Coosje van Bruggen escultora

Coosje van Bruggen ( Groningen , 06 de junio 1942 - Los Angeles , 10 de enero 2009 ) fue una escultora holandésa / americana .  Estudió historia del arte en la Universidad de Groningen y luego trabajó en el Stedelijk Museum de Amsterdam. De 1971 a 1976 enseñó en la Academia de Arte e Industria (IRA) en Enschede. Más tarde se instaló en el Estados Unidos .  Trabajado desde 1976 con el escultor Claes Oldenburg , con el que en 1977 se casó. 

Desde el comienzo de los años ochenta, Van Bruggen también trabajó como independiente curadora y crítica de arte. Fue miembro del comité de selección para la Documenta 7 en 1982 en Kassel . 

En 1993, Van Bruggen  se nacionaliza estadounidense. Coosje van Bruggen murió el 10 de enero de 2009 en Los Angeles por los efectos del cáncer de mama. 

Ella hizo con su marido más de cuarenta obras para espacios públicos. Las obras de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen pertenecen al arte pop . Coosje van Bruggen publicó los primeros trabajos de Claes Oldenburg, el Museo Guggenheim (Bilbao) y la obra de Bruce Nauman .

Coosje van Bruggen, artista Redefinió con su marido, Claes Oldenburg, el lenguaje de la escultura pública monumental 
El próximo mayo, la holandesa Coosje van Bruggen no podrá estar en el parque de esculturas del Museo Kistefos, cerca de Oslo, para instalar las chinchetas gigantes de Tumbling Tacks, la última obra que creó con su marido, Claes Oldenburg. El pasado 10 de enero, un tumor acabó con su vida, en su residencia de Los Ángeles, a la edad de 66 años.
 La enfermedad se le declaró en 2006, cuando preparaba su mayor exposición retrospectiva, el reconocimiento de 30 años de vida y trabajo en común, que se presentó en octubre de aquel año en el Castello di Rivoli de Turín (Italia) y en marzo de 2007 en la Fundación Miró de Barcelona. Entonces el tratamiento al que se sometía le impidió acudir, aunque siguió ocupándose personalmente del montaje de éste y otros proyectos como siempre hizo desde que empezó a trabajar con Oldenburg. Culta y refinada, formada en el ámbito de la historiografía noreuropea, Van Bruggen (Groningen, 1942) trabajaba en el Museo Stedelijk de Ámsterdam cuando le encargaron coordinar una exposición de Oldenburg (Estocolmo, 1929), uno de los padres del pop americano. 
Era 1970 y fueron necesarios cinco años para que éste le convenciera de que no era otro "típico artista imperialista". En 1976 firmaron Trowel, su primera obra juntos, y el año siguiente ratificaron con el matrimonio una alianza que duró el resto de su vida. "No perseguimos una irrealizable comprensión total. Nuestro trabajo avanza como un partido de pimpóm, desde el diálogo íntimo hacia la cristalización definitiva, primero el esbozo, luego el estudio, el modelo tridimensional o la configuración dinámica por ordenador, siguiendo un método que privilegia las sensaciones al análisis", explicó Van Bruggen en Turín. Aunque cierta crítica misógina intentó restar importancia a su trabajo, su papel fue fundamental y consiguió introducir un nuevo dinamismo, tanto formal como conceptual, en el impacto monolítico de las obras del primer Oldenburg. 
Durante 30 años concibieron sus piezas juntos: luego él se centraba en las formas y ella en los colores y el emplazamiento. Juntos capearon las múltiples polémicas provocadas por su innovadora concepción de la escultura pública monumental y su lenguaje irónico que explota la sorpresa causada por la alteración de las dimensiones de objetos cotidianos e intencionadamente estereotipados. En Barcelona dejaron una gigantesca caja de cerillas, que se suma a los más de 40 large-scale projects, como la corbata que desafía la ley de la gravedad de Francfort o el arco y la flecha de Cupido que brotan entre la hierba de San Francisco. Las chinchetas a partir de mayo parecerán rodar de la ladera de una colina noruega quedarán como un último monumento a su ironía, sentido del humor y profunda humanidad.


http://elleaimeny.blogspot.com/2009/01/coosje-van-bruggen-dies-at-66-art.html
http://www.elpais.com/articulo/Necrologicas/Coosje/van/Bruggen/artista/elpepinec/20090119elpepinec_1/Tes

http://nl.wikipedia.org/wiki/Coosje_van_Bruggen

http://trialx.com/curetalk/2011/04/coosje-van-bruggen-diagnosed-with-breast-cancer/

Leer más...

Chavela Vargas

Isabel Vargas Lizano (San Joaquín de Flores, Heredia, Costa Rica, 17 de abril de 1919-Cuernavaca, Morelos, México, 5 de agosto de 2012) es una cantante nacida en Costa Rica y bautizada con el nombre Maria Isabel Anita Carmen de Jesús, hija de Francisco Vargas y Herminia Lizano. Nacionalizada mexicana.

 En México ha residido por más de siete décadas, donde es conocida artísticamente como Chavela Vargas. La canción ranchera es un género musical muy masculino y sensual, cantado generalmente por hombres. Chavela solía cantar canciones normalmente interpretadas por hombres sobre su deseo por las mujeres. Vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico gabán rojo. 

En una entrevista para la televisión colombiana en el año 2000, expresó abiertamente que era lesbiana.

Chavela Vargas huyó a México cuando tenía 17 años y posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana. Durante muchos años cantó en las calles hasta que a los treinta se hizo cantante profesional, de la mano de José Alfredo Jiménez, cantante y compositor de sus mayores éxitos. Su primer álbum fue publicado en 1961 y desde entonces ha grabado más de ochenta discos. Se retiró a finales de los años setenta y regresó en 1991. Apareció en la película de Julie Taymor, Frida, cantando sus clásicos La llorona y Paloma negra. En 2004, a la edad de 85 años, presentó el disco En Carnegie Hall. También apareció en Babel, la película de Alejandro González Iñárritu, cantando Tú me acostumbraste, bolero de Frank Domínguez. Finalmente vivió en Tepoztlán, en el Estado de Morelos, a las faldas del Cerro del Tepozteco con quien ella cuenta que platica todas las mañanas.

Durante 2009, con motivo de su 90 aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un homenaje nombrándola ciudadana distinguida. A este evento concurrieron, de manera presencial y a través de video, múltiples personalidades del ámbito artístico, cultural y periodístico de Iberoamérica, entre los que se cuentan la cantautora Julieta Venegas, la intérprete Eugenia León, el escritor Carlos Monsiváis, la periodista Carmen Aristegui y sus amigos Joaquín Sabina y Pedro Almodóvar. Aparece inmortalizada en la canción Por el bulevar de los sueños rotos de Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo. 
En diciembre de 2009, en coautoría con María Cortina, se presenta el libro Las verdades de Chavela, que narra a modo de entrevista, los acontecimientos más trascendentes de la vida de Chavela Vargas. 

En abril de 2010, a los 91 años de edad, presenta su más reciente material discográfico POR MI CULPA, en el que se incluyen duetos con sus grandes amigos: Eugenia León, Lila Downs, Joaquín Sabina, La Negra Chagra y Mario Ávila. Y en octubre de 2010 se presenta, en el marco de la Feria Internacional del Libro de la Ciudad de México, en un concierto junto con la Negra Chagra y logra reunir en el zócalo de la ciudad a centenares de personas para el relanzamiento de su libro y disco.

http://es.wikipedia.org/wiki/Chavela_Vargas
 www.chavelavargas.com.mx
http://www.lafm.com.co/noticias/chavela-vargas/05-08-12/chavela-vargas-y-las-frases

Leer más...

Madalena Barbosa de Portugal

Madalena Barbosa (1942 - 21 de febrero de 2008) fue la fundadora del Movimiento para la Liberación de la Mujer ( Movimiento de Liberación das Mulheres ), en abril de 1974, creado para "luchar por el derecho a la igualdad de oportunidades sin discriminación de género". 

En 1980, Madalena Barbosa se ​​unió a la Comisión de la Condición de la Mujer, Comisión para la Ciudadanía y Género. En las elecciónes de 2007, fue candidata a la Cámara Municipal de Lisboa por el izquierdista Movimiento Ciudadano por Lisboa (Movimento Cidadãos Por Lisboa). En el curso de su carrera como activista represento a  Portugal y a la Unión Europea en las diferentes cumbres y conferencias internacionales, sobre todo en Nueva York .

Madalena Barbosa se auto-identificaba como " feminista , socialista y mujer ", conocida como" experta en género "en otros lugares del mundo. Madalena Barbosa murió un día antes del lanzamiento de Que Força  é Essa ("¿Qué es esta fuerza"), su crónica de la reflexión sobre temas como el feminismo y los estudios de  igualdad de género, la participación cívica y política .

¿Qué Fuerza es esa, amiga? "¿Todavía dices que soy feminista radical?", Preguntaste con una sonrisa, en una de mis últimas visitas al hospital. "Claro que sí, respondí de forma vehemente. "Si no fueras tú y unas pocas como tú, las contribuciones de esta corriente no habrían llegado". Sonríe de nuevo, con los ojos brillantes, en un rostro marcado por la enfermedad, pero que persistió hasta el final en mantener la dignidad y una fuerza que fue un ejemplo para todas nosotras.  Te recuerdo en la conversación frontal, en tu entusiasmo cuando hablabas de las feministas de otros países, un poco disgustada, porque por aquí las cosas no eran así. Pero comprendía políticamente los contextos. Un texto tuyo, que encontré recientemente en nuestro centro de documentación, así lo atestigua. Recuerdo, cuando te invitamos a la Comisión Promotora del Congreso Feminista de este año, al que ya no puedes llegar, y  tus "muchas gracias por haberse acordado de mí", como si fuera posible ignorarte. Recuerdo, cuando en tu lecho de muerte, te transmití un mensaje de la Lígia Amáncio y me has vuelto a decir: "gracias". Gracias, decimos nosotras Magdalena. Gracias por tu ejemplo, por tu persistencia, por tu frontalidad, a veces incómoda, por tu claridad hasta el final. Gracias por haberte afirmado siempre feminista en toda la dimensión de tu vida. Gracias.

Manuela Tavares, 21 de Fevereiro de 2008


Que Força é essa, amiga? “Ainda dizes que eu sou feminista radical?”, perguntaste com um sorriso, numa das minhas últimas visitas ao hospital. “Claro que sim, respondi de forma veemente. “Se não fosses tu e algumas poucas como tu, os contributos desta corrente não teriam cá chegado”. Sorriste de novo, com os olhos a brilhar, num rosto marcado pela doença, mas que persistiu até ao fim em manter a dignidade e uma força que foi um exemplo para todas nós. Recordo-te na conversa frontal, no teu entusiasmo quando falavas das feministas de outros países, um pouco desgostosa, porque por cá as coisas não eram bem assim. Mas compreendias politicamente os contextos. Um texto teu, que encontrei recentemente no nosso centro de documentação, assim o testemunha. Recordo-te, quando te convidámos para a Comissão Promotora do Congresso Feminista deste ano, ao qual já não consegues chegar, e do teu “muito obrigada por se terem lembrado de mim”, como se fosse possível ignorar-te. Recordo-te, quando no teu leito de morte, te transmiti uma mensagem da Lígia Amâncio e me tornaste a dizer: “obrigada”. Obrigada, dizemos nós Madalena. Obrigada pelo teu exemplo, pela persistência, pela tua frontalidade, às vezes incómoda, pela tua clareza até ao fim. Obrigada por te teres afirmado sempre feminista em toda a dimensão da tua vida. Obrigada.
Manuela Tavares, 21 de Fevereiro de 2008"

Existe un documental sobre su vida (ZEIT DER HOFFNUNGEN Drei Frauen in einer Portugiesischen Familie, Evelyn Schels, 2003)
Delque podemos informarnos  aqui

"La serie documental" Con los ojos de las mujeres "conduce a Lisboa. Aquí viven María (88), su hija Magdalena (60) y su nieta Sofía (31). Cuando Madalena se casa en Angola en 1959, las leyes del dictador fascista Salazar prevalecen en Portugal y sus colonias. Cuando el matrimonio de Madalena se malogra, ella  se da cuenta con horror de que no tiene derechos. Solo después de la revolución de los claveles en 1974 puede romper con su despótico esposo. La película describe la vida cotidiana, los deseos y las esperanzas de las tres mujeres, cuyas biografías reflejan la historia de Portugal. " 

En el siguiente link aparece un seminario sobre feminismo del que es autora :
https://es.scribd.com/document/3638714/Madalena-Barbosa-Feminismo

Otras fuentes:

http://en.wikipedia.org/wiki/Madalena_Barbosa
http://www.cidadaosporlisboa.org/index.htm?no=10100001236:062008
http://aeiou.expresso.pt/cinema-maratona-de-filmes-sobre-a-condicao-feminina-comeca-sexta-feira-no-sao-jorge=f343543
http://suitedeideias.blogspot.com.es/2008/02/que-fora-essa-madalena-barbosa.html

Leer más...

Susy Gomez artista contemporanea

Nació en Pollenza (Mallorca) en el año 1965. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Luego de finalizar su formación, realizó su primera exposición en la Galería Norai de su ciudad natal, en 1987. En 1993, provocó una gran sorpresa con su exposición individual en la Fundación Miró de Barcelona.

 La obra de Susy Gómez se caracteriza por una gran versatilidad técnica: pintura, la fotografía, la escultura, el dibujo, el vídeo o la instalación los territorios. A partir de Arco 95, su obra causó una gran expectativa, por lo que fue incluida en importantes muestras colectivas tanto nacionales como internacionales, como el Salón de los 16 de ese mismo año.

 Desde entonces realizó varias exposiciones individuales, de las que se destacan: la realizada en 1996 en la Galería Toni Tápies-Edicions T (Barcelona), La Casa Que Hoy Soy realizada en 1997 en la Galería Giorgo Persano (Turín), With A Kiss, hecha en 1998 en el Centre of Contemporary Art Ileana Tounta (Atenas) y Maldito Corazón, llevada a cabo en 1999 en el Musue d’Art Moderne et d’Art Contemporain (Niza).

 En 1999 obtuvo la Beca Endesa. Al año siguiente el Centre del Carmen del Ivam deValenciarealizó su primera retrospectiva, Algunas Cosas Que Llamaba Mías. En 2001 el Museo de Pollenza presentó su individual No sé cuantas veces. En 2005 fue una de los catorce artistas que compuso la muestra Contemporáneos 2005, una exposición organizada por el BBVA. 

 En su obra se pueden ver varias propuestas, que continúan la tradición del postminimalismo (que rechaza la forma por la forma sin querer imponer otra posibilidad), y que a la vez está vinculada a las estéticas más actuales. En definitiva, se mueve en su arte con una profunda libertad. Además de trabajar con el cuerpo femenino, utiliza otras imágenes, como las flores, el mar, barcas, corazones, casas, vestidos, paisajes; y sus temas van desde el amor, el interior y las apariencias, hasta la infancia y la creación artística.

 

En 2002 fue elegida, junto con Sigfrido Martín Begué, por el Ministerio de Asuntos Exteriores de España como representante del arte de vanguardia del país durante la presidencia española de la Unión Europea. Para responder a esta distinción, el artista instaló tres esculturas en el jardín peatonal del edificio Iustus Lipsius, sede del Consejo de Europa en Bruselas. Las esculturas en cuestión eran una manzana de seis metros de diámetro - en referencia a los orígenes -, unos peces en forma de zapatos imposibles de calzarse, moldeados en bronce- metáfora del camino de la Unión Europea y medio corazón de hierro, en representación de la pasión.

https://es.wikipedia.org/wiki/Susy_G%C3%B3mez

  http://cacmalaga.org/?p=22
http://www.artespain.com/10-04-2008/pintura/biografia-de-susy-gomez
http://www.artespain.com/10-04-2008/pintura/biografia-de-susy-gomez
http://itfashion.com/03-arte/arte-de-revista/

http://www.espacioluke.com/2003/Octubre2003/inesentrev1.html

Leer más...

Lila Downs cantante

 

Ana Lila Downs Sánchez más conocida como Lila Downs (nacida el 9 de septiembre de 1968 en Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, México) es una cantante, intérprete, compositora, productora discográfica y actriz mexicana del género world music, que canta en diversos idiomas de América del Norte, principalmente en español.

En su estilo musical reivindica sus raíces mexicanas y la de los pueblos indígenas de México, interpretando melodías en diversas lenguas entre los que destacan sobre todo el mixteco, zapoteco, maya, purépecha y náhuatl, además de las músicas regionales de México basándose en los sonidos de Oaxaca. 

Downs adquirió fama tras el lanzamiento de su álbum de estudio debut La Sandunga en 1999, que logró éxito comercial y una recepción crítica positiva, pero su debut comercial en el mercado discográfico hispanoamericano fue en 2000 con el álbum Árbol de la Vida/Tree of Life y el éxito internacional le llegó de forma definitiva en 2001 con La Línea/Border, ha sido ganadora en una ocasión del Premio Grammy y dos veces ganadora del Grammy Latino, inspirada en cantantes de trova como Mercedes Sosa y Chabuca Granda, así como artistas de música folclórica como Totó la Momposina y Susana Baca, 

Lila es conocida por su sentido estético con respecto a la música, su peculiar estilo de vestir donde combina trajes regionales de México fusionados con estilos modernos y alternativos, las presentaciones en vivo y los videos musicales en los que siempre es cambiante y extravagante. Su contribución a la industria musical le ha aportado numerosos reconocimientos.

Actualmente Lila Downs es considerada unas de las artistas más importantes de su género por su impacto global claramente consolidado, y se ubica dentro de los artistas más importantes del mundo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Lila_Downs
http://www.liladowns.com/us/home
http://www.abc.es/cultura/musica/20150322/abci-lila-downs-cuando-mexico-201503211710.html

Leer más...

Dolores Ariño Martín de Aragón

Desde este blog nos sumamos a la celebración de la vida de Lola. Gritamos GRACIAS al cielo para que reparta por la tierra su mensaje .

A Lola Ariño, in memoriam. Hasta siempre

La doctora Dolores Ariño Martín, médica de familia del Centro de Salud de San Pablo falleció el día 14 de enero. Algunos de vosotros, pudisteis, de alguna manera conocerla, a través de una entrevista en esta web. Ahora me habéis pedido una ligera semblanza de su persona y, aunque me siento un poco usurpador, ya que mucha gente la conocía más profundamente que yo, su amistad era desde hace más años compartida y sus compañeros o pacientes os podrían decir más cosas, no voy a dejar pasar esta inesperada oportunidad con la que aliviaré mi tristeza y paliaré, si eso es posible, el olvido que seremos.

Lola hizo la especialidad de Medicina Interna en el Hospital Miguel Servet. Allí la conocimos muchos de sus colegas, cuando compartíamos algún paciente ingresado y nos encontrábamos siempre con su gran capacidad de trabajo inteligente, pero también con su disponibilidad, su amabilidad, que nos hacía sentirnos, de verdad, compañeros. También cuando tuvimos necesidad de ayuda para nosotros mismos o familiares, como algunos me recuerdan hoy.

Alguna circunstancia, para mi desconocida, pero que seguro que tuvo que ver con su visión del mundo y sus valores, la decidió a trabajar en Atención Primaria, “en las trincheras” como nos gustaba decir, directamente con las personas sin intermediarios de papeles, pruebas, listas de espera y otros factores de deshumanización. Y es que Lola era una “médica de las personas” frente a la preponderante “medicina de los números”, que, sólo se preocupa de que los números “cuadren” en todos los aspectos clínicos y económicos, olvidando algo tan esencial como el entorno sociofamiliar en que todas las personas nos movemos. Y eso no iba con ella…

Ya compañeros de Atención Primaria, los contactos se multiplicaron, a veces por compañeros y amigos comunes, otras veces en reuniones donde era un placer compartir sus opiniones y puntos de vista. Sencillos y demoledores, desmontando las mil y una excusas de siempre de los pequeños gestores. Valiente. Era más respetada que temida porque era muy difícil argumentar contra sus pareceres, que venían del corazón pero muy bien tamizados por la razón y el sentido común.

A pesar de venir del Hospital, dignificó los principios de nuestra especialidad que no en vano se llama Medicina Familiar y Comunitaria, con un compromiso con el barrio reconocido por todos, porque realmente creía que la desigualdad y la pobreza engendran enfermedad y siempre estuvo al lado de los que la sociedad ha hecho perdedores.

Centro de Salud San Pablo, donde trabajaba Lola

Era líder discreta para los que la conocíamos, pero con un liderazgo silencioso, surgido sobre todo de su coherencia personal y de su dignidad, evitando siempre los focos de la primera fila. Esa discreción no distante, creída, auténtica, hace que ni yo mismo os pueda decir en todas las historias en las que se comprometió, sin duda con un coste importante en tiempo de vida personal, aunque con la satisfacción que siempre proporciona el dar a cambio de nada. También en estas horas de encuentros he podido conocer hechos y compromisos que agrandan aun más su figura y su valor ejemplar.

Compatibilizó sus inquietudes sociales, su vida, con las científicas y colaboró en proyectos de investigación, siempre que estuvieran financiados por instituciones públicas. Era extremadamente cautelosa con la participación de la industria farmacéutica en cualquier proyecto.

Personalmente, me distinguió con un cariño y una confianza que, sinceramente, no creo merecer y me dio la posibilidad de añadirme, en la manera que yo quisiera, a alguna de sus causas. La complicidad que detectaba en sus palabras y miradas eran un regalo para mí. Veréis, ya desde hace tiempo se interesó sobre todo en el enfoque de género cuando se habla de medicina, enfermedades y la vida en si misma. Organizó cursos relacionados con este tema en los que pudimos conocer a gente bien interesante, casi todas mujeres, y fue impulsora del proyecto “Mujeres y Corazón” en el que algunos nos enrolamos y seguimos potenciando. “¿Por qué llegan tantas veces las mujeres tarde a Urgencias cuando tienen un infarto, Jose Manuel?”, “porque están esperando que un hijo, esposo u otros las acompañen, esperando que se pase la molestia ó el dolor, había que reconocer”. “Pero es un tema de educación y discriminación” y ahí estaba ella poniendo todo el genio en su respuesta. Sólo puedo corresponderle teniéndolo muy en cuenta en mi práctica profesional y en lo que escribo cuando es posible.

¿Hace falta señalar en una persona así que era educada, comprensiva, afable, sonriente y como he dicho antes, coherente, circunstancia tan difícil de encontrar?. Si creía en las bondades del ejercicio, iba a trabajar andando, si reconocía los peligros del tabaco, no fumaba, si pensaba que la alegría, de verdad, no la potencia el alcohol, apenas lo probaba. Si pensaba que lo más importante eran las personas, a ellas se entregaba en cada faceta de su vida. No le importaba la prima de riesgo, ni la deuda soberana, pero si sabía que en El Chad, poco dinero es mucho. Y procuraba que allí llegara.

En el momento de la despedida última, casi siempre tengo más un sentimiento de pena por los que se quedan que por el que se ha ido. Esta vez no ha sido así. He recibido de Lola una penúltima lección. Es tanto lo que nos ha dado a todos los que le han rodeado, que podemos llenar varias mochilas con su recuerdo y ejemplo y, Lola, lo que más siento en este momento es que no puedas disfrutar plenamente de todo lo que has sembrado, sobre todo en tu familia, pero también en todos los que te hemos conocido. Tenemos una inmensa deuda de gratitud contigo y espero que la vida nos de tiempo para compensarla.

Ayer mientras muchas personas compartían el dolor de tu familia pensé que distinto sería el mundo contigo y con las personas con las que decidiste rodearte. Ser tu amigo, Lola, es para mi un valor seguro. Que distinto a todo lo que te abrumaba y nos abruma. Cuando cualquier día vea en la mirada de un paciente un gesto de sentirse comprendido, acogido, no sentirse juzgado, mermado su dolor y aliviada su carga, me diré “¡no estas sólo compañero, Lola no debe andar lejos!”. Y es que siento, si alguna vez hago bien las cosas, que tienen mucho que ver contigo, buena amiga.

No voy a decirte para no herir tu sensibilidad de cristiana de base, comprometida, auténtica, lejos de los artificios y contradicciones de la Iglesia oficial, que Dios tuvo un despiste y no se portó nada bien cuando eligió sacarte de aquí con la falta que nos haces. Quiero pensar que en el cielo también tienen problemas y que necesitan para poner orden, aunque sea a una sola, a la persona honrada, generosa, con sentido común y con un corazón tan grande como el tuyo, que no cabía en la tierra.

Si es cierto, como hemos escuchado hoy muchas veces, que el amor es más fuerte que la muerte, realmente no te has ido Lola, porque no sabes cuanto podemos llegar a quererte.

Jose Manuel Millaruelo, compañero del Centro de Salud Torrero La Paz | Para AraInfo

Enviado por AraInfo el 17 enero, 2012

http://arainfo.org/2012/01/a-lola-arino-in-memoriam-hasta-siempre-companera/

http://arainfo.org/2012/01/hasta-siempre-lola/
http://www.comz.org/un-obituario-sobre-la-doctora-dolores-arino-en-el-periodico-de-aragon/
http://www.comz.org/wp-content/uploads/2012/01/doctora-Ari%C3%B1o.pdf
http://www.elsevier.es/es/revistas/atencion-primaria-27/una-mirada-al-genero-investigacion-analisis-cualitativo-90027924-originales-2011

Leer más...

Montserrat Roig Fransitorra

(Barcelona, 13 de junio de 1946 - Barcelona, 10 de noviembre de 1991)

Hace  unos meses, en noviembre, hizo veinte años que murió Montserrat Roig. Tenía 45 y estaba en la plenitud de su creación literaria. Todo indicaba que había finalizado una etapa y que se adentraba, con El cant de la juventud (Ediciones 62, 1990), en una espléndida madurez.

Su muerte prematura fue un golpe terrible, en el mundo literario y entre sus lectores. Dejó un vacío difícil de llenar. Pero, hay buenas noticias: sus libros están vivos. Se puede encontrar casi todos sus títulos, muchos en bolsillo en su editorial, Ediciones 62, y en otras colecciones. Sus novelas han entrado en el circuito escolar y en un futuro sus libros aparecerán también en versión electrónica.

Sus amigos se esmeran para rendirle homenajes. Empezó el pasado martes la revistaSerra d'Or, donde colaboró. Participaron Josep Maria Benet i Jornet, Frederic Rueda y Lluïsa Julià. La actriz Mariona Casanovas representó algunos de los artículos que publicó en el diario Avui (recogidos en Un pensament de sal, un pessic).

En la  semana el 5 de mayo de 2011, el Amical de Mauthausen conmemoró en el antiguo campo de exterminio nazi, en Austria, el 66 aniversario de su liberación y organiza un acto en memoria de Montserrat Roig, la inolvidable autora de Els catalans als camps nazis (Edicions 62, 1977). Estuvo presente uno de sus hijos, Roger Sempere, profesor de instituto, que viaja con un grupo de alumnos.

El Pen Club catalán y el Memorial Ravensbrück están preparando un festival Montserrat Roig para el próximo 14 de junio. La escritora nació el 13 de junio de 1946. Participarán Josep Maria Castellet, Dolors Oller, Isabel-Clara Simó, Rosa Montero... y actuarán, entre otros, Marina Rossell y Paco Ibáñez. Sólo es el principio.

Montserrat Roig murió el 10 de noviembre de 1991 en Barcelona. Todo el mundo sabía que estaba muy enferma, pero la noticia fue un golpe muy fuerte. Costaba de creer que una mujer con tanta alegría de vivir, tan divertida y apasionada, con tanta curiosidad, que ponía una enorme ilusión a todo lo que hacía, estuviera muerta.

Estaba dando clases en la Universidad de Arizona cuando empezó a encontrarse mal y volvió a Barcelona, donde, el 1990, le detectaron un cáncer de pecho muy agresivo. Un día le preguntó a su madre, Albina Fransitorra: "¿Crees que moriré, madre?". "Si te tuvieras que morir no estarías tan tranquila", le respondió. En esta época nefasta, Montserrat pasó mucho tiempo en casa de Albina.

En octubre se celebró la Feria del Libro de Francfort dedicada a España. No pudo ir, sus colegas, encabezados por Manuel Vázquez Montalbán, le organizaron un homenaje. Publicó su último artículo en el Avui el día antes de morir.

Albina Fransitorra, que mantuvo una estrecha relación con su hija, que le hacía de secretaria y que lo acompañaba en muchos viajes, tiene ahora 99 años. Continúa siendo una mujer con mucho carácter, con la cabeza bastante clara, que lee un par de libros a la semana. Los nietos adoran a la abuela Albina.

Montserrat Roig fue la sexta de siete hermanos. Su padre era el escritor Tomàs Roig i Llop. A los 13 años, después de haber pasado por un colegio de monjas, Montserrat fue al instituto Montserrat, donde ganó un premio con un poema dedicado a la virgen de Montserrat. En esta época, se acostumbró a dejar sus escritos en la mesa del despacho de su padre, que se los corregía.

Quería ser actriz, como su hermana Glòria, y se apuntó en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual, donde conoció, entre otros, Josep Maria Benet i Jornet y Maria Aurèlia Capmany, que murió un mes antes de que ella.

Estudió Filosofía y Letras (Románicas). Se licenció el 1968. Muchos la recuerdan, en minifalda y medias de colorines, subida en un banco, en el Patio de Letras de la Universidad de Barcelona, intentando que los compañeros se apuntaran a la creación del Sindicato Democrático de Estudiantes. Participó en la Caputxinada, el 1966, en el convento de los Caputxins de Sarriá, donde se celebró la asamblea constituyente del sindicato.

Aunque no le gustaban los despachos, trabajó como redactora de la Gran Enciclopèdia Catalana y del Diccionari de literatura catalana. Obtuvo una beca para la universidad italiana de Perugia. Fue lectora de catalán y de castellano en la universidad inglesa de Bristol. De izquierdas, siempre crítica, entró al PSUC, salió, volvió a entrar y volvió a salir. Firmaba en la revista Treball con el seudónimo de Capità Nemo. Defendió las causas feministas, luchaba por sus principios y era solidaria.

Estuvo encerrada en el monasterio de Montserrat en protesta por el proceso de Burgos cuando supo que su primer libro, de relatos, Molta roba i poc sabó... i tan neta que la volen, había ganado el Víctor Català. Se publicó en 1971. Le siguieron las novelasRamona, adéu (1972), El temps de les cireres (premio Sant Jordi 1976), La hora violeta(1980), La òpera quotidiana (1982) y La veu melodiosa (1987).

Un ciclo con un mundo común: la ciudad de Barcelona y, sobre todo, el Eixample, donde nació y vivió toda la vida. "Soy del Ensanche de nuestra estimada ciudad. De un barrio de segunda categoría, con iglesias que se hacen la competencia dominical. De un barrio de señoras "pones" y de señores que poseen más cordura que oro", dice en el prólogo deMolta roba i poc sabó... i tan neta que la volen, el retrato de la burguesía catalana desde principios del siglo XX a través de diferentes generaciones y la repetición de personajes, en especial, de las familias Miralpeix y Claret. Acertó en el retrato de las generaciones universitarias de la posguerra. Muchos lectores se sintieron identificados.

Tomó prestado un diálogo entre Sterling Hayden y Joan Crawford de la película Johnny Guitar para otro de sus libros fundamentales, Digues que m'estimes encara que sigui mentida, que salió en 1991. Es su testamento literario, resultado de apuntes en libretas a lo largo de los años. Vemos su evolución creativa y como mujer y la de su ciudad. "Conciencia de finitud, atrapar el tiempo. He aquí el castigo del oficio de escribir. En la trama de la narración me invento que el tiempo no se acaba. Sueño que tengo palabras y que, con ellas, poseo el mundo", escribió.

Montserrat Roig fue una periodista de primera y una entrevistadora todavía mejor. Se metía la gente en el bolsillo. Hacía tándem con la fotógrafa Pilar Aymerich, a quién conoció en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual y de la que fue amiga toda la vida. Se fueron a París, con 10.000 pesetas cada una, a buscarse la vida.

Roig entrevistaba y Aymerich fotografiaba, de Jorge Semprún a Josep Maria Flotats. Al regreso, lo vendieron todo. Se divirtieron como locas.

Todo el mundo recuerda la entrevista a Josep Pla, en Llofriu. Lo primero que le dijo es que por qué se dedicaba a escribir si tenía las piernas tan bonitas, después intentó meterle mano y les prohibió hacer fotografías. La entrevista salió y la foto también. Es probablemente la única que ha robado en su vida Pilar Aymerich, aquella en que el escritor sale sentado en la mecedora.

Colaboró en Tele/Express, Serra d'Or —las entrevistas que publicó salieron en tres volúmenes, Retratos paralelos (1975, 1976 y 1978)—, a Oriflama, Presencia, Cavall fort,Avui, L'avenç, El temps, Arreu, Destino, Triunfo, Vindicación feminista...

Hizo programas de televisión en TVE: Personatges, Los padres de nuestros padres yBúscate la vida, y en TV-3, Líders-Herois, también de entrevistas. Se lo trabajaba bastante.

Todo le interesaba y por todo se apasionaba. Els catalans als camps nazis fue un libro de encargo: investigar y recoger los testimonios de los supervivientes antes de que desaparecieran. Lo hizo con un rigor extraordinario.

Con L'agulla daurada, sobre el sitio de Leningrado por el ejército alemán, mezclado con personajes históricos, como Pushkin y la experiencia de su estada en la ciudad. Los dos son magníficos.

ROSA MORA - Barcelona - 05/05/2011 

Hemos alterado dos tiempos verbales en el articulo para actualizarlo, indicamos link del original. 
http://lletra.uoc.edu/ca/autora/montserrat-roig

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Montserrat/Roig/vence/tiempo/elpepucul/20110505elpepucul_2/Tes

https://www.rtve.es/play/videos/especials-en-catala/montserrat-roig-lhora-violeta/4166718/

Leer más...

Francesca Woodman fotógrafa

Francesca Woodman (Denver, Colorado, 3 de abril de 1958 - Nueva York, Estado de Nueva York, 19 de enero de 1981), fue una fotógrafa estadounidense, nacida en el seno de una familia de artistas

A treinta años de su muerte, dos muestras  presentan diez fotografías inéditas de la precoz Francesca Woodman, artista que cimentó una carrera veloz y permanente, signada por la tragedia.

Se dice que escribía en diarios o viejos libros de contaduría acerca de hermosos hombres de jengibre, trufas de chocolate, duraznos y moras. Que la depresión la arrojaba en una pendiente autodestructiva, aun cuando –de niña– llevaba la humorada a flor de piel. Se dice que, de joven, soñaba con tomar imágenes de moda. Que su ego era obsesivo y su personalidad, frágil. Que sus autorretratos no se ofrecen como autorrevelación sino como actuación y posibilidad: la de explorar la inestabilidad de la identidad. Se dice que era una genia, una feminista, una surrealista, una gótica; luego, se le niegan los calificativos. Se dice que era precozmente madura o adolescentemente narcisista. Que sus piezas eran performáticas; que no lo eran. Que sus fotografías tenían la cualidad de la verdad y del dramatismo. Que amaba vestir ropa vintage mucho antes que estuviese de moda; que disfrutaba navegar por tiendas yanquis de segunda mano para hacerse de guantes largos, medias antiguas, pieles de zorro, vestidos. Que los suyos eran anti-retratos.

Como cualquier misterio que se repliegue sobre sí mismo, el de la fotógrafa Francesca Woodman ha generado muchos dichos; lo sigue haciendo. De hecho ha despertado polémica y debates durante las últimas tres décadas y, con cada nueva entrega de alguno de las 800 negativos que sus padres vigilan con recelo, el culto vuelve a alimentarse. Así y todo, la biografía no es extensa (tampoco necesita serlo): nació en Denver en 1958; viajó mucho (en especial, a Italia); cursó en la Abbott Academy y la Rhode Island School of Design; vivió en Roma; vivió en Nueva York. Fue modelo de pintores, asistente de fotógrafos, fotógrafa. Envió portfolios, sin éxito. Experimentó, leyó a Proust, amó a las heroínas victorianas. En vida publicó un libro –Some Disordered Interior Geometries– y luego murió sonoramente, unos días antes de que su padre artista inaugurara en el Guggenheim de NY una exposición colectiva. Cinco años más tarde, era conocida; mejor dicho, se volvía artista de culto.

Como bien es sabido, Francesca se suicidó con apenas 22 años, arrojándose –en 1981– por la ventana de su loft en el Lower East Side de Manhattan, Nueva York. Antes de hacerlo, escribía a uno de sus amigos: “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones... en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas”. El augurio rindió frutos: nadie ha sido capaz de borrar las “cosas delicadas” que reflejó su obra, donde ella misma se prestaba a la pose y se mimetizaba con el entorno; se desdibujaba en espacios derruidos por el tiempo, agrietados, destartalados, melancólicos; se ofrecía desnuda, sin artificios, con la cara expuesta o tapada en un directo visceral y extremadamente íntimo, donde oscilaba entre estar y no estar, entre sexualidad e inocencia, movimiento y quietud.

Le alcanzaron nueve años de disparos para dejar un legado que aún inquieta. De allí que cada nueva entrega de su obra sea un acontecimiento digno de cobertura; en especial cuando Betty y George, sus progenitores, han sido reacios a la hora de exponer su trabajo y lo hacen de a poco, cuidando el quién, el dónde, el cómo. Ocurrió, por ejemplo, que un curador del Palazzo delle Esposizioni, en Roma, los contactó diez años atrás, creyendo que se alegrarían con el pedido de presentar una caché con prints vintage inéditos para montar una retrospectiva de Francesca. Para su sorpresa, sin embargo, el dúo se negó: “En aquel entonces, nos dijo que tendría particular cuidado con sus piezas; que incluso había tenido cuadros de El Greco el año anterior. Entonces, le dijimos: ‘Bueno, pero El Greco no tiene a sus padres para cuidarlo’”.

Ahora, afortunadamente, más imágenes han comenzado a ver la luz; las más recientes, de hecho, ubican coordenadas en España y Estados Unidos. En la galería madrileña La Fábrica y hasta el 21 de enero, se erige Unseen Photographs and Selected Works, donde una decena de copias inéditas completan la muestra con otro tanto editado previamente. ¿El trayecto? Estrictamente temporal. Desde su primera fotografía –“Autorretrato a los 13” (1972)–, pasando por las imágenes tomadas durante la estudiantina del ‘75 al ‘78 en la Escuela de Bellas Artes de Rhode Island, la estancia en Roma (1977-1978), la residencia en la colonia Mac Dowell, en Peterborough, New Hampshire (1980) y la última etapa en Nueva York.

Mientras, hasta el 20 de febrero, el San Francisco Museum of Modern Art (Sfmoma), en Estados Unidos, hace lo propio, con la primera retrospectiva exclusivamente dedicada a FW en dos décadas. No sólo incluye las nuevas imágenes, cortesía de Betty y George; también suma paneles de discusión, charlas de curaduría y actividades varias. “Decisiva en su tiempo, sus fotografías conservan una inmediatez innegable y, treinta años después de su muerte, continúan inspirando a audiencias con su ambigüedad, las ricas exploraciones del retrato y su cuerpo en el espacio arquitectónico. Como artista, se implicó en las preocupaciones clave de su era –la feminidad y la subjetividad femenina, la naturaleza de la imagen–, pero con una profunda visión personal”, ofrece –desde la web– el team de Sfmoma. La muestra, vale mencionar, tendrá su merecido lugar en el Guggenheim de Nueva York en el próximo 2012.

MIRA QUIEN HABLA

Una vez, un amigo le preguntó por qué se fotografiaba obsesivamente; la respuesta de Woodman fue inesperadamente evidente: “Es una cuestión de conveniencia; siempre estoy disponible”, respondió ella. La réplica, sin embargo, no consuela a todos y, polarizando las aguas, algunos críticos la han calificado de narcisista y adolescente. Otros, en cambio, le han propinado elogios de genialidad, de rockstar, de talento que supo entregar imágenes acabadas con un giro: el de permitir deconstruir el proceso fotográfico.

Hay quienes aseguran que es la simplicidad de sus piezas la que habilita a que los historiadores del arte discutan sin cesar sobre el significado de su obra. Porque, así como el feminismo, también el surrealismo se ha alineado tras su trabajo, confiando en que aquel año que Francesca pasase en Roma entre el ‘77 y el ‘78, siendo habitué en una librería especializada en la corriente, hubiese impregnado su mirada sobre la realidad. También se la ha puesto bajo la lupa en nombre del arte conceptual, de la relación entre literatura y performance, del posmodernismo, del simbolismo. Incluso están los que sugieren que FW pertenece a la tradición del “gótico americano”, sosteniendo la opinión en su amor incondicional por Jane Eyre, observando cierto aire espeluznante y espectral en sus piezas.

Para la artista Cindy Sherman, FW difícilmente se hubiese pensado a sí misma como una feminista; en ese sentido habla de trabajos “orgánicos”, no “declaraciones”. George Woodman coincide con esta mirada y cree que, en ocasiones, se tiende a “sobreinterpretar” el trabajo de su hija. Para Rosalind Krauss, de la Universidad de Columbia, sin embargo, la historieta es otra; a su entender, la tendencia al camuflaje –presente en la obra de la fotógrafa– responde a un impulso feminista. ¿Cuál? El de disolverse en, digamos, el material de una casa de Rhode Island, como resistencia a la mirada masculina, rechazando los roles preconcebidos de género, donde la feminidad se iguala a domesticidad.

Así podría leerse “From Space” (1980), imagen en blanco y negro, originalmente impresa en gelatina de plata, donde, enmarcado por dos ventanas de las que sólo pueden verse fragmentos, aparece medio oculto –por los restos de un papel de flores– el cuerpo desnudo de una mujer. Apoyada en la pared, los pies desnudos, el piso de madera, las grietas por el paso del tiempo, es Woodman la que se metamorfosea con el entorno; permanece y huye a la vez. La atmósfera atemporal mezcla realidad y ficción. Es la condición misma de la existencia la que está en jaque.

Sea como fuere, más allá de las lecturas, es una obra que interpela sin aliento: la relación con el mundo exterior, el conflicto, la desaparición del yo, el borramiento, la fuerza del encuadre, lo fantasmagórico, la vulnerabilidad, el cuerpo femenino, habilitan sencillez y complejidad en igual medida. Y, como dicen por allí, la verdad yace en el ojo que la mira.

EL CLUB DEL CLAN

En su afán de contextualizar forma y fondo, la curaduría de La Fábrica –espacio español que inauguró la muestra dedicada a Woodman el pasado noviembre– ha expresado que el trabajo de la fotógrafa es frecuentemente situado junto al de contemporáneas como la cubana Ana Mendieta o la norteamericana Hannah Wilke. Tampoco han hecho caso omiso a generaciones posteriores que, por sus diálogos con el yo y la representación del cuerpo femenino, pueden asociarse al trabajo de Francesca. En esa línea, nombres como el de Sherman, Sarah Lucas, Karen Finley o Nan Goldin vienen al recuerdo.

Casualmente es Sherman, aquella mujer que pusiera en jaque el concepto de belleza, quien pronunciase –tiempo atrás– sus apreciaciones sobre el trabajo de Woodman: “FW se usó a sí misma orgánicamente, no para hacer una declaración”. Y aunque admite haber conocido la obra de Woodman apenas quince años atrás, hoy se reconoce una fanática: “Tenía poquísimos límites y hacía arte con prácticamente nada: habitaciones vacías con empapelados cayéndose y sólo su figura. Ninguna escenografía elaborada o puesta de luces. Trabajaba con lo que estaba frente a ella, a diferencia de otros fotógrafos –como yo misma– que necesitamos tiempo para planificar qué vamos a hacer”.

MI FAMILIA Y SUS DIBUJOS

Mientras la suerte ibérica deposita muestra en los parajes capitalinos de España, los norteamericanos han tenido su (doble) dosis de Francesca el pasado domingo, cuando la señal PBS estrenó en pantalla chica y a nivel nacional The Woodmans, film de C. Scott Willis, ganador del Tribeca Film Festival 2010, que inaugura cinta con escena granulada: una donde la mismísima fotógrafa se acerca a una hoja de papel, escribe su nombre y lo ofrece, desnuda. A la imagen inicial se suman otras (algunas exclusivas, otras de videos caseros de los ‘70, más documentos puestos a disposición para el documental).

“Tuvo tanto impacto emocional y una biografía que iluminó su obra”, ofrece el realizador a la hora de justificar el tópico de una composición fílmica que cuenta con un plus: acceso irrestricto a material inédito. Como sus diarios íntimos con entradas juguetonas (“Soy muy femenina en la moda rosa y de encaje”, escribía al momento de soñar con trabajar como fotógrafa fashion) y otras –por lo menos– inquietantes (“Lo real no me asusta; sólo lo que yace en mi mente”, asentaba cuando, mudada a Nueva York, no conseguía trabajo). Allí está la voz de Francesca Woodman: en sus escritos. “A menudo redactaba en libros de contabilidad del siglo XIX o sobre viejos diarios italianos que ya estaban escritos”, explica un Scott Willis sorprendido. Es que, en sus palabras: “En ellos uno descubre que su obra es mucho más vital de lo que parece, que no tiene tanto que ver con la ausencia como con la celebración de la vida. El arte era una religión para ella y su familia; quizá es ahí donde surge el problema”.

Sin embargo, tal como el título augura, The Woodmans no sólo se detiene en FW; es –también– la historia de Betty Woodman, ceramista experimentada, y George Woodman, pintor abstracto y docente en crítica de arte y el universo expresivo creado por ambos para su séquito: un mundo donde el valor absoluto yace en el arte, donde la incondicionalidad en el hacer responde al compromiso y a la inevitabilidad. “Jamás hubiera podido vivir con alguien que no le diera al arte la misma importancia que yo le asignaba. Sencillamente lo hubiese odiado”, explica Betty sobre el eje y la línea rectora de su familia.

De allí que los autodefinidos “inexpertos y extraños” padres en sus veinte sacaran a sus hijos del colegio y los alejasen de sus amigos para viajar alrededor del mundo y concurrir masivamente a cuanto museo se les topase. De allí, los veranos en Florencia. O el marco estimulante que rodeó a Francesca y Charles, su hermano mayor, quien luego se volviera profesor de arte electrónico en la Universidad de Cincinnati.

Con música compuesta por el ganador del Pulitzer, David Lang, el film completa panorama con declaraciones de amigos, colegas y especialistas. Por supuesto está la voz cantora de sus padres que, según la crítica, se expresan con “demasiada franqueza” en desmadre de cómo puedan ser percibidos. De hecho, muchos apuestan al culebrón y hablan de “competencia” y “celos”, argumentando con citas de George como: “Ella era tan buena que logró que mi propio trabajo pareciera un poco tonto. No me hubiera molestado recibir a mí también una porción de la torta”.

Otros, en cambio, rescatan el clima estimulante y la compresión de hecho; el factor –para nada menor– de que la propia Francesca jamás hubiera señalado a su entorno por su depresión. Al final de cuentas, como el documental retrata, en la última entrada de sus diarios, la fotógrafa garabatea: “No tiene nada que ver con no poder soportar la decepción en la gran ciudad, con las propias dudas o con que mi corazón se haya ido. Tampoco se trata de enseñarle a la gente una lección. Simplemente es otra cosa”. “Hay un riesgo psíquico en ser un artista. Quizás eso haya hecho su vida un poco más difícil”, ofrece el padre con el botón Rec encendido.

MI SECRETO ME CONDENA

Cuando, en una nota para el Telegraph británico, George habló de su hija, se refirió a ella como una mujer con un gran sentido del humor. Sí, la perturbada e inquietante Francesca, victoriana y precoz, abismal, gótica, inusual y tormentosa Woodman, una joven con sentido del humor. “Era una persona que conversaba animadamente, que usaba la ironía y la caracterización cómica a diario en sus discursos. Recuerdo que, con 10 años, prestaba particular atención al absurdo. Si íbamos a la carnicería, reparaba en cómo el carnicero tenía cara de cordero. Y cosas por el estilo”, asegura papá G sobre la petite F.

En miras de su desenlace final (ese suicidio), es difícil imaginarla de esa manera: alegre. De hecho, por el afán y la torpeza humanos de querer cargar (y juzgar) al arte por la biografía del artista, el trabajo de Francesca a menudo ha sido objeto de sensacionalismo. “Es a causa de los trágicos eventos que signaron su vida”, ofrece el otrora fotógrafo George (desistió en esa forma de expresión porque el territorio le parecía exclusivo de F). Al respecto, apuesta una hipótesis: “El trabajo de mi hija sufre un poco de lo que el trabajo de Van Gogh ha sufrido: la imagen de este loco que se cortó una oreja no es particularmente útil para comprender sus pinturas. Algunas personas se han vinculado tanto a su historia que, sin la tragedia, quizá no les interesarían sus fotos. Pero no creo que esa manera de ‘leer’ su obra sea productiva o correcta”. En eso, sin duda, hay que coincidir.

Por Guadalupe Treibel

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/las12/13-6971-2011-12-30.html
http://www.elpais.com/articulo/cultura/Vida/muerte/Francesca/Woodman/elpepucul/20110126elpepucul_5/Tes
http://es.wikipedia.org/wiki/Francesca_Woodman

http://art-agenda.com/shows/the-woodmans-provocative-portrait-of-photographer-francesca-woodman-and-her-artist-family/

Leer más...

Seneca Falls: la Primera Convención Feminista

El 19 y  el 20 de julio de 1848, trescientas personas se reunieron en una capilla de Seneca Falls (New York) para discutir una declaración sobre las condiciones y derechos sociales, civiles y religiosos de la mujer. Las inspiradoras y organizadoras: Lucretia Mott, Elizabeth Cady Stanton y Margaret Fuller. No es extraño que el feminismo haya nacido en el país que se originó en la modernidad, por ella y para ella. Los movimientos europeos fueron posteriores y miraban constantemente hacia Norteamérica como experiencia modelo. Mientras Marx y Engels decían en el Manifiesto Comunista (texto que se discutía febrilmente en Europa) que “la historia de todas las sociedades que han existido hasta nuestros días es la historia de la lucha de clases”, dividiendo así el mundo en explotadores y explotados, las mujeres norteamericanas proclamaban que “la historia de la humanidad es la historia de las repetidas vejaciones y usurpaciones por parte del hombre con respecto a la mujer,y cuyo objetivo directo es el establecimiento de una tiranía absoluta sobre ella”. Partieron ellas la humanidad entre hombres y mujeres; comenzaba entonces la guerra de los sexos. 

¿Quiénes eran esas mujeres? 

Las de 1848 fueron mujeres que heredaron la valentía e inconformidad de Abigail Smith Adams. Fervorosas militantes de una causa, organizaban conferencias populares, recogían firmas para solicitar a las Legislaturas la revisión de disposiciones injustas, se atrevían a concurrir a las elecciones a depositar un voto que no les era permitido. En fin, mas de una trifulca resulto de la actividad incansable de estas mujeres. Cualidad que caracterizaba a las mas importantes militantes feministas de esa época era su elocuencia; oradoras por excelencia, formadas en la pelea diaria, dejaron muy pocos testimonios o análisis escritos. 

Entre las muchas razones que explican la aparición de esta nueva “tribu” están: el auge del liberalismo, el ascenso vertiginoso de la clase media y el gran crecimiento económico que caracterizó a los EE. UU. en el siglo XIX. Tenemos, sin embargo, dos circunstancias ciertamente importantes: el debate encendido de leyes y códigos para regir la vida política, económica y social en permanente cambio para esos días; y el vinculo de las primeras contestatarias con movimientos religiosos tales como el Puritanismo y los Cuáqueros. Resulta que muchas de las pioneras y figuras claves del feminismo norteamericano eran cuáqueras, dos ejemplos relevantes son Lucretia Mott y Susan B. Anthony. Como muchos otros cultos perseguidos en Europa, los cuáqueros se asentaron en territorio de América del Norte y fundaron colonias, la mas famosa de ellas, Pennsylvania. Pero, ¿qué tenían de particular los cuáqueros?

Al igual que otras religiones, eran encendidamente fanáticos a su fe y normas de conducta - entre las cuales estaban: la práctica del pacifismo, la honestidad estricta, la negación al pago de contribuciones a cualquier iglesia (incluyendo la propia) y el no reconocimiento de los sacramentos -, siendo severamente vigilados en la observancia por sus propios correligionarios. Rechazaban toda intermediación con la deidad y de allí su negativa a aceptar la liturgia tradicional. Los cuáqueros sufrieron con el tiempo el mismo destino de innumerables sectas de la Norteaméricacolonial: fueron diseminados, subsumidos en la cambiante religiosidad del espíritu norteamericano, otras confesiones tomarían su lugar, fenómeno constante en la vida religiosa de los Estados Unidos. No obstante, algunos preceptos defendidos por los cuáqueros como el antiesclavismo y el igualitarismo (hombres y mujeres tenían los mismos deberes y derechos) permanecieron y fueron de capital importancia para la maduración entre sus filas de mujeres luchadoras. Otras características del culto cuáquero fueron importantes tales como la verbosidad de sus miembros y la desobediencia civil. 

¿Qué se discutía? 

En Seneca Falls se dio una denuncia fervorosa sobre la situación de minusvalía política, social, moral, religiosa y civil de las mujeres norteamericanas: 

En el plano político: 

* “El hombre nunca le ha permitido que ella disfrute del derecho inalienable del voto.” 

* “La ha obligado a someterse a unas leyes en cuya elaboración no tiene voz.” 

* “Le ha negado derechos que se conceden a los hombres mas ignorantes e indignos, tanto indígenas como extranjeros.” 

En lo social: 

* “Él (el hombre) ha monopolizado casi todos los empleos lucrativos, y en aquellos que ella puede desempeñar no recibe mas que una remuneración misérrima... No se la admite ni como profesor de medicina, ni de teología, ni de derecho.” 

* “Le ha negado la oportunidad de recibir una educación adecuada, ya que todos los colegios están cerrados para ella.”

En lo moral: 

* “Moralmente la ha convertido en un ser irresponsable, ya que puede cometer toda clase de delitos con impunidad, con tal de que sean cometidos en presencia de su marido.” 

* “Él ha tratado por todos los medios posibles de destruir su confianza en sus propias virtudes, de disminuir su propia estima, y de conseguir que esté dispuesta a llevar una vida de dependencia y servidumbre.” 

En lo religioso: 

* “Tanto la Iglesia como el Estado no le permiten que ocupe mas que una posición subordinada, pretendiendo tener una autoridad apostólica que la excluye de todo ministerio.” 

En lo civil: 

* “Si está casada, la ha dejado civilmente muerta ante la ley.” 

* “Después de despojarla de todos los derechos como mujer casada, si es soltera y posee fortuna, esta se ve gravada con impuestos para sostener un gobierno que no la reconoce más que cuando sus bienes pueden ser rentables”... 

Los siguientes fueron los acuerdos mas importantes aprobados en esa primera asonada feminista: 

1.- Que todas aquellas leyes que sean conflictivas en alguna manera con la verdadera y sustancial felicidad de la mujer, son contrarias al gran precepto natural y no tienen validez. 

2.- Que todas las leyes que impidan que la mujer ocupe en la sociedad la posición que su conciencia le dicte, o que la sitúen en una posición inferior a la del hombre, son contrarias al gran precepto de la naturaleza y no tienen validez, pues este precepto tiene primacía sobre cualquier otro. 

3.- Que la mujer es igual al hombre - que así lo pretendió el creador - y que por el bien de la raza humana exige que sea reconocida como tal. 

4.- Que las mujeres de este país deben ser informadas en cuanto a las leyes bajo las cuales viven; que no deben seguir proclamando su degradación, declarándose satisfechas con su actual situación, ni su ignorancia, aseverando que tienen todos los derechos que desean. 

5.- Que puesto que el hombre pretende ser superior intelectualmente y admite que la mujer lo es moralmente, es preeminente deber suyo animarla a que hable y predique en todas las reuniones religiosas. 

6.- Es deber de las mujeres de este país asegurarse el sagrado derecho del voto. 

7.- La igualdad de los derechos humanos es consecuencia del hecho de que toda la raza humana es idéntica en cuanto a capacidad y responsabilidad.” 

(Nota: Las citas son del libro de Amalia Martín Gamero: Antología del Feminismo, Madrid, Alianza, 1975.)

Cynthia Wikander 

(Correo A # 28, noviembre 1995, pp. 12-13)

http://correoa.blogspot.com/2010/10/recordando-seneca-falls-la-primera.htm

http://intercambia.educalab.es/wp-content/uploads/oldIntercambia/archivos_secciones/141/INTLEGdeclaracionseneca.pdf

Leer más...

Yvonne Domenge escultora de México

Yvonne Domenge Gaudry (México, D. F., 1946 – 27 de septiembre de 2019) fue una escultora mexicana cuyas obras forman parte de varias instituciones tanto a nivel nacional como internacional.

Yvonne Domenge nació en Distrito Federal, México, donde estudió artes plásticas así como en Montreal y en Washington D. C.. Igualmente, cursó la carrera de desarrollo humano en la Universidad Iberoamericana.

Tras esto, ha impartido cursos y talleres además de ser la coordinadora de proyectos socioeconómicos relativos a zonas de escasos recursos de Distrito Federal. Asimismo, ha participado en exposiciones tanto a nivel nacional como internacional llevadas a cabo en sitios como el Museo de Arte Contemporáneo de Monterreyy el Museo del Louvre. En 2004, fungió como creadora artística del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Sus esculturas se hallan en numerosas instituciones tanto a nivel nacional como internacional entre ellos el Palacio Nacional de Distrito Federal, México., el Instituto Nacional de Investigaciones Nucleares, el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, el Tecnológico de Monterrey, Campus Estado de México, la Universidad Autónoma Metropolitana, mientras que en el extranjero figuran las ciudades estadounidenses de Washington D. C. (en el Banco Mundial), San Francisco (en las empresas PG & Energy Services Company y Novell Inc.) y San Ramón, ambas en California, así como Japón (en el Toyamura General Center desde 1997) y la Ciudad internacional universitaria de París. Ha contribuido además en el diseño de varios jardínes ubicados en Veracruz y Distrito Federal. Se dedica a impartir clases de apreciación artística.

En septiembre de 2010, para celebrar los cien años de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), contribuyó con la creación de una escultura alusiva a la pandemia de gripe A (H1N1) de 2009

En abril de 2011, se convirtió en la primera mexicana en participar con algunas de sus esculturas en el Millennium Park, de Chicago, Estados Unidos, en una exposición que habría de durar dos años. Entre las obras seleccionadas figuran Listón de Tabachín, Esfera de coral, Olas de viento y Árbol de vida. Para su construcción y traslado a Chicago, los gastos fueron cubiertos por el propio Millennium Park y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Tras el término de la muestra, las obras serían trasladadas a diferentes museos de arte contemporáneo de esa ciudad.

http://es.wikipedia.org/wiki/Yvonne_Domenge

Leer más...

Joy Harjo poeta

Joy Harjo ( Tulsa, Oklahoma ,  9 de  mayo de1951) es un nativa americana poeta, música y autora de la ascendencia. Conocida sobre todo como poeta, Harjo también ha enseñado a nivel universitario, tocaba el saxofón alto con una banda llamada justicia poética ,ha editado revistas literarias, y escrito guiones . Es miembro de la Muscogee (Creek) . Se graduó en el  Taller de Escritores de Iowa en la Universidad de Iowa .

En 1995, Harjo recibió el Lifetime Achievement Award del Círculo de Escritores indígenas de las Américas

I am a dangerous woman

The sharp ridges of clear blue windows

motion to me

from the airport's second floor.

Edges dance in the foothills of the Sandias

behind security guards

who wave me into their guncatcher machine.

I am a dangerous woman.

When the machine buzzes they say

to take off my belt,

and I remove it so easy

that it catches the glance

of a man standing nearby.

(Maybe that is the deadly weapon

that has the machine singing.)

I am a dangerous woman,

but the weapon is not visible.

Security will never find it.

They can't hear the clicking

of the gun inside my head.

en How we became human, New York-London: W.W.Norton, 2002

~~~~~~~~~~~~~~~

Soy una mujer peligrosa.

Las nítidas cadenas de ventanas azules

me llaman

desde el segundo piso del aeropuerto.

Unos bordes bailan al pie de las Montañas Sandía

detrás de guardias de seguridad

que me dirigen hacia su máquina cazadora de pistolas.

Soy una mujer peligrosa.

Cuando la máquina zumba me dicen

que me saque el cinturón,

y me lo saco con tanta facilidad

que atrae la mirada

de un hombre parado ahí cerca.

(Quizá ésa es el arma mortal

que hizo sonar la máquina.)

Soy una mujer peligrosa,

pero el arma no es visible.

Los de Seguridad no la van a encontrar nunca.

No pueden oír el click

de la pistola que está dentro de mi cabeza.

Fuentes :

 That's What She Said: Contemporary Poetry and Fiction by Native American Women, edited by Rayna Green, Indiana University Press, 1984

http://en.wikipedia.org/wiki/Joy_Harjo
http://books.google.com/books?id=S2ODW3K4Se0C&printsec=frontcover&dq=%22when+the+machine+buzzes+they+say&hl=es

http://mitakuyeoyasinn.blogspot.com/2007/12/joy-harjo.html

Leer más...