891)

Trois choeurs sur des poésies scandinaves för damkör och piano (1899)

”Soir de mai” Con letra de Oscar Levertin

”Le chant du pommier”, Con letra de Albert Theodor Gellerstedt

”Hymne” con texto al danés de Christian Hostrup

Tvenne damkörer för damkör med pianoutdrag, op. 22. Con letra de J. Nyblom


Su música ha sido grabada y editada en CD, que incluye:

Helena Munktell (1852-1919): Symphonic works (enero de 2005) Sterling CDS.


https://sv.wikipedia.org/wiki/Helena_Munktell

https://twitter.com/svmusicology/status/1630828800840744964/photo/1

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sábado, 9 de septiembre de 2023

Patricia Howell Aguilar pionera del cine en Costa Rica

 


Patricia Howell Aguilar (  San José ,Costar Rica 29 de octubre de 1952- 4 septiembre 2023) Estudió  Art and technique of Film and TV en London Film School y  Dirección en Universidad LCI Veritas

Queremos desde aquí agradecer los aportes impagables de la vida de Patricia Howell intentando conseguir que se revise su trabajo de un grandísimo valor y se de a conocer en mayor profundidad .

Traemos el comentario de Montserrat Sagot  con motivo del reciente adiós de esta gran directora :

Patricia Howell empieza su labor con la filmación de un espectáculo de danza, Juan Santamaría (1980). Pero es con su documental Dos veces mujer (1982) con lo que asienta las bases del estilo y el enfoque temático, no solo de su producción ulterior, sino de una extensa producción audiovisual que sobre el tema de la mujer se desarrollará en la década del noventa.

En Dos veces mujer, Howell se basa en investigaciones de género -mezclando voz en off de la directora y testimonios directos de las mujeres- por lo que no se limita a describir la situación de la mujer, sino que se propone explicar y desarrollar una hipótesis sobre el tema: que la mujer, históricamente condenada al oficio doméstico, es también responsable de trabajos en el campo y en la ciudad, por lo que su labor es doble. Además, el documental esclarece una serie de mitos y prejuicios en torno a la mujer. Denuncia cómo la educación refuerza conductas de sumisión y cómo la ideología propone que la abnegación y el sacrificio son parte de la naturaleza femenina.

Me entristece mucho la prematura partida de Patricia Howell. Ella se puede considerar la primera cineasta del país. Además, una feminista comprometida que con sus diversos filmes nos mostró diferentes facetas de la desigualdad de género. Recuerdo su documental pionero "Dos veces mujer", de 1982, donde usó los resultados de diferentes investigaciones para mostrar las condiciones de explotación de las mujeres. Asimismo, "Íntima Raíz (1985), en la que abordó las violaciones de los españoles tanto a las mujeres como al territorio americano. Su interés por mostrar diferentes facetas de las realidades de las mujeres siempre se mantuvo presente. Hace unos años desde el Posgrado en Estudios de la Mujer patrocinamos la presentación de su película de ficción, "Lobas" en la UCR. En esta película exploró el amor entre dos mujeres. El año anterior se que se presentó su candidatura al premio Magón, por sus trabajos pioneros y por sus aportes al cine con perspectiva feminista, pero, lamentablemente, no le otorgaron el premio. Ahora Pat ya no está físicamente, pero espero que las siguientes generaciones le reconozcan todos sus aportes.

Gabriel González Vega añade en un comentario :
Quiero agregar a esta reseña su documental “Los caminos del amor”, sobre la artista Guadalupe Urbina. Un trabajo hermoso, enternecedor y combativo, como todos los de Patricia.


Quienes me conocen y han seguido mi trayectoria profesional y política, saben de mi incondicional solidaridad con las mujeres. Pero hay algo que no puedo permitir , y es el oportunismo de una mujer que utiliza los logros y las luchas de todas las mujeres del mundo para su propio beneficio. Quiero decir que la violencia política que se ejerce contra las mujeres, nada tiene que ver con la incapacidad de articular ideas y propuestas de manera coherente. La violencia política, si la hay, en este caso, es justamente ponerse de mascarón de proa para decirse mujer, sin haber jamás alzado un dedo para defender nuestras causas y nuestros derechos. Eso sí es violencia política.




Traemos una magnifica entrevista que nos habla de sus pensamientos:

Patricia Howell: «Me interesa muchísimo el tema de la libertad»

Patricia Howell es una mujer que ama la libertad y tiene como objetivo la generación de conciencia en la sociedad, alrededor de la tolerancia y el respeto a la vida.

Desde 1982, con la producción del documental “Dos veces mujer”, en el que a través de investigaciones propone la hipótesis de que las mujeres, históricamente encargadas de los oficios del hogar, son también responsables de trabajos en el campo y en la ciudad, por lo que su labor es doble. Este enfoque marcó su misión como productora cinematográfica, que se mantiene constante hasta hoy. “Dicen los grandes críticos que un cineasta siempre tiene los mismos temas, recurre y recurre, lo ve desde un ángulo y lo ve desde otro. Sin que sea muy consciente, pero es así”.

Actualmente, tras vivir 16 años en Europa, es productora independiente en su empresa y es profesora en la Escuela de Cine y TV de la Universidad Veritas.
Su carrera como documentalista tanto en Costa Rica como a nivel internacional, le ha permitido producir los filmes: “Intima raíz”, “Más que palabras”, “¿Por qué nosotras no?”, “Nos ha llegado el tiempo”, “Armas para la paz”, “La fuerza de la esperanza”, y “Mujeres en diálogo”, entre otras.

Howell, quien se mantiene ocupada y atenta al tema feminista, produjo para el Instituto Nacional de la Mujer el largometraje documental “Sí estuvimos” en el que desarrolla ocho retratos de mujeres del siglo XX, que tuvieron una influencia determinante en el desarrollo de la conciencia de las mujeres. El documental se estrenó el 8 de marzo de 2018, Día Internacional de la Mujer.
Con el apoyo de Ibermedia, trabaja actualmente en el guión de una película que preliminarmente llama “Nena”, en la cual tocará el tema de la reivindicación de la mujer y la libertad ante la represión.
¿Cuál poder como mujer encuentra en la producción audiovisual, que no se lo da alguna otra profesión? No sé si sea un poder, es una forma de expresión muy profunda y completa, que unifica muchísimos otros lenguajes; eso ya en sí mismo convierte al cine en una expresión artística súper poderosa.
Sin embargo, cuando produzco un guión para una película, no pienso en eso, lo que pienso es qué es lo que necesito comunicar y cómo lo quiero decir. Se vuelve una urgencia de algo que sale del corazón, del alma, de la memoria. La maravilla es que se puede proyectar y comunicar a nivel colectivo. Tiene un poder de comunicación, un alcance enorme, que difícilmente pueden tener otros artes.
Hago película fundamentalmente de género, porque no puedo abstraerme de ser mujer en lo que hago. Mi trabajo autoral y todo lo que realizo está permeado de mi ser mujer y además conscientemente, hago trabajos que tengan que ver con la concientización de género.
¿Cómo fue su experiencia al producir fuera de Costa Rica? Como todo en la vida, todo tiene cosas buenas y cosas malas. Viviendo en el extranjero tuve muchísimos recursos; en Holanda estuve produciendo a gran escala, cosas importantes y con presupuestos importantes. Me sentí muy acogida.
Pero al mismo tiempo, el ser migrante es una condición complicada, dolorosa en algunos aspectos, porque usted nunca llega a pertenecer a esa cultura en la cual está trabajando, entonces me hacía falta volver a mi país, aunque fuera tan caótico. Me hacía falta tener ese sentido de pertenencia. Ya aquí uno tiene más capacidad para hablar e involucrarse en los movimientos sociales, eso me interesa mucho.
¿El cine que usted realiza pretende reivindicar un espacio para las mujeres en general? ¿O más bien es una válvula de escape de alguna frustración ante las transgresiones de una sociedad machista? No es una válvula de escape, es un deseo que tengo por dentro que necesita salir y que tiene que ver con el desarrollo de la conciencia; la propia y la colectiva. Donde podamos ser seres humanos más tolerantes y más libres. Me interesa muchísimo el tema de la libertad.
En términos de igualdad de género ¿qué debería comunicar la industria del cine en Costa Rica? Veo que la temática y la conciencia de género, ese eje está todavía muy crudo. Lo veo en un ochenta por ciento de mis amigos y colegas cineastas que todavía no han llegado a entender qué significa el género realmente. Piensan que una mujer con los pechos al aire, ya es una mujer liberada. Hace poco escuché a un colega expresar con relación a un personaje femenino que “era una mujer tan libre que hace el amor con quien le da la gana y después los deja tirados en la cama y se va, es como un hombre”, dijo.
Yo me asombré porque eso es lo que están pensando que representa la libertad para una mujer. Que la libertad y la igualdad es ser como un hombre. No hay un cuestionamiento de fondo de lo que realmente significa el amor, la libertad, la igualdad y las relaciones con la naturaleza y con los otros seres humanos. Creen que ser feminista es ser igual a los hombres y no tiene nada que ver.
¿Qué es ser feminista para usted? Creo que ser feminista significa tener la capacidad profunda de que cada ser humano se desarrolle de acuerdo con su propia naturaleza, sus propios sentimientos, con respeto y tolerancia a todos los demás seres de la tierra, incluyendo a los árboles, los animales, la naturaleza, las mujeres, los hombres, los niños, todo. Hay un componente esencial en el feminismo que es la tolerancia, el respeto a la vida, es fundamental.
En este momento hay mujeres que sufren abuso, hay otras que están empoderadas ¿Qué mensaje puede darles usted como artista? Veo con preocupación que las nuevas generaciones están pensando que el feminismo ya no es necesario, como que ya lo lograron y eso es falso aquí y en todo el mundo. Al contrario, los homicidios de las mujeres son cada día más frecuentes, la situación de las mujeres en cuanto a la igualdad, está teniendo un grave retroceso. Es necesario que la juventud no menosprecie la necesidad de desarrollar un activismo que tenga que ver con el desarrollo de la tolerancia y de la libertad desde esa mirada.
Costa Rica es un país muy privilegiado, porque hay un grupo, una élite que es consciente. Pero es muy pequeño, son aquellas relacionadas con las universidades públicas o aquellas que realizan estudios de género, pero nada más.
Entonces ¿qué necesita la mujer que no pertenece a esos grupos, la que no está en la academia, que necesita despertar en su mente? Sobre todo qué necesita decir. Hay que darle espacios para que hable, para que se eduque, para que se concientice, para que crezca. Si usted es un pato y crece en un charco lleno de lodo, creerá que eso es como el agua transparente porque no conoce otra cosa. Hay que enseñarle a ese pato que existe el agua transparente para que ya no se conforme con el lodo.



https://www.facebook.com/montserrat.sagot?locale=es_LA

https://www.facebook.com/patricia.howell.56/videos/1323936904913237

https://www.periodicopuravida.net/patricia-howell-me-interesa-muchisimo-el-tema-de-la-libertad/


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viernes, 8 de septiembre de 2023

Maria Lassnig pintora del mundo interno



Maria Lassnig (8 de septiembre de 1919, Kappel am Krappfeld, Carintia1​ - 6 de mayo de 2014, Viena, Austria) fue una artista austriaca conocida por sus autorretratos  y su teoría de la "conciencia corporal".​ Fue la primera artista femenina en ganar el Gran Premio Estatal de Austria en 1988​ y se le otorgó la Condecoración de Austria para la Ciencia y el Arte en 2005. Lassnig vivió y enseñó en Viena desde 1980 hasta su muerte.

La idea de  conciencia corporal aparece en los trabajos elaborados a partir de la década de los 70 y durante su estancia en Nueva York, periodo en el que llevó a la máxima expresión creativa la exploración de su cuerpo y de las sensaciones corporales mediante el método que llamó ‘body-awareness’ (conciencia corporal).

La evolución de las investigaciones de esta creadora, en sus inicios, van desde el autorretrato, y su relación con el objeto, el animal y la máquina. A partir de los años 60, Lassnig opta definitivamente por la figuración, aunque ello iba en contra de la tendencia predominante de su generación. Con la reintroducción de lo figurativo, la pintora empieza a tratar el objeto no inteligible: cuerpos fantasmagóricos, medio humanos y medio animales o seres bloqueados y alienados por elementos tecnológicos, con pantallas ante los ojos que también se pueden interpretar como ‘alter egos’ del artista. De esta manera encuentra un ámbito más amplio para expresar sus sentimientos, afectos y estados existenciales, en los que el hecho de observar y ser observado a menudo se refleja de manera traumática.


El 6 de mayo falleció en Viena  a los 94 años. Actualmente el MOMA presentó una exposición suya curada por Peter Eleey.  La pintora se caracteriza por el conocimiento del cuerpo y el autorretrato. “Es una de las pintoras contemporáneas más importantes,  una pionera del arte ”, dice Eleey.


Las creaciones de Lassnig exploran las disyunciones entre la imagen propia y la percepción del otro. En 2013 fue premiada con el León de Oro de la Bienal de Venecia. Y fue la primera mujer reconocida con el Grand Austrian State Prize, galardón concedido en 1988. En 1980 fue designada profesora de Artes Aplicadas en la Universidad de Viena. 


Maria Lassnig  es una de las pintoras contemporáneas más importantes y puede considerarse una pionera en muchas áreas del arte actual. Negándose enfáticamente a hacer "imágenes", se ha centrado durante mucho tiempo en formas de representar su mundo interno. Usando el término “conciencia del cuerpo”, Lassnig ha tratado regularmente de pintar cómo se siente su cuerpo desde adentro, en lugar de intentar representarlo desde afuera. A lo largo de una notable carrera que ha abarcado más de 70 años, ha seguido creando obras que exploran de manera vulnerable la forma en que entra en contacto con el mundo, a menudo poniendo especial énfasis en las disyuntivas entre su propia imagen y la forma en que es vista. por otros, como mujer, como pintora y como persona que vive los dramáticos desarrollos tecnológicos y culturales que han marcado el siglo de su vida. Exponiendo con valentía traumas, fantasías y pesadillas personales, el arte de Lassnig ofrece instrucción para vivir con valentía en una época de interacción social cada vez más espectacularizada.



https://de.wikipedia.org/wiki/Maria_Lassnig
http://institutoculturaldeleon.org.mx/icl/story/1696/Maria-Lassnig-muere-en-Viena-a-los-94-a-os#.XrJ6HKhLg54

https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/on-this-day
https://web.archive.org/web/20140723041633/http://www.hauserwirth.com/artists/19/maria-lassnig/biography/
https://www.moma.org/artists/3402
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jueves, 7 de septiembre de 2023

Marie Luplau pintora feminista


Henriette Marie Antonette Luplau (7 de septiembre de 1848 – 16 de agosto de 1925) fue una artista y pedagoga danesa, activa en el movimiento feminista. Dirigió una escuela de arte para mujeres en Copenhague con su pareja, la artista Emilie Mundt.

Marie Luplau nació en Varde, en la Península Jutland, hija de Daniel Carl Erhard Luplau, un pastor de pueblo, y Line Luplau, editora de un diario feminista y sufragista. Estudió arte con Vilhelm Kyhn, uno de los pocos instructores en Copenhague que estaba dispuesto a aceptar a mujeres como alumnas.1​ Pasó varios años continuando sus estudios en Múnich, y se mudó a París para estudiar allí en la Académie Colarossi.

En 1875, con el apoyo de la Asociación de Mujeres Danesas (DK), Luplau y otras cinco mujeres artistas entregaron sus solicitudes para estudiar en la Academia de Arte de Dinamarca; fueron rechazadas no por la calidad de su trabajo, sino porque la institución no aceptaba mujeres como alumnas.

En 1886, Marie Luplau y Emilie Mundt fundaron una escuela de arte en su casa en Copenhague, para preparar a las mujeres para ser admitidas en los programas de la Academia de Arte cuando se abrieron a las mujeres en 1888. La escuela estuvo operativa hasta 1913. Entre sus alumnas notables figuraban Emilie Demant Hatt, Astrid Valborg Holm, y Olivia Holm-Møller.

Symbolistisk Gadeparti 

También escribió sobre la salud de las mujeres, bicicletas y la reforma de los vestidos, temas todos que Luplau trata en su ensayo de 1984 "Sobre el Ciclismo para Mujeres" ("Om Cykling for Damer").

El cuadro de Marie Luplau de 1917 de su madre y otras pioneras feministas danesas, "En los Primeros Días de la Campaña por el Sufragio de las Mujeres," estuvo colgado durante muchos años en el edificio del Parlamento danés. El Museo de las Mujeres en Aarhus albergó una exhibición de los trabajos de Luplau y Mundt en 2007.​

En los Primeros Días de la Campaña por el Sufragio de las Mujeres,


Marie Luplau conoció a Emilie Mundt cuando ambas eran alumnas de Vilhelm Kyhn. Vivieron y trabajaron juntas durante el resto de sus vidas, y en 1891 adoptaron a una hija, Carla Mundt-Luplau. 

Marie Luplau falleció en 1925, a los 76 años de edad, tres años después de la muerte de Emilie Mundt en 1922. 

Marie Luplau y Emilie Mundt con su hija adoptiva Carla Mundt Luplau (1915)


https://en.wikipedia.org/wiki/Marie_Luplau#/media/File:Marie_Luplau_-_Fra_Kvindevalgretskampens_f%C3%B8rste_dage_(1897),.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Marie_Luplau

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miércoles, 6 de septiembre de 2023

María Alicia Domínguez poeta, novelista y ensayista argentina




María Alicia Domínguez (Buenos Aires, 6 de septiembre de 1904-Buenos Aires, 9 de abril de 1988) fue una poeta, novelista y ensayista argentina.

Se tituló como Maestra Normal y profesora en Letras, recibida en el Instituto Nacional del Profesorado de Lenguas Vivas, ejerciendo la docencia en los Institutos Mitre y Bernasconi, en los Colegios Nacionales Julio A. Roca y Domingo F. Sarmiento y en el Normal 6, todos ellos en la capital argentina.

Inició su prolífica carrera literaria en 1925 con el libro de poemas La rueca (1925). Su obra abarca más de 30 títulos e incluye novelas, como Vidas de una calle (1955), y ensayos, como El cultivo de la imaginación infantil (1932). Entre sus textos de literatura infantil destacan Rosas en la nieve (poema, 1945), Ginés del mar (novela, 1976), El niño que olvidó su nombre (relato, 1977), Cocotón (teatro, 1977), y Canciones de Mari-Alas (poesía, 1978).

Colaboró en la Editorial Columba con textos para el semanario Intervalo,​ en las décadas de 1950 y 1960.

Cuando abandonó la docencia, se dedicó a escribir literatura infantil, de la que fue una persistente difusora.




Mantuvo en su juventud una relación sentimental con Leopoldo Lugones, e incluso hay quien atribuye el suicidio del escritor a un desengaño amoroso con ella, o a la presión del hijo para que la abandonara.

Se casó con el editor Fernando Foyatier.


Premios

Premio Municipal de Poesía de Buenos Aires (1966)

Faja de Honor de La Sociedad Argentina de Escritores (1967)

Cruz de Madera otorgada por el Instituto de Estudios Franciscanos (1973)

Premio Nacional de Literatura Infantil (1983).

Premio Konex 1984: Literatura para Niños



https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Alicia_Dom%C3%ADnguez

https://www.jstor.org/stable/30208246

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martes, 5 de septiembre de 2023

Luigia Codemo escritora italiana



Luigia Codemo , o Luigia Codemo di Gerstenbrandt ( Treviso , 5 de septiembre de 1828 - Venecia , 3 de agosto de 1898 ) fue una escritora y novelista italiana , autora de cuentos, novelas, poemas y obras de teatro de ambiente campesino y muchas veces de trasfondo patriótico .

Nació en una familia de intelectuales: su padre Miguel Ángel fue profesor de literatura, su madre Cornelia Sale viuda Mocenigo, poeta y traductora. Realizó frecuentes viajes dentro de Italia y al extranjero, estudió pintura en Florencia y tuvo la oportunidad de conocer y asociarse con algunos de los escritores más importantes del siglo XIX como Manzoni , Tommaseo y Giusti . En 1851 se trasladó a Venecia donde se casó con Carlos de Gerstenbrandt.


Publicó su primera novela, Memorias de un granjero , en 1856 ; la obra, que narraba la historia de un joven granjero que se traslada a Venecia, recibió elogios y elogios sobre todo por la descripción de las escenas domésticas y por la clara adhesión del autor a los movimientos independentistas italianos. El lenguaje, tomado de Manzoni, parece descuidado; sin embargo, el autor construye personajes, especialmente femeninos, con un carácter claro y bien definido.

Codemo también incursionó en textos teatrales: Debo Barisani, es decir, hago lo que la tierra quiere (1882), El último Delmosti , Un juicio en la familia (1868), Alabado sea la rosa, guarde la viola , Letras y perpetuas , La serpiente atrapar al charlatán .

Luigia Codemo (1828-1898) es una de las escritoras clave en la historia de la literatura italiana del siglo XIX; por lo tanto, figura en Los autores de la literatura italiana .


Obras 

Delle rondini: carme, Venezia: tip. P. Nabatovich, 1854

Le memorie d'un contadino: scene domestiche, Venezia: G. Antonelli, 1856

Berta: prima cronaca d'un anonimo: scene domestiche, Venezia: Naratovich, 1858

Fiore di prato: seconda cronaca d'un anonimo: scene domestiche, Venezia: Tip. del commercio, 1860

Andrea, ovvero Il padre e la famiglia: scene domestiche del Veneto, Venezia: premiata tip. di Gio. Cecchini, 1864

Ippolito Caffi: cenni artistici e biografici, Venezia: tip. Cecchini, 1866

L' ultima Delmosti, o Come s'espia un'imprudenza: dramma storico-domestico in quattro atti e un prologo, Venezia: Gio. Cecchini, 1868

Dal mare alle Alpi: illustrazione d'un album, Venezia: Tipografia del commercio di Marco Visentini, 1869

La rivoluzione in casa: scene della vita italiana, Venezia: Reale tipografia di Gio. Cecchini, 1869

Pellegrinaggio a Brusuglio: ricordi e pensieri, Venezia: Strenna veneziana, 1871

Scene e descrizioni illustrate, Venezia: Tip. del commercio di Marco Visentini, 1871

Chioggia e Schio: studietti autunnali, Venezia: tip. Cecchini, 1872

Fronde e fiori del Veneto letterario in questo secolo: racconti biografici, Venezia: Tip. di Giuseppe Cecchini, 1872

Pagine famigliari artistiche cittadine: 1750-1850, Venezia: Tip. del commercio di M. Visentini, 1875

I nuovi ricchi: scene domestiche, Treviso: coi tipi di L. Zoppelli, 1876

Miserie e splendori della povera gente: scene popolari, Venezia: C. Coen, 1876

Per monti e per valli: corseggiata pittorica, Treviso: L. Zoppelli, 1877

Scene marinare, Treviso: coi tipi di L. Zoppelli, 1879

Svago a buona scuola, Treviso: coi tipi di L. Zoppelli, 1880

Racconti, scene, bozzetti, produzioni drammatiche, Treviso: L. Zoppelli, 1882

Nohant: tocchi pittoreschi, Treviso: Tipografia Luigi Zoppelli, 1884

Il dottor Alessandri: Profilo a memoria, Venezia: Stab. Tip. Lit. M. Fontana, 1886

Patire, non morire: Scene artistiche, Treviso: Tip. L. Zoppelli, 1886

Scene campestri, domestiche, storiche, Treviso: Tipografia Luigi Zoppelli, 1886

Un viaggio a bordo, Treviso: Tipografia di L. Zoppelli, 1886

A guerra finita: mie note sull'Esposizione artistico nazionale di Venezia del 1887, Venezia: Stabilimento tip. fratelli Visentini, 1887

Giuseppe Carraro, Venezia: Stab. Lit. Tip. M. Fontana, 1888

Nostri scrittori contemporanei: Clotaldo Piucco, Venezia: Stab. Tip. Dei Fratelli Visentini, 1889

Sulla rivoluzione francese di Alessandro Manzoni, Venezia: Tip. Fontana, 1889

Carnevale e Quaresima: Pennellate veneziane, Venezia: Stab. Tip. Lit. Fratelli Visentini, 1890

I vaporetti: pennellata veneziana, Venezia: Fratelli Visentini, 1891

Variazioni sul tema: Le due mogli di Napoleone 1. Studio di Ernesto Masi, Venezia: Success. M. Fontana, 1891

Venticinque anni: dal 19 ottobre 1866, Venezia: Stab. Tip. Fratelli Visentini, 1891

Dal parco all'orto: scene intime, Venezia: coi tipi dei Fratelli Visentini, 1892

Noli me tangere (racconti), Treviso: Tip. Di L. Zoppelli, 1894

Pennellate marinare, Venezia: tip. fratelli Visentini, 1895

Poesie varie, Treviso: L. Zoppelli, 1895

Alessandro Rossi, Treviso: Turazza, 1898



https://www.liberliber.it/online/autori/autori-c/luigia-codemo/

http://www.maldura.unipd.it/italianistica/ALI/codemo.html

https://it.wikipedia.org/wiki/Luigia_Codemo

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lunes, 4 de septiembre de 2023

Hertha Pauli periodista, escritora y actriz


Hertha Pauli (4 de septiembre de 1906 - 9 de febrero de 1973) fue una periodista, escritora y actriz austríaca.

Hertha Ernestine Pauli nació en Viena , hija de la feminista Bertha Schütz y del científico médico Wolfgang Pauli. Su hermano era Wolfgang Pauli , que fue galardonado con el Premio Nobel de física en 1945.

De 1927 a 1933 interpretó diferentes papeles pequeños en el Max Reinhardt Theater de Berlín y se alió con Ödön von Horváth . De 1933 a 1938 vivió en Viena, editó el "Österreichische Korrespondenz" y publicó novelas biográficas, por ejemplo sobre la feminista Bertha von Suttner




Después de terminar su bachillerato  emigró a Francia. En París perteneció al círculo de Joseph Roth , conoció al periodista estadounidense Eric Sevareid y escribió para Resistance . En 1940, después de que los nazis ocuparon Francia, huyó con el escritor Walter Mehring a través de Marsella, los Pirineos y Lisboa. Con la ayuda de Varian Fry y el Comité de Rescate de Emergencia , se dirigió a los Estados Unidos.

Después de su llegada a América, ella describió su vuelo en el diario Aufbau .  En los años siguientes, escribió libros sobre Alfred Nobel y la Estatua de la Libertad . Sus libros para niños, en particular, tuvieron cierto éxito. Estos libros incluyeron " Noche silenciosa . La historia de una canción" (1943), en la que explicó el origen del villancico. 

Se casó con Ernst Basch (seudónimo EB Ashton), con quien había colaborado en I Lift My Lamp . Su último libro fue autobiográfico y describió el tiempo después de la unión nazi con Francia. 
Hertha murió en Long Island, Nueva York con 66 años.




Obras
Toni. Ein Frauenleben für Ferdinand Raimund, 1936
Nur eine Frau. Bertha von Suttner, 1937
Alfred Nobel, Dynamite King, arquitecto de la paz, 1942
Noche silenciosa. La historia de una canción ", 1943
Historia del árbol de Navidad, 1944
Viajes a San Nicolás, 1946
Levanto mi lámpara, El camino de un símbolo, 1948
La puerta dorada, 1949
Tres es una familia, 1955
Bernadette y la Dama, 1956
Su nombre era verdad de Sojourner
El secreto de Sarajevo: La historia de Franz Ferdinand y Sophie, 1966
La ruptura del tiempo, 1972


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domingo, 3 de septiembre de 2023

Pauline Kael crítica de cine


Pauline Kael ( 19 de de junio de, 1919 en Petaluma , California - 3 de septiembre  de 2001 en Great Barrington , Massachusetts ) fue un  crítica de cine estadounidense . Se la cuenta entre las críticas de cine más importantes del siglo XX. 

Pauline Kael fue la quinta hija de Judith Jetta Kael, de soltera Friedman e Isaac Kael. Ambos padres procedían originalmente de Pruszków, Polonia . Los Kael, como varias otras familias judías, se habían establecido en Petaluma, California, donde tenían una granja de pollos. Pauline leyó mucho y le encantó leer desde la infancia y se sintió alentada por su entorno en su interés por la cultura. La familia iba junta al cine, donde se proyectaron películas mudas . 

Kael estudió filosofía en la Universidad de California, Berkeley de 1936 a 1940 . En 1941 se trasladó a Nueva York con el poeta Robert Horan, con quien estaba saliendo en ese momento. Mientras Horan se puso rápidamente en contacto con la escena intelectual local, Kael pasó de un trabajo mal pagado a otro. A mediados de la década de 1940 regresó a la costa oeste de San Francisco , donde inicialmente vivió con su madre. Su hija Gina, que nació en 1948, proviene de una breve relación con el poeta James Broughton. 

Su primera reseña cinematográfica apareció en la revista City Lights en San Francisco en 1953 . Siguieron más publicaciones  en Partisan Review , en Moviegoer Magazine y en Kulchur. También comenzando a escribir regularmente para Film Quarterly ,  también  moderó el programa de radio Behind The Movie Camera de 1955 en la estación de radio local KPFA, administrada por la comunidad . En la década de 1960, Kael ganó mayor atención por primera vez a través de sus argumentos con el crítico de cine Andrew Sarris , el principal defensor estadounidense de la teoría del autor.. En su ensayo Circles and Squares criticó esta teoría, entre otras cosas porque solo funciona en retrospectiva y confronta dogmáticamente las obras de los directores entre sí. Kael quería ver las películas solas en lugar de en el contexto de una obra completa. 


Desde mediados de la década de 1950 hasta 1960, ella y Ed Landberg dirigieron el Cinema Guild en Telegraph Avenue en Berkeley , que se considera uno de los primeros cines de la casa de arte estadounidense .  Los breves textos de anuncio de Kael y su influencia en la selección de películas contribuyeron a la popularidad del cine. Landberg y Kael mostraron películas europeas, por ejemplo de Ingmar Bergman o Laurence Olivier , pero también películas musicales , westerns y comedias estadounidenses. 


En 1965, su primera colección de críticas cinematográficas se publicó como un libro, Lo perdí en el cine, que fue un éxito de ventas y fue bien recibido por la prensa. Fue el veredicto de Richard Schickel en The New York Times Book Review : “No estoy seguro exactamente de lo que perdió la señorita Kael en el cine, pero ciertamente no su ingenio. Sus críticas recopiladas confirman que [...] es la crítica de cine más inteligente, astuta, ingeniosa y no afectada que trabaja actualmente en la industria editorial estadounidense. Allí escribió brevemente en 1966 para la revista femenina McCalls, en el que, sin embargo, al derribar las populares producciones a gran escala del Dr. Zhiwago y The Sound Of Music rápidamente se hicieron impopulares. Fue  contratada para dar conferencias y programas de radio, y ha escrito para revistas como Holiday y The Atlantic Monthly . Por un lado, sus clientes valoraban a Kael como una excelente crítica de cine, por otro lado, ella era conocida por su franqueza poco diplomática, que a veces rayaba en la rudeza.


En 1967 ofreció al Atlantic Monthly una reseña positiva del drama de gánsteres Bonnie and Clyde de Arthur Penn , que fue rechazada por la revista porque era demasiado larga. El texto apareció finalmente en el New Yorker . Kael describió la película como un "punto de inflexión en el cine estadounidense". Esta crítica se considera una de las razones por las que Bonnie and Clyde , que inicialmente fue criticada por críticos establecidos como Bosley Crowther,  finalmente se convirtiera en un éxito de taquilla y  ganadora de un Oscar .  Después de la publicación de ese artículo, se comprometió firmemente como crítica de cine y permaneció así con una interrupción hasta 1991. 


El ensayo Trash, Art and the Movies , que Kael escribió para Harper's Magazine en 1969 , ocupó el puesto 42 de los 100 mejores ejemplos de buen periodismo del siglo XX en una encuesta de la Universidad de Nueva York de 1999 .  En el extenso artículo animaba a sus lectores a confiar en sus  propias impresiones y a no depender de la opinión de los críticos. Puedes disfrutar de las películas de inmediato, no tienen que ser declaradas arte.  Por ejemplo, algunas películas de explotación como Wild in the Streets tienen más que ver con la vida de la audiencia y son más inteligentes que las películas que se produjeron con más presupuesto. 


En 1971, Kael publicó el ensayo Raising Kane en el New Yorker , que posteriormente apareció como prólogo de The Citizen Kane Book . En él desarrolló la tesis de que no era Orson Welles quien era el líder creativo detrás de la película clásica Citizen Kane , sino el guionista Herman J. Mankiewicz . Si bien muchos lectores recibieron con entusiasmo el apasionante ensayo escrito, Kael fue fuertemente criticada por otras fuentes: por ejemplo, el director y crítico de cine Peter Bogdanovich afirmó que, obviamente, Kael no sabía cuánto se había cambiado  el guion  durante el rodaje. 

En 1979,  Warren Beatty le ofreció a Kael una lucrativa oferta para trabajar como productora de Paramount . Kael, que  tenia casi 60 años, no estaba satisfecha con su mediocre compromiso con el New Yorker y aprovechó la oportunidad para cambiar su carrera. Sin embargo, debido a su inexperiencia con las costumbres de Hollywood, falló rápidamente: el director James Toback puso fin a la colaboración con ella en la película Love and Money. Kael no comprende que el guion de una película es siempre solo el material de partida y que se adapta naturalmente a las circunstancias durante el rodaje. Como reemplazo, Kael consiguió un trabajo como "Ejecutiva de producción creativa". Su función consistía en asesorar a los productores sobre el desarrollo de ideas cinematográficas. Aquí fracasó debido al vicepresidente de marketing de Paramount, Donald Simpson, quien descartó casi todas sus ideas. Ninguno de los proyectos que le preocupaban se hizo realidad, con la excepción de El hombre elefante, que finalmente David Lynch convirtió en una película . Kael, frustrada, dejó que su contrato con Paramount expirara y regresó al New Yorker en 1980 . Anteriormente había trabajado allí con Penelope Gilliatt. Mientras Kael escribía la columna de películas semanal "The Current Cinema" para los meses de septiembre a marzo, Gilliatt fue responsable del resto del año. Sin embargo, después de que a Gilliat se le diera permiso para ausentarse debido a acusaciones de plagio , Kael se hizo cargo de la columna desde 1980 . 


En el mismo año se publicó el libro de Kael When the Lights Go Down con textos de 1975 a 1979. Como sus predecesores, el libro se vendió bien, pero las voces críticas acusaron a Kael de ser demasiado cercano a los cineastas y carecer de neutralidad. También se criticó su excesiva entrega a los superlativos. Finalmente, en agosto de 1980,  la reconocida periodista Renata Adler , que entre otros. como Kael escribió para el New Yorker .Adler condenó el libro de Kael como "línea por línea [...] sin valor. Indigestión, excreciones, excrementos" evocan. Se quejó del mal estilo de Kael. Entonces el crítico es constantemente retórico...


Durante su tiempo con el New Yorker, Kael fue considerada la crítica de cine más influyente de los Estados Unidos. Se involucró en los años sesenta y setenta y así promovió las carreras de cineastas como Martin Scorsese y Robert Altman . Durante este tiempo fue conocida por reunir un círculo de admiradores más jóvenes que fueron llamados despectivamente "Paulettes".

A finales de la década de 1980, a Kael le diagnosticaron la enfermedad de Parkinson . Debido al rápido deterioro de su salud, terminó su compromiso con el New Yorker en febrero de 1991 , Terrence Rafferty se hizo cargo de la columna de películas. Kael se retiró a su casa en Great Barrington , donde murió en 2001. 

https://de.wikipedia.org/wiki/Pauline_Kael

https://www.jotdown.es/2021/10/pauline-kael-necesita-un-enema/

https://elpais.com/cultura/2020-03-12/pauline-kael-una-pionera-en-la-critica-cinematografica.html

https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20230320/quentin-tarantino-pauline-kael-critica-pelicula-84924289

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sábado, 2 de septiembre de 2023

Maude Abbott cardióloga infantil referente


 Maude Elizabeth  Abbot nacida Seymour Abbott (18 de marzo de 1869 - 2 de septiembre de 1940) fue una médica canadiense, una de las primeras mujeres egresadas en medicina de Canadá, y una experta reconocida internacionalmente en cardiopatía congénita.​ Fue una de las primeras mujeres en obtener un Bachiller Universitario en Ciencias de la Universidad McGill

En 1869, nació en Saint-André-d'Argenteuil, Quebec como Maude Elizabeth Seymour Babin. Su madre murió de tuberculosis cuando tenía 7 meses y su padre la abandonó. Con su hermana mayor, Alice, fueron legalmente adoptadas por su abuela materna, quién tenía entonces 62 años cambiando  su apellido por Abbott, ella  era prima de John Abbott, el tercer Primer ministro de Canadá.

Abbott fue educada en casa hasta los 15 años. En 1885, se graduó en una escuela privada de Montreal.​ Fue admitida a la Facultad de Artes, de la Universidad McGill, con una beca,​  donde se graduó como Bachiller universitario en letras (B.A.) en 1890.​ Trató entonces de matricularse en la Facultad de Medicina de esa misma Universidad, que no la admitió a pesar de que lo solicitó primero de forma privada y luego públicamente, en reuniones abiertas y en la prensa, ya que la dirección de esa Facultad fue inflexible en su negativa a aceptar a una mujer, de hecho no ingresó ninguna mujer hasta 1918, considerando el acceso femenino como " una verdadera calamidad". Su profesor de cirugía anunció que renunciaría si se permitía a las mujeres entrar en la Escuela de Medicina.​ Ante esta negativa, opto por  la Escuela de Medicina de la Bishop's University donde  fue admitida,   y realizó su prácticas clínica en el Hospital General de Montreal donde lo hacían también los estudiantes de McGill. En 1894, obtuvo el grado de Medicina con honores, y como única mujer en su promoción. Recibió el Premio Canciller, y Premio de Anatomía Sénior por el mejor examen final.

El mismo año 1894, comenzó  su práctica propia en Montreal,​ trabajado con el Hospital Victoria Real, y fue nominada y elegida como el primer miembro femenino de la Sociedad Montreal Médico-Quirúrgica. Algún tiempo después, realizó sus estudios de posgrado en medicina en Viena.

En 1897, abre una clínica independiente dedicada a tratar mujeres y niños. Allí, realizó muchos estudios pioneros en patología. Especialmente, se preocupó sobre la naturaleza de enfermedades del corazón, con énfasis en  bebés. Eso le causaría ser reconocida una autoridad mundial en defectos congénitos del corazón.

En 1898, fue nombrada Asistente Curadora en el McGill Museo Patológico, deviniendo curadora plena en 1901.​

En 1905, fue invitada a escribir el capítulo sobre "Enfermedad Congénita de Corazón"​ para el libro del Dr. Osler' Sistema de Medicina Moderna. Y, él declaró "lo mejor que nunca haya leído en el tema." El artículo la colocaría como la autoridad mundial en el campo de las enfermedades congénitas de corazón.

En 1906, ayudó a cofundar la Asociación Internacional de Museos Médicos, con el Dr. William Osler.​ Y, fue su secretaria internacional en 1907. Editó artículos institucionales por treinta y un año (1907-1938).

En 1910, se le otorgó un grado honorario médico en la  McGill; y,  fue hecha profesora conferencista en Patología; eso ocurrió ocho años con anterioridad a que la Universidad admitiera alumnado femenino en la Facultad de Medicina.​ Después de mucho conflicto con el Dr. Horst Oërtel, dejó McGill para aceptar una posición en la Facultad Médica de Mujeres de Pensilvania en 1923.​ En 1925, Abbott regresó a McGill contratada profesora asistente.​

En 1924, fue fundadora de la Federación de Mujeres Médicas de Canadá, una organización canadiense con cometidos profesionales, al adelanto social y personal de mujeres médicas.

En 1936, escribió el Atlas de Enfermedad Cardíaca Congénita. El trabajo ilustró un nuevo sistema de clasificación, y describía registros de mil casos clínicos y post mortem.​ El mismo año se retiró de su posición profesorial.

El 2 de septiembre de 1940, Abbott falleció por una hemorragia cerebral, en Montreal, a los 71 años.



Galardones

Premio Canciller, 1894.

Premio de Anatomía sénior, 1894.

Medalla de Oro Lord Stanley, 1890.

McGill Clase valedictoriana, 1890.

Legado

En 1943, Diego Rivera pintó su retrato en el mural para el Instituto Nacional de Cardiología de Ciudad de México. Ella es la única canadiense, y mujer descrita en el trabajo.4​

En 1958, la Academia Internacional de Patología estableció la "Conferencia Maude Abbott'.

En 1993, fue nombrada "Persona Histórica " por la Comisión de Sitios Históricos y Monumentos de Canadá;4​ y, una placa se levantó en el exterior del Edificio McIntyre de Ciencias Médicas, Universidad en Montreal McGill.

En 1994, fue póstumamente inducida en el Hall of Fame Canadian Medical.​ En 2000, se inauguró una placa de bronce, levantada en su honor en el Edificio Médico McIntyre. En el mismo año, Correo de Canadá emitió un franqueo de cuarenta y seis céntimos, titulado El Corazón de la Materia en su honor.

https://es.wikipedia.org/wiki/Maude_Abbott

https://web.archive.org/web/20191126152102/http://www.collectionscanada.gc.ca/women/030001-1401-e.html

https://drsvenkatesan.com/2012/11/30/maude-e-abbott-mother-of-congenital-heart-disease/

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viernes, 1 de septiembre de 2023

Emma Stebbins escultora

 

Emma Stebbins (Nueva York, 1 de septiembre de 1815 – Nueva York, 25 de octubre de 1882) fue una escultora estadounidense. Una de sus obras más conocidas es “The Angel of the Waters” (“El Ángel de las Aguas”) de 1873, también llamada “La fuente Bethesda”, localizada en la zona de Bethesda Terrace, en Central Park de Nueva York.

Stebbins nació en la ciudad de Nueva York, en el seno de una familia adinerada que le animó a estudiar arte desde pequeña. En 1857, su hermano Henry G. Stebbins (director de la Bolsa de Nueva York) le ayudó económicamente para viajar a Roma, a donde se mudó con la escultora Harriet Hosmer. Durante esa etapa, Stebbins fue alumna de John Gibson, un estudioso neoclasicista inglés.

En Roma, Stebbins se implicó en el movimiento bohemio y feminista. Allí se declaró abiertamente lesbiana, algo que por entonces estaba peor aceptado en Nueva York que en Roma.​ Se enamoró de la actriz Charlotte Cushman, con quien inició una relación después de que esta rompiera con la actriz Matilda Hays. Por entonces, Stebbins y Cushman comenzaron a pasar tiempo con un grupo de artistas, entre las que se encontraban las también escultoras Edmonia Lewis y Harriet Hosmer.


En 1869, Cushman tuvo que ser tratada por un cáncer de pecho. Stebbins dedicó todo su tiempo a cuidarla, dejando de lado su trabajo durante los dos años siguientes. Tras la muerte de Cushman, en 1876, Stebbins no volvió a crear ninguna escultura nueva. Se dedicó hasta su muerte a editar la correspondencia de su pareja fallecida en la obra "Charlotte Cushman: sus cartas y recuerdos de su vida", en 1878. Stebbins murió en Nueva York en 1882, con 67 años.

La obra más famosa de Stebbins es "El Ángel de las Aguas" (1873), también conocido como "Fuente Bethesda", localizada en la zona de Bethesda Terrace de Central Park, en la ciudad de Nueva York. Según la historiadora especializada en Central Park, Sara Cedar Miller, Stebbins recibió el encargo gracias a la gran influencia de su hermano Henry, quien por entonces era Presidente de la Junta del parque. 

Henry estaba orgulloso del talento de su hermana y quería instalar muchas de sus obras en Central Park. "El ángel de las Aguas" fue creado para celebrar el saneamiento de las agua del Acueducto Croton, completado en 1842. La fuente es considerada uno de los trabajos más impresionantes de la escultura americana del siglo XIX



Uno de los primeros trabajos de Stebbins fue un busto retrato de Cushman, entre 1859 y 1860.

Busto retrato de Cushman


Su estatua en bronce del profesor Horacio Mann fue instalada a la salida de la Cámara de Representantes en Boston, en 1865.

Casi toda la información que se tiene de Stebbins se debe a los esfuerzos de su hermana mayor, Mary Stebbins Garland, quién documentó la vida de su hermana póstumamente, en una biografía y un álbum de recortes. La biografía inédita se tituló "Notas sobre la vida artística de Emma Stebbins" ("Notes on the Art Life of Emma Stebbins") (1888). En el álbum de recortes, Garland recogió imágenes de los trabajos que su hermana creó entre 1857 y 1870 por orden cronológico, anotando los títulos y fechas de cada trabajo. Además, incluyó fotografías de Stebbins y de las personas que la habían apoyado durante su carrera (como su profesor Paul Akers, Henry Stebbins, y Charlotte Cushman), recortes de periódicos y notas biográficas manuscritas.

Emma Stebbins, su hermano Henry y otros miembros de la familia están enterrados en cementerio de Green-Wood de Brooklyn, Nueva York.

El 14 de junio de 2014, Stebbins fue incluida en el primer tour de temática gay del cementerio Green-Wood.


https://es.wikipedia.org/wiki/Emma_Stebbins

https://www.archivalgossip.com/collection/items/show/373

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