Heroínas

domingo, 16 de agosto de 2026

Renata Scotto más que una diva

Renata Scotto ( Savona , Liguria , Italia , 24 de febrero de 1934 - ibídem , 16 de agosto de 2023 ) fue una de las sopranos italianas más importantes de la posguerra, distinguida por su inteligencia interpretativa, autoridad estilística y dotes histriónicas, que se destacan por su rigor y fidelidad al texto y la partitura. Pertenece al excelente grupo de sopranos que fueron pioneras en la valorización del bel canto romántico en la segunda mitad del siglo XX .

Fue formada bajo el mecenazgo de directores de la tradición musical italiana (Tullio Serafin, Gianandrea Gavazzeni, Antonino Votto, Francesco Molinari-Pradelli, Armando Krieger, Nino Sanzogno y Vittorio Gui), y está formada por un grupo de cantantes ( Joan Sutherland , Montserrat Caballé , Beverly Sills , Leyla Gencer, Mirella Freni , Marilyn Horne , etc.). El valor del canto siguió aumentando -Bellini, Gioachino Rossini y Gaetano Donizetti- , María Callas comenzó a principios de los años cincuenta , y también adoptó un nuevo enfoque en la interpretación del verismo italiano (Mascagni, Leoncavallo, Puccini, Ponchielli, etc.).

Desde 1987, trabaja en la ópera como directora de escena y, tras su jubilación como cantante, ha sido invitada a ser profesora de canto, ocupando puestos académicos en la Accademia Nazionale Santa Cecilia de Roma y en la Juilliard School de Nueva York . En junio de 2013, recibió el Premio Presidencial de la República Italiana por su contribución a las artes.

Nacida en Savona , Liguria , Italia , debutó la Nochebuena de 1952, a los 18 años, en el Teatro Nuovo de Milán, como Violetta Valéry en La Traviata de Giuseppe Verdi . Luego apareció en Margherita da Cortona de Licinio Refice en el Teatro Alfieri de Turín y L'amico Fritz de Pietro Mascagni.

En 1953, Scotto audicionó para el papel de Walter en la ópera La Wally de Alfredo Catalani en La Scala , junto a Renata Tebaldi y Mario del Monaco. Tras la audición, uno de los jueces, el famoso director de orquesta Victor de Sabata, le dijo: «Olvídense de los demás». La Wally se estrenó el 7 de diciembre de 1953 y Scotto tuvo que actuar quince veces para recibir aplausos al final.

La fama internacional le llegó el 3 de septiembre de 1957 en el Festival de Cine de Edimburgo . La compañía de La Scala presentó La sonnambula de Vincenzo Bellini, con Maria Callas como Amina. La producción de Luchino Visconti tuvo tal éxito que La Scala decidió añadir un papel que no estaba incluido en el contrato de la soprano griega con el teatro milanés, por lo que decidió no participar, y Callas también. Tras solo dos días, la joven Scotto ocupó su lugar y alcanzó la fama internacional de la noche a la mañana. En 1960, cantó Amina en La Fenice de Venecia , con Alfredo Kraus , y en varios teatros italianos, incluyendo Filadelfia (1967) —«su voz, flotando en la brisa clara, se elevó con gran fuerza al final del aria Ah non giunge »—, en Madrid (1970) y en la Ópera Metropolitana (1972). [ 2 ]

En 1962 debutó en el Covent Garden de Londres y en el Teatro Grande Liceo de Barcelona con La Traviata , y en 1964 realizó una gira desde el teatro milanés al Bolshoi de Moscú , y logró otro triunfo en el Teatro Colón de Buenos Aires , como Cio-Cio-San en Madama Butterfly de Puccini, con el tenor George Shirley; hay disponible una versión pirata en CD.

En 1967 regresó al Teatro Colón, como Gilda en Rigoletto , con el barítono Cornell MacNeil y el tenor Richard Tucker, y en 1971 como Giulietta en I Capuleti ei Montecchi de Bellini, bajo la dirección de Margarita Wallmann , pero su extraordinaria identificación con la hija de Puccini le abrió las puertas a otros públicos, y realizó dos importantes grabaciones comerciales, la primera (1966) dirigida por John Barbirolli —considerada por la crítica especializada como la versión de referencia— y la segunda (1978), realizada por Lorin Maazel con Plácido Domingo . Con este último compartió una larga y fructífera asociación artística.

Hizo su debut en Estados Unidos en la Ópera Lírica de Chicago en 1960 como Mimi en La Boheme . El 13 de octubre de 1965, Scotto hizo su debut en la Ópera Metropolitana como Madama Butterfly , con gran éxito tanto del público como de la crítica. En el nuevo MET, Scotto tuvo otro gran avance, cantando Elena en I vespri siciliani ; se estableció en Nueva York , cantando para 26 personas en 316 funciones con la compañía Metropolitan de 1965 a 1987. En 1977, participó en la primera función de ópera televisada a nivel nacional en ese escenario, como Mimi con Luciano Pavarotti , en La Boheme de Puccini, y en 1982 fue Musetta en la transmisión por televisión del Metropolitan de la producción de Franco Zeffirelli . Manon Lescaut de Puccini en la serie de televisión con Domingo de teatro ( dirigida por James Levine , en la producción de Menotti) y Luisa Miller , Otello , con Jon Vickers, Don Carlo de Verdi, Il Trittico de Puccini y los tres papeles femeninos (Giorgetta en Il Tabarro , Lauretta en Gianni Schicchi y la memorable Suor Angelica) y Francesca da Rimini de Ricardo Zandonai, que El teatro había "revivido" especialmente para él en 1984.

El 17 de enero de 1987, Scotto se despidió de los escenarios del MET, habiendo asumido por primera vez el papel de directora de escena en el mismo papel que su debut, Madama Butterfly .

Pasó de soprano lírica a soprano lírico-dramática, y tuvo su cuota de reveses. En 1981, en la Ópera Metropolitana, hizo su primera aparición en Norma de Bellini con gran éxito de crítica. Su popularidad continuó en actuaciones posteriores, en Florencia y Houston, con la mezzosoprano Tatiana Troyanos , y en una grabación de estudio dirigida por James Levine . Bajo la dirección de Riccardo Muti , cantó Lady Macbeth en Macbeth (Verdi) de Scotto en la Royal Opera House, Covent Garden , bajo la dirección de Renato Bruson , y en la controvertida producción de Peter Hall de 1982 para la Ópera Metropolitana, con Sherrill Milnes, dirigida por James Levine.

Fue aclamada como Vitellia en la producción de Jean Pierre Ponnelle de La clemenza di Tito ( Mozart ), y nunca cantó Abigail en Nabucco y Santuzza en Cavalleria Rusticana, que grabó bajo la dirección de Muti y Levine, respectivamente. Con estos directores grabó I Pagliacci con José Carreras ; Tosca, Adriana Lecouvreur, Andrea Chénier, Desdemona en Otello, con Plácido Domingo y las segundas versiones de La Bohème y La Traviata con Alfredo Kraus, con quien compartió la famosa profesora de canto Mercedes Llopart .

Otras canciones incluidas en el repertorio: La Gioconda de Ponchielli , El profeta de Giacomo Meyerbeer , Anna Bolena de Donizetti , Un ballo in maschera e Il Trovatore de Verdi , Cecilia de Lio Refice , e Il segdesafio di Susanna de Ermanno Wolf-Ferrari ; Edgar, Le Villi e Il Tritótica de Puccini con Lorin Maazel, Il tramonto de Verdi y Ottorino Respighi, y las canciones completas del Tokyo String Quartet.

Al final de su carrera como cantante, cantó la aclamada Mariscala en El caballero de la rosa, Carlota en Werther, Kundry en Parsifal , Fedo en Umberto Giordano , La médium en Menotti, La voz humana en Poulec, Erwatung en Arnold Schoenberg y Clitemnestra en Electra de Richard Strauss tanto en Baltimore como en el Teatro de la Maestranza de Sevilla .

Desde su jubilación, ha impartido clases magistrales en Verbier, La Scala, el Instituto Curtis de Música, la Universidad de Yale, la Universidad de Tokio, la Ópera de Pittsburgh, la Ópera de la Bastilla de París, la Ópera Lírica de Chicago y la Ópera Metropolitana, la Escuela Nacional de Santa Cecilia en Roma y la Juilliard School de Nueva York. Ha sido coach de colegas como Renée Fleming, Anna Netrebko , Sondra Radvanovsky y Natalie Dessay .

Entre otras cosas, ganó un Grammy de la New York City Opera por La Traviata , Norma en Helsinki , La Wally en Dallas , Berna y Bolonia , Lucia di Lammermoor , La Sonnambula, Adriana Lecouvreur y Madama Butterfly en la Arena de Verona, Palm Beach y Génova, Il Pirata de Bellini, Tosca en la Florida Grand Opera de Miami, La Boheme en la Lyric Opera de Chicago, Palm Beach y Turandot en Atenas.

En junio de 1960 se casó con el violinista Lorenzo Anselmi, con quien tuvo dos hijos. Residió en el condado de Westchester, cerca de Nueva York . Documentó su carrera y vida en el libro Scotto, más que una diva , coescrito con el crítico Octavio Roca (Doubleday, 1984; el libro de Umberto Bonafini es un registro de la infancia y los primeros años de la carrera de Renata Scotto .

Murió en su ciudad natal el 16 de agosto de 2023, a la edad de 89 años. La noticia de la muerte de la gran diva de la ópera, sucesora de Maria Callas , se difundió en comunidades de todo el mundo.

Las grabaciones comerciales y en vivo de la década de 1960 la muestran en su apogeo. Entre ellos se encuentran La Traviata con Gianni Raimondi y Ettore Bastianini, La serva padrona de Pergolesi , La Boheme de Antonino Votto y Gianni Poggi y Tito Gobbi, Rigoletto con Dietrich Fischer-Dieskau y el esclavo Liu en Turandot con Birgit Nilsson y Franco Corelli, así como actuaciones en La Scala, La Fenice de Venecia, Teatro Massimo de Palermo, Teatro Reale en Turín y Maggio Musicale en Florencia en Lucia di Lammermoor, I Capuleti y i Montecchi, I vespri siciliani, Fausto, La Sonnambula, L'elisir d'amore, I Lombardi, Roberto el Diablo, La Stranbeliera y Zaira. En 1964, la soprano participó en una gira por la Unión Soviética y Japón con La Scala, que duró hasta los años 1970. NHK documentó el rodaje de Lucia di Lammermoor (con Carlo Bergonzi), Fausto (con Alfredo Kraus) y La Traviata (con José Carreras).

Reconocimientos

En 2015 recibió el premio "Il Ratto delle Sabine" 2015, la obra ambidiestra de la cultura italiana.

En junio de 2013 recibió el Premio Presidencial de la República Italiana por su contribución a las artes.

Medalla de oro del Liceur en 2012.

La ópera ganó el Premio de Noticias del Metropolitan Opera Guild en 2007.

En 2009, en lugar del premio Anton Coppola , se entregó el premio "Excelencia en las artes".

En 2009 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Juilliard School de Nueva York.

En 1992 premio Franco Abbiati della Critica Musicale Italiana (Associazione Italiana Critici Musicali).

Premio Emmy en 1978 a la Mejor Interpretación Femenina en una Ópera por la producción televisiva de La Gioconda .

Premio Emmy por dirigir una ópera para televisión, La Traviata, Ópera de la ciudad de Nueva York.

Premio Frankfurter Allgemeine por su interpretación del Mariscal en Der Rosenkavalier.

Es profesor de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma.

https://www.amazon.co.uk/Scotto-More-Than-Diva-Renata-ebook/dp/B01N0LDBOR

https://eu.wikipedia.org/wiki/Renata_Scotto

sábado, 15 de agosto de 2026

Grazia Deledda Premio Nobel de Literatura.

Grazia Deledda (Nuoro, 27 de septiembre de 1871-Roma, 15 de agosto de 1936) fue una escritora italiana. En 1926 fue galardonada con el Premio Nobel de Literatura.

Nació en una familia numerosa y acomodada. El padre, Giovanni Antonio, pequeño empresario y terrateniente, fue poeta aficionado y alcalde de Nuoro en 1892. La madre, Francesca Cambosu, fue una mujer muy religiosa que crio a sus hijos con extrema rigurosidad moral. Después de haber realizado sus estudios de educación primaria, recibió clases particulares de un profesor huésped de un familiar suyo, ya que las costumbres de la época no permitían que las jóvenes recibieran una instrucción que fuera más allá de la escuela primaria. Posteriormente, profundizó como autodidacta sus estudios literarios.

Empezó a destacar como escritora con algunos relatos que publicó la revista L'ultima moda. Su primera obra de éxito puede considerarse que fue En el azul (1890). Sus primeras obras oscilaban entre la narrativa y la poética. De ellas destaca Paisajes sardos (1896). Tras casarse con Palmiro Madesani, funcionario del Ministerio de Finanzas al que conoció en Cagliari en octubre de 1899, se trasladó a Roma. Tras la publicación de Almas honestas (1895) y de El viejo de la montaña (1900), además de sus colaboraciones en la revista La Sardegna, Piccola rivista y Nuova Antologia, la crítica empezó a interesarse por sus obras.

En 1903 publicó Elias Portolu que la consagró como escritora e inició una buena serie de novelas y obras de teatro: Cenizas (1904), La hiedra (1906), Hasta el límite (1911), Colombi e Sparvieri (1912), Cañas al viento (1913), El incendio en el olivar (1918) y El Dios de los vientos (1922).

En Elías Portolu (1903) evocó la Cerdeña decadente de principios del siglo XX; su mundo es poético, pero primitivo y cerrado. La sociedad descrita es arcaica e inmovilista, y sus personajes aparecen dominados por extraños conceptos intransigentes y supersticiosos de la existencia humana, de una moralidad sumamente convencional..

Varias de sus historias fueron llevadas al cine. Entre ellas, Cenizas, película de 1916 interpretada por Eleonora Duse, y dirigida por Febo Mari y Arturo Ambrosio. La Grazia, de 1929, dirigida por Aldo De Benedetti, fue una de las últimas películas mudas del cine italiano. En 1950 se realizó la película L´Edera (en inglés se llamó Devotion y en Italia se conoció como Delitto per amore) basada en la novela del mismo nombre, dirigida por Augusto Genina.

La narrativa de Grazia Deledda se basa en vivencias poderosas de amor, dolor y de muerte sobre las que planea el sentido del pecado, de la culpa, y la conciencia de una inevitable fatalidad. Se ha considerado que estaba muy influenciada por el decadentismo del que representó Gabriele D'Annunzio, además de por León Tolstoi.

En las novelas de Grazia Deledda siempre hay un fuerte vínculo entre lugares y personas, entre los estados de ánimo y el paisaje que se representa, que es el de su áspera Cerdeña natal, que sin embargo no aparece siguiendo los esquemas tópicos veristas regionales ni tampoco con la fantástica coloración que utiliza D'Annunzio, sino que se reviven a través de los mitos.

La crítica ha encasillado su obra en uno u otro -ismo: regionalismo, verismo, decadentismo... Algunos críticos sin embargo prefieren reconocerle una poética propia y original que se halla perfectamente integrada en el contexto del siglo XX europeo, en la que todo aparece sin que llegue a pertenecer a ningún movimiento en exclusiva.

Principales obras

1890 : En el azul (Nell'azzurro)

1892

Flor de Cerdeña (Fior di Sardegna)

Los caminos del mal (Le vie del male)

1895

Relatos sardos (Racconti sardi)

Almas honestas (Anime oneste)

1900 : El viejo de la montaña (Il vecchio della montagna)

1903 : Elias Portolu

1904 : Cenizas (Cenere)

1912 : La hiedra (L'edera)

1913 : Cañas al viento (Canne al vento)

1915 : Marianna Sirca

1919: La niña robada (La bambina rubata)

1919: El retorno del hijo (Il ritorno del figlio)

1920 : La madre

1925 : La huida a Egipto (La fuga in Egitto)

1926 : El sello del amor (Il sigillo d'amore)

1937 : Cosima, póstumo

1939 : El cedro del Líbano (Il cedro del Líbano), póstumo

Ediciones en español

Deledda, Grazia (2022). El regalo de Navidad y otros cuentos. Ediciones Media Fanega. ISBN 9798368201849

Deledda, Grazia (2021). Almas honestas. Editorial Atico De Los Libros. ISBN 978-8417743321

Deledda, Grazia (2021). La senda del mal. Plataforma Editorial. ISBN 978-8418285097

Deledda, Grazia (2021). La hiedra. Ediciones Cátedra. ISBN 978-84-37643175v

Deledda, Grazia (2020). La reina de las tinieblas y otros cuentos. Ediciones Media Fanega. ISBN 123-00-04-0177-0-7

Deledda, Grazia (2018). La madre. Nor Edizioni.

Deledda, Grazia (2018). Cuentos de Cerdeña y otros cuentos. Edición de Ginvanna Cerina. Editorial Bercimuel.

Deledda, Grazia (2014). Cenizas. Editorial Ciudad de los Libros. ASIN B00IYVLWIQ

Deledda, Grazia (2014). Cañas al viento. Editorial Ciudad de Libros. ASIN B00IYVLWKE

Deledda, Grazia (2013). El Jabatillo. Editorial Gadir. I

Deledda, Grazia (2007). Cósima. Nórdica Libros.

Deledda, Grazia (1927). Los humildes. Madrid, Biblioteca Patria.

Deledda, Grazia (2003). Cósima. Un mar de sueños. I

Deledda, Grazia (1988). Doce cuentos de Cerdeña. Editorial Labor.

Deledda, Grazia (2003). Elias Portulu. Mediasat Group.

Deledda, Grazia (1963). Mariana Sirca. Aguilar.

Deledda, Grazia (1963). Obras escogidas: Tomo 1. Aguilar.

Deledda, Grazia (1958). Obras escogidas: Tomo 2. Aguilar.

Deledda, Grazia (1970). El regalo de Navidad y otros cuentos de Cerdeña. Editorial Labor.

Reconocimientos

Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1926 por "sus escritos de inspiración idealista que retratan con claridad plástica la vida en su isla natal y tratan con profundidad y simpatía los problemas humanos en general", según el Comité Nobel de Literatura.

https://es.wikipedia.org/wiki/Grazia_Deledda

https://institutomujer.castillalamancha.es/centro-de-documentacion/actividades/otras-actividades/en-esta-semana-homenajeamos-grazia-deledda

Selma James activista social

Selma James nacida Deitch (Nueva York, 15 de agosto de 1930), es coautora del libro The Power of Women and the Subversion of the Community (con Mariarosa Dalla Costa), un texto de referencia del movimiento feminista. Fue cofundadora de la Campaña Internacional para un Salario para el Trabajo al Hogar (International Wages for Housework Campaign) y coordinadora de la Huelga Mundial de las Mujeres (Global Women's Strike).

El antirracismo, la lucha contra la discriminación y el trabajo por la justicia que realizamos para nosotros mismos y para los demás son el eje central de la labor de Selma James.

Selma Deitch nació a Brooklyn (Nueva York), en1930. Cuando era joven trabajó en fábricas y posteriormente fue esposa y madre a tiempo total.

A los 15 años se unió al movimiento Johnson-Forest, de la que uno de los tres líderes fue el pensador marxista de Trinidad y Tobago historiador, periodista y socialista C.L.R.James con quien se casó más tarde.

En 1952 escribió el clásico A Woman’s Place, primero publicado como columna en Correspondence, un periódico bisemanal escrito y editado por sus propios lectores con una audiencia mayoritaria en la clase trabajadora. Inusualmente en aquel tiempo, el periódico tenía páginas dedicadas para dar una voz autónoma a mujeres, jóvenes y afroamericanos. Selma Deitch viajó en 1955 a Inglaterra para casarse con CLR James, quién había sido deportado de Estados Unidos durante el Macartismo.

De 1958 a 1962 Selma James vivió en Trinidad donde, con su marido C.L.R. James, fue activa en el movimiento de independencia y federación de las Indias Orientales. Regresó a Inglaterra después de la independencia y se convirtió en la primera secretaria de organización de la Campaña Contra la Discriminación Racial en 1965, miembro fundadora del Black Regional Action Movement y editora de su periódico en 1969.

En 1972, la publicación Power of Women and the Subversion of the Community (escrita con Mariarosa Dalla Costa) inició el "debate sobre el trabajo doméstico" explicando cómo las tareas domésticas y otras tareas de cuidado las mujeres se realizan fuera del mercado productivo de la clase trabajadora, por lo tanto, la economía de mercado, basada en esos trabajadores, se basa en el trabajo no remunerado de las mujeres. La publicación en 1983 de Selma James sobre Marx y Feminismo rompió con la teoría marxista realizada a partir de una lectura del capital de Marx desde el punto de vista de las mujeres y del trabajo no remunerado.

En 1972 James fundó la Campaña Internacional Salario por el Trabajo Doméstico en la que reclamaba dinero del Estado para el trabajo no remunerado en el hogar y en la comunidad. Siguió un acalorado debate sobre si el cuidado a tiempo completo era "trabajo" o un "papel" y si debía ser compensado con un salario.

Desde 1985 James coordinó la Red Internacional de Cuentas de Mujeres (International Women Count Network) que logró la decisión de la ONU donde los gobiernos acordaron medir y valorar el trabajo no remunerado de las mujeres en las estadísticas nacionales. Ya se ha introducido la legislación sobre este tema en Trinidad y Tobago y España y las encuestas de uso del tiempo y otras investigaciones están en marcha en muchos países. En Venezuela, el artículo 88 de la Constitución reconoce el trabajo del hogar como actividad económica que crea valor añadido y produce riqueza y bienestar social, y da derecho a las amas de casa a la seguridad social.

Desde 2000 James ha sido coordinadora internacional de la Huelga Mundial de las Mujeres, una red de mujeres de base, con acciones e iniciativas en diversos países. El movimiento reclama que la sociedad "Invierta en Cuidar y No Matar", y que los presupuestos militares reviertan en la comunidad a través de las mujeres, las principales cuidadoras en todo el mundo. Ha estado trabajando en la Revolución Bolivariana desde 2002.5

Es fundadora del Crossroads Women's Centro en Kentish Town en Londres y editora general de Crossroads Books. Da clases en el Reino Unido, Estados Unidos y otros países en una amplia gama de temas, incluyendo "Sexo, Raza y Clase", "Lo que los marxistas nunca nos han explicado sobre Marx", "La Tradición Judía Internacionalista", "Tanzania Redescubriendo Nyerere", "CLR James como organizador político", y "Jean Rhys: Subiendo a Tía".

En abril de 2008, James visitó Edinburgh en el aniversario del Tanzania Muungano Day, celebrado el 26 de abril. Dio una conferencia en una sesión organizada por la Tanzania Edinburgh Community Association (TzECA) sobre la Ujamaa de Julius Nyerere (socialismo africano) en los años 1960 en Tanzania con referencia al sujeto de la Ruvuma Development Association (RDA), y la declaración de Arusha de Tanzania.

James fue miembro fundadora de la Red Judía Antisionista Internacional, y en mayo de 2008, firmó la Carta de los Judíos Británicos en el 60è cumpleaños de Israel publicada en The Guardian explicando porque no celebrarían el 60è cumpleaños de Israel.

Salarios por las tareas domésticas: La historia de un movimiento, una idea, una promesa, con la participación de Selma James :

Obras
A Woman's Place (1952)
The Power of Women & the Subversion of the Community (amb Mariarosa Dalla Costa; Bristol: Falling Wall Press, 1972)
Women, the Unions and Work, or What Is Not To Be Done (1972)
Sex, Race & Class (1974)
The Rapist Who Pays the Rent (co-author, 1982)
Marx and Feminism (1983)
Hookers in the House of the Lord (1983)
The Ladies and the Mammies: Jane Austen and Jean Rhys (1983)
Strangers & Sisters: Women, Race and Immigration (ed. & introduction, 1985)
The Global Kitchen: The Case for Counting Unwaged Work (1985, 1995)
The Milk of Human Kindness: Defending Breastfeeding from the Global Market and the AIDS Industry (co-author, 2003)
Introduction to Creating a Caring Economy: Nora Castañeda & the Women's Development Bank of Venezuela (published in 2006)
Introduction to The Arusha Declaration, Rediscovering Nyerere's Tanzania (2007)
Editor of Jailhouse Lawyers: Prisoners Defending Prisoners Vs the USA by Mumia Abu-Jamal (UK edition Crossroads Books, 2011)
Sex, Race and Class--the Perspective of Winning: A Selection of Writings 1952–2011 (PM Press, 2012)

https://globalwomenstrike.net/book-launch-wages-for-housework-the-story-of-a-movement-an-idea-a-promise/

https://www.independent.co.uk/voices/international-womens-day-wages-housework-care-selma-james-a9385351.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Selma_James

viernes, 14 de agosto de 2026

Nafis Sadik figura clave a nivel mundial en salud materno-infantil y planificación familiar

Nafis Sadik (18 de agosto de 1929 – 14 de agosto de 2022) fue una médica pakistaní, Asesora Especial del Secretario General de las Naciones Unidas, con responsabilidades adicionales como Enviada Especial para el VIH/SIDA en Asia, y exdirectora ejecutiva del Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA) de 1987 a 2000. Se retiró del cargo en diciembre de 2000.

Nafis Sadik nació el 18 de agosto de 1929 en Jaunpur, India británica, hija de Iffat Ara y Muhammad Shoaib, exministro de Finanzas de Pakistán. Estudió medicina y se graduó como Doctora en Medicina en el Dow Medical College de Karachi, Pakistán.

Tras su graduación, viajó a Estados Unidos para realizar una pasantía en ginecología y obstetricia en el City Hospital de Baltimore, Maryland, y completó sus estudios de posgrado en la Universidad Johns Hopkins.

Regresó a Pakistán en 1954 con su esposo para trabajar como médica civil en hospitales militares. Trabajó hasta 1963 en las salas de maternidad y pediatría de los hospitales de las Fuerzas Armadas de Pakistán. En 1964, Sadik fue nombrada jefa de la Sección de Salud de la Comisión de Planificación del Gobierno.

Sadik se unió al Consejo Central de Planificación Familiar de Pakistán en 1966 como Directora de Planificación y Capacitación, la agencia gubernamental encargada de implementar el programa nacional de planificación familiar. Fue nombrada Subdirectora General en 1968 y Directora General en 1970.

Sadik se unió al Fondo de Población de las Naciones Unidas en 1971. Poco después del repentino fallecimiento del Director Ejecutivo del UNFPA, en 1987, se la designó para sucederle , convirtiéndose así en la primera mujer en dirigir uno de los principales programas de las Naciones Unidas financiados con fondos voluntarios.

Sadik siempre hizo hincapié en la importancia de atender las necesidades de las mujeres y de involucrarlas directamente en la formulación y ejecución de las políticas de desarrollo. Esto fue particularmente importante para las políticas y programas de población en el Tercer Mundo y los países en desarrollo, donde su estrategia para brindar a las mujeres educación y herramientas para controlar su propia fertilidad ha influido en la tasa de natalidad mundial.

En junio de 1990, se nombro a Sadik Secretaria General de la Conferencia Internacional sobre Población y Desarrollo (CIPD) de 1994.

Fue miembro del Consejo de Administración de la Fundación para el Desarrollo Humano y de la Comisión del Sur de Asia sobre el Desafío Asiático. Sadik presidió la Sociedad para el Desarrollo Internacional (SID) entre 1994 y 1997. Nafis Sadik también fue miembro de la Asociación de Médicos de Origen Pakistaní de Norteamérica.

Tras su jubilación del Fondo de Población de las Naciones Unidas, formó parte de varios consejos de administración y paneles asesores de organizaciones sin ánimo de lucro e instituciones de investigación en el ámbito del control de la población, incluyendo el Consejo Asesor de la Fundación Alemana para la Población Mundial. Sadik fue miembro emérita de Population Action International.

Nafis Sadik falleció de insuficiencia cardíaca congestiva el 14 de agosto de 2022 en Estados Unidos, a la edad de 92 años.

Fue madre de cuatro hijas y un hijo.

Un importante periódico de Pakistán publicó en su obituario:

«La Dra. Nafis Sadik, de Pakistán, una figura clave a nivel mundial en salud materno-infantil y planificación familiar, falleció en Nueva York el domingo».

Publicaciones

Nafis Sadik ha publicado extensamente en las áreas de planificación familiar y control de la población:

Población: La experiencia del UNFPA (New York University Press, 1984)

Políticas y programas de población: Lecciones aprendidas de dos décadas de experiencia (New York University Press, 1991)

Marcando la diferencia: Veinticinco años de experiencia del UNFPA (Banson, Londres, Reino Unido, 1994)

Reconocimientos

(1995) Premio Príncipe Mahidol de la Fundación Príncipe Mahidol (Rama de Salud Pública)

(2000) Premio Margaret Sanger de la Federación de Planificación Familiar de América

(2001) Premio de Población de las Naciones Unidas

(2002) Premio a la Ciudadanía Mundial de la Asociación Mundial de Guías y Scouts

Premio del Real Colegio de Obstetras y Ginecólogos

Premio de la Federación Nacional de Vida Silvestre de Estados Unidos

Premio de la Asociación Estadounidense de Salud Pública, Washington D.C., EE. UU.

https://en.wikipedia.org/wiki/Nafis_Sadik

https://www.unfpa.org/es/about/nafis-sadik

https://www.unfpa.org/about/nafis-sadik

https://www.nti.org/about/people/nafis-sadik/

Augusta Tonning maestra sufragista

Augusta Tonning (14 de agosto de 1857 — 11 de agosto de 1932) trabajó durante veinte años como sufragista en toda Suecia. Vivió en Ronneby, donde construyó una casa para sufragistas capacitadas. También trabajó como maestra y dirigió brevemente una escuela para niñas en Falun.

Augusta Tonning nació en 1857 en Lund con el nombre de Hilda Augusta Grönvall. Su padre, Johan Henrik Grönvall, era profesor adjunto en una universidad. Su madre se llamaba Julia (Julie) Lovisa, de soltera Adrian. Cinco años después del nacimiento de Augusta Tonning, su padre se convirtió en vicario en Västra Tomarp, cerca de Trelleborg, donde la familia se mudó. Tenía tres hermanos: Johan, Edvard y Elin.

Augusta Tonning creció en un hogar feliz. Su educación fue convencional y el papel de la mujer estaba predeterminado. Sus hijas se casarían y tendrían hijos. Pero Augusta Tonning era audaz e independiente. Algunas notas indican que soñaba con ser artista durante su juventud. Tallaba madera y una escultura de madera aún se conserva en su casa Solvik, a las afueras de Ronneby. Su hermana mayor, Elin, intentó que Augusta Tonning fuera más "flexible y dócil" para que se ajustara mejor al ideal de mujer de la época. En su diario de Villa Solvik, Augusta Tonning escribió: "Entonces llegó Pär Tonning, el compañero de juegos y amigo de su juventud, el ideal y con él la vida sana y libre, donde la razón y la voluntad personal prevalecían sobre la impotencia de los viejos prejuicios. Fue una vida maravillosa". Fue un amor que duró toda la vida.

El pastor Grönvall casó a sus dos hijas en una doble ceremonia en la iglesia de Västra Tomarp en julio de 1879. Elin se casó con el comisionado municipal Anders Bendz y Augusta Tonning con Pär Tonning, un candidato a doctorado. Pär provenía de una respetada familia de agricultores de Skåne en Tomarp. En 1877, había sido nombrado director de la recién inaugurada escuela popular Fornby en Stora Tuna, Dalarna. Anteriormente, había trabajado como profesor en la escuela popular Hvilan en Åkarp, Skåne. En Pär, Augusta Tonning encontró un alma gemela. Era liberal, radical y con conciencia social. Era seis años mayor que ella. Llegó a admirarlo y a compartir su ideal de que hombres y mujeres debían trabajar juntos para mejorar la sociedad.

La pareja se instaló en la escuela popular de Fornby. Desde temprana edad, ambos mostraron interés en que las niñas también tuvieran acceso a la educación. En la primavera de 1882, Pär Tonning obtuvo permiso para usar las instalaciones de la escuela para las niñas confirmadas durante el verano. Augusta Tonning les enseñó aritmética, contabilidad y manualidades. Sin embargo, no se concedieron subvenciones para estas actividades.

En 1885, Pär Tonning se dio por vencido. Comprendió que sus ideas no eran del agrado de la clase dominante. Ya en 1883, había comprado la finca Hästberg, a las afueras de Falun, con la intención original de trasladar allí la educación femenina. En cambio, la pareja abrió una escuela privada para niñas, Hästbergs qvinliga folkhögskola. Augusta Tonning impartía clases de costura, incluyendo confección de ropa, tejido artístico y talla de madera, así como aritmética y contabilidad. La enseñanza de la talla de madera se debía a su propio interés. En Hästberg, los Tonning también administraban una pequeña granja con la ayuda de un labrador. La idea era que las niñas aprendieran diversas tareas en el granero. Hästberg las convertiría en amas de casa bien educadas y buenas esposas de granjeros.

Pero Pär Tonning mostraba signos de enfermedad. Estaba postrado en cama, incapacitado para trabajar, y pasaba largos periodos hospitalizado en Lund. Su enfermedad duró diez años. La carga recayó cada vez más sobre Augusta Tonning, quien finalmente pudo asumir toda la responsabilidad. La escuela de niñas cerró sus puertas ya en 1887. Augusta Tonning se encargó personalmente de las tareas tradicionalmente masculinas: negoció con los propietarios de los bosques, transportó leña por el pueblo y araba los campos. Esto no fue bien visto por la burguesía de Falun.

El 7 de junio de 1895 falleció Pär Tonning. Sus ideas sobre la igualdad de las mujeres con los hombres acompañaron a Augusta Tonning hasta su muerte. En sus numerosos discursos durante sus años como sufragista, lo citó extensamente. Augusta tenía 38 años cuando murió su esposo. La pareja no tuvo hijos.

Tres años después, en 1898, Augusta Tonning vendió todo para mudarse a Blekinge, donde su hermano, Johan Grönvall, era médico militar. Vivía con su esposa y sus tres hijas, Karin, Ella y Lisa, en la granja Härstorp, a las afueras de Ronneby. Cuando Augusta Tonning llegó a Härstorp, las niñas tenían quince, doce y siete años. Sus sobrinas llegarían a ser muy importantes para ella. En el establo de Härstorp, podía tener un caballo y cuatro vacas. Plantó una huerta y comenzó a cultivar verduras a gran escala. Transportaba las verduras a la plaza del mercado de Ronneby en carro tirado por caballos y las vendía.

En el verano de 1902, Augusta Tonning participó en la Reunión Nórdica por el Sufragio Femenino en Kristiania (actual Oslo). Su interés por los derechos de la mujer cobró nuevo impulso. Lograr que las mujeres se convirtieran en ciudadanas adultas de pleno derecho, iguales a los hombres, con los mismos derechos y obligaciones, se convirtió en su nueva misión vital. El primer objetivo fue el sufragio universal e igualitario. En 1902 y 1903, se formó primero la Asociación por el Sufragio Político Femenino (FKPR) y luego la Asociación Nacional por el Sufragio Político Femenino (LKPR). Augusta Tonning se dedicó con gran energía a la lucha por el sufragio. Ya en 1903, había fundado una asociación sufragista en Ronneby. Recorría a caballo, a la que llamaba apropiadamente «Lucha por el Sufragio», los pueblos de Blekinge y formaba asociaciones, a veces con tan solo una decena de participantes. Si nadie quería ser presidenta, ella misma asumía la tarea. En total, logró poner en marcha 35 nuevas asociaciones sufragistas en el sur de Suecia, ocho de las cuales se ubicaron en Blekinge.

En 1911 dejó la granja de Härstorp y se mudó al centro de Ronneby. Allí dedicó todo su tiempo a la causa del sufragio femenino. Las sufragistas viajaron por toda Suecia dando charlas, celebraban cumpleaños juntas, organizaban bazares y veladas musicales para recaudar fondos. Organizaban reuniones y discutían estrategias. El intercambio epistolar entre ellas era extenso, y muchas se convirtieron en amigas para toda la vida. El sufragio se convirtió en una forma de vida. En 1912 iniciaron una petición a favor del sufragio femenino en colaboración con el liberal y primer ministro Karl Staaff. Augusta Tonning batió un récord en 1913 con visitas a 195 lugares y 105 conferencias impartidas.

La petición constó de treinta volúmenes con 351.454 firmas. Pero cuando se presentaron las firmas en 1914, surgió otra preocupación: la cuestión de la defensa y la Primera Guerra Mundial. Las mujeres centraron entonces su atención en la labor por la paz. Entre otras cosas, se organizó un Domingo de la Paz el 27 de junio de 1915. Casi 90.000 mujeres se congregaron por toda Suecia para abogar por la paz y protestar contra la guerra. Se impartieron conferencias en todos los puntos de encuentro. La conferencia por la paz de Augusta Tonning se leyó en todas las reuniones celebradas en Blekinge.

Durante los años de la guerra, Augusta Tonning también se dedicó a construir una casa en el pequeño pueblo pesquero de Bökevik, al oeste de Ronneby. Ya en 1913, había comprado un terreno en una península sin acceso por carretera. El 17 de junio de 1915 se inauguró Villa Solvik, que se convertiría en el hogar de Augusta Tonning. Pero no solo el suyo: designó Solvik como residencia para todas las mujeres con derecho a voto. Cada vez que se celebraba una reunión de mujeres en Ronneby, invitaba a las participantes a la villa. Las visitantes viajaban en barco a través del Ronnebyån hasta el archipiélago, un trayecto de casi dos horas.

Augusta Tonning no estuvo exenta de resistencia en Ronneby. El alcalde de la ciudad, Ernst Flensburg, hizo todo lo posible por detenerla. Su propio hermano, el médico del regimiento Grönvall, temía que sus numerosas y audaces acciones provocaran un escándalo. Sin embargo, como tía de las tres hijas de Johan Grönvall, era querida y apreciada. Además, era una anfitriona hospitalaria y una amiga fiel. Esto queda patente, entre otras cosas, en los numerosos agradecimientos y poemas que se conservan en su libro de visitas y diario, ambos a la vez, en Villa Solvik.

En septiembre de 1921, tras casi veinte años de trabajo, finalmente se celebraron las primeras elecciones parlamentarias en las que hombres y mujeres pudieron votar en igualdad de condiciones. Tras la entrada en vigor del derecho al voto, las asociaciones se disolvieron, pero Augusta Tonning continuó su labor en favor de las mujeres, organizando, entre otras cosas, cursos en Solvik. También siguió ofreciendo jornadas de puertas abiertas para sufragistas formadas. El tema del alcohol era importante para ella. A lo largo de su vida, se opuso firmemente a todas las formas de consumo de alcohol.

Augusta Tonning falleció en su amada Villa Solvik el 11 de agosto de 1932. Su ataúd blanco fue llevado a Ronneby para su cremación. En él, según sus instrucciones, se encontraba su vestido de novia. El ataúd estaba adornado únicamente con una corona de hiedra de Solvik. Sus cenizas fueron llevadas, también a petición suya, a Falun y enterradas en el cementerio de Stora Kopparberg, en la tumba de su difunto esposo, Pär Tonning. La misión de Augusta Tonning había concluido.

Jane Betts

La imagen de Augusta Tonning pertenece a una postal sobre el sufragio femenino publicada por la Asociación de Uppsala para el Sufragio Político Femenino. El texto dice: «Somos conscientes de nuestra plena dignidad humana y exigimos su reconocimiento»

Hilda Augusta Tonning , www.skbl.se/sv/artikel/HildaAugustaTonning, Diccionario biográfico de mujeres suecas (artículo de Jane Betts), consultado el 19 de abril de 2026.

https://www.skbl.se/sv/artikel/HildaAugustaTonning

jueves, 13 de agosto de 2026

Luchita Hurtado pintora de origen venezolano, que se movió entre el surrealismo, y el informalismo

Luchita Hurtado (Maiquetía, Venezuela; 28 de octubre de 1920 - Santa Mónica, California; 13 de agosto de 2020) fue una pintora de origen venezolano, cuyo estilo artístico estuvo inmerso entre el surrealismo, y el informalismo. Durante 7 décadas trabajó y realizó exposiciones en galerías de Estados Unidos en Los Ángeles, Taos (Nuevo México), Chicago y Santa Mónica.

Luchita Hurtado emigró a Estados Unidos con su familia a los 8 años de edad y se instalaron en Nueva York. Se formó en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York y posteriormente estudió Bellas Artes en el Washington Irving High School. Desarrolló un gran interés en los movimientos políticos antifascistas.

Fue voluntaria en el periódico español La Prensa donde conoció al periodista chileno Daniel de Solar. A través de Solar conoció a muchas personalidades latinas de las letras y las artes. Hurtado se casó con Solar. Se divorciaron en 1942.

Comenzó su carrera artística a principios de los años 40, trabajando como ilustradora de moda para Condé Nast y como muralista para las tiendas Lord & Taylor. Del Solar la introdujo en un mundo intelectual que marcó el curso de su vida y su carrera, como el conocer al pintor mexicano Rufino Tamayo, que se convirtió en un buen amigo. Los dos se reunían en su cocina para pintar y hablar de negocios, a menudo escogiendo colores de su entorno e imaginando cómo los recrearían en el lienzo.

En esa época realizó varias estancias en México, donde conoció artistas como Frida Kahlo, Remedios Varo, Leonora Carrington y Wolfgang Paalen, quien se convirtió en su marido. Con él se mudó a San Francisco a finales de los años 40 y allí Paalen formó parte del Dynaton Group, un movimiento artístico de carácter post-surrealista, con influencias estéticas extraídas de la espiritualidad de las culturas precolombinas y nativo-americanas. Si bien ella no formó parte de aquel grupo formalmente, sí fue asociada a él e influenció sur arte

Durante este tiempo, su círculo de amistades y artistas se amplió. Una de esas conexiones que hizo fue con la bailaría japonesa Ailes Gilmour. Gilmour era la media hermana del pintor y escultor japonés Isamu Noguchi. Noguchi y Hurtado tuvieron mucho trato y visitaron a menudo galerías juntos. Más tarde, conoció también al pintor y escultor surrealista Duchamp.

El curador Hans Ulrich Obrist -organizador de su retrospectiva en Londres- dijo sobre Hurtado: "Luchita siempre ha tenido esta identidad muy fluida, que hace que su arte sea tan del siglo XXI", también, "Tenemos que contextualizarla claramente con la vanguardia histórica". "Navegó un siglo de contextos diferentes y jugó un papel importante en todos ellos". En su obra, difumina las líneas entre los mundos micro y macroscópico; estuvo a la vanguardia no solamente del surrealismo espiritual, sino también de los movimientos de arte ambiental y feminista, como dijo Obrist.4

Su reconocimiento fue muy tardío; recibió el interés de la crítica especializada, a partir de su participación en la Bienal del Hammer Museum de Los Ángeles en 2018, cuando ya tenía 97 años de edad. En la muestra titulada Made in L. A. 2018, llamó la atención la vitalidad y actualidad de su trabajo, realizado sobre todo en la década de los años 70. Su obra mezcla formas abstractas biomórficas, patrones indígenas y figuras totémicas más figurativas, en las que representa partes del cuerpo femenino.

El crítico de arte Christopher Knight dijo del trabajo de Luchita Hurtado: "Las formas vagamente surrealistas de sus dibujos recuerdan densas pictografías de una variedad de culturas, antiguas y modernas. Entre ellas están las pinturas rupestres prehistóricas, el arte tribal del noroeste y suroeste, los relieves precolombinos y las pinturas y esculturas abstractas"8

En 2019, Hurtado fue incluida en el TIME 100: Most Influential People, cuando contaba con 98 años.

Hurtado murió en 2020, poco antes de cumplir los cien años, por causas naturales.

https://es.wikipedia.org/wiki/Luchita_Hurtado

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/search/label/pintores%20venezolanos%3A%20hurtado%20luchita

https://www.contemporaryartlibrary.org/artist/luchita-hurtado-4577

Hettie Jones poeta

Hettie Jones nacida Cohen( 15 de junio de 1934 – 13 de agosto de 2024) fue una poeta estadounidense. Escribió 23 libros, entre ellos unas memorias sobre la Generación Beat, tres volúmenes de poesía y publicaciones para niños y jóvenes, como «The Trees Stand Shining» y «Big Star Fallin' Mama: Five Women in Black Music».

Hettie Jones nació en Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia judía. Se crio en Laurelton, Queens. Ingresó en el Mary Washington College de Virginia en 1952. No se había alejado mucho de su hogar hasta la universidad y no había experimentado el antisemitismo hasta entonces: «Mis compañeras de habitación no querían vivir conmigo porque era judía».

Tras graduarse y regresar a Nueva York, Jones se casó con LeRoi Jones (más tarde conocido como Amiri Baraka), un escritor afroamericano. Su familia inicialmente la repudió por casarse con un hombre negro, pero la familia de su esposo la acogió con los brazos abiertos. A pesar de vivir en el diverso Lower East Side de Manhattan, a veces sufrían acoso público por ser una pareja interracial.

En 1957, la pareja fundó la revista literaria Yugen y la editorial Totem Press. Publicaron los primeros trabajos de figuras de la Generación Beat.

Para 1964, LeRoi se había involucrado activamente en el movimiento de las Artes Negras y su matrimonio se estaba deteriorando. Mientras aún estaba casado con Hettie, tuvo una hija, Dominique di Prima, con la poetisa Diane DiPrima. LeRoi se divorció de Hettie y se mudó a Harlem. Ella continuó escribiendo, editando y enseñando.

Jones publicó sus memorias, How I Became Hettie Jones, en 1990. En ellas detalla sus experiencias al crecer en una familia y comunidad judías, su pertenencia a la Generación Beat, sus inicios como escritora y las dificultades sociales de un matrimonio interracial y la crianza de hijos mestizos. En 1999, Jones ganó el Premio Norma Farber de la Poetry Society of America al Mejor Primer Libro por su primer poemario, titulado Drive. Según Booklist, la publicación de Drive la consagró como una poeta «potente y audaz».

Jones fue editora durante muchos años e impartió clases de poesía, narrativa y memorias en numerosas universidades, entre ellas la Universidad Estatal de Pensilvania, la Universidad de Nueva York, el 92nd Street Y, la Universidad de Wyoming y la Parsons School of Design. Fue presidenta del Comité de Escritura en Prisiones del PEN y, de 1989 a 2002, dirigió un taller de escritura en el Centro Correccional para Mujeres de Bedford Hills. Este taller fue aclamado como fuente de inspiración para la colección de Jones, distribuida a nivel nacional, titulada Aliens At The Border. Jones también fue coautora de unas memorias para Rita Marley, viuda de Bob Marley. Recibió subvenciones para iniciar un programa de escritura en el Lower East Side de Manhattan, en el Lower East Side Girls Club Center for Community. Su libro, Love, H, una selección de 40 años de correspondencia con la escultora Helene Dorn, fue publicado por Duke University Press en octubre de 2016.

Jones tuvo dos hijas de su matrimonio con Amiri Baraka: Kellie Jones (nacida en 1959) y Lisa Jones Brown (nacida en 1961). Ambas educadoras y escritoras.

Jones residía en el mismo apartamento del East Village, en el número 27 de Cooper Square, al que ella y LeRoi se mudaron en 1962. En 2005, lideró con éxito una campaña para salvar su edificio de apartamentos cuando iba a ser demolido para construir un hotel.

Jones continuó enseñando y escribiendo. Falleció en Filadelfia el 13 de agosto de 2024, a los 90 años.

Obras

Cómo me convertí en Hettie Jones: Memorias

Drive

Big Star Fallin’ Mama: Cinco mujeres en la música negra

No Woman No Cry

All Told

Doing 70

https://poetryalquimia.org/2022/06/15/4-poemas-de-hettie-jones/

https://en.wikipedia.org/wiki/Hettie_Jones

miércoles, 12 de agosto de 2026

Jeanne Delaunoy o Jane De Launoy enfermera belga

Jeanne Delaunoy o Jane De Launois(20 de mayo de 1881, Saint-Gilles-12 de agosto de 1953, Uccle ), es una enfermera de guerra belga.

Jeanne Adolphine Thérèse Emilie Delaunoy nació el 20 de mayo de 1881 en Saint Gilles y creció en un ambiente acomodado en la Avenue Molière . Hija de Pauline Cliquet y François Delaunoy, médico . Después de seguir cursos científicos y lecciones de dibujo, obtuvo un diploma de enfermería en 1907 en la escuela Saint-Camille abierta por la condesa Van den Steen de Jehay como alternativa católica a la escuela de enfermería y enfermera laica del doctor Antoine Depage . Sin embargo, no practicó antes de ser llamada por la escuela que la capacitó en 28 de julio de 1914, en virtud del compromiso de los estudiantes de servir en tiempos de guerra. Después de un curso de actualización acelerado, se integró en el hospital Sainte-Élisabeth de Bruselas y luego en La Panne antes de trabajar junto al doctor Depage en el hospital Océan. Fue allí donde las enfermeras inglesas la llamaron Jane , y ella misma empezó a utilizar ese nombre. En aquella época, abandonó Bruselas con su madre y su tía y se instaló en la villa familiar de Saint-Idesbald .

Aunque no quiso espontáneamente ejercer profesionalmente, se dedicó durante los cuatro años de servicio hasta el cansancio . “Muchas enfermeras se niegan firmemente a trabajar en turnos de noche. (...) Debemos imponernos una conducta razonada: hacer lo que los demás no quieren hacer. » . Es una de las pocas enfermeras que trabajó en el hospital de Océan durante toda la guerra y, a veces, trabajó de noche durante ocho meses sin parar.

En noviembre de 1915 se lesionó un dedo y tuvo que someterse a dos cirugías para evitar complicaciones graves. En el hospital atiende a soldados de todos los orígenes, belgas, franceses, británicos, escoceses, canadienses, australianos, argelinos, marroquíes, indios o chinos e incluso a algunos alemanes, así como a la población civil víctima del conflicto. La capacidad es entonces de 1.300 camas. El personal usa máscaras antigás en todo momento. En junio de 1918, se incorporó al nuevo hospital construido en Vinkem , ya que el Océano era ametrallado con demasiada frecuencia .

Con la ofensiva para liberar Bélgica, llegaron numerosos heridos. En menos de una semana, 12.000 soldados belgas fueron acogidos en ambos hospitales .

A medida que se acercaba el conflicto de la Segunda Guerra Mundial , publicó sus notas de guerra en 1938 , bajo el nombre de Jane de Lauoy, War Nurses on Commanded Service que se convirtió en una obra de referencia sobre las condiciones de trabajo hospitalarias en el frente durante la Primera Guerra Mundial .

Jane de Launoy es la única enfermera belga que ha aportado un testimonio tan completo en el ámbito asistencial durante la Primera Guerra Mundial. Su testimonio fue reeditado en 2015 por las ediciones Memogrames, en la colección Arès, bajo la dirección de Dan Lecocq (ULB) y Patrick Loodts, autor de La gran guerra de los cuidadores (ediciones Memogrames, 2014).

Jeanne Delaunoy murió en Uccle el 12 de agosto de 1953

Reconocimientos

Recibió la medalla de oro de la Orden de Leopoldo II y la medalla de la Reina Isabel .

En 1920, fue nominada por el doctor Depage a la medalla Florence Nightingale , la máxima distinción internacional para enfermeras .

Una plaza de La Panne lleva el nombre de Jane de Launoy desde 2020

https://fr.wikipedia.org/wiki/Jeanne_Delaunoy

martes, 11 de agosto de 2026

Clara Merino Serrano feminista ecuatoriana

Clara Merino ( 11 de agosto de 1954 ) fundadora del movimiento de mujeres de sectores populares Luna Creciente y vicepresidenta de la Coalición Nacional de mujeres de Ecuador

Clara era bastante mística en su infancia. Incluso, había pensado ser monja. De una familia católica y educada en un colegio de monjas , Clara no se había cuestionado nunca los temas de género. Aunque su padre era ateo y les explicaba sus razones para no creer en Dios, ella siempre tuvo una fe muy fuerte. A los 13 años comenzó con la militancia socialista, a través de un trabajo con los sectores campesinos. “Tuve la necesidad de ver otras formas de entender el mundo, por lo que empecé a militar en un grupo marxista. Mi éxtasis era trabajar con los campesinos y dejé la religión”.

Se dedicó varios años a la formación socialista en los sectores obreros y dentro de ese trabajo fue cuestionando los temas de género. “Esto me hizo ver lo que pasaba al interior de los movimientos sociales con las mujeres. Aparte de todas las desigualdades estructurales, me preguntaba por qué la desigualdad con la mujeres”.

Después vino el colectivo Luna Creciente, un movimiento dedicado a incluir a los sectores populares en las discusiones feministas y constituirse como un colectivo político. Durante su militancia en Luna Creciente, Clara tuvo tres matrimonios y tres hijos quienes crecieron con la experiencia de la militancia social. “Yo no sé si sea lo mejor el que hayan crecido dentro de mi militancia, a la final eran niños.” Clara no era la única de la familia que tenía un compromiso con las causas sociales. Su hermano Ricardo Merino fue asesinado durante el gobierno de León Febres Cordero por su militancia socialista. “Mis hijos vivieron esa situación y crecieron con ese sentimiento de rabia e impotencia por la impunidad”. No obstante, ahora los tres están involucrados en “Luna Creciente”.

Para Clara la situación actual está en un momento de quiebre. “No se puede decir que los movimientos de mujeres sean fuertes, pero está puesto, al menos sobre el tapete, la lucha de las mujeres”.

https://www.coaliciondemujeresec.com/directorio/

https://majo2690.wixsite.com/feminismoenlamira/clara-merino

https://x.com/CorteConstEcu/status/1290362623301685248?s=20

lunes, 10 de agosto de 2026

Margarete Heymann ceramista de Bauhaus

Margarete Heymann (10 de agosto de 1899-noviembre de 1990), también conocida como Margarete Heymann-Löbestein, Margarete Heymann-Marks, y Grete Marks, fue una artista ceramista alemana de origen judío y estudiante de Bauhaus. En 1923 fundó los Talleres Haël de Cerámica Artística en Marwitz que tuvo que cerrar en 1933 y se instaló en Jerusalén. En 1936 se mudó a Gran Bretaña y continuó su trabajo, convirtiéndose en mundialmente famosa como "Greta Pottery". Se considera que su mejor trabajo es de su período de trabajo en Alemania.

Heymann nació en 1899. Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Colonia y en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf antes de entrar en la Escuela de Artes Bauhaus de Weimar en noviembre de 1920, donde fue admitida por un semestre de prueba en el taller de cerámica dirigido por Gerhard Marcks. También asistió a cursos de Paul Klee, Georg Muche y Gertrud Grunow. Un año después de su ingreso, abandonó bruscamente los estudios en la Bauhaus, por causas poco claras. Parece que la admisión definitiva no se acababa de producir, a pesar de reconocer el talento, quizá porque no estaba del todo previsto que las mujeres estudiaran cerámica.

El talento artístico de Margarete Heymann se hizo notar muy pronto. Estudió pintura en la Kunstgewerbeschule Köln (posteriormente Kölner Werkschulen) entre 1916 y 1918/19, seguida de un año en la Kunstakademie Düsseldorf.2 También siguió cursos de historia del arte en el Museum für Ostasiatische Kunst de Colonia. Tras dos rechazos, en noviembre de 1920 se le ofreció una plaza en la Bauhaus de Weimar y realizó el curso preliminar obligatorio con Johannes Itten. En marzo de 1921, Walter Gropius le informó de que no era posible admitir mujeres en el taller de cerámica.3 Tras protestar, fue admitida en abril de 1921 para un semestre de prueba con Gerhard Marcks en el taller de cerámica de la Bauhaus de Dornburg/Saale. Durante su estancia en la Bauhaus, asistió a cursos con Paul Klee, Georg Muche y Gertrud Grunow.4 Abandonó la Bauhaus en medio de una disputa el 2 de noviembre de 1921.3 Las razones de su marcha no están claras: por un lado, el consejo de maestros la retuvo varias veces para que fuera admitida finalmente en la clase de cerámica; por otro lado, se conservan disputas con Gerhard Marcks y Walter Gropius.2 En octubre de 1921, Max Krehan y Gerhard Marcks la consideraron "dotada, pero no apta para el taller". De su estancia en la Bauhaus sólo se conoce la marca de cerámica de Grete Heymann. En marzo de 1922, fue finalmente eliminada de la lista de alumnos matriculados en la Bauhaus. A finales de 1921, trabajó en un taller de cerámica en Frechen e impartió un curso de cerámica para niños en la Kunstgewerbeschule Köln. En 1922, aceptó un puesto como asistente artística en las fábricas de loza Velten-Vordamm bajo la dirección de Hermann Harkort.

En 1923, fundó los Talleres Haël de Cerámica Artística en Marwitz con su esposo Gustav Loebenstein y su hermano Daniel Loebenstein al norte de Berlín5 donde fabricó sus diseños de cerámica moderna. Heyman era la directora artística y la empresa empleaba a 120 personas y exportaba sus obras a Londres y Estados Unidos. El programa de los talleres se caracterizó por una gran variedad de formas y estilos, con énfasis en los diseños de vanguardia, y abarcó desde decoraciones de líneas simples hasta composiciones abstractas y asimétricas. La obra de Heymann-Loebenstein se caracterizaba especialmente por los esmaltes mates y brillantes con un intenso colorido y la influencia del diseño de Asia oriental. Diseñó cerámica utilitaria de alta calidad, como servicios de café, moka y té, jarrones, cuencos, platos y juegos de fumar. Heymann-Loebenstein solía aplicar asas de doble disco a las tazas y teteras. Algunos de sus diseños se realizaron también en otros materiales, como plata, alpaca, marfil, ébano y plástico. La mediana empresa se expandió y se hizo conocida en el país y en el extranjero por sus productos de alta calidad artística, exportando a Gran Bretaña, Bélgica, Francia y Suiza a principios de la década de 1930. En particular, las formas geométricas de fantasía de estilo Art Decó se destinaron como productos de lujo a Australia, Sudamérica y Estados Unidos. La empresa empleaba a un total de 62 personas en 1927. Ese año se construyó un nuevo edificio de viviendas y oficinas junto a los talleres.

En agosto de 1928 de camino a la Feria de Otoño de Leipzig, Gustav y Daniel Loebenstein sufrieron un accidente el 24 de agosto de 1928. Margarete, por entonces madre de dos hijos pequeños, Michael (nacido en 1924) y Stephan (nacido en 1927), siguió dirigiendo el negocio en solitario tras la muerte accidental de su marido y su cuñado. Presentó los productos de los talleres en numerosas ferias, como la exposición Wohnung und Werkraum del Werkbund en Wroclaw en 1929 y la Feria Grassi de Leipzig a partir de 1924.

En 1930, la empresa estaba en pleno apogeo y 90 empleados trabajaban en los talleres Ese mismo año se puso en marcha un nuevo horno. Sin embargo, como consecuencia de la crisis económica mundial, los talleres de Haël, al igual que toda la industria de la porcelana y la cerámica, tuvieron que registrar fuertes pérdidas en las ventas, como muestran los balances de la empresa que se conservan para los años 1927/28-1932. El volumen de negocios anual de Haël por la venta de mercancías descendió . En otoño de 1932, los talleres Haël estuvieron representados por última vez en la Feria de Leipzig. A finales de 1932, Heymann-Loebenstein se vio obligada, por razones de costes, a despedir también al director general, que llevaba en la empresa desde la muerte accidental de Gustav Loebenstein. En el otoño de 1932, los Talleres Haël estuvieron representados en la Feria de Leipzig por última vez.

Alrededor del 1 de julio de 1933, Heymann-Loebenstein cerró la empresa. Trató de establecer una nueva empresa en Jerusalén; en octubre de 1933 pero le quedó claro que el proyecto no estaba avanzando y abandonó la idea en noviembre del mismo año.

El origen judío de Margarete Heymann-Loebenstein, junto con la difícil situación económica de principios de los años 30, fueron las razones decisivas por las que el negocio en funcionamiento tuvo que ser cerrado y no pudo ser reabierto por ella.

Hedwig Bollhagen comenzó la producción en mayo de 1934 junto con los trabajadores de los antiguos talleres de Haël y con algunos empleados de las fábricas de loza de Velten-Vordamm, algunos de los cuales llevaban algún tiempo en el paro. Más tarde, Werner Burri, Carl (Charles) Crodel y Nora Herz se unieron a ella como autónomos, y Theodor Bogler también hizo ejecutar formas y decorados. Además de los diseños propios de Hedwig Bollhagen para las formas y los decorados, y de los diseños de decoración de Velten de Charlotte Hartmann, al principio se utilizaron en gran medida los diseños de Heymann-Loebenstein para hasta el 50% de la gama de productos -sobre todo jarrones, cuencos y jarras-, que pudieron presentarse en la Feria de Otoño de Leipzig ya en 1934; de las formas de vajilla, sólo el conocido servicio "Norma" se produjo en los talleres de HB en 1934/35. Esto se menciona explícitamente en la primera tarjeta de invitación de los nuevos talleres de HB a la Feria de Otoño de 1934 en el Grassimuseum de Leipzig para la cerámica: "Llevamos los patrones probados de los talleres de Hael que hemos asumido y una amplia y económica colección de nuevas formas y llamativas decoraciones". Los diseños de Margarete Heymann se esmaltaban a mano o eran decorados por Hedwig Bollhagen. Sin embargo, en pocos años, la gran mayoría de los diseños de Margarete Heymann, como el servicio "Norma", fueron retirados del programa de producción, y su participación en el programa total de producción de los talleres de HB fue cada vez más marginal. Sólo unos pocos diseños de Margarete Heymann se produjeron durante más tiempo -la jarra, forma nº 173 (hasta alrededor de 1940 y probablemente hacia 1950-1955), unos pocos cuencos sencillos hasta los años 60-, lo que también se corresponde con las propias declaraciones de Hedwig Bollhagen.

En un artículo publicado el 22 de mayo de 1935 en la revista nazi Der Angriff, los diseños cerámicos de Margarete Heymann-Loebenstein fueron calificados de degenerados e inferiores en una comparación con la obra de Hedwig Bollhagen.

Tras la venta de la empresa, Heymann-Loebenstein buscó varias formas de emigrar de Alemania. Durante este tiempo sólo pudo exponer y trabajar en contadas ocasiones. Abrió una escuela de arte para niños en su piso de la Hertstraße 23. A finales de 1935 expuso por última vez en Berlín en la Asociación Cultural Judía. En otoño de 1936, gracias a la mediación de Sir Ambroise Heal, se le dio la oportunidad de emigrar a Gran Bretaña.19 Para ello, tuvo que pagar el 2 de septiembre de 1936 el llamado "Reichsfluchtsteuer" a la oficina de impuestos de Wilmersdorf-Süd.10

Heymann-Loebenstein emigró a Gran Bretaña vía Ámsterdam el 30 de diciembre de 1936. En Londres, intentó recuperar su posición profesional con la ayuda de antiguos socios comerciales, entre ellos Harry Trethowan, jefe del departamento de cerámica de los grandes almacenes Hael & Sons'. Gracias a su mediación, en el verano de 1937 obtuvo un puesto de aprendiz de diseño de cerámica en la Burslem School of Art, en el centro cerámico británico de Stoke-on-Trent. Ya había expuesto allí pinturas y cerámicas en febrero de 1937. El contrato de aprendizaje y el trabajo en la fábrica Minton fueron la base de un permiso de residencia de seis meses. En 1937/38 su potencial de ingresos se amplió con trabajos de diseño independientes para empresas de renombre como Ridgway of Shelton o E. Brain's & Co, Foley China. Presentó sus cerámicas en la Galería Brygos de Londres, así como una acuarela de paisaje en Twentieth German Century Art, una exposición de artistas exiliados de gran prestigio, en 1938.2

Volvió a ganarse una gran reputación con sus productos de cerámica, que llegaron a conocerse como Greta-Pottery. A finales de 1938 creó su propia empresa con su segundo marido, Harold Marks, pero no pudo repetir su éxito en Alemania. La situación se vio agravada por el hecho de que, también en Gran Bretaña, todo el ámbito económico y técnico de la producción de cerámica estaba asignado a los hombres y las mujeres sólo podían realizar trabajos decorativos o ayudar como mano de obra no cualificada. En respuesta, ofreció formación para mujeres decoradoras y se encargó ella misma de las ventas. Este comportamiento encontró resistencia en el entorno provinciano y tradicional de Stoke-on-Trent.2

Durante los años de guerra se quedó en un pueblo de Derbyshire, donde pintó y crio a su hija Frances, nacida en 1941. Después de la guerra, montó un taller de murales de cerámica y alfarería en Londres en 1945,20 e impartió clases de pintura en la Camberwell School of Arts & Crafts.21 Recibió el reconocimiento público por los trabajos de encargo que realizó con el arquitecto Bernhard Engel, que también había emigrado a Inglaterra.22

Greta Marks expuso sus obras con regularidad en el Reino Unido, incluso en la Universidad de Cardiff en 1978 y 1984. También fabricó platería de forma más rara y realizó dos grandes murales para el vestíbulo de edificios de oficinas en Bradford en 1960 y 1966.23

Desde 1961 fue reconocida en la República Federal de Alemania como víctima de la persecución nazi y en 1985 recibió una indemnización por el negocio que había vendido por debajo de su valor.

Heymann-Loebenstein murió en Londres en 1990. Sólo después de su muerte fue reconocida en la Bauhaus como ceramista modernista, en relación con el interés que comenzó a despertarse por los artistas emigrados.

Una gran parte del patrimonio del artista se encuentra en el Museo Judío de Berlín.

Fue una de las pocas mujeres que estudió cerámica en la Bauhaus, la famosa escuela de arte y diseño fundada por Walter Gropius en 1919. A pesar de las dificultades y los prejuicios que enfrentó, demostró su talento y su creatividad en el taller dirigido por Gerhard Marcks12

En 1923, fundó los Talleres Haël de Cerámica Artística en Marwitz, donde produjo diseños modernos y originales de vajillas, jarrones, teteras y otros objetos. Su estilo se caracterizó por el uso de formas geométricas, colores vivos y esmaltes mate. Sus obras se exportaron a Londres y América y tuvieron gran éxito23

Debido a su origen judío, tuvo que cerrar su empresa en 1933 y huir del régimen nazi. Se instaló primero en Jerusalén y luego en Gran Bretaña, donde continuó su trabajo bajo el nombre de Greta Pottery. A pesar de las dificultades económicas y personales, nunca dejó de crear y experimentar con nuevos materiales y técnicas2

Se considera que su mejor trabajo es el de su período en Alemania, donde desarrolló una estética innovadora y vanguardista que influyó en la historia de la cerámica del siglo XX. Sus obras se conservan en importantes museos y colecciones privadas y son reconocidas por su valor artístico y cultural23

Los diseños vanguardistas de Margarete Heymann-Loebenstein de las décadas de 1920 y 1930 se encuentran hoy entre los objetos más codiciados en las subastas de arte. Los diseños individuales de juegos de té alcanzaron precios de varios miles a 25.000 euros en subastas, incluidas las de Sotheby's.

Tras su muerte, la obra de la artista fue homenajeada en varias exposiciones especiales, como en la Crafts Council Gallery de Londres en 1992 (Influential Europeans in British Craft and Design), en el Ofen- und Keramikmuseum Velten, en el Milwaukee Art Museum (2012),2627 en el Keramik-Museum Berlin (2012)7 o en el Bröhan Museum (2013).28

Numerosos museos cuentan con diseños de Margarete Heymann-Loebenstein en sus colecciones, como el Museo Bröhan, el Museum für Angewandte Kunst Köln, el Museo Grassi, el Museo Judío de Berlín,29 el Museo de Artes Decorativas de Berlín, el Museo Británico de Londres,7 el Museo de Arte de Milwaukee, el Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum30 o la Ceramic Gallery Aberystwyth, que recibió numerosas piezas de Frances Marks, en 2006 El Museo de Artes Decorativas de Berlín es uno de los más importantes de Alemania.31

El 11 de junio de 2016, un cuenco de pastelería de Margarete Heymann-Loebenstein fue presentado en el programa de la radio bávara Kunst und Krempel.

En el marco del proyecto conjunto de NRW 100 años de la Bauhaus en Occidente, el Museum für Angewandte Kunst Köln mostró en 2019 la retrospectiva . Dos mujeres de Colonia en la Bauhaus con obras de Margarete y Marianne Heymann. En Erfurt, de marzo a junio de 2019, el Angermuseum rindió homenaje a la obra de Margarete Heymann en la exposición "Bauhausmädels" : Gertrud Arndt . Marianne Brandt . Margarete Heymann . Margaretha Reichardt.

Olvidadas e ignoradas: las mujeres de la Bauhaus – DW – 12/04/2019

https://es.wikipedia.org/wiki/Margarete_Heymann

https://daniellaondesign.com/blog/finally-recognized-margarete-heymann-loebenstein/

https://liebermann-villa.de/blog/margarete-heymann-loebenstein-1899-1990/

domingo, 9 de agosto de 2026

Ilse Beatrice Twardowski-Conrat artista austriaca

Ilse BeatriceTwardowski-Conrat (Viena, 20 de enero de1880-Múnich, Alemania, 9 de agosto de 1942) Fue escultora, principalmente creó figuras y bustos (mármol, piedra, bronce, yeso) de personalidades conocidas (por ejemplo, la emperatriz Isabel, Feruccio Busoni, Karl Wolfskehl, Theodor Gomperz, Alma Mahler, etc.), también monumentos y cerámica.

Hija de Ida de soltera Cron y Johannes Conrat y hermana de la conocida historiadora del arte Erika Tietze-Conrat.

En 1910 fue cofundadora y primera vicepresidenta de la Asociación de Artistas Femeninas de Austria,(VBKÖ) organizando y participación en sus exposiciones , especialmente en la primera exposición “El arte de las mujeres” en 1910.

El objetivo de la nueva asociación era presentar el trabajo de sus miembros y así elevar el interés de las mujeres que trabajaban artísticamente. Viajó a Inglaterra, Holanda y Bélgica para adquirir importantes obras de arte de mujeres para la próxima exposición o tomarlas prestadas de colecciones públicas y privadas. Fue elegida tres veces vicepresidenta de la VBKÖ.

autoretrato

Se casó el 27 de mayo de 1910 en Londres con Ernst von Twardowski. Tuvieron una hija llamaa Elisabeth (nacida el 15 de junio de 1920 en Munich - fallecida el 6 de agosto de 2001 en Munich).

Era amiga de la pintora Irma von Duczynska; Colega de las integrantes del comité de trabajo de la VBKÖ (Asociación de Artistas Visuales Femeninas de Austria), entre ellas Olga Brand-krieghammer y Louise Fraenkel-Hahn. Tambien tenia relación con Alma Schindler .

Creció en una familia judía asimilada de clase media alta en el primer distrito de Viena (Walfischgasse 12); Johannes Brahms era a menudo invitado de Hugo Conrat, quien reescribió el texto de "Gypsy Songs" de Brahms, y Alma Schindler (sp. Mahler-Werfel) también era un invitado frecuente. Se relacionaban con artistas internacionales de renombre, entre ellos Khnopff, van der Stappen y A. Zemlinsky. Sus padres regentaban un animado salón que era lugar de encuentro de artistas e intelectuales a principios de siglo. Fue criada por tutores privados e institutrices, aunque sus hermanas Erika y Lili asistieron al Instituto Hanausek junto con Alma Schindler (sp. Mahler-Werfel). Posteriormente (a los 16 años) . Asistió al instituto femenino de la Asociación para la Educación Superior Femenina en Hegelgasse, donde también se graduó.

Tuvo sus primeras lecciones artísticas de dibujo y modelado con Josef Breitner, a los 18 años e ingresó como alumna privada en la academia de Bruselas con Charles van der Stappen (1843-1910), con quien estudió durante tres años (1899-1901). y cuyo naturalismo admiraba y buscó simplificar estilísticamente. Van der Stappen y su esposa habían vivido con Conrats durante varias semanas cuando el escultor belga realizó una exposición colectiva en la Secession en 1900.

Después de la muerte de su padre, su abuela la acompañó a Bruselas, donde permaneció con ella hasta la primavera. Más tarde regresó a Viena, donde absorbió las influencias del Art Nouveau. Hizo viaje de estudiospor Italia, Francia, Inglaterra, Bélgica y Holanda, también Egipto y Oriente.

En 1897, cuando todavía tenía 17 años, recibió el encargo de la máscara mortuoria, el busto y el monumento funerario (inaugurado en 1903 en el Cementerio Central de Viena) de Johannes Brahms. En 1901, la joven escultora recibió la Aguja de Oro en la Exposición Internacional de Arte de Múnich por su obra “Bailando desnuda con el pelo mojado”. En Viena presentó las exposiciones de la Secesión en 1902, entre ellas “Joven” (bronce), “Odi profanum vulgus et arceo” (escultura de mármol y yeso), “Cabello mojado”; 1910 “Arte de mujer” una “Cabeza femenina” (bronce), el busto de mármol de la emperatriz Isabel y un estudio de retrato en mármol de Salzburgo.

En 1907, la Galerie Miethke organizó una exposición de sus obrasCreó la tumba de Johannes Brahms para el Cementerio Central de Viena y el monumento “Zdenko Hans Skraup” para los soportales de la Universidad de Viena. Retrato en relieve de media figura, bronce. Para el South Park de Breslavia se crearon “El jardinero” en bronce y un “Banco monumental”. En 1914 siguió a su marido desde su casa en Roma hasta Munich.

Busto retrato de la emperatriz Isabel (c. 1907) modernista, integrando líneas limpias y formas simples en el

Después de la Primera Guerra Mundial, tuvo que ganarse la vida como sombrerera y al mismo tiempo diseñaba cerámica para la fábrica de cerámica Allach. Su amiga de la infancia, Ilse Leembrugger, le permitió continuar su trabajo artístico con apoyo económico.

Durante la era nazi se le prohibió oficialmente ejercer su profesión; En 1936 fue excluida de la Cámara de Bellas Artes del Reich con escasas oportunidades de trabajo en un suburbio de Munich, destruyó la mayor parte del trabajo creado durante este tiempo. El 17 de julio de 1942 recibió la primera orden de deportación, que establecía que debería estar lista para “emigrar” el 10 de agosto de 1942. Una amiga (Carola Frenzel) se ofreció a esconderla en el bosque. Sin embargo, no quería ponerla en peligro y se quitó la vida el día antes del traslado. Fue enterrada en el Cementerio Nuevo Israelita. Su hija Elisabeth fue considerada mestiza en primer grado y no fue deportada, pero fue obligada a realizar trabajos forzados en una fábrica de productos químicos.

Exposiciones, entre otras:

1901 Exposición Internacional de Arte de Múnich (medalla de oro de 1901 por “Cabello mojado”),

1902-5 Secesión, Viena, XIII. Exposición de la Secesión (1902) Odi profanum vulgus er arceo, mármol, 47; Joven, bronce, 136; Retrato, placa de bronce, 139; Cabello mojado, yeso, 145, XVII. Exposición Secession (marzo-mayo 1903) Ferruccio Busoni, bronce, 122

1907 Exposición Galerie Miethke, Viena (bronce (“In Thoughts”; mármol “Mother”; yeso “Eris”)

1908 Franz Hanckes Kunstsalon, Breslau, 1909 8 artistas, Viena, 1910 Primera exposición de la Asociación de Artistas Visuales de Austria, “El arte de las mujeres”

1912 Tercera exposición de la Asociación de Artistas Visuales de Austria

1911/14 Exposición Internacional de Roma

1918/9 Asociación de Arte de Munich, 1934 Asociación de Artistas Femeninas Alemanas y Austriacas (GEDÖK), Berlín, Hamburgo, Frankfurt, Londres, París, Venecia, Munich. Exposiciones VBKÖ: XXXVII. Exposición de la Asociación de Artistas Plásticos de Austria, Viena. I. Exposición de la Asociación de Artistas Femeninas de Austria. "El arte de la mujer". Viena: Moriz Frisch

1910. Catálogo de la tercera exposición de la Asociación de Artistas Femeninas de Austria. Viena: Gerold.

1912. Dos siglos de arte femenino en Austria: Exposición aniversario de la Asociación de Artistas Femeninas de Austria [Hagenbund, 26 de mayo - 9 de junio de 1930]. Viena: Autoeditado por VBKÖ, 1930.