Acerca de nosotras ·
Mostrando entradas con la etiqueta Arte. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Arte. Mostrar todas las entradas

domingo, 2 de julio de 2017

Yoko Ono coautora de ‘Imagine’

En la reunión anual de la National Music Publishers Association (NMPA, por sus siglas en inglés), que tuvo lugar en Nueva York, se reconoció oficialmente a Yoko Ono como coautora del célebre tema musical Imagine.

En el encuentro también se acreditó al tema como la canción del siglo y se proyectó una grabación en la que el John Lennon explicaba que su esposa merecía crédito por su influencia y ser fuente de inspiración. Lennon no reconoció el papel de su esposa en 1971 porque “era un poco más egoísta y más macho”, dijo en 1980 (Han pasado mas de 40 años)

Sin embargo reconoce que no había sido reconocida como coautora porque entonces se sentía ‘un poco egoísta y macho’.
 Recordemos que  John tuvo reacciones de violencia contra su  anterior  esposa Cynthia en varias ocasiones según lo informado ella misma en su biografía .

Para justificar este reconocimiento, fue dado a conocer el fragmento de una entrevista realizada por la BBC de Londres al cantante, donde asegura que ambos escribieron la canción y que fue su ego el que dejó que Yoko pasara desapercibida como co-autora de la canción más emblemática de su carrera.


“En realidad, en los créditos debería aparecer como de Lennon y Ono, porque en gran parte, la letra y el concepto fueron idea de Yoko”, asegura Lennon en la entrevista.  “Por entonces yo era más egoísta, más macho, y quise omitir en cierto modo su contribución. Pero lo sacamos de Grapefruit, un libro suyo. En él hay muchas partes donde utiliza ‘Imagina esto, imagina lo otro…”.



“Es el mejor momento de mi vida”, dijo Yoko, según informo Variety.


Según aparece en la imagen el hijo de Yoko y de Lennon, posteó en su cuenta de Instagram: que su padre había dicho que  hubiera dado la coautoria a su madre si ella no hubiese sido su esposa.  .

Gracias Yoko por lo que tu creatividad nos ha dado . Reponte pronto y sigue alumbrandonos con tu luz por años y años




Patti Smith  canta la canción  "Imagine" en tributo a que fue nominada la canción del siglo por la NMPA celebrando que Yoko Ono fue nombrada coautora de la canción. La hija de Patti , Jesse Paris Smith la acompañaba al piano. 

http://www.eluniversal.com.mx/articulo/espectaculos/musica/2017/06/15/reconocen-yoko-ono-como-coautora-de-imagine
http://www.lagaceta.com.ar/nota/733908/espectaculos/reconocen-yoko-ono-como-coautora-imagine.html

Más en Heroinas sobre Yoko Ono:

_Yoko Ono invita a las heroínas a contar sus vivencias.
_Yoko Ono (Bio).
_Articulos que mencionan a Yoko Ono.

Leer más...

sábado, 15 de febrero de 2014

María Lorenzo Hernández una de las realizadoras de animación más reconocidas de España, cuyos trabajos han sido seleccionados, exhibidos y premiados en más de 40 países


María Lorenzo Hernández, torrevejense de origen, nació en Alicante el 29 de octubre de 1977. Actualmente es profesora de Animación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, donde también obtuvo su doctorado. Después de experimentar con una técnica muy personal y artesanal, como es la pintura animada, en un cortometraje tan interesante como “La pantera de Rilke” (2000), en el que reflexiona sobre la libertad, se lanza a proyectos de mayor envergadura como “Retrato de D.”(2004) y “La flor carnívora” (2009), trabajos que han obtenido una gran difusión nacional e internacional, como también el proyecto colectivo “El gato baila con su sombra” (2012), del que fue coordinadora. María no descansa y, con una reciente maternidad, sigue con su actividad docente y de realización con grandes ideas para llevar a la práctica. En una conversación virtual nos ha contado cosas muy interesantes sobre cómo llegó a Bellas Artes y sobre su labor como animadora. 

P: ¿Qué te llevó a la Facultad de Bellas artes?
R: Los que estudiamos Bellas Artes lo hacemos más por vocación que por convencimiento. En mi caso, había dibujado desde siempre, lo que era una afición fomentada enormemente por mis padres y hermanos. A los 12 años empecé a asistir a clases en la Escuela Municipal de Dibujo y Pintura, con Manuel Balaguer como profesor: eso me permitió adelantar muchos pasos en mi formación, comenzando a pintar retratos al óleo a los 14 años. El retrato es mi género favorito, y el dibujo y la pintura, dos formas de expresión en las que me siento muy cómoda. También me encantaba hacer teatro. La animación fue un descubrimiento posterior: en 2003 pude ver un especial de Canal + sobre el festival de Annecy (Francia), un programa que incluía cortos tan buenos como “Madame Butterfly” (de la película “Ópera Imaginaria”) o “The Sandman”, de Paul Berry e Ian McKinnon. Más adelante vi “The Wrong Trousers”, de Nick Park: una película de plastilina que planteaba un acercamiento convincente a los genéros cinematográficos, y que tenía muchísimo humor. La animación es un medio sumamente atractivo, que permite integrar las capacidades plásticas con la tecnología, y que conlleva muchas formas de expresión simultáneamente: música, narratología, puesta en escena, actuación… Creo que no me quedaba más remedio que hacer mis propias películas.

P: ¿Cuáles fueron  tus experiencias durante la carrera de cara a  tu evolución posterior como artista?
R: Considero los cinco años de carrera como uno de los períodos más felices de mi vida, porque todos los días podía dibujar. Esto ya no me ocurre. Además, todos los días me enfrentaba l reto del aprendizaje, y ahí estaban los profesores que te guiaban, los modelos, las aulas, los caballetes… Todo a tu servicio. Y los compañeros, de los que aprendía mucho. Sin embargo, es posible que previamente a estudiar en la facultad tuviese más capacidad para lanzarme a hacer cosas originales, que una vez en la carrera, donde hay que aplicar mucha disciplina en el dibujo y a menudo se descuida la creatividad. Esto da para todo un debate: mucha gente piensa que la creatividad no se enseña, se la trabaja uno. En cualquier caso, al entrar a estudiar animación pude dar rienda suelta a mi imaginación, tanto por la vía narrativa como experimentando con las imágenes.
                      


P: ¿Por qué te  decantaste por la docencia?
R: Me matriculé en Doctorado con la idea de hacer mi tesis sobre animación, y conseguí una beca de investigación con la que se podía impartir un poco de docencia, en prácticas. Me integré en un equipo de trabajo en la universidad, el área de animación del Departamento de Dibujo, donde poco a poco fui encontrando mi lugar. Para mí fue decisivo comenzar a enseñar “Fundamentos de la animación” en un grupo con docencia en inglés: di esas clases durante seis años, a grupos que eran numerosos y muy heterogéneos, con muchos alumnos Erasmus y Promoe, además de españoles. Nunca olvidaré esos años de clase, ni a los alumnos. Enseñar en inglés me obligó a simplificar, a ser más clara, a ir al grano. Tenía que preparar muy bien esas clases y demostrar que dominaba sobradamente lo que estaba enseñando. También he enseñado Animación Experimental en el “Master de II livelo d’Animazione” en la Accademia de Belle Arti de Palermo, entre 2011 y 2012, y Concept Art y Dirección de Animación en el “Máster de Animación” de la Universitat Politècnica de València, desde su creación en 2010.

P: ¿Cómo te identificas más, como pintora/  dibujante o como animadora, como artista o como docente?
R: Como un poco de todo. Como un hombre del Renacimiento. Sin embargo, ese ideal de persona que domina gran número de materias hoy en día es difícil de encontrar, entre otras cosas porque los campos del conocimiento están mucho más expandidos. Soy una investigadora en animación que sabe dibujar. Soy una animadora que sabe pintar retrato. Soy una pintora que escribe. Soy una profesora que además edita una revista. Cada vez hago más cosas, y con frecuencia se retroalimentan entre sí.


P: Fíjate que hablas de hombre del Renacimiento, pero ese ideal de la cultura integral  seguramente lo compartieron y lo llevaron también a la práctica algunas mujeres ilustres, aunque la Historia en clave masculina nos ha escamoteado sus nombres. Les enseñaron los fundamentos del saber de su época pero solo les dejaron reflexionar sobre ellos a puerta cerrada. En otro orden de cosas, ¿cuáles son tus  influencias artísticas más directas en pintura y en animación. ¿Te  adscribirías a alguna escuela o corriente?
R: Una cosa son las preferencias o gustos, que pueden ser muy amplios, y otra lo que realmente evocas cuando trabajas. A mí me gusta mucho Bacon, pero no pinto como él. Me gustan Vermeer, Velázquez, Goya, Sorolla, Sargent, Boldini... De los dos últimos hay ecos en "Retrato de D.", pero también de Dix y  Munch. Sería difícil hablar de una sola corriente, pero en pintura, lo mío es el realismo.
Naturalmente, los animadores que más admiro también confiesan influencias pictóricas: Joanna Quinn admira a Goya y Daumier; Georges Schwizgebel es un gran entendido del arte clásico; y luego están los que tienen influencias literarias, como Raimund Krumme o Gil Alkabetz. Uno de los narradores en animación que más admiro es Priit Pärn: sus películas son como puzles, utilizando líneas temporales discontinuas, relaciones enigmáticas entre los personajes, objetos con significado poderoso… Todos estos elementos cobran sentido al final del filme, cuando las distintas líneas  o personajes se reúnen. Priit Pärn vino en el año 2000 a darnos un curso a la UPV, y de ahí salió mi primer corto que puedo considerar personal: “La pantera de Rilke”, que fue mi trabajo fin de carrera.

P: ¿Cómo vives cada nuevo proyecto  fílmico desde su concepción hasta la postproducción? Por poner el símil  de los buenos novelistas, se entregan a la historia antes de comenzar a  escribir con una  documentación y ambientación exhaustivas, durante la elaboración dejan  un poco que los personajes cobren vida y se muevan por sí solos, y  después suelen decir que se quedan como vacíos, hasta que recuperan otro proyecto que llena el hueco. ¿Te pasa a ti algo parecido y cómo lo explicarías?
Simplificando, la respuesta es que no, no me quedo vacía. Siempre hay más proyectos detrás, ideas que recolectas y almacenas, y que esperan el momento oportuno para madurar y salir fuera. Mi proyecto actual lo tengo en mente desde 2002. Le ha costado tomar forma.
Como no soy una realizadora profesional que tenga que vivir de esto y trabaje ocho o diez horas diarias en lo mismo, mis procesos de creación son muy lentos, y a veces, casuales. Es uno de los problemas de la dispersión. "El gato baila con  su sombra" surgió de una observación casual: una vez mi marido y yo vimos un gatito haciendo monerías frente a un foco, donde se reflejaba su sombra. Un señor sudamericano que por allí pasaba dijo, "con su sombra juega". Esta idea me llevó a la escena de "Carmen la de Triana", de Florián Rey (1937), donde Carmen, en un anticipo de su fatalidad, baila con su sombra proyectada en la pared. Ahí estaba todo. Pero el proceso creativo propiamente dicho lo hicieron otros, la animación de las secuencias. Yo me ocupé de la parte conceptual, de coordinar el proyecto y de darle forma final. "El gato" es una excepción.
"La flor carnívora" partía de una idea muy loca: la de unas piernas transformándose en tijeras y cortando la cabeza del amante durante el coito. A veces se me ocurren esas cosas. Atesoré esa idea durante años y poco a poco se transformó en relato, introduciendo nuevos elementos que iba recolectando mentalmente, como la sombra dibujada (la leyenda griega acerca del origen del retrato: la hija de Butades trazando el perfil proyectado de su amado antes de que parta a la guerra), la escena de la fotografía en la playa (la manía de hacerse las mismas fotos con distintas novias que  tienen algunas personas ), el boliche de la cama que siempre se cae, incluso la escena de la tijereta que sale la coliflor: eso lo introduje en el último momento, con la animación ya casi acabada, porque necesitaba una escena de tensión a mitad del segundo acto. Muchos ven en esta escena un símbolo de la obsesión de la protagonista por el hombre que no regresa (como si fuera un gusano en el cerebro), pero lo cierto es que lo de la tijereta me había pasado de verdad, en la cocina.
Y luego hay una serie de imágenes recurrentes que una las pone no por ahorrar trabajo, sino porque intuyes que te están diciendo algo: el caminado subjetivo (el plano de los pies que caminan) se repite en "Retrato de D." y el "La flor", así como las formas circulares, con historias que empiezan por el final.

                                             

P: Pensando  en una persona lega, ¿cómo le explicarías el tipo de animación que tú haces frente a los dibujitos de la tele?
R: Los dibujitos de la tele proceden de un entramado comercial organizado en productoras, donde existe división del trabajo, múltiples perfiles profesionales, supervisiones a muchos niveles, subcontratas en Asia, fechas de entrega, y sueldos.
Por el contrario, el animador independiente es un freelance que hace la peli que él quiere ver. Se pone sus objetivos y los cumple en un plazo accesible: un corto puede costar un año o dos de trabajo, incluso contando con un pequeño equipo. Yo suelo recurrir a un ayudante para la animación, y otro para la postproducción (trabajo de ordenador). Y desde hace pocos años, cuento con un músico genial: Armando Bernabeu Lorenzo.
Luego, dependiendo del formato final, puedes necesitar recurrir a compañías que te hacen la impresión de la película en 35mm y un técnico de sonido que te arregla la banda sonora.
Ver uno de estos cortos es más difícil que ver una serie. Su medio de difusión son los festivales, porque no se suelen ver en salas comerciales. Si consigues una venta, suele ser para televisión, y los cortos son una cosa bastante excéntrica y que no suele estar destinado a todos los públicos, por lo que suelen ir confinados a programas culturales que empiezan a las 12 de la noche. En mi caso, “Ficcionari” en Punt 2. Es gracioso cuando enciendo la tele y de repente la están poniendo.

P: ¿Consideras tu reciente  retorno al retrato una nueva etapa en tu trayectoria?
 R: Una etapa interrumpida por el embarazo (no se puede pintar al óleo), pero yo diría que sí. El trabajo de bloc de bocetos es la prueba más evidente de ello. Lo retomé en Palermo por puro aburrimiento, en  septiembre de 2011, y de repente me encontraba haciendo lo que mejor se me daba, rodeada de una "tribu" de personas entusiastas que aprendían viéndome dibujar y que querían ser retratados. Fue fenomenal. Cuando suceden así las cosas, todo es posible. Pero cuando conseguir un boceto de alguien se convierte en una situación forzada, ya no puedes dibujar más.
 
P: ¿Crees que hay un estilo mujer para la creación artística y si está esa huella femenina en tu obra?
R: Pues es un punto de vista del que, como creadora, huyo con todas mis fuerzas, pero suele emerger a veces: "La flor carnívora" es una obra muy femenina, muy personal, pero me decanto más por el otro yo con voz masculina (“Retrato de D.”). "El gato", confrontado con el perro, era también una figura femenina.
Muchos teóricos y aficionados al cine creen sin duda que existe ese estilo mujer que mencionas, y que suele estar asociado al trabajo independiente, a trabajar con otras mujeres, etc. Yo he tratado un poco este tema aquí:
http://www.academia.edu/3855639/A_Film_of_Ones_Own_The_Animated_Self-Portraits_of_Young_Contemporary_Female_Animators

P: ¿Consideras que hay algún hilo conductor entre tus películas?
R: Puede haberlo. Como he dicho antes, hay imágenes recurrentes, e incluso ideas que me guardo de una película a otra. Creo que hay una obsesión por la identidad: el "yo" de Nowan a través del retrato vampírico (en el cual se convierte), el "tú" amoroso que se metamorfosea en "La flor", y en mi proyecto actual, el "ello", lo desconocido e innombrable. Todos los intentos del conocimiento están condenados a fracasar. Y también son historias que tienen que ver con el tiempo, lo que creo que es muy coppoliano.

                              

Enlaces de acceso:
Link a “La pantera de Rilke”, ilustración visual del poema de Rainer Maria Rilke: https://vimeo.com/8410614

Link a “Retrato de D.”, la historia de un pintor que vendió su alma para alcanzar la gloria artística:

Link a “La flor carnívora”, una historia del amor y  la soledad femenina:
https://vimeo.com/3941739 No está en youtube
Link al proyecto colectivo  “El gato baila con su sombrahttp://www.youtube.com/watch?v=oeN94ITdLdE
La versión definitiva está en vimeo: http://vimeo.com/39226286

También podéis visitar su web:

Leer más...

martes, 4 de febrero de 2014

Isabel Serrato poeta y activista



Cuando todas las niñas querían
ser princesas yo me debatía
en encontrarle un sentido
a la existencia”.

(Fragmento de:
Nunca fui una princesa de Disney, 2012).


Para contar mi historia tendría que viajar a un espacio lejano y desdibujado en la memoria, un lugar con pupitres diminutos y sillas verdosas, donde nacían temblorosas y enormes palabras de grafito. Allí comienza mi relación íntima con las palabras, una historia en la que demostrarme a mí misma cómo cambiar el curso de mi propia vida a través de la lucha diaria y la creencia personal. Tras doce años de batalla conseguí decirle adiós a una difícil dislexia, superada –a pesar de todo- por el inmenso amor que desde siempre le he profesado a la escritura. En diferentes etapas profundicé en mi propio conocimiento a través de diarios personales, para más tarde entregarme de lleno a la literatura y explorar diferentes vías expresivas. Durante este período me desarrollé como una niña muy diferente al arquetipo femenino y social normalizado, cosa que siempre me rodeó de críticas, pero reafirmó mi personalidad hasta sus últimas consecuencias. Debido a mi interés por el ser humano estudié Trabajo Social (Univ. Pablo de Olavide, 2007), también me formé como animadora sociocultural trabajo que ejercí durante años –sobre todo con mujeres mayores- y marcó mi forma vitalista y positiva de ver la vida, ampliando mi conocimiento sobre la experiencia femenina. Posteriormente empecé a adentrarme en temas de género y feminismo con el Máster de Estudios de Género y Desarrollo Profesional (Univ. Sevilla, 2013). Desde muy joven he estado vinculada a grupos artísticos donde desarrollé habilidades como la interpretación, las artes plásticas o la poesía. De las gafas de pasta y los pantalones anchos, de la rebeldía y la bohemia de los veinte… a la madurez y a la lucha reivindicativa de los treinta, conectando con una poesía que tiene ansías de acercarnos a esa necesidad perentoria de la práctica del amor como evolución humana, para llegar a la consciencia individual y salir, si es posible, de las frivolidades del capitalismo y la sociedad heteropatriarcal que nos define, nos limita, nos aleja y nos enajena.
  La poesía siempre ha sido mi gran compañera de viaje, donde lo exacto, lo trágico, lo humorístico, lo espiritual y el amor, tienen cabida en ella. Empecé a recibir el sobrenombre de la escritora terapéutica por mi blog www.isa-poetisa.blogspot.com tratando temas profundamente humanos y espirituales. 
  En 2012 sale a la luz Nunca fui una princesa de Disney, a través de la asociación Benilde (Universidad de Sevilla). En esta obra revelo las tretas que aún la sociedad patriarcal nos tiene preparadas a las mujeres, denunciando el edulcorado mundo de las princesas de Disney, todas ellas estereotipos de mujeres perfectas, esforzadas en las tareas del hogar, esperando a príncipes que las salven de la muerte o de peores cataclismos…¡No a las princesas de Disney! ¡Sí, a las mujeres empoderadas e independientes!
 




  Nunca fui una princesa de Disney, también es un espectáculo itinerante en el que música y poesía se unen para gritar fuerte las injusticias en el cual practico la performance, el monólogo y las artes escénicas para hacer llegar de forma clara, directa y sencilla valores de igualdad entre mujeres y hombres, teoría feminista o la necesaria aproximación al mundo de las emociones para salvarnos de esta lacra de la violencia machista; la soledad, la falta de autoestima o las relaciones poco saludables.

Espectáculo Nunca fui una princesa de Disney



     Firma de libros, 8 de Marzo, Día Internacional de la Mujer (Écija)

    
Algunos poemas:


Mirilla

Mujer, que miras el mundo
desde el agujero de la mirilla
de tu hogar,
abre la puerta:
nadie puede comprar
tu libertad.

Tu Centro

Te marchaste
con lluvia y con tormenta
con el corazón inundado
con el amor hecho trizas.
Perdida en tu hostal
de horribles paredes silenciosas,
sumida en una inmensa soledad
como una mujer hopperiana
que observa su miedo
su pérdida
su abismo
su desdicha, apoyada en la ventana.
Pero gran mujer,
que el alto vuelo de tu avión
te lleve a donde perdiste
y aterrice, por fin,
en el centro de ti misma.

   En la actualidad sigo formándome en género, practicando diferentes actividades de carácter espiritual y preparando varios proyectos artísticos.  También, trabajando en mi próximo libro que sin perder la rebeldía del anterior y las ganas de desencorsetar este mundo empequeñecido en pensamientos y libertades, sobre todo para nosotras las mujeres, quiere transcender las injusticas:

¡Ahora, más que nunca ahora!
   


Si quieres ponerte en contacto conmigo, comprar mis libros y conocer más sobre mi trabajo, hazlo a través de mi Facebook,Isabel Serrato.


Su cumple es el 12 de marzo¡
Leer más...

sábado, 18 de enero de 2014

Toshiko Horiuchi - Sueños Textiles


Toshiko Horiuchi MacAdam es una artista japonesa nacida en 1940, especializada en el arte textil. Durante sus primeras décadas de actividad artística se dedicó a las creaciones con punto y ganchillo. No obstante, a partir de los 90 centró buena parte de sus esfuerzos en crear parques de juego para niños. Es la propietaria, junto a su marido Charles, de la empresa Interplay Design & Manufacturing, con la que concibe y produce estos entornos textiles confeccionados a mano.
Según hemos sabido por el número 22 de la revista Paisea, “su primer proyecto en Europa es una instalación infantil en un parque público en Zaragoza”, cosa que ocurrió en el 2011.




http://lamaisonbisoux.wordpress.com/2013/04/02/los-parques-textiles-de-toshiko-horiuchi-macadam/
http://www.play-scapes.com/play-history/play-heroes/more-playground-crochet-from-toshiko-horiuchi-macadam/
http://duduadudua.blogspot.com/2012/01/parque-infantil-de-ganchillo-de-toshiko.html
Leer más...

miércoles, 15 de enero de 2014

Hilary Gough


 Hilary Gough  (23 de julio de 1933 - 9 de enero de 2014)
Hace unos días el espíritu de mi querida Hilary se convirtió en viento para alentarnos y calentarnos con su mirada y seguir volando libre por el universo. Seguro que pasará por Australia a visitar a su hijita y a su nieto, también estará por  Sudáfrica con sus hermanas, sobrinas y sobrinos y revivirá todas sus experiencias por allí. Visitará el colegio que su padre fundó en Zimbabwe  y verá a las niñas y niños correr por sus pasillos. También seguro que pasa por España y visita Madrid besando a los seres queridos que por allí están.  Pronto se pasará por  Aberystwyth dejando allá su estimulo y fe en la vida a su hijo y el resto de su familia. Yo aquí la siento a mi lado y a la vez siento su ausencia .
Debo agradecer a la vida el regalo que me hizo al haberla conocido por todo lo que me enseñó a vivir, a sentir y a mirar . 

Hilary se ha ido con 80 años. Estaba bien, me dijo el uno de enero en su primer mail deseándome un feliz 2014. Seguía con sus maravillosas rutinas entre las que estaba participar en un  coro de música clásica con el que había viajado por varios lugares de Europa. Cultivaba de forma ecológica multitud de verduras en diversas macetas y en su jardín. Escuchaba preciosas músicas y leía  mucho. Hacia su propio pan y reciclaba cuanta materia era posible reciclar. Reutilizaba el agua de lluvia  y además había creado y publicado varios juegos para ayudar a escribir mejor en ingles usando sus conocimientos de logopeda y de artista

Hilary había elegido la libertad en la vida y sabia poner el real valor a cada cosa sin importarle falsos conceptos económicos. Hubo una época en la que vivió en la sierra andaluza en una casa que se autoconstruyó con su amado compañero David .

Ella me envió una postal desde Sudáfrica  a la que pegó  una pluma blanca con lunares negros. Ella me enseño un minimalismo cotidiano apreciando  pequeños objeto, incluso cantos que encontrábamos en la calle. Con ella visité preciosos jardines en los alrededores de Ilminster ( Somerset).  Ella me habló por primera vez de los "silver garden " y me los mostró llena de curiosidad. Con ella paseé las cinematograficas  playas de Lyme Regis (Dorset). Con ella aprendí sobre la digitopuntura y sobre muchas cosas más .
Gracias a ella conocimos deliciosos espacios como South Petherton y pudimos saborear los fantásticos paisajes ingleses.
Desde el dolor de su ausencia recuerdo todo lo bueno que a través de ella me dio la vida. !Ojala pudiera mostrarles sus preciosas esculturas en los más diversos materiales para que vieran cuan buena artista era y a la vez que humilde!. 



Seguramente  sentía en su corazón el profundo afecto que nos unía a  ella, a mi  y a toda mi familia. Querida Hilary tu espíritu seguirá alentándonos, haciéndonos crecer y permanecerá entre nosotras y nosotros para siempre. Gracias !


Leer más...

martes, 3 de diciembre de 2013

Camila Moreno




Camila Moreno (8 de julio de 1985 en Santiago) es una cantautora chilena. Desde 2009 ha lanzado dos álbumes de estudio, siendo su primer sencillo "Millones" perteneciente a su disco debut, Almismotiempo, nominado a los Grammy Latinos 2009 en la categoría de Mejor Canción Alternativa.
Desde entonces ha participado en diversos proyectos musicales, además de participar en festivales y conciertos en Chile y en el extranjero.

Camila es una de las figuras de la nueva camada de cantautores en Chile, junto a otros músicos como Manuel García, Pascuala Ilabaca, Nano Stern, Chinoy, entre otros.
En 2010, al presentarse en el Festival del Huaso de Olmué junto a Manuel García y Nano Stern, antes de interpretar su sencillo "Millones", dijo: «Vamos a dedicar la siguiente canción a todas aquellas personas que creen que pueden comprarlo todo con el dinero... incluso un país», provocándose en el público un abucheo constante hacia ella, al hacer alusión al presidente recientemente electo, Sebastián Piñera. Más tarde, señaló que «me hago cargo de lo que digo, pero no de las reacciones».
En marzo del mismo año viajó a México a presentar su disco Almismotiempo, donde visitó radios y dio conciertos en la UNAM y en bares de la capital mexicana. Además su carrera cobró mayor relevancia al presentarse en el Festival de la Canción de Viña del Mar 2011 como invitada del grupo puertorriqueño Calle 13, a cantar la canción Latinoamérica, junto también a Inti Illimani Histórico.
En el año 2011 participó en la banda sonora de la serie de televisión Prófugos transmitida por HBO con cinco canciones de su primer álbum Almismotiempo, más dos canciones inéditas, una llamada "Cuatro Heridas" y la otra bajo el título "Sabré si al final".[cita requerida]
En enero de 2012 realizó su primera gira musical por Europa, visitando la ciudad alemana de Berlín, la francesa de París, y las españolas de Barcelona, Palafolls y Caldes de Montbui, todas ellas en la comunidad autónoma de Cataluña, mientras que el 1 de abril de 2012 se presentó en Lollapalooza en Santiago de Chile




Además en el año 2012, interpretó la canción "El tiempo en las bastillas", como tema principal de la quinta temporada de la exitosa serie de Canal 13 Los 80.
El 21 de diciembre del 2012 lanza su tercer álbum de estudio titulado Panal, en el Centro Cultural Matucana 100.


Leer más...

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Wangechi Mutu artista



Wangechi Mutu (22 de junio de 1972 Nairobi, Kenia) es una artista que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Mutu es originaria de la tribu Kikuyu de Kenia, fue educada en Nairobi, y más tarde estudió en el, United World College of the Atlantic País de Gales (IB, 1991). Mutu se trasladó a Nueva York en la década de 1990, enfocandose en las Bellas Artes y Antropología en la New School for Social Research y la Parsons School of Art and Design. Obtuvo su título de la Cooper Union para la Promoción de las Artes y las Ciencias en 1996, y luego se recibió de su maestria en artes visuales de la Universidad de Yale (2000). El trabajo de Mutu ha sido expuesto en galerías y museos de todo el mundo incluyendo el San Francisco Museum of Modern Art, el Miami Art Museum, la Tate Modern de Londres, el Studio Museum de Harlem en Nueva York, el Museo Kunst Palast de Düsseldorf, Alemania, y el Centro Pompidou en París. Su primera exposición individual en norteamérica inauguró la Art Gallery of Ontario, en marzo de 2010.
                 


Ella participó en la Biennal de Prospect, la Bienal de Nueva Orleans en el 2008, y en 2004 la Bienal de Gwangju en Corea del Sur. Su trabajo ha sido presentado en exposiciones importantes, incluyendo The Great New York en el Centro de Arte Contemporáneo PS1 y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Black President: The Art and Legacy of Fela Anikulapo-Kutien el New Museum of Contemporary Art de Nueva York y el Barbican Centre de Londres, USA Today Real de Londres. Está representada por galleria Barbara Gladstone de Nueva York, Susanne Vielmetter, Los Angeles projects en Los Angeles y Victoria Miro Gallery de Londres.



El 23 de febrero de 2010, Wangechi Mutu fue honrada por el Deutsche Bank como su primera artista del año. El premio incluye una exposición individual en el Deutsche Guggenheim de Berlín. Titulado My Dirty Little Heaven, el espectáculo viajó al Centro de Wiels de Arte Contemporáneo de Bruselas, Bélgica en junio del mismo año.

http://es.wikipedia.org/wiki/Wangechi_Mutu
http://www.wangechimutu.com/
http://www.artnet.com/artists/wangechi-mutu/
http://mcagenerationext.tumblr.com/post/55015607788/wangechi-mutu-is-currently-exhibiting-her-work-at
http://lamblegs.wordpress.com/tag/wangechi-mutu/
Leer más...

viernes, 25 de octubre de 2013

Natalia Iguíñiz Boggio artista plástica, docente y activista política peruana


Natalia Iguíñiz Boggio (29 de abril de 1973 , Gobierno Regional de Lima, Perú 1973) es una artista plástica, docente y activista política peruana.

En sus intervenciones en espacios públicos trató los temas de identidad de género, feminismo, derechos humanos y maternidad. Formó parte de los colectivos La Perrera con Sandro Venturo y Colectivo Sociedad Civil con otros artistas plásticos peruanos.

Actualmente es docente en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú.  Trabaja en diseño grafico y en estrategias comunicacionales. Es mamá de Antonia y Vicente.

Es licenciada en Artes Plásticas con mención en Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Estudio la Maestría en Género, Sexualidad y Políticas Públicas en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

Ha realizado 5 proyectos individuales. En 1998 La pérdida/ la perdida, el 2001 La Otra, ambas en la galería Forum en Lima (presentándose luego en las ciudades de Arequipa, La Paz, Santa Cruz y Buenos Aires). El 2004 presentó Chunniqwasi / Periodo 1980-2000 en la Bienal de Cuenca-Ecuador. En el 2005 inicio la primera de 3 exposiciones tituladas Pequeñas Historias de Maternidad en la galería Forum, la segunda se expuso en el Centro Cultural Ricardo Palma en el 2008. Con el colectivo Laperrera (Natalia Iguíñiz / Sandro Venturo) ha realizado exposiciones y acciones artísticas (afichismo, publicidad callejera, Internet y performance mediática), entre las que están Perrahabl@, Com.pe y Patria.

Ha participado en más de 50 exposiciones colectivas tanto en su país como diversas ciudades del mundo, entre las que destacan: Cuerpos volátiles: Representaciones para un fin de siglo (Lima). Emergencia Artística (Colegio de periodistas del Perú, Lima). Vía Satélite, Panorama de la fotografía y vídeo peruano contemporáneo (Centro Cultural de España, itinerante por diversas ciudades americanas y europeas). Neón Colonial (Sala Luis Miro Quesada Garland, Lima). III Festival Internacional de la Peinture (Cagnes-sur-Mer). I y II Bienal Nacional de Lima. Arco 2000, Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Madrid). Expo Arte del Mundo de la revista Beaux Arts (París). Perú: Resistencias (Casa de América, Madrid). I y III Bienal Iberoamericana de Lima (Lima). IV Bienal internacional SIART (La Paz), Neuf femmes graphistes (Echirolles). Pinta feria de arte latinoamericano contemporáneo (Nueva York).



Leer más...

miércoles, 4 de septiembre de 2013

Martha Graham bailarina y coreógrafa


Martha Graham (Pittsburgh, Pensilvania 11 de mayo de 1894 — Nueva York, 1 de abril de 1991), fue una bailarina y coreógrafa estadounidense de danza moderna cuya influencia en la danza es equiparada a la que tuvo Picasso en las artes plásticas, Stravinsky en la música o Frank Lloyd Wright en la arquitectura. Para ella, la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del descubrimiento de principios primigenios.


Martha Graham nació en Pittsburgh y se mudó a California siendo una niña. Después de ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el baile aunque no fue hasta los 22 años (1916) cuando se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn. En esta histórica escuela Ruth St. Denis pide a Ted Shawn que la tome como alumna ya que le es imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna.
Se abrió paso sola pero con el constante apoyo de Louis Horst, un músico que trabajaba como acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se convirtió en su amante y mentor musical. En 1923, después de una intensa colaboración como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, Martha Graham abandona el Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en Greenwich Village Follies y en el Eastman Theater. En 1925 Graham se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Durante dos años en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías; asiste a una demostración de la bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shaw, queda impresionada de la utilización del suelo que hace la bailarina y a partir de ello se percata del control que puede efectuarse sobre los músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la fuente de energía del bailarín.

En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.
En la Universidad de Bennington en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller de las artes en danza. En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard
En 1936 llegó el trabajo definitivo de Graham, que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo al escenario los serios problemas que experimentaba el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.
La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.

Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años.
Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud.), recibio el Premio Kennedy y la Medalla Nacional de las Artes.
En 1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más importantes del siglo XX.
http://www.telegraph.co.uk/news/obituaries/culture-obituaries/dance-obituaries/5060943/Martha-Graham.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Martha_Graham
Leer más...

lunes, 5 de agosto de 2013

WAR :Revolución de las mujeres en el arte .




Una entretenida y reveladora "historia secreta" del arte feminista,! Mujeres Arte Revolución hábilmente ilumina este movimiento  explorado a través de conversaciones, observaciones, grabaciones de archivo y obras de artistas visionarias, historiadoras, curadoras y críticas. Tiene sus raíces en la década de 1960  con protestas contra la guerra y  por los derechos civiles, la película detalla las principales novedades en el arte de las mujeres a través de las décadas de 1970 y explora cómo la tenacidad y el coraje de estas artistas pioneras  dieron como resultado lo que hoy es ampliamente considerado como el movimiento artístico más importante de los ultimos años del siglo 20. 
Durante más de cuarenta años, el cineasta Lynn Hershman Leeson (Teknolust, Cultura extraña) ha recogido una gran cantidad de entrevistas de sus contemporáneas y les ha  dado la forma de un retrato íntimo de su lucha por romper las barreras que enfrentan las mujeres tanto en el mundo del arte como en la sociedad en general. Recordamos a  Sleater-Kinney de  Carrie Brownstein, !W.A.R. las aportaciones de Miranda July, Las Guerilla Girls, Yvonne Rainer, Judy Chicago, Marina Abramovic, Yoko Ono, Cindy Sherman, Barbara Kruger, B. Ruby Rich, Ingrid Sischy, Carolee Schneemann, Miriam Schapiro, Marcia Tucker y un sinnúmero de otras  figuras revolucionarias .

http://www.naranjasdehiroshima.com/2014/01/women-art-revolution.html
Leer más...

sábado, 6 de julio de 2013

Marisa Wagner





Marisa Wagner, fallecio el 16 de agosto de 2012  autora del libro Los Montes de la Loca. Su corazón se la llevó un jueves al mediodía. Fue estudiante, militante, madre, amante, loca, poeta y docente. Escribió una autobiografía en versos desgarradores que describen su paso por el hospicio o manicomio donde vivió muchos años. “Más para protegerme del desamparo y de la pobreza, que de la locura”, decía. Esos versos, le abrieron las puertas a “este lado de la realidad”: ganó un concurso literario, editó su libro con gran éxito, y fue llevado al teatro en dos oportunidades.”



Marisa Wagner fue estudiante, militante, madre, amante, loca, poeta y docente. Escribió una autobiografía en versos desgarradores que describen su paso por el manicomio donde vivió muchos años. “Más para protegerme del desamparo y de la pobreza,  que de la locura”, decía. Esos versos, le abrieron las puertas a “este lado de la realidad”: ganó un concurso literario, editó su libro con gran éxito, y  fue llevado al teatro en dos oportunidades. Era docente de la escuela de Psicología Social de Alfredo Moffat, miembro del Frente de Artistas Externados del Hospital Borda y participaba del grupo Bipolar Latinoamerican, que brinda apoyo a las personas afectadas por el Síndrome Afectivo Bipolar, enfermedad que ella padecía. Falleció el 16 de agosto de 2012.


Poeta, escritora y loca. Se desempeña como docente en la Escuela de Psicología Social que conduce Alfredo Moffatt y forma parte del Frente de Artistas Externados del Borda. Pasó parte de su vida internada en distintas instituciones psiquiátricas y ha vertido esa experiencia en su literatura.

Por momentos sus movimientos suelen ser convulsivos, le cuesta estar quieta. No hace mucho descubrieron que esto se debe una disquinecia tardía o daño neuronal, producido por el exceso de medicación que soportó durante sus internaciones. Padece del hoy famoso “trastorno bipolar”, desorden psicológico que, con una adecuada contención psiquiátrica y una medicación controlada, no requiere internación. Sin embargo, la quinta parte de su vida ha estado internada en distintos manicomios -como le gusta llamarlos-. La pobreza, la soledad, falta de trabajo y, por supuesto, su enfermedad, la llevaron a estos sitios. Hasta que, como sucede en los cuentos mágicos, desde un hospicio escribió un poema. Ese poema ganó un premio. Y ese premio se transformó en un libro: Los Montes de la Loca. Cuyos versos no son cuento, sino más bien una denuncia, una demanda, y el descarnado reflejo de miles de enfermos mentales.

 P. VAS. ¿Qué es la locura?

Marisa Wagner. Leopoldo María Panero, poeta español internado en los manicomios desde hace 30 años, define a la locura como una ausencia provisoria de uno mismo. Y creo que esa es la explicación más acertada, porque cuando estás en un delirio o en una crisis psicótica, realmente entrás en un estado de inconciencia tal que te sentís separado de tu propio ser.

P. VAS. ¿Por qué se enloquece?

M. W. Se enloquece por un dolor extremo o por una soledad extrema. Un mundo injusto genera subproductos patológicos, y eso somos nosotros. De hecho, algunas personas pueden zafar de la locura y sobreviven. Claro, se mutilan un riñón o el hígado, hacen algo psicosomático, mueren de cáncer… La enfermedad se les aloja en el cuerpo. Otras personas, con un mecanismo absolutamente sensible, enloquecemos. Este mundo genera locura por donde lo mires. A los niños empiezan a darles Ritalina a los tres años. Estamos construyendo adictos, cosa que es muy rentable para la industria farmacéutica. Y ni hablar de los que están el la calle sin otra madre que la estación Retiro, como dice un amigo poeta. ¿Cómo hacés para sobrevivir entre tanta injusticia y crueldad sin enfermarte?

Si yo no estuviera loca / ¿Qué estaría? / ¿Muerta?/ ¿Desaparecida? / Y estar loca / ¿No es una manera -como otra cualquiera- / de desaparecer o morirse?/ Pero no filosofemos ¡no jodamos! / Si yo no estuviera loca estaría cuerda. / Haciendo la fila / para pagar la luz, el gas, el teléfono. / Haciendo otra fila / para pagar los impuestos. / Estaría mirando los clasificados. / Los informativos. / Estaría soñando / con ser alta, flaca, rubia / -como las modelos- / Estaría yendo al Shopping, / por ejemplo. / No sé si lo resistiría. / Creo que no sabría qué hacer del otro lado.

P. VAS. ¿A vos qué te pasó?

M. W. Yo venía cargando muertes: la de mi padre, la de mi hijo, la desaparición de mi pareja, de compañeros de militancia. Un día no resistí más y tuve un brote psicótico. Mi primera internación fue en el Borda, en el año 1987, con un diagnóstico impreciso. Pensaron que se trataba de un episodio aislado y me largaron a los seis meses sin medicación. Pero las crisis delirantes agudas se repetían cada dos o tres años. Y he ido a parar con mis huesos a los manicomios: Borda, Moyano, Alvear, el Servicio de Salud Mental de Olavarría, el hospitalito de Hinojo, y Montes de Oca, donde estuve internada tres años sin interrupciones, desde 1995 hasta 1998.

P. VAS. ¿Cómo es estar del otro lado?

M. W. Cuando atravesás la puerta del hospicio entrás a un lugar sin tiempo, sin tarea. Un lugar donde todos tus derechos humanos son vulnerados y todo aquello que hagas o digas, puede ser usado en tu contra o llamado delirio. Un lugar donde dejás de ser una persona para ser un número, una ficha, una historia clínica. Sos un paciente, al que de buenas a primeras, drogan, sobremedican, colocan un chaleco químico para que no moleste. Y así te quedás, babeando todo el día. El manicomio es un campo de concentración donde rige el maltrato físico y psicológico: ataduras a la cama, electroshocks, inyecciones de leche, shocks insulínicos… Resulta muy difícil salir del manicomio porque es una cloaca social, igual que la prostitución o los chicos en la calle. Encierran al que piensa diferente, al que estorba, al que no tiene donde ir. A mí me tocó el manicomio con doble castigo: por loca y por pobre. El mundo no tiene espacio para un loco rehabilitado. Y nadie anda ofreciendo trabajo por los hospicios en una sociedad con miles de jóvenes desocupados.

A esto / me gusta llamarlo / -sencillamente- / hospicio o manicomio. / Siempre rechacé los eufemismos. / Es como que viene mejor / llamar las cosas por su nombre / al pan, pan / y al vino, vino. / Y a las pastillas / chaleco químico. / Y aquello tan, tan viejo y tan cierto, / que uno está loco / pero no come vidrio. / Tal vez, tenga del mundo / una visión, / un tanto escatológica, / un tanto, tal vez, parcializada, / pero bueno / por algo estoy en el hospicio.



P. VAS. Tu libro, sin embargo, parece escrito desde la lucidez

M. W. Mi libro no fue escrito desde la locura porque en la locura no creás nada. Hay gente que hace una apología de la locura; creen que estar loco es genial. Eso no es cierto, estar loco es muy doloroso y no tiene nada de genial. No permite el rigor, la mesura que necesita cualquier obra artística. No hay arte desde la locura. Tampoco la locura es permanente, como dice Panero: la locura es un estado provisorio. Se nos hace creer que la locura es un estado permanente para poder justificar las internaciones de por vida, los olvidos, los abandonos. Al apartar las personas que molestan, la sociedad tiene la ilusión de estar sana. Para eso existen los muros en los hospicios: para que los que pasan por fuera sientan la maravilla de estar sanos. Aunque estar en un manicomio, no siempre es estar loco. De los años que estuve internada en Montes de Oca, tres meses los pasé con la patología psiquiátrica, los tres años restantes fui una paciente social. Es decir, alguien que permanece internado porque no tiene dónde ir, ni cómo vivir, ni un techo. Alguien a quien es preferible dejar adentro porque en el hospicio su vida corre menos peligro que en la calle. En Montes de Oca hay gente que está hace diez, quince, veinticinco, treinta años. Las altas son escasas, se dan después de muchas vueltas.

Ya no consumo Halopidol, / sólo Tegretol, Anafranil y Litio. / Estoy compensada. / Traduzcamos: / me mantengo de éste lado, / es decir, sin delirios / y deambulo / (porque, nosotros, los pacientes, deambulamos). / Es una nueva costumbre que he adquirido. / Deambulo -como digo- / libremente por el enorme parque del hospicio. / Estoy lúcida, ubicada en tiempo y espacio, / por lo tanto: / sé en qué día vivo. / ¿Vivo? Me pregunto, / y me entra la tristeza y me deprimo. / La historia clínica se pone gorda de tristezas. / Yo soy mi historia clínica. / ¿Dejé de ser mi historia, acaso? / Es muy malo preguntarse tantas cosas / que complican, además, el tratamiento. / Tengo sueños, pesadillas / que a nadie se las cuento, por las dudas, / no sea cosa, vayan a la historia clínica. / Pero si tengo insomnio, por ejemplo, / esto es inocultable, / y va derecho a la historia clínica. / Mi psiquiatra, entonces, / regula las pastillas. / Duermo. Se anota en la historia clínica. / Doctor, estoy amando /¿Esto también irá a la historia clínica?

P. VAS. Pero a vos de alguna forma el arte te sirvió para salir

M. W. Nadie puede salir solo del manicomio, necesitás de tus amigos, de tu familia. En mi caso, fue mi amiga Nomi Lerner quien comenzó a visitarme y me ofreció vivir en su casa. Y luego Alfredo Moffatt me facilitó un trabajo, un techo, comida. Y desde entonces soy docente en la Escuela de Psicología Social. El arte tiene una función terapéutica, ayuda a que uno se reconstruya, pero cuando se logra un producto artístico, se lo logra en salud. Cuando llevaba dos años internada muere mi ex pareja, a quién no pude visitar por razones obvias. Entonces escribo un poema y alguien del servicio de rehabilitación decide enviarlo a un concurso. El poema gana el primer premio, y el premio consistía en la edición de un libro. Entonces tuve que sumergirme en la construcción del libro, porque tenía escritos muy pocos poemas. Y así surge Los Montes de la Loca, que desenmascara la realidad de los hospicios y donde están los duelos a todos mis muertos. El libro se publicó en el año 2000 y empezó su camino, ahora va por la séptima edición.

P. VAS. También fue al teatro

M. W. Fue al teatro. Y a mí me conmovió ver plasmados los poemas en cada personaje. Y este año vuelve a escena Los Montes de la Loca II , por el grupo de teatro El Carrusel de las Artes, nuevamente dirigido por Fanny Dimant.

Cuando se toca fondo / y se mastica el polvo, / te das cuenta, aprendés, /que aún no lo has perdido todo, / que hay más para perder, / que el fondo, en realidad, no tiene fondo, / que aún se puede descender / y descender / Se piensa que ya no se puede estar más solo / y sin embargo, sí se puede/ hay más soledad, te lo aseguro. / Pero un día / un día cualquiera, se te da por mirarte en el espejo / (no abundan los espejos en el manicomio, / por razones obvias, se me ha dicho). / No importa, el espejo del que hablo, está en otro lado, / adentro. / Y te das cuenta, por ejemplo, / que tenés dos piernas, / te las mirás, las sometés a prueba, / y te vas a dar una vuelta por el parque del hospicio. / Y te cruzás entonces, con otro espejo que deambula, / más valioso y fidedigno / ¡Y acaece la revelación! / ¡Qué voy a estar sola… sí somos mil setenta locos acá adentro! / Y cuando nos juntamos los espejos / uno le da coraje al otro y resistimos. / La subestimación. / La discriminación. / Los abandonos. / Pero bueno, estas ya no son cosas de locos.

P. VAS. ¿Cuál es la delgada línea entre la locura y la lucidez?

M. W. La línea entre la cordura y la locura es muy imprecisa, muy difusa. Hay un momento en el que sentís que la realidad te supera, que dejaste de entender los códigos de los demás, que te quedaste muy solo y sin puentes… Entonces te inventás un personaje porque esa soledad es insoportable. Es preferible inventarse un otro que te persigue que caer en el vacío yoico, en la despersonalización. El delirio no es la enfermedad, sino la defensa contra ese vacío existencial terriblemente profundo que tenés enfrente.

Uno se muere una tarde cualquiera / sin darse cuenta, / sin quererlo… / y resucita, también / sin saber por qué, / sin advertirlo… / descubre, frente a un espejo cualquiera, / que tiene ojos, boca, naríz, oídos, / y de nuevo sensibles, las puntas de los dedos. / El mundo empieza ahí, / cuando lo toco. / Es áspero, es suave, / aterciopelado, / caliente o frío. / -Mi mundo empieza en la punta de mis dedos- / y debe ser por eso / que son tan irresistibles / las ganas de tocarte, / de rozarte, apenas… / para saber, por ejemplo, / como es de tibia tu piel, / si me rechaza o me acepta. / Saber… / si se deja acariciar o si se pone arisca, /como un animal del monte y me rehuye. /Si se estremece o permanece ajena a mis urgencias. / El mundo empieza en la punta de mis dedos, / pero se completará -solamente- / si puedo acariciarte, tocarte, rozarte apenas…

P. VAS. Pero ese vacío existencial no es solamente tuyo, es un problema de toda la humanidad

M. W. Obvio. Yo creo que cada cual elige su camino. Hay personas por ahí que jamás se brotan pero viven de una manera espantosa, acelerados, endeudados, perseguidos Hay otras que eligen empastillarse, drogarse, hacer una hipocondría Y otros, en algún lugar, elegimos volvernos locos. Porque la locura no es para cualquiera, no se vuelve loco el que quiere sino el que puede.

P. VAS. ¿Cómo es eso?

M. W. Tenés que tener un resto para volverte loco. Animarte a andar por abismos muy terroríficos.

Hace 731 días / que no hago el amor / que no como papas fritas / que no voy al cine /que no me tomo una cerveza /que no veo a mis amigos. / Hace 731 días de todo / o casi todo… / Hoy hace dos años / que llegué al hospicio. / ¡Feliz cumpleaños! / Voy a brindar / tomándome las pastillas / de un solo trago.

P. VAS. Y ahora, ¿cómo te definirías loca o cuerda?

M. W. Yo creo que soy una persona que en algunos momentos de su vida está loca. Y la mayor parte del tiempo, cuerda. Tengo una patología que se llama bipolar que, como la palabra lo dice, tiene dos extremos o polaridades: manía y depresión.

P. VAS. ¿Alguna vez pensaste suicidarte?

M. W. No. Pero cuando estás en situación de delirio ponés en juego tu vida. Y eso, de alguna manera, es un suicidio encubierto. Al estar indefenso y delirante en la calle te convertís en un blanco fácil para recibir la violencia de los otros. Generalmente uno termina en una ranchada con alcohólicos, por ejemplo, y ahí corres el riesgo de que te violen o te golpeen He estado en situaciones límites, pero no me he permitido llegar a ese extremo. Tengo un registro de hasta dónde puedo tolerar, de que la vida tiene que estar en otro lado.

Ladrillo a ladrillo / había levantado mi pared. / El mundo estaba allá, del otro lado / -quieto, previsible, ajeno- / Pero llegaste / ladrillo a ladrillo / derrumbaste / mi paz de naftalina. / Todo está otra vez bajo sospecha, / ya no hay nada que se quede quieto. / El desorden se adueñó del reloj de arena de mis venas. / Es otra vez el caos, como al principio. / ¿Qué voy a hacer con todo esto? / Ya no puedo ni quiero pedirle al corazón / que marche más tranquilo. / Es que tu piel huracanada / le ha puesto espuelas de plata a mi deseo. / Y todo es vértigo encendido, / lava, piedra madre y torbellino. / Todos los vientos / y además el viento. / Estoy desnuda, hambrienta, / tengo mucha sed. / Me acabo de dar cuenta que estoy viva.

P. VAS. ¿Estás escribiendo?

M. W. Ahora estoy trabajando en un libro que voy a titular Paredón y Después, trato de plasmar mi experiencia al salir del manicomio. Porque es como que se sale con la palabra manicomio pintada en la frente. La gente le tiene tanto miedo a la locura…

P. VAS. ¿Qué fue lo que más te sorprendió al salir?

M. W. Estar encerrada es como estar en un freezer, sin contactos con el mundo, detenida en otro tiempo. Cuando salí del Montes de Oca, lo primero que me llamó la atención es ver que todo el mundo hablaba solo por la calle. Parecía un brote psicótico. ¡Pero claro!, era la telefonía celular. Lo que más me sorprendió, a los pocos días de estar afuera fue que en menos de catorce cuadras, por Rivadavia, llegué a contar 40 personas en situación de calle. Familias enteras, ancianos, niños, torrentes de personas viviendo en la calle. Y me dije: este es el manicomio del otro lado.

P. VAS. ¿Antes no era igual?

M. W. Antes había más gente con la situación resuelta. Por lo menos, lograba sostener su familia, su trabajo, su casa después vino todo este deterioro del desempleo. Cuando todas esas estructuras sociales se van a la mierda, las personas quedan individualmente aisladas. El problema de todos comienza a ser el problema de cada uno. Y arreglate como puedas.

Eche veinte centavos en la ranura/ y pase./ -voy a mostrarle un mundo- / un contrauniverso, acaso. / Un pedazo de realidad, que casi seguro, / usted teme y desconoce, / y porque desconoce, teme. / De salvoconducto, / le vamos a pedir -es cierto- /un cigarrillo, / una moneda, para comprar yerba y azúcar. / Pero, vaya sabiendo / a veces, pedir es una excusa. / Queremos ser mirados / oídos / saludados / Pero si el susto no lo paraliza, todavía, / digo por verse tan rodeado, / dé otro paso / le falta lo mejor, le aseguramos. / ¡Ah! / Si por esas cosas de la vida, / le anda haciendo falta / un poco de ternura / (que es escasa afuera, lo sabemos) / Eche veinte centavos en la ranura.

 Por Mariane Pécora  Directora del Periódico Vas, de Buenos Aires. La entrevista es de 2009 y la re-publicación data del 17 de agosto de 2012 en Periódico Vas. La autora cedió gentilmente el texto para su publicación en Superficie..”



Gracias a Diana Coblier


dianacoblier@fundaciontehuelche.com.ar

 http://librosgratis.net/book/los-montes-de-la-loca_87380.html
https://docs.google.com/document/preview?id=1gP1bhUPr1l7otYmugK0qVuvV9MvTEMsc0Y6Qs_bgvjk&pli=1
http://revistasuperficie.com.ar/index.php?option=com_content&view=article&id=626:marisa-wagner-los-montes-de-la-loca&catid=5:entrevistas&Itemid=7
Leer más...
Más