Carmen G. Pérez-Neu pintora

 

Carmen G. Pérez-Neu: apuntes biográficos

 

Carmen G. Pérez-Neu [fig. 1 y fig. 2] nació el 31 de diciembre de 1919 en Ribadavia (Ourense), en el seno de una familia acomodada. Recibió formación artística gracias a profesores particulares, que le inculcaron el hábito del dibujo, como era habitual desde el siglo xix en las familias burguesas. Según relatan Juan Carlos Villacorta y ella misma en algunas entrevistas, con siete años empezó a enviar dibujos a la sección infantil de la revista ilustrada Blanco y Negro, titulada “Gente menuda”. Cursó estudios de Comercio en el Colegio de San José de Cluny en Vigo y un curso de enfermería por deseo de su familia, pero continuó formándose en dibujo y pintura.

Fig. 1.  Retrato fotográfico de Carmen Gómez Pérez-Neu. AGA: IDD (03)088.000, Medios de Comunicación Social del Estado: Archivo Fotográfico de la Prensa del Movimiento: Colección Biografías, caja F/03680, sobre 29.

Fig. 2.  Autorretrato a dibujo de Carmen Gómez Pérez-Neu. AGA: IDD (03)088.000, Medios de Comunicación Social del Estado: Archivo Fotográfico de la Prensa del Movimiento: Colección Biogra F/03680, sobre 29.

Tras la guerra civil, se trasladó a Madrid persiguiendo su vocación artística y consiguió permiso para copiar en el Museo Nacional del Prado. Su billete tenía el número 375 y estaba fechado el 4 de febrero de 1943. 1 Suponemos que el traslado a Madrid no fue definitivo, y que volvió a Ribadavia unos años hasta que en 1963, probablemente, fijó su residencia en Madrid.2 En cualquier caso, durante su primera estancia en Madrid completó su formación con los pintores Eduardo Chicharro y Enrique Martínez Cubells e inició su andadura hacia la profesionalización en el sistema artístico. Ilustró libros y relatos cortos de Juan Carlos Villacorta3 y pintó numerosas obras de índole figurativa, en ocasiones, próximas a un realismo mágico, que la prensa catalogaba de “naif”.4 En varias entrevistas se pronunció sobre su opinión respecto a la pintura “moderna”, que en los años cincuenta y sesenta para la prensa general era casi sinónimo de “abstracta”. En algunas entrevistas afirma respetar a los pintores abstractos, siempre y cuando estos tengan formación y no estén motivados exclusivamente por “sumarse a una moda”, aunque considera que no sería propio de ella dar el salto a la abstracción.5 En otras ocasiones resulta más tajante y asevera que “lo que suele llamarse arte moderno, y, en especial, el ‘no figurativo’ ni me gusta ni lo siento”. Convencida de su postura, asegura que “solo el fino tamiz del tiempo dirá, al fin, quién tenía razón”.6 Como se puede comprobar, mientras en España empezaban a tomar fuerza corrientes como el realismo crítico o incluso los primeros conceptualismos —recordemos que Zaj se funda precisamente en 1964—, Pérez-Neu, en sintonía con la prensa cultural del momento, se mostraba reticente a la “pintura moderna” y, particularmente, a la abstracción. No era algo excepcional. Como han corroborado estudios recientes, las mujeres tuvieron difícil cabida en las diferentes corrientes que se desarrollaron en torno a la abstracción, tanto en sus vertientes líricas o expresionistas como en las geométricas.7

Por otro lado, la autora recibió encargos murales para la capilla del Colegio Mayor Calvo Sotelo de Vigo y participó en varias exposiciones. Por ejemplo, participó en diversas ocasiones en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, por primera vez en 1941 con una obra titulada Joven griega. 8 Su primera exposición individual tendría lugar en Sala Aeolián, en Madrid, el año 1943.9 En su tierra natal, participó en una muestra en la Delegación Provincial del Ministerio de Información y Turismo de A Coruña en el año 195910 y, muy cerca, en la Sala de Exposiciones de la Obra Cultural de la Caja de Ahorros y Monte Piedad de León, ubicada en el Chalet de Ordoño, en el año 1971.11 Asimismo, colaboró con la Sección Femenina de la Falange, ya que expuso su serie de pinturas sobre la cultura celta en el Centro Cultural Medina de Madrid en 1953, una exposición que, según Villacorta, tuvo un enorme éxito de público12 y que estuvo acompañada de una conferencia a cargo del propio Villacorta.13

Expuso también en la colectiva El arte actual de Orense, en la Sala Amigos del Arte de Madrid en 1953; en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1964, donde presentó “retratos, composiciones, bodegones y paisajes”; 14 en las salas de Editora Nacional —editorial en la que publicaría el libro que aquí analizamos— en 1966;15 y en la Caja de Ahorros de Alicante en marzo de 1969. A nivel internacional, puede que llegara a exponer en una colectiva en París en 1960, puesto que en una entrevista afirma estar preparando las gestiones del traslado de sus obras sobre el mundo celta a dicha ciudad.16 Villacorta, no obstante, no hace alusión a esta exposición en la cronología que detalla en el libro monográfico que dedica a la artista.

Aunque resulta complejo precisar qué obras expuso en cada una de estas exposiciones, sí sabemos que en la muestra organizada en las salas de Editora Nacional expuso una pieza titulada Pintura primitivista [fig. 3], cuya reproducción fotográfica se conserva en el AGA. La pintura da cuenta de esa producción artística figurativa y vinculada al realismo mágico, que refleja la asimilación de un imaginario colonialista y estereotipado sobre culturas no europeas. El resto de su producción conjuga pinturas cargadas de tintes oníricos con una amplia presencia de los géneros en los que más cómodamente se movieron las mujeres en ese momento: el retrato, el bodegón y el paisaje. No es el objeto de este estudio analizar su producción pictórica, pero estas primeras pinceladas sobre la misma pueden ser el punto de partida de futuras investigaciones que ahonden en la cuestión desde un enfoque de género que permita situarla en el panorama artístico español del momento.

Fig. 3.  Reproducción fotográfica de la obra Pintura primitivista de Carmen G. Pérez-Neu. AGA: IDD (03)088.000, Medios de Comunicación Social del Estado: Archivo Fotográfico de la Prensa del Movimiento: Colección Biografías, caja F/03680, sobre 29.

A nivel personal, sabemos que contrajo matrimonio con el director de banco Joaquín Robla Díez (Soto y Amío, León, 1911 - Madrid, 1980), con quien tuvo tres hijas: Carmen María, María Leonor y Raquel. Gracias a la posición de su marido, Péréz-Neu contó, a pesar de llevar la gestión de los cuidados familiares, con una tranquilidad económica que le permitió desarrollar su trayectoria artística y también producción escrita sobre arte y arquitectura. Ya durante la Transición, entre 1979 y 1981, colaboró en la revisa E.I. (Estudios e investigaciones), dirigida por Juan Carlos Villacorta, con ensayos sobre arquitectura funeraria, ornamentación celta y otras cuestiones ligadas a la arquitectura.

Antes de estas publicaciones, sin embargo, había enviado dos libros a Editora Nacional. El primer envío, en 1964, fue aceptado. Se trata, precisamente, del libro Galería Universal de Pintoras, el cual se analiza en detalle en el próximo apartado. Cinco años más tarde, en 1969, enviaría otro manuscrito a Editora Nacional para que se estudiara su publicación, aunque este fue rechazado por la editorial. El manuscrito, de “336 folios a dos espacios de máquina”, llevaba por título Nazarenos y Prerrafaelistas. Dos escuelas pictóricas del Siglo xix y se proponía “ofrecer al lector un estudio de dos conocidas escuelas pictóricas, o movimientos, que han sido denominados, como en el título de esta obra, ‘Nazarenos’ y ‘Prerrafaelistas’”. El dictamen de la editorial fue negativo y se convino rechazar su publicación porque, según se afirmaba, el libro no conseguía sus propósitos, si no que era meramente “una sucesión de breves notas biográficas (más de un centenar) de pintores adscritos a ambos grupos o tendencias”, una sucesión de notas que se consideraba insuficiente para ofrecer al lector o a la lectora una comprensión de conjunto de los movimientos artísticos que abordaba. Las referencias a los movimientos se limitaban a un par de páginas por movimiento y las biografías resultaban muy escuetas a ojos de la editorial. Además, se consideró que la autora había proyectado una publicación ambiciosa y muy costosa, con “cerca de un centenar de fotografías, algunas en color” que suponían un esfuerzo económico no justificado dado el “escaso valor del original literario”. 17 Resulta significativo que la editorial oficial del régimen aceptara la publicación de Galería Universal de Pintoras, pero no la segunda obra que se propuso publicar la autora sobre nazarenos y prerrafaelitas, ya que el motivo del rechazo de esta segunda obra (su alto coste y que se limitaba a una serie de biografías escuetas), eran características que reunía también la primera obra que sí fue publicada. Con Galería Universal de Pintoras, por lo tanto, se iniciaría y también terminaría la aventura editorial de Carmen G. Pérez-Neu. La pintora falleció en Madrid el 25 de junio de 2005.

La reconstrucción de su trayectoria profesional como pintora y los datos escuetos con los que contamos sobre su vida personal nos permiten comprender a Pérez-Neu como una agente activa en el sistema del arte, con poco interés en el arte de vanguardia e inscrita en espacios afines al régimen, como era la propia Editora Nacional o el Centro Cultural Medina de la Sección Femenina de la Falange. La historiografía del arte, también la feminista, ha centrado sus esfuerzos fundamentalmente en rescatar y analizar figuras vinculadas al compromiso político y al antifranquismo, pero cabe interrogarse también acerca de aquellas que trabajaron desde posiciones cómodas en la dictadura, sobre cuáles fueron sus aportaciones a los debates artísticos y, en este caso concreto, a la visibilización de artistas mujeres. Carmen G. Pérez-Neu y, en particular, su Galería Universal de Pintoras resultan por lo tanto relevantes como propuesta que, desde la oficialidad —aunque no desde la centralidad— del régimen dio visibilidad al papel de las artistas en la historia del arte.

Clara Solbes Borja

Universitat de València

https://xn--archivoespaoldearte-53b.revistas.csic.es/index.php/aea/article/view/1540/1737

https://producciocientifica.uv.es/investigadores/334851/detalle

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Meraud Guevara pintora

Meraud Guinness también conocida como Meraud Guevara (24 de Junio de 1904 – 6  de Mayo de 1993)  fue una pintora , escritora y poeta que vivió la mayoría de su vida en Francia con su marido Alvaro Guevara de quien luego se separo. 

Meraud Guevara, la número  doce de la  Exposición de 31 mujeres ,  y luego "Las mujeres", en la galería Art of This Century abierta por Peggy Guggenheim en Nueva York en octubre de 1942

Meraud Guevara fue una pintora británica / irlandesa  que realizó imágenes realistas surrealistas / mágicas, retratos, paisajes, collages, bodegones y composiciones abstractas sobre yeso. También fue escritora y poetisa. Aunque criada en Inglaterra y poseedora de un pasaporte irlandés, Meraud Guevara pasó casi toda su carrera activa en Francia.

Ella era una pintora imaginativa, técnicamente capaz que vivió sin concesiones la vida de un artista, pero antes de 1999  no aparece en historias de arte publicadas. Algunas de las primeras referencias de los periódicos la describen como una heredera popular que dio fiestas memorables. Esto es muy engañoso, dando la impresión de que Meraud era una anfitriona de la sociedad, cuando de hecho eligió vivir en el borde exterior de Bohemia. Una información  sobre  que ella vivió en una cueva con gitanos es también inexacta. 

 Por nacimiento Meraud, cuyo nombre es galés, era parte de una élite social rica. Ella nació Meraud Michael Guinness en Londres, de la familia Guinness enormemente ricos. Esta sociedad, incluido su propio padre, no podía comprender a una mujer bien educada, cuyo rechazo de las formas correctas de conducta era tan extremo como el de Meraud.

 Meraud de Guevara fue descrita por Buffie Johnson como una de un par de "... chicas fugitivas de distinguidas familias británicas."  Leonora Carrington era la otra. Ella y Meraud eran las únicas artistas nacidas británicas entre las 31 mujeres.  Meraud desafió con frecuencia los deseos de su padre y fue cortada por su padre durante 10 años, aunque más tarde se reconciliaron y su padre le dio un modesto subsidio. Bajo la ley británica Meraud, como mujer, no era automáticamente una heredera, después de la muerte de su padre la fortuna de la familia fue a su hermano menor.

 La historia de Meraud Guevara es tan colorida que corre el riesgo de oscurecer su arte, aunque se sabe que ha pintado más de 400 cuadros, apenas está representada en colecciones públicas. Sus influencias incluyeron Picasso, Picabia y Giacometti pero también Ingres y obras clásicas anteriores. Ella nunca tuvo miedo de experimentar y aunque su asociación con Picabia llevó a su clasificación como  surrealista, esto formó un período bastante breve en una larga carrera.   En Londres hay una pintura impresionante colgada en Tate Modern, como un artista que se olvida de otra manera.

 Su formación artística era seria. A los 19 años, fue a la Slade School of Art de Londres. Su tutor era el renombrado profesor Henry Tonks, que tenía un cariño por el trabajo de Ingres y enseñó a sus estudiantes las habilidades de dibujo y dibujo anatómico, aunque esperaba que usaran estas habilidades como herramientas para perseguir una búsqueda individual de estilo. 

 

 En 1926 Meraud fue a Nueva York durante un año, donde le enseñó el escultor cubista Alexander Archipenko. Aunque Meraud Guevara no era escultora, el trabajo de Archipenko con la figura humana en el espacio fue influir en sus pinturas posteriores, dándole a sus propias figuras bidimensionales la solidez de la escultura. Escribió artículos mensuales para la revista Vogue, comparando la vida en Londres y Nueva York. Más tarde asistió a clases en la Academia Julien y La Grande Chaumiere en París y tuvo clases más informales con Francis Picabia y Pierre Tal-Coat.

 Meraud se estableció en una carrera como artista con la aprobación de los padres y parece haber sido relativamente bien comportado hasta su veintitantos años. Luego conoció al pintor Christopher (Kit) Wood en el sur de Francia y se fue a París. La desaprobación de su padre llevó al fracaso de esta relación y es probable que Meraud tuviera un efecto más duradero en Wood que él en ella.

 Ella se rebeló otra vez moviéndose adentro con el anterior Dadaist Francis Picabia y su segunda esposa Germaine, que vivió cerca de Cannes. Ella hizo una impresión en Germaine, llegando en su Citroen pintado a mano con un perro grande y una cacatúa. Picabia también estaba impresionado, tomó a Meraud como su protegida, su modelo y su amante. Produjo una pintura de tres mujeres, mostrando a Meraud, Germaine y Olga Mohler, la niñera de sus hijos, una extraordinaria jactancia de su ménage a quatre.

 Como maestro, Picabia amplió el panorama artístico de Meraud, animándola a mirar más allá del clasicismo en el que había sido tutorizada y experimentar con estilos de collage y no-naturalistas. Él la presentó a Marcel Duchamp y otros miembros de la vanguardia incluyendo Cocteau, Leger, Picasso e Isadora Duncan. También organizó su primera exposición individual en la Galerie van Leer de París.   Picabia escribió la introducción al catálogo de la exposición de Meraud y ella recíprocamente, escribiendo un prefacio para una exposición suya, en Nueva York.

 Cuando llegó a París el primero de diciembre de 1928 para supervisar la colgadura de sus pinturas en la galería Van Leer, el expositor anterior estaba allí, sacando sus propias pinturas. Este fue el pintor nacido chileno Álvaro de Guevara, coincidentemente también un ex-estudiante Slade.  Después de menos de tres meses se casaron en Londres.  Los padres de Meraud dieron su aprobación cautelosa a este súbito y aparentemente rico americano, él ciertamente parecía una mejor apuesta que Kit Wood.

 Aunque tanto Álvaro como Meraud crearon retratos, no hay indicios de que influyeran mucho en el trabajo de cada uno; Álvaro pintó el conjunto de Bloomsbury, favoreció un estilo ampliamente representativo, expresionista con el uso convencional de pintura sobre lienzo. Su retrato de 1942 de Meraud, pintado en las semanas después de su boda, la muestra sentada en un gran sillón, con sus pies descalzos en el asiento y sus elegantes manos cubiertas sobre las rodillas levantadas.  Ella viste un sombrero elegante, en contraste con su postura informal y pies descalzos, indicando su antipatía de las normas sociales.

 Meraud, bajo la influencia de Picabia, todavía estaba experimentando con la fantasía y con el collage surrealista. El trabajo que había exhibido en la galería van Leer incluyó La Sirene, un cuadro grande de una sirena con un séquito de pescados fantásticos, aunque éste pudo haber sido el cuadro más convencional allí. Su retrato de Picabia mostraba su cara pintada dos veces, sobre lienzo y sobre una capa de celofán separada y pegada con alfileres. El retrato del joven hijo de Picabia, Lorenzo, era más simpático, con siluetas pintadas y collaged de los perros que rodeaban al muchacho. Otros retratos también utilizaron medios mezclados incluyendo la cadena y los sellos. Meraud consiguió varias ventas de esta exposición, aunque fue descrita como "algo inusual" por un corresponsal social obviamente desconcertado y críticos de arte también no estaban seguros de qué hacer de este último exponente de la "locura surrealista". Sólo más tarde en Nueva York su trabajo logró una aclamación positiva.

Los meses inmediatamente posteriores a su asentamiento en París fueron el momento en que las páginas de la sociedad de la prensa señalaban las cenas de los Guevaras, más informales que implícitas e implicaban a sus amigos de la vanguardia artística, incluyeron a los escritores Gertrude Stein y Ernest Hemingway, los pintores Pierre Tal-Coat, Picasso y el escultor surrealista Giacometti.  Meraud pintó el retrato de Stein, en un estilo que recuerda el retrato de Picasso de Stein de veinte años antes. Gertrude Stein no era feminista y se alía con la creatividad masculina, sin embargo, se ha declarado que declaró de Meraud Guevara, "¡La pintura es ella!" El contexto exacto para esta observación sigue siendo poco claro.

El idilio casado de Guevara fue abollado en enero de 1930, cuando la madre de Meraud murió, y su vida juntos no sobrevivió mucho después de la llegada de su hija, Alladine a finales de 1931. Para entonces los Guevara se habían trasladado de su pequeño estudio a una casa más grande de París , con sirvientes. Esto era todo pagado por el padre de Meraud, que Alvaro no habría sido enteramente feliz sobre. Pasaron días pintando murales en las paredes y celebrando partidos escandalosos.

Meraud no era domesticada y Álvaro, cuya  propia educación chilena dominaba su pensamiento, tenía ideas bastante rígidas sobre los deberes de una madre. La bisexualidad de Alvaro aumentó su confusión, aunque había confesado todo a Meraud, que era tolerante y perdonador. Todo esto se combinó para dar a Alvaro expectativas algo poco realistas de su esposa altamente poco convencional. Tendía a poner a las mujeres en pedestales y se ponía celoso y violento ante cualquier pequeña admiración que recibía. A Meraud le gustaban los hombres jóvenes, homosexuales y rectos, y ningún pedestal le convenía.

Durante las vacaciones de verano de Guevaras en 1932, Meraud dejó a Álvaro y a la bebé y se instaló en casa con el artista provenzal Martin Roch. Alvaro siempre había sido propenso a la depresión, después de desafiar a Roch a un duelo, dejó de pintar y se bebió en el olvido. Benjamin Guinness arregló para que su nieta fuera rescatada y atendida por una niñera. Una vez que Alvaro surgió de su desesperación, comenzó a visitar a su hija en los fines de semana. No vio a Meraud allí, Benjamin la había desheredado.

Meraud y Roch tomaron una granja provenzal donde las condiciones eran primitivas, sin electricidad ni agua corriente; Meraud disfrutó el desafío.  Vivió una vida rústica durante varios años, pintando y adquiriendo muchos animales como huéspedes de la casa. Varias de las relaciones de Roch compartían la casa, actuando en parte como amas de casa, también esponjándose sobre la supuesta fortuna de Meraud.  En algún momento Roch mismo se fue, mientras tanto Meraud siguió escribiendo a Álvaro y él escribió detrás.  Nunca se divorciaron; Meraud despreciaba el proceso legal requerido.

En 1939, los alemanes invadieron Polonia. Meraud y Álvaro estaban, por una vez, de acuerdo con su padre; Alladine, ahora  con ocho años , debería ser trasladada de Europa a la seguridad en Canadá. Meraud decidió quedarse en el sur de Francia. Álvaro, bajo la ilusoria seguridad de ser un chileno neutral, permaneció en París durante tres años después de que los alemanes invadieran Francia. Después de ser arrestado y viendo destruido su estudio, Álvaro se sintió deprimido y paranoico. Fue repatriado a Chile en 1943.

Meraud había enviado pinturas a su hermana Tanis en los Estados Unidos y en abril de 1939 tuvo una exposición individual en la Galería Valentine en Nueva York. Las 26 pinturas mostradas fueron bien recibidas, Meraud se había alejado de las ideas surrealistas más radicales, sus pinturas se compararon con Balthus. Hoy, la comparación con Balthus, pintor de muchachas jóvenes en comprometedoras actitudes pudo ser considerado un elogio dudoso para una artista  mujer.  Time Magazine dio una revisión de cortesía enfatizando su interpretación simplificada de un estilo en gran parte clásico. A pesar de su sencillez, no hay nada ingenuo en las mujeres fuertes y tranquilas de Meraud, que parecen autónomas si están solas,

Aunque su trabajo resultó popular en Nueva York, incluso en la 31 Exhibición de Mujeres, Meraud se quedó en Europa. Vivió en el borde de la guerra en Suiza y Francia, protegida en gran parte de la interferencia por su fluidez en la lengua francesa y su pasaporte irlandés neutral.  Encontró  brevemente a Álvaro en 1945 en Londres, donde había sido nombrado cónsul chileno después de que terminara la guerra. Luego se dirigió a Berna, Suiza, mientras Meraud volvía a Aix-en-Provence donde, financiada una vez más por su padre, creó un estudio en la planta alta de la ciudad. Regresó a la vida bohemia que era su preferencia, pintando durante el día y entreteniendo amigos con el vino y su famoso pot-au-feu en las tardes.

En diciembre de 1947, Benjamín Guinness murió, de ochenta años; El hermano de Meraud, Loel, ahora estaba a cargo de la fortuna de la familia. Aunque era menos crítico de su hermana poco convencional, decidió que Meraud debería ahora asumir la responsabilidad de su hija. Lamentablemente, nadie pensó en consultar a Alladine, de dieciséis años, que, mientras hacia el duelo a su abuelo, fue sacada de la escuela, donde acababa de instalarse y  se la envió a Aix con su madre. Seguíría  un tiempo difícil para Alladine, sin amigos de su edad. En Berna, Álvaro llevaba una vida solitaria como agregado cultural chileno, sin nada que hacer excepto escribir una novela. Se enfermó una vez más y Meraud decidió que el ambiente más agradable del sur de Francia le ayudaría. Tomó un piso cerca de Meraud y Alladine y su depresión disminuyó.

A partir de 1948 Meraud se involucró con los artistas locales, incluyendo Tal-Coat que ella había sabido antes de la guerra.   En 1950 tuvo una exposición conjunta con Balthus, continuando la yuxtaposición inesperada de su trabajo. También participó en una serie de exposiciones colectivas en las que participaron artistas como Salvador Dalí, Martín Roch, Talcoat y la expositora de 31 mujeres Leonor Fini, pero no tuvo otra exposición en solitario hasta 1959.   Comenzó a experimentar con técnicas de fresco y sus obras posteriores incluyeron frescos abstractos, paisajes y bodegones escultóricos, muy alejados de su antigua experimentación surrealista.

Con una contribución de su hermano, Meraud compró "La Tour de Cesar", una propiedad abandonada cerca de Aix . Meraud se mudó con Alladine, un pequeño caballo para transportar el carril de entrada desamparado y el gran perro marrón de Alladine. Estos animales y otros gradualmente proporcionaron el puente entre madre e hija, cuyas vidas muy diferentes los habían mantenido separados por tanto tiempo.

 

 En los años siguientes la propiedad fue modernizada y Álvaro volvió a ser parte integral de las vidas de Meraud y Alladine, aunque todavía vivían separadamente. Entonces Álvaro se enfermó de cáncer terminal. Durante sus últimos meses se mudó a la casa ahora renovada de Meraud, donde le cuidó hasta su muerte en  octubre de 1951. Alvaro Guevara fue enterrado en un cementerio de campo cercano y Meraud diseñó y pintó a mano un mosaico  para cubrir su tumba. También organizó dos exitosas exposiciones póstumas de su obra en Londres.  Meraud siguió viviendo y pintando en La Tour de Cesar, exponiendo su obra a lo largo de los años cincuenta y sesenta. Ella experimentó con el collage y con las técnicas del fresco, en 1959 exhibiendo una serie de trabajos abstractos gestuales en el yeso en una exposición individual en Londres.

Siguió siendo sociable, visitó París con frecuencia y registró las exposiciones que vio aquí en su diario que guardó a partir de 1956. Continuó viendo viejos amigos incluyendo, Pierre y Bronica Talcoat, Lucien Freud, Jean Dubuffet, Gabrielle Buffet-Picabia y Roberto Matta y haciendo nuevas como el poeta Allan Ginsberg. Durante más de una década a partir de 1950, el autor surrealista David Gascoyne se quedó con ella . Había sido un rebelde a una edad aún más joven que Meraud, huyendo a París con sólo 17 años y como Álvaro Guevara antes que él, Gascoyne era bisexual y sufría de depresión paralizante. Se retiró a La Tour de César y al cuidado de Meraud cada verano y cada vez que París se hacía demasiado para él. A veces Gascoyne se volvia demasiado para Meraud, una vez trató de estrangularla.

Gascoyne eventualmente regresó a Inglaterra para recibir tratamiento, Meraud vivía sola, aunque se mantenía ocupada y estaba lejos de ser una reclusa. A menudo visitaba París y en La Tour de Cesar había visitas constantes de amigos y familiares, así como la compañía de sus muchos animales. Dejó de pintar en 1986 y debido a la enfermedad se trasladó permanentemente a París, donde murió en 1993. Su hija  colocó las cenizas de Meraud en la tumba con Álvaro.

La colorida vida de Meraud Guevara puede haber consternado a su familia, pero su alegría de vivir y generosidad está grabada en la biografía de su hija, publicada en Francia en 2007. Sus mejores obras son sus retratos mágico-realistas de mujeres monumentales y misteriosas, algunas basadas en su amiga Bronica Talcoat.  El arte de Meraud es representado por su retrato poderoso, mujer asentada con el pequeño perro 1937, que se exhibe en la galería surrealista en Tate Modern en Londres.

     

  Agradecemos infinitamente a Sue por su brillante página que nos cuenta de maravilla la vida de estas interesantes artistas .      

   http://sugswritersblog.blogspot.com.es/2013/06/meraud-guevara-31-women-number-twelve.html     

     https://sites.google.com/site/lamujerenelarte/meraud-guevara     
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Francine Sporenda feminista

 

Francine Sporenda,  es  franco-estadounidense ,  tiene un Ph. D. de la Universidad  de Maryland, con una especialización en historia de las ideas políticas  Es responsable de la redacción del sitio Révolution féministe, ex miembro de la oficina de la asociación femenina Les Chiennes de garde, .

Después de su paso por el periodismo, fue profesora y conferenciante  y  responsable departamental de la Escuela de Estudios Internacionales Avanzados de la Universidad Johns Hopkins en Washington.

La mistificación patriarcal. A diferencia del mundo angloparlante, donde se han publicado numerosos textos sobre el tema, Francia ha mostrado escaso interés en la ideología patriarcal. Sin embargo, su estudio es esencial para la teoría feminista y, por consiguiente, para la liberación de las mujeres. Este libro pretende contribuir a este esfuerzo desmitificando algunos de los principales mitos —como el impulso masculino incontrolable, el hombre protector, la superioridad emocional de las mujeres y el feminismo «puritano»— que perpetúan el sistema de poder más antiguo. La adhesión a estos mitos impide a las mujeres comprender claramente su situación, generando en ellas una conciencia alienada que las lleva a consentir, o incluso a colaborar activamente, en su propia opresión y explotación. Al exponer las mentiras, inconsistencias y contradicciones que socavan el discurso patriarcal, Francine Sporenda revela su función mistificadora, con la esperanza de fomentar la descolonización psicológica de las mujeres.

Durante siglos, la prostitución existió en el discurso público únicamente como objeto de mitos y fantasías. En medio de la cacofonía de opiniones, artículos, estudios, novelas y pinturas que evocan o examinan la figura, a la vez fascinante y repulsiva, de la prostituta, hay una perspectiva cuya ausencia resulta flagrante: la de las más directamente afectadas, las mujeres que ejercen la prostitución. Los testimonios de las supervivientes ocupan un lugar de honor en este libro. Las mujeres entrevistadas abordan muchos aspectos invisibles de la prostitución, como arriesgar sus vidas a diario, ser reclutadas a una edad muy temprana, presenciar el deterioro de la situación en países que han legalizado las actividades de proxenetas y trabajadoras sexuales, anhelar escapar de la prostitución, enfrentarse a su modernización y "uberización", y también soportar la violencia inherente a la prostitución, que no se limita a sus manifestaciones más evidentes: agresiones, violaciones y feminicidios cometidos por trabajadoras sexuales y proxenetas. Esta violencia, nos recuerdan, reside ante todo en el acto mismo de soportar miles de penetraciones no deseadas, casi siempre con repulsión, a manos de hombres que suelen ser despectivos y profundamente sexistas. Esta violencia diaria y repetida deja inevitablemente cicatrices físicas y psicológicas. Con una fuerza y ​​una perspicacia extraordinarias, estas voces desmantelan mitos sobre las trabajadoras sexuales y revelan cómo funciona el proxenetismo.

https://m-editeur.info/auteur-rice/francine-sporenda/

https://www.womensdeclaration.com/es/

https://www.leslibraires.ca/livres/la-mystification-patriarcale-francine-sporenda-9782490403769.html?srsltid=AfmBOooPsCrOGBqZX1BBJM1Y2-uuhaQuSUMpdtGk93hL309PNGBmW4ed

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Josefina Romo Arregui poeta

Josefina Romo Arregui (Madrid, 27 de mayo de 1909 - Madrid, 3 de diciembre de 1979) fue una poeta, docente, investigadora y crítica literaria española del siglo XX.

Estudió el Bachillerato y el doctorado de Filosofía y Letras en Madrid, ampliando sus estudios en Burdeos y siendo pensionada por varias ciudades de Europa. En la universidad se hizo amiga de Alfonsa de la Torre, de quien prologó su libro Égloga, en 1943.

Se licenció y doctoró con Premio Extraordinario en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Central de Madrid, con su tesis Núñez de Arce.​ En 1947 fue catedrática adjunta de Lengua y Literatura españolas y de Literatura hispanoamericana en la Universidad de Madrid y encargada del curso de Literatura Universal.​ Fueron alumnos suyos Xesús Alonso Montero, Carlos Bousoño, Alfonso Sastre, Alfonso Paso, Lázaro Carreter y Concha Zardoya entre otros. Por la tardes trabajó en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas como becaria.

Fundó la revista Alma, junto a Miguel Ángel de Argumosa y editó Cuadernos Literarios (1942-1952). Fue encargada de la colección de poesía fundada por Carmen Conde. En su labor como poeta recitó poemas en las sesiones de "Alforjas para la poesía española" que se celebraron en el Teatro Lara en 1948 junto a otras poetas como Josefina de la Torre, Alfonsa de la Torre y Dolores Catarineu entre otras.

En 1958 emigró a Nueva York alentada por Diana Ramírez de Arellano, que había sido alumna suya.​ Enseñó Literatura española e hispanoamericana en el City College de la universidad de Nueva York y, a partir de 1963, en la Universidad del Estado de Connecticut.​ También fue miembro del Centro de Estudios sobre Lope de Vega de la Hispanic Society; consejera de la Revista Interamericana; asesora literaria de la Asociación Puertorriqueña de Escritores y Presidenta Honoraria del Ateneo Portorriqueño de Nueva York.

En 1978 regresó a España gravemente enferma, donde alternó estancias en Villanueva del Pardillo y Mirasierra. Murió un año después. Su cuerpo descansa actualmente en el camposanto pardillano. 

Escribió poemarios y trabajos de investigación.​ Cultivó una poesía de corte tradicional, alejada de la vanguardia, tanto en lo formal (métrica y estrofas) como en el contenido, tendente al tono religioso sin incurrir en una pretensión moralizante.​ Aparece en la antología de Carmen Conde de 1954 Poesía femenina española viviente.

Poemarios

1932 La peregrinación inmóvil

1950 Cántico de María Sola, 1946-1948

1955 Isla sin tierra: poema

1964 Elegías desde la orilla del triunfo

1968 Poemas de América

1968 Auto Antología

Trabajos de investigación

1944 Cuentistas españoles de hoy

1946 Vida, poesía y estilo de D. Gaspar Núñez de Arce

1979 Poetas románticos desconocidos: Concepción de Estevarena, 1854-1876

Reconocimientos

En la calle Arrieta, número 14 de Madrid hay una placa colocada por la Casa de Puerto Rico en España en el segundo aniversario de su muerte.

En dicha casa vivió antes de trasladarse a Nueva York.​

En 2020 la cantante, compositora y pianista Sheila Blanco lanza su álbum de poesía musicalizada Cantando a las poetas del 27 en el que hace un homenaje a la poeta incluyendo el poema, Pétalos, Quiero besarte la risa.

En noviembre de 2023, tras un largo periodo de investigación, la Asociación cultural Memorare homenajeó a la poeta en el "Centro Cultural Tamara Rojo" de Villanueva del Pardillo e inició un proceso de difusión y puesta en valor de su obra. En dicho homenaje, en colaboración con el Ayuntamiento de la localidad, participó, entre otras personalidades, Margarita Bru Romo, sobrina de la poeta. ​

Ese mismo año, Editorial Alba ​ y Editorial Torremozas ​publicaron parte de las obras de Josefina Romo Arregui.

Forma parte de  Antología  de Poesía femenina española ( 1939-1950) de Carmen Conde

https://es.wikipedia.org/wiki/Josefina_Romo_Arregui

https://www.versosobrelpentagrama.com/content/josefina-romo-arregui

http://repositorios.fdi.ucm.es/mnemosine/ver_documento.php?documento=104346

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Caroline Healey Dall escritora feminista

 

Caroline Wells Dall (nacida Healey) (Boston, Massachusetts, 22 de junio de 1822 -17 de diciembre de 1912) fue una escritora feminista, trascendentalista y reformadora estadounidense.​

Caroline Wells Healey recibió una educación integral, alentada  a escribir novelas y ensayos y a participar en debates sobre religión, filosofía y política. ]También recibió clases particulares, asistió a una escuela privada para niñas, hasta los quince años. En el otoño de 1842, enseñó en el Seminario Femenino Lydia S. English, más tarde conocido como el Seminario Femenino de Georgetown. ​Durante la Navidad de 1842, un ministro unitario de Baltimore, Charles Henry Appleton Dall, vino a ocupar un púlpito abierto en Georgetown. Al principio, Caroline encontró a Dall poco atractivo y se sorprendió cuando él le propuso matrimonio por carta meses después tras unas semanas de correspondencia, aceptó su propuesta, renunció a su puesto de docente y se mudó a Baltimore. ​Se casó con Dall en 1844. Entre sus hijos se encontraba William Healey Dall, en cuya casa de Washington D. C. vivió sus últimos años.

Caroline Healey Dall continuó escribiendo durante los primeros años de su matrimonio y la crianza de sus hijos, después de que su marido se mudara a Calcuta, India, para realizar trabajo misionero. Se convirtió en una participante activa en el movimiento por los derechos de las mujeres de Boston. Pronto se convirtió en una conferenciante y escritora activa sobre el tema, y organizó la Convención de los Derechos de las Mujeres de Nueva Inglaterra, junto con la sufragista Paulina Davis. También con Davis, fundó Una, una revista dedicada a los derechos de la mujer y una publicación pionera en su tipo. Estuvo afiliada a la Convención Nacional de los Derechos de la Mujer, al Club de Mujeres de Nueva Inglaterra. Entre sus colaboradores se encontraban Elizabeth Peabody y Margaret Fuller, así como miembros del movimiento trascendentalista en Boston. ​Después de decidir que no le gustaba trabajar con grupos, Dall recurrió a la escritura como su principal medio para abordar la igualdad de las mujeres.

Entre sus obras más destacadas de esta época se incluyen Historical Pictures Retouched: a Volume of Miscellanies (1861), que destacaba a mujeres previamente ignoradas en la historia, y una colección de conferencias titulada The College, the Market, and the Court; or Woman's Relation to Education, Labor, and Law (1867) en la que argumentó que la mujer moderna ya no se contentaba con estar en la esfera doméstica y se le debía permitir participar en la vida pública. El New York Evening Post calificó esta colección como "la declaración más elocuente y contundente de la cuestión de la mujer que se haya hecho jamás".Fue una de los fundadores de la Asociación Estadounidense de Ciencias Sociales (1865).

Parker Pillsbury consideró que Caroline Healey Dall era demasiado conservadora y desestimó su esfuerzo por formar una nueva facción de derechos de las mujeres en Boston con una discusión "limitada a los temas de educación, vocación y posición civil" en lugar de temas más desafiantes como el divorcio. Pillsbury dijo que la reunión era "una parodia de salón" e "inofensiva". Susan B. Anthony escribió: “Las personas cautelosas y cuidadosas, que siempre tratan de preservar su reputación y posición social, nunca pueden lograr una reforma”.  

​Caroline Healey Dall a finales de la década de 1860, se retiró del movimiento por los derechos de las mujeres y centró su atención escrita en temas tan diversos como Egipto ( El lugar de Egipto en la historia, 1868) y la Guerra Civil ( El viaje de Patty Gray, tres volúmenes para niños, 1869-1870). Durante este tiempo, también se mudó a Washington D. C., donde se hizo amiga de la primera dama Frances Cleveland . Gran parte de su obra posterior versó sobre el Renacimiento americano, del que fue testigo cuando era joven. Entre las obras de este período se incluyen Margaret and Her Friends: Ten Conversations with Margaret Fuller (1895) y Transcendentalism in New England: a Lecture (1897), dictada en la Society of Philosophical Inquiry a la edad de 73 años.

Durante este tiempo, también dio algún sermón ocasional en la Iglesia Unitaria, una de las primeras mujeres en hacerlo. ​En los últimos años de su vida sufrió mucho de artritis, aunque permaneció activa hasta su muerte a la edad de 90 años el 17 de diciembre de 1912. 

Obras seleccionadas

Retrato de Caroline Wells Healey Dall, por Alvan Clark, ca.1836

Essays and Sketches, Boston: S.G. Simpkins, 1849.

Woman's Right to Labor, or, Low Wages and Hard Work: In Three Lectures, delivered in Boston, November, 1859, Boston: Walker, Wise, and Co., 1860,

Woman's Rights Under the Law: in Three Lectures, Delivered in Boston, January, 1861, Boston: Walker, Wise and Company, 1861.

The College, the Market, and the Court: or, Woman's Relation to Education, Labor, and Law. [1867] Boston: Rumford Pres, 1914.

The Life of Dr. Anandabai Joshee: A Kinswoman of the Pundita Ramabai. Boston: Roberts Brothers, 1888.

Transcendentalism in New England, Boston: Roberts Brothers, 1897.

Selected Journals of Caroline Healey Dall. Helen R. Deese (ed.)

Volume 1: 1838–1855. Boston: Massachusetts Historical Society, 2006.

Volume 2: 1855–1866. Boston: Massachusetts Historical Society, 2013.

https://es.wikipedia.org/wiki/Caroline_Healey_Dall

https://es.wikipedia.org/wiki/Trascendentalismo

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Quisqueya Henríquez artista

Quisqueya Henríquez (La Habana,  21 de junio de 1966 - Santo Domingo, 30 de marzo de 2024) fue una artista cubana avecindada en República Dominicana. Su obra comprende técnicas como el collage, la instalación, el video y el arte sonoro.

Estudió en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) y en el Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana de 1987 a 1992.

Henríquez toma inspiraciones del arte y la cultura de República Dominicana y Cuba, y reflexiona sobre las vinculaciones con el arte global, además de involucrar en ciertas piezas artísticas a las personas que las observan. Muestra de ello es su obra performática Helado de agua de mar Caribe, en donde se derretía un helado hecho con agua marina, suero de leche, ron, aceite de coco, color azul y estabilizadores.

Su obra está incluida en museos de Cuba, República Dominicana y Estados Unido

 

Su trabajo se caracteriza por una investigación sobre las nociones de identidad, género y cultura visual desde una perspectiva caribeña y poscolonial. Henríquez abordó con ironía y lucidez los imaginarios tropicales y caribeños, la historia del arte occidental y las tensiones entre lo local y lo global. A lo largo de su carrera expuso en instituciones como el Bronx Museum of the Arts (Nueva York), Pérez Art Museum (Miami), Museo del Barrio (Nueva York), Museo Tamayo (Ciudad de México) y el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, entre otros. Fue una figura central en la escena artística dominicana y caribeña, y una de las voces más potentes en la crítica de los discursos hegemónicos del arte contemporáneo

Henríquez entendió la creación artística como un proceso compartido, capaz de generar vínculos y de activar espacios de encuentro. A través de instalaciones y acciones colectivas, propuso experiencias que desbordaban el objeto artístico para situarse en el terreno de lo relacional. 

Agradecemos a Nila Fernández Lobato que ha tomado el video de esta instalación que nos encanta por su luminosidad . 

Os recomendamos la exposición monográfica titulada El centro puede estar en todas partes,  que estará hasta el 10 de mayo de 2026 en los bajos del museo del Traje de Madrid que busca ofrecer una visión amplia y articulada de la trayectoria de Quisqueya Henríquez cuya obra ha sido clave en el desarrollo del arte contemporáneo en el Caribe, América Latina y más allá. 

A través de un conjunto significativo de obras que abarca desde los inicios de su producción hasta sus últimos proyectos —incluyendo instalaciones, videos, collages, fotografías, pinturas y performances—, la muestra propone un recorrido crítico por los núcleos conceptuales que estructuraron su práctica: la ciudad como espacio de fricción y representación, la revisión crítica de la historia del arte occidental, los modos de producción y circulación de imágenes y mercancías, las particularidades del contexto insular, la hibridez cultural, y los estereotipos asociados a lo caribeño, así como la necesidad de construir una conciencia ecológica y social desde el arte. 

https://sirocomag.com/quisqueya-henriquez-en-c-arte-c/

https://www.ucm.es/cultura/exposicion-actual

https://es.wikipedia.org/wiki/Quisqueya_Henr%C3%ADquez

 https://www.diariolibre.com/revista/cultura/2024/03/30/fallece-quisqueya-henriquez-esposa-del-senador-pedro-catrain/2658891

https://artishockrevista.com/2024/04/02/quisqueya-henriquez-1966-2024/

https://www.facebook.com/quisqueya.henriquez

https://www.facebook.com/photo/?fbid=10155003461518557&set=pcb.10155003483698557

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Celia Viñas poeta española

Celia Viñas Olivella (Lérida, 16 de junio de 1915 - Almería, 21 de junio de 1954) fue una autora española que escribió poesía infantil en español y catalán, con una obra breve pero considerada renovadora y clave en el panorama de la posguerra.

Destaca  también su compromiso con la educación y con la infancia , proponiendo para su epitafio :" Celia enseñó lo que aprendió con los niños "

Asistió desde muy pequeña a las clases de la Escuela Aneja de la Normal de Magisterio de Lérida, donde su padre, Gabriel Viñas Morant, era profesor de Pedagogía. Su infancia y juventud transcurren en Palma de Mallorca y en Barcelona, donde comenzó sus estudios de Filosofía y Letras, los cuales se vieron interrumpidos por la Guerra Civil, y que terminó en 1941. Entre sus profesores universitarios cabe destacar a Rafael Lapesa, a Ángel Valbuena Prat y a Guillermo Díaz-Plaja, que en 1976 se encargó de realizar una antología de la producción poética de la que había sido su alumna para la colección Adonais. Durante estos años de carrera Celia amplió su formación realizando cursos muy variados, entre los que destaca el de Literatura italiana en el Instituto Italiano de Cultura, y asistiendo a actividades culturales como conciertos, conferencias, exposiciones, etc. Viñas trabajó varios años como maestra en Almería, adonde llegó en 1943.

A su llegada a Almería en 1943, tras obtener la Cátedra de Lengua y Literatura con el número 1, habiendo elegido ella misma el destino de esa cátedra, se encontró con una ciudad provinciana, que sufría las consecuencias de la posguerra, sin universidad. Desde su juventud Celia Viñas demostró un extraordinario interés por la cultura, asistiendo en Barcelona a todos aquellos eventos que podía. La situación de la ciudad andaluza, lejos de desanimarla, supuso un estímulo que la incitó a ser ella quien promoviese distintas actividades que dieron a Almería un brillo sin precedentes que lamentablemente no se mantuvo tras su desaparición. Allí se casó con el profesor almeriense Arturo Medina y vivió muy unida a sus habitantes hasta su muerte en 1954.

La crítica ha escrito: "Los poemas breves de Celia Viñas son ricos en imágenes y colorido, unen lo culto y lo popular, son intimistas y descriptivos, manifiestan ternura por los niños y conjugan espontaneidad, sonoridad y sencillez".

Obras

Cármina, inédito, 1937, poemas bilingües

Tierra del Sur, 1945, novela

Viento levante, inédita, 1943, novela indaliana

Plaza de la Virgen del Mar, comedia almeriense estrenada en el Teatro Apolo de Almería, publicada en Almería en 1947

Trigo del corazón, Imp. Independencia, Almería, 1946, poesía

Canción tonta en el Sur, Imp. Marín Peláez, Almería, 1948, poesía

Estampas de la vida de Cervantes, Ed. Gredos, Madrid, 1949, prosa

El Amor de trapo, 1949, poesía amorosa

El primer botón del mundo y 13 cuentos más, 1951, narrativa (Cuentos para niños y para mayores), publicada en León en 1976

Palabras sin voz, Ed. Ifach, Alicante, 1953, poesía

Del foc i la cendra, Palma de Mallorca, 1953, poesía en catalán

Como el ciervo corre herido ("El ciervo que va huyendo..."), Almería, 1955, poemas sacros

Canto, Col. Ágora, Madrid, 1964

Antología Lírica, Ed. Rialp, Col. Adonais, Madrid, 1976

Poesía Última, Almería, 1979, poesía (recopilatorio)

Los Palos del telégrafo, poesía.

Las Islas del Amor Mío. Letra Impar. Dalías (Almería), 2015. El libro de las décimas.

Reconocimientos 

Forma parte de Antología de Poesía femenina española ( 1939-1950) de Carmen Conde y en nota de pagina se nos cuenta como murió cuando la antologia ya estaba compuesta .: "la gran criatura rediente que fue Celia Viña ¡ iba a tener su primer hijo..."

https://www.dipalme.org/Servicios/IEA/edba.nsf/xlecturabiografias.xsp?ref=537

https://www.bibliotecasdeandalucia.es/web/biblioteca-de-andalucia/-/vinas-celia-1915-1954-

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Lilo Herrmann, activista de la resistencia frente a los nazis

Liselotte Herrmann, llamada "Lilo",  (23 de junio de 1909 - 20 de junio de 1938, ejecutada ) era un combatiente de la resistencia comunista en la Alemania nazi .

Nacida en Berlín , Liselotte Herrmann, tuvo una educación liberal de clase media. Después de completar sus exámenes Abitur en 1929, se fue a trabajar como asistente de laboratorio en una fábrica de productos químicos para preparar sus estudios de química. Más tarde ese año, su familia se mudó a Stuttgart , donde asistió a la Technical College. En 1931, cambió a Biología , estudiando en la Universidad Humboldt de Berlín.

Como alumna, se unió a la Liga de Jóvenes Comunistas de Alemania en 1928, y también se convirtió en miembro de la Red Students 'League ( Roter Studentenbund ). También se unió a la Oposición de la Unión Revolucionaria ( Revolutionäre Gewerkschafts Oposición ) en 1931, y en el mismo año se convirtió en miembro del Partido Comunista de Alemania (KPD).

Poco después de que los nazis  ganaran las elecciones en 1933, junto con otros 111 estudiantes firmó un "Llamado a la Defensa de los Derechos y Libertades Democráticas" y por lo tanto fue reprendida y expulsada por la universidad el 11 de julio de 1933. Desde ese momento, trabajó ilegalmente contra el gobierno nazi dentro de la organización KPD.

Ella tomó temporalmente un trabajo como niñera y el 15 de mayo de 1934, nació su hijo Walter. El padre del niño, Fritz Rau, funcionario del KPD, había sido asesinado bajo la custodia de la Gestapo. En septiembre del mismo año,  se mudó a Stuttgart, donde trabajó como taquimecanografía en la oficina de ingeniería de su padre y restableció los contactos con el Partido Comunista prohibido. Desde finales de 1934, trabajó como ayudante técnica para el líder del KPD de Württemberg , Stefan Lovász, hasta su arresto en junio de 1935. Obtuvo información sobre el rearme alemán sobre proyectos de armas secretas: producción de municiones en la fábrica de aviones Dornier en Friedrichshafen y sobre la construcción de una fábrica de municiones subterránea (Muna ) cerca de Celle , que fueron retransmitidos a la oficina del KPD en el exilio que se había establecido en Suiza .

El 7 de diciembre de 1935, Lilo Hermann fue arrestada en el departamento de su familia. Durante tres meses, fue interrogada en la prisión de la policía de Stuttgart, y desde febrero de 1936 estuvo detenida durante 16 terribles meses bajo custodia preventiva, mientras que su hijo  tuvo que ser cuidado por sus abuelos. Acusada ​​en el Tribunal Popular ( Volksgerichtshof ), Herrmann  fue condenada a muerte  el 12 de junio de 1937 por " traición en concomitancia con preparación de alta traición en circunstancias agravantes ". La compañera de Herrmann, Lina Haag , estuvo recluida en la misma prisión preventiva en ese momento y recuerda la noche en que fue sentenciada en su libro A Handful of Dust o How Long the Night .

Deportada a Berlín, después de otro año en la Prisión de Mujeres en Barnimstrasse, fue trasladada a la prisión de Plötzensee para su ejecución. A pesar de las protestas internacionales, Liselotte Hermann fue enviada a la guillotina el 20 de junio de 1938.

En Alemania del Este , muchas escuelas, calles e instituciones fueron nombradas después de ella, pero después de la reunificación alemana en 1990, muchos recibieron nuevos nombres para borrar todas las referencias al comunismo.

De hecho, incluso en Stuttgart, donde estudió Liselotte Herrmann, ella ha sido una figura controvertida. En 1988, personas desconocidas le colocaron una piedra conmemorativa en el campus de la Universidad de Stuttgart, lo que causó un gran revuelo. "Lilo-Herrmann-Weg" fue el homenaje de la ciudad a ella, pero es poco más que un callejón sin salida de 100 m de largo que permite el acceso al estacionamiento público y privado. Nadie vive allí. En la década de 1970, los estudiantes de la universidad intentaron obtener un nuevo espacio  que llevara su nombre, pero la administración de la universidad se resistió a la idea.

https://en.wikipedia.org/wiki/Liselotte_Herrmann
https://www.linkeszentrumstuttgart.org/2018/06/20/schweigend-leben-gerettet/

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Marion Oblitas Roig periodista

 

 

Marion Oblitas Roig  (12 de enero de 1943- Santa Cruz 19 de junio de 2020) periodista y activista de largo aliento   dinamizó el grupo en facebook de Los @migos de la Ciudad de Tarija, cuyas reflexiones y acciones contribuyeron a generar conciencia y política pública en la ciudad de Tarija ( Bolivia).

El periodista y presentador de ATB, Ramón Grimatl, se despide de su madre, en catalán lo que nos habla del origen de Marión que desplego su buen hacer y compromiso ciudadano muy lejos de su lugar de origen.

https://www.facebook.com/groups/284919071662779/user/100029776403859?locale=es_ES

https://www.facebook.com/groups/284919071662779/user/100029776403859/?locale=th_TH

https://elpais.bo/tarija/20200626_fallece-marion-oblitas-madre-de-los-amigos-de-la-ciudad-de-tarija.html

https://www.facebook.com/groups/284919071662779/?locale=es_ES

https://es.wikipedia.org/wiki/Provincia_de_Tarija

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Yanar Mohammed defensora de los derechos de las mujeres #NiUnaMenos

Yanar Mohammed, destacada defensora iraquí de los derechos de las mujeres, fue asesinada el 2 de marzo  de 2026 frente a su residencia en Bagdad por dos hombres armados no identificados. Ningún grupo se ha atribuido la responsabilidad del asesinato. Había nacido el 25 de noviembre de 1960

El primer ministro iraquí, Mohammed Shia’ al-Sudani, ordenó una investigación sobre el crimen. Organizaciones internacionales de derechos humanos instan a las autoridades a identificar a los responsables y a poner fin a la continua ola de ataques selectivos contra activistas en el país.

Mohammed fue cofundadora y directora de la Organización para la Libertad de las Mujeres en Irak (OWFI). Era ampliamente reconocida por su labor en apoyo a las mujeres que sufren violencia de género, incluyendo la creación de una red de refugios en varias ciudades iraquíes. El asesinato se produce en un contexto de deterioro de los derechos de las mujeres en Irak. 

En febrero de 2025, a pesar de la fuerte oposición, el gobierno iraquí implementó enmiendas a la Ley de Estatuto Personal. Dichas enmiendas eliminaron la edad legal para contraer matrimonio (18 años) y suprimieron protecciones clave en materia de divorcio y herencia. Las organizaciones internacionales de derechos humanos criticaron duramente la legislación antes de su entrada en vigor. Human Rights Watch (HRW) condenó las modificaciones por reducir la edad mínima para contraer matrimonio por debajo de los estándares legales internacionales. Razaw Salihy, investigador de Amnistía Internacional en Irak, también declaró sobre la ley: “El matrimonio infantil no solo priva a las niñas de su educación, sino que las niñas casadas son más vulnerables al abuso sexual y físico, y a los riesgos para la salud relacionados con el embarazo precoz”. Tras la muerte de Mohammed, las organizaciones de derechos humanos enfatizaron la incapacidad del gobierno para proteger a los activistas. HRW afirmó que el asesinato era totalmente evitable y se inscribe en un patrón de asesinatos de alto perfil de defensores de derechos humanos en Irak durante la última década.

Abordando el problema en general, Amnistía Internacional declaró: “La persistente incapacidad de las autoridades iraquíes para exigir responsabilidades a los perpetradores de asesinatos anteriores ha afianzado un clima de impunidad que sigue poniendo a los activistas en grave riesgo, incluso mortal”.

https://www.facebook.com/nobelwomen

https://www.jurist.org/news/2026/03/iraq-women-rights-defender-assassinated/

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