Amalie Auguste Melitta Bentz (31 de enero de 1873 – 29 de junio de 1950), nacida Amalie Auguste Melitta Liebscher, fue una inventora y emprendedora alemana, que desarrolló el filtro de café en 1908. Melitta nació en Dresde, y era hija de un editor.
Siendo ama de casa, Bentz descubrió que los coladores solían quedarse cortos a la hora de filtrar el cafe, dejando restos en la bebida y las bolsas de lino eran difíciles de limpiar. Probando diversas alternativas, terminó usando papel secante del libro de ejercicios escolares de su hijo Willi y un tarro de latón perforado utilizando una uña. Al obtener un café libre de impureza y de sabor menos amargo que obtuvo gran éxito, decidió montar un negocio dedicado a ello. El Kaiserliche Patentamt (Oficina de Patente Imperial) le concedió una patente el 20 de junio de 1908 y el 15 de diciembre la compañía fue matriculada en el registro comercial con 73 Pfennig bajo el nombre "M. Bentz". Después de contratar un estañista para fabricar los dispositivos, vendieron 1.200 filtros de café en la Feria de Leipzig de 1909.
Su marido Hugo y sus hijos Horst y Willi estuvieron entre los primeros empleados de la compañía. En 1910, la compañía ganó una medalla de oro en la Exposición Internacional de Higiene y una medalla de plata de la Asociación de Hosteleros Sajones. Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, se requisó el material para su uso en la construcción de zepelines, su marido fue conscripto y destinado a Rumanía, el papel fue racionado y la importación de café se volvió imposible debido al bloqueo británico, interrumpiéndose el negocio. Durante este tiempo sobrevivió vendiendo cartón.
Retomar el negocio les llevó a trasladarse a Dresde. Para 1928 la demanda de sus productos era tan alta que sus 80 trabajadores tenían que trabajar turnos dobles. Al no poderse encontrar emplazamientos para seguir creciendo allí, se trasladaron en 1929 a Minden en Westfalia oriental. Por aquel entonces la empresa había producido más de 100.000 filtros.
Su hijo Horst tomó el control de la compañía, que pasó a ser "Bentz & Sohn" en 1930. Melitta le cedió la mayoría de sus participaciones pero se mantuvo en el negocio, velando por sus empleados. Recibieron aguinaldos de Navidad, un aumento de los días de vacaciones de 6 a 15 días por año y una reducción de la semana laboral a 5 días. Bentz creó el “sistema Melitta” de previsión, un fondo social para empleados de compañía.
Después del estallido de Segunda Guerra Mundial, la producción paró de nuevo y la compañía recibió órdenes de colaborar con el esfuerzo bélico. Tras terminar la guerra los trabajadores fueron reubicados en diversas instalaciones improvisadas al convertirse la fábrica en una sede provisional de la administración aliada, uso que mantuvo durante doce años. Para 1948, la producción de filtros y papel fue retomada y a su muerte en Holzhausen en Porta Westfalica en 1950, la compañía había alcanzado los 4,7 millones de marcos alemanes.
Los descendientes de Melitta Bentz, todavía controlan el Grupo Melitta KG, con sede en Minden en el este Renania del Norte-Westfalia, con 3.300 empleados y 50 compañías.
Ana María Iza (Quito, 29 de Enero de 1941- 10 de diciembre de 2016). Fue una de las poetas más reconocidas e importantes del Ecuador. Licenciada en Ciencias de la Comunicación, ejerció su labor de periodista sobretodo en la radio.
Consta en las más trascendentales antologías del país y América Latina. Ha obtenido importantes premios: el Premio Nacional de Poesía Ismael Pérez Pazmiño convocado por el diario El Universo de Guayaquil en los años 1967, 1974, 1984 y 1995; premio único de la séptima edición de "El poeta y su voz" (Manabí 2003); primera bienal de poesía Juegos Florales (Ambato 1995).
Suspendió los estudios universitarios para ingresar al Conservatorio Nacional de Música.
Formó parte de la selección de seis poetas ecuatorianos que aparecieron en "Young poetry of the American", edición de la Unión Panamericana, de Washington.
Su obra Poética está contenida en los siguientes volúmenes: Pedazo de nada (1961), Los cajones del insomnio (1967), Puertas inútiles (1968), Heredarás el viento (1974), Fiel al humo (1986), Reflejo del sol sobre las piedras (1987), Papeles asustados (1994- 2005), Herrumbre persistente (1995).
Carta a mí misma
¿Recuerdas
cuando era el teléfono un pájaro
cantando en el alambre... ?
Nunca creíste
que sólo se trataba de un vil artefacto.
Eras insoportable.
Por eso hasta quisiste un lunes
regalarte.
Tenías la mirada llena de barcos.
Dabas de comer
a los perros del parque
y te sabías de memoria el número
de árboles,
a fuerza de ser viento,
de ser hoja,
de husmear
no sé qué estrella entre las ramas.
Eras
un raro espécimen,
una degeneración futura,
un grifo siempre yéndose,
ya ni sé qué decirte,
eras
algo bastante feo que me gustaba.
Te pregunto,
por preguntarte,
porque sí,
porque llueve
y algún entremetido te ha empujado:
¿Qué harías si te dejara libre,
si de un manotón quitara la montaña ...?
De ley
irías a refugiarte en la ternura,
a estrellarte en el borde de un retrato.
A escabar en el suelo un sucio anillo
del que nacieron rosas,
lombrices,
telarañas.
Tú,
siempre serás tú.
No habrá abracadabra que te cambie.
No habrá
reencarnación que te libre del lodo de los sueños.
Magda Tagliaferro (19 de enero de 1893, Petrópolis - 9 de septiembre de 1986, Río de Janeiro) fue una pianista francobrasileña.
Comenzó estudiar el piano a los cinco años de edad con su propio padre. Con nueve años debuta en público en la ciudad de Sao Paulo. Pero debido a problemas de salud de su padre, deciden trasladarse a París. Tagliaferro fue una niña prodigio. En 1906 ingresó en el Conservatorio de París, donde obtuvo en tan solo ocho meses el Primer Premio de piano. Causó profunda impresión en Albéniz que formaba parte del jurado. Alfred Cortot la aceptó como alumna en el conservatorio y sería, según ella, el “gran maestro de toda su vida”.
El compositor Gabriel Fauré ya la había observado con suma atención y la llamó “la petite brésilienne”. Magdalena hizo algunas giras por el interior de Francia, tocando en varias localidades e interpretando distintas composiciones de este compositor. Con el paso del tiempo desarrolló una gran amistad con cada uno de los integrantes del famoso trío Cortot Thibaud Casals. También hizo música de cámara con los violinistas Jules Boucherit, Denise Soriano y con Georges Enesco. Formó dúos de piano con Edouard Risler y Gabriel Fauré, y tocó a menudo en España, especialmente con Boucherit durante los años de la primera guerra mundial.
Magdalena Tagliaferro se abrió un espacio en la sociedad musical francesa y fue cercana de Ravel, D´Indy, Poulenc, y Reynaldo Hahn, el cual le dedicó su Concerto pour piano et orchestra que ella registró en disco de 78 RPM en 1937. Antes de la guerra civil dio numerosos conciertos en España, haciéndose amiga de los compositores españoles. Fue la primera pianista en grabar a Mompou, mediante el cual ganó un Gran “Prix du Disque”. También grabó con gran éxito la famosa Ballade pour piano et orchestra de Gabriel Fauré. Conoció a Serguéi Prokófiev, el cual le dio una copia de su Concierto para piano y orquesta n.º 3. Tagliaferro fue profesora en el Conservaoire Supérieur de Musique de Paris de 1937 a 1939.
En el año 1939 el gobierno de Francia la envía a los Estados Unidos para difundir la música francesa. Pero la mayor parte del tiempo que transcurrió la Segunda Guerra Mundial la pasó en su país de origen, Brasil, en donde se dedicó a dar una gran cantidad de conciertos. El aporte musical de esta pianista fue tan grande que el público habló de “la revolución Tagliaferro”.
Durante su estancia en Brasíl creó la “Escuela Tagliaferro” en la cual se formó una nueva gran generación de pianistas como Nellie Braga, Lina Pires de Campos, Edda Fiore, Maria Eliza Figueiredo, Zulmira Elias, Georgette Pereira, Menininha Lobo, Helena Plaut, Flavio Varani, Caio Pagano, Daisy de Luca, Eudóxia de Barros, Isabel Mourão y otros. Estos pianistas desarrollaron la llamada técnica Tagliaferro, la cual consistía en la aplicación de lo que había elaborado en su momento su maestro Cortot: gran relajación muscular y en la cual los codos desempeñaban un importante papel. Magda Tagliaferro se constituyó en un verdadero hito en el desarrollo del mundo pianístico del Brasil. Su compatriota Heitor Villa Lobos le dedicó varias obras pianísticas.
En 1949 vuelve a Francia. En 1956 empieza en París los cursos públicos, y en 1958, gracias a los fondos de la familia Tinoco, se fundó en París la Academia Internacional Magda Tagliaferro. Entre los profesores figuraban varios de sus antiguos alumnos como: Isabel Tinoco, Claudine Perretti, Sylvia Tuxen-Bang y Josette Chossat. Entre los principales alumnos de Magda Tagliaferro figuran: Pnina Salzman, Wladislaw Kedra, Jeanne Demessieux, Flavio Varani, Caio Pagano, Gilberto Tinetti, Oriano de Almeida, Daisy de Luca, Jorge Luis Prats, Enrique Pérez de Guzman, Cristina Ortiz, Raul Sosa, James Tocco, Pía Sebastiani y Alain Bernheim.
Tocó en conciertos bajo la batuta de directores como Wilhelm Furtwängler, Ernest Ansermet, Charles Münch, Pierre Monteux y Paul Paray.
En 1979 nuevamente viaja a los Estados Unidos en donde actúa con gran éxito, que se compara a los éxitos obtenidos por Vladimir Horowitz. La crítica destacaba su carisma, su gran personalidad, su técnica brillante, pasión, claridad conceptual, pero también su gran respeto o fidelidad a la partitura.
Discografía seleccionada
Reediciones en CD
1991 Magda Tagliaferro Revival (Brasil) ECHO (compilado por Philippe Rougier)
1991 Villa-Lobos par lui-même (Francia) EMI (caja de 6 CD)
1993 Le piano français de Chabrier à Debussy (Japón) Erato
1994 Magda Tagliaferro, grande dame du piano français (Francia) Philips (caja de 3 CDs)
1994 Piano brasileiro (Brasil) Funarte (CD duplo)
1996 Magda Tagliaferro (Francia) EMI (CD duplo)
1997 Classiques favoris (Francia) Sony
1997 A Arte pianistica de Magda Tagliaferro (Brasil) Echo
1998 Magda Tagliaferro volume 1 (Francia) Dante
1998 Magda Tagliaferro volume 2 (Francia) Dante
2000 Magda Tagliaferro (Brasil) Master Class
2001 Magda Tagliaferro (Reino Unido) Pearl
2001 Robert Schumann - Andante
2003 The Most Relaxing Piano Album in the World...Ever! - EMI Classics
2004 Masters of the Keyboard - DGG
2004 Fréderic Chopin' - Solo Piano - Volume I - Andante
Regina Silveira (Porto Alegre, 18 de enero de 1939) es una artista brasileña. Trabaja con luces, sombras y distorsiones para explorar nociones de realidad a través de construcciones geométricas. En su trabajo, tiene preferencia por los juegos perceptivos y de continuidad en el espacio físico. A lo largo de su trayectoria ha utilizado diversos medios de comunicación y expresión, aunque se ha enfocado principalmente en la videografía, el dibujo, la pintura y las técnicas de grabado. Ha vivido, trabajado y estudiado principalmente en São Paulo. Sus obras se han expuesto en Europa y el continente americano, por lo que gran parte de su trabajo se encuentra en colecciones públicas. Puede ser considerada una de las más influyentes artistas latinoamericanas de su generación. En sus trabajos, Silveira trata de hacer pensar a los espectadores sobre el modo donde están, literalmente, viéndolo.
Silveira nació en Porto Alegre, Brasil, pero ha pasado la mayor parte de su vida en São Paulo. Comenzó a estudiar artes en 1950. Estudió pintura, litografía y xilograbado. Entre sus profesores se encuentra el pintor brasileño Iberê Camargo. En los años 70 experimentó con técnicas de grabado y fotocomposición, así como con vídeo y recientemente realidad virtual.
En 1959, Regina se graduó en Bellas Artes en el Instituto de Artes del Universidade Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS). Inició una carrera artística, durante la cual completó una maestría en Bellas Artes en 1980, y un doctorado en la Escuela de Comunicación y Artes de la universidad de São Paulo (ECA-USP) en 1984. Estudio en la Facultad de Filosofía y Letras de Madrid.2 Práctico como becaria del Instituto de Cultura Hispánica en 1967. Desde su graduación, Silveira ha sido profesora en diversas instituciones educativas en Brasil, lo cual le ha permitido mantenerse continuamente dentro del sistema del arte mientras perfeccionaba su práctica artística.
Regina Silveira ha sido profesora entre 1964 y 1969, en el Instituto de Artes de la Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFGRS), institución en la que se había graduado anteriormente. Desde 1969 hasta 1973 enseñó en el Campus de Mayagüez de la Universidad de Puerto Rico.
Silveira recientemente se ha involucrado en la realidad virtual, ha realizado dos obras en colaboración, Infinities y Odisseia.
Ha estudiado por más de 30 años la representación de la imagen visual por medio de sus trabajos y también el significado de la realidad misma.
En un momento tuvo la necesidad de cambiar re-orientar de creación de sus formas, yendo de lo análogo a lo digital , a partir de la obra Encuentro (1991) ya que ella necesitaba realizar una pieza a mayor escala y mayor precisión lo cual logró realizando el diseño con un medio digital.
En su carrera ha indagado la percepción de la realidad y los motivos de las imágenes visuales. Su terminología artística contiene distintos modos de representación en perspectiva, la cual circunscriben Skiagraphia (es el estudio de las sombras) y la obtención de las mismas de objetos comunes para crear dualidad y tensión.
En 1973 aceptó un puesto de docente en la Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP-SP). Mantuvo esta posición hasta 1985. Finalmente, Silveira se retiró después de una larga carrera en el Departamento de Artes Plásticas de la Escuela de Comunicaciones y Artes en la Universidade de São Paulo.
El trabajo artístico de Regina Silveira hace un uso conceptual de la instalación y las técnicas de grabado e impresión. Sus primeras pinturas fueron realizadas en muros, en ocasiones site-specific. Posteriormente desarrolló ilusiones ópticas y espaciales que incorporaron imágenes producidas digitalmente en paredes y habitaciones enteras. Silveira ha utilizado el grabado y las técnicas de impresión para explorar el impacto y la distorsión visuales a través de un empleo provocador de las luces y las sombras.
El trabajo de Silveira gira alrededor de la idea de que hay una tensión entre el movimiento y la perspectiva espacial del sujeto. Esto permite a la artista realizar sus ideas y motivos en formatos muy diversos. Emplea usualmente connotaciones políticas para dar un significado más profundo a su trabajo.
Uno de sus trabajos más representativos es In Absentia (1983), presentado en la 17ª Bienal de São Paulo. En él, dos siluetas de readymades de Marcel Duchamp llenaban la habitación con sombras en perspectivas forzadas, que apuntaban a la ausencia de los readymades sobre unos pedestales vacíos.
El vocabulario visual de la artista explora el simulacro entre la ausencia y la presencia. Para ello ha utilizado elementos como sombras, huellas, y marcas de neumáticos.
Silveira ha realizado numerosas instalaciones internacionales. Es conocida por su uso innovador del espacio en galerías y museos, como por ejemplo en sus instalaciones en espacios vacíos de oficinas en Houston, Texas. No sólo ha experimentado con la idea de espacio y percepción, sino también con la luz y su ausencia —la sombra—. En este tipo de exploraciones de luces y sombras en relación con objetos implican la inmersión del espectador.8 Trabaja habitualmente con la intangibilidad, que por ello poseen una naturaleza moldeable. En su trabajo son distorsionadas intencionalmente y permiten crear cierta imagen cuando son vistas desde un ángulo concreto. En las escenas creadas por Silveira se trabajan las ausencias y presencias. En Desaparencia (1997-2001), describe un caballete y una banqueta, literalmente, pero usando líneas de puntos, cuya presencia indica al mismo tiempo la presencia y la ausencia del objeto de arte, dirigiendo al espectador a una interesante dicotomía.
Silveira es representada por la Galería Sicardi en Houston, Texas. Reside y trabaja en São Paulo, Brasil.
Ha presentado una serie de trabajos en el ámbito virtual y visual. Ambos campos de índole digital, por lo que con ayuda de distintos artistas ha presentado obras que cuentan con su propia firma. Donde la geometría toma el papel principal y se encarga de mantener la atención del espectador por medio de herramientas como la realidad virtual o el uso de la imagen con el uso de pantallas. Obras como Odisseia o Dobra se encargan de usar al máximo la plataforma en la que se presentan y cuentan con sonidos ambientales y envolventes para conseguir una inmersión completa.
Marta María Matamoros Figueroa (Ciudad de Panamá, 17 de febrero de 1909 - ib, 28 de diciembre de 2005) fue una sindicalista panameña, defensora de los derechos sindicales de las mujeres obreras en Panamá, militante política y modista de profesión. Dentro de su lucha por mejorar las condiciones laborales de las obreras en Panamá destacó la incorporación del fuero de maternidad de 14 semanas para trabajadoras y obreras en el primer Código de Trabajo de Panamá.
Marta Matamoros era modista de profesión. En 1945 se afilia al Sindicato de Sastres y Similares, en una época en que la participación sindical de las mujeres era escasa y logró escalar posiciones hasta convertirse en Secretaria de Finanzas. En 1946 organizó una huelga de trabajadores que duró treinta y ocho días en la fábrica Bazar Francés, en donde laboraba, para exigir mejores condiciones salariales y de trabajo. En 1947 participó en la movilización de rechazo del Convenio Filós-Hines que cedía territorios panameños para bases militares estadounidenses y en la Marcha del Hambre y la Desesperación de Colón. Más tarde, en 1951 fue elegida por un año como Secretaria General de la Federación Sindical de Trabajadores (hoy Central Nacional de Trabajadores de Panamá), convirtiéndose en la primera mujer en ocupar ese cargo.
En una entrevista con la socióloga Jacqueline Candanedo realizada en la década del 90, la misma Marta declaró lo siguiente en relación a este proyecto: ‘Lo hicimos con ayuda de otras compañeras. Conseguimos miles de firmas. Cada mujer se interesó por recoger firmas de otras mujeres, obreras, amas de casa'.
En la misma entrevista, la sindicalista relata que los patrones no estaban contentos con la idea del fuero maternal y que este periodo de lucha fue muy dura: ‘Los patrones ultrabajaban a los obreros y los humillaban acusándolos de querer que les pagaran los hijos'.
Pero las mujeres obreras siguieron adelante en su lucha. Al tener listo el ante proyecto, hicieron una ‘gran manifestación' (relata Matamoros) para llevar el proyecto a la Asamblea Nacional.‘
Yo encabecé la lucha para presentar el anteproyecto de protección de la maternidad obrera, que pedía un fuero de seis semanas antes del parto y ocho semanas después con salario y descanso remunerado', expresó la sindicalista a la periodista Celia Jurado en una entrevista publicada por la revista Diálogo Social posteriormente. De acuerdo con este relato, cerca de quinientos obreros desfilaron hasta la Asamblea de la Republica para presentar el proyecto.‘Ester Neira de Calvo y Gumercinda Páez recibieron nuestra demanda y nosotros nos quedamos haciendo barra', añadió la costurera.
‘Me cabe la satisfacción de que fui la que propuse eso. Fue mi afán y lo conseguimos. El mismo proyecto fue aprobado gracias al compromiso de las diputadas'.
Aunque no pudimos localizar la fecha de la manifestación descrita por Matamoros ni un registro de la época que uniera a las tres mujeres protagonistas de este relato, un artículo publicado por la Estrella de Panamá en diciembre del año 1945 reporta, entre los avances de los debates de la Constituyente, la aprobación de lo que posteriormente sería el artículo 71 de la Constituciòn de 1946 (provisionalmente artículo 65ª).
Este dice así: "Se protege a la maternidad obrera. La mujer en estado de gravidez no podrá ser separada de su empleo durante las cuatro semanas que preceden inmediatamente al parto y las ocho que la siguen, gozará de descanso forzoso retribuido igual que su trabajo, conservando el empleo y todos los derechos anexos al mismo y correspondientes a su contrato de trabajo. Tampoco perderá su trabajo si durante alguna enfermedad profesional por consecuencias de su estado. (Artículo promovido por la diputada Neira de Calvo)"•
El fuero maternal sería regulado posteriormente en el Código de Trabajo de 1947.
Honores
El Gobierno de Panamá, a través de Decreto Ejecutivo No. 81 del 18 de mayo de 2006 creó la Condecoración Nacional de la Orden Marta Matamoros como "un homenaje a una mujer íntegra, de grandes virtudes ciudadanas y ejemplar trayectoria social, política, cultural; de beligerancia para la consecución de sus ideales, que ha contribuido al fortalecimiento de la nación panameña y a la consolidación de los derechos sociales y de equidad de género".
En el año 2001, el Instituto de la Mujer de la Universidad de Panamá, dio su nombre al Centro de de Documentación Especializado en Género.
Orden Gran Cruz otorgada por el gobierno de Panamá en el año 1994.
Reconocida por el Municipio de Panamá y la Junta Comunal de Santa Ana como Hija Meritoria de la Ciudad Capital.
La Universidad de Panamá la reconoció como una de las 100 mujeres destacadas durante el Centenario de la República de Panamá.
En 2017 la directora de cine Delfina Vidal realizó el documental La Matamoros1415 en honor a esta sindicalista panameña. Fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Panamá, llevándose el premio a mejor película de Centroamérica y el Caribe
Elena Arizmendi Mejía (18 de enero de 1884–1949) fue una feminista mexicana que fundó la Cruz Blanca Neutral durante la Revolución Mexicana, institución que brindaba atención médica a los soldados rebeldes. Fue de las primeras activistas del feminismo en el país y también creó organizaciones como «Las Mujeres de la raza» y la Liga Internacional de Mujeres Ibéricas e Hispanoamericanas en colaboración con Sofía Villa de Buentello.
Elena Arizmendi Mejía nació el 18 de enero de 1884 en la Ciudad de México, hija de Jesús Arizmendi e Isabel Mejía, miembros de una familia con privilegios. Era nieta del general de división Ignacio Mejía, que fungió como Ministro de Guerra y Marina durante el régimen del presidente Benito Juárez. Su bisabuelo era el teniente coronel Manuel Cristóbal Mejía, que luchó en la guerra de Independencia de México en el ejército de Agustín de Iturbide. Arizmendi pasó parte de sus primeros años con su abuelo en Oaxaca y volvió a la Ciudad de México a los ocho años donde realizó sus estudios. Cuando su madre murió en 1898, Arizmendi se hizo cargo de sus cinco hermanos y la casa. Cuando su padre se volvió a casar en 1900, Arizmendi contrajo matrimonio apresuradamente con Francisco Carreto, pero la unión se derrumbó rápidamente y decidió estudiar enfermería.
Su familia tenía estrechos vínculos con Francisco I. Madero y la escuela en la que estaba inscrita Arizmendi estaba al lado del refugio de Madero en Texas. En 1910 estudiaba en la escuela de enfermería del Hospital Santa Rosa (que ahora es la escuela de enfermería de la Universidad del Verbo Encarnado) en San Antonio, Texas, cuando estalló la Revolución Mexicana. El 17 de abril de 1911, unas semanas antes de su graduación, Arizmendi volvió en tren a la Ciudad de México para ayudar a los combatientes heridos, ya que la Cruz Roja Mexicana se negó a prestar ayuda a los insurgentes. Arizmendi organizó una reunión personal con el jefe de la Cruz Roja, quien reiteró la negativa a apoyar a revolucionarios. Decidida a ayudar a sus compatriotas, Arizmendi fundó una organización y con su hermano Carlos reunió estudiantes de medicina y enfermería para organizar la Cruz Blanca Neutral.
Formaron una asociación bajo los lineamientos de los Convenios de Ginebra y Arizmendi se dedicó a recaudar fondos, con la ayuda de celebridades como María Conesa, Virginia Fábregas y Leopoldo Beristáin. Después de numerosos eventos consiguieron fondos suficientes para establecer un hospital de campaña que se estableció el 11 de mayo de 1911 en Ciudad Juárez, Chihuahua. Arizmendi y Carlos, formaron la primera brigada con los doctores Ignacio Barrios y Antonio Márquez y las enfermeras María Avon, Juana Flores Gallardo, Atilana García, Elena de Lange y Tomasa Villareal. La segunda brigada, liderada por el doctor Francisco, partió al día siguiente y el día 14 una tercera brigada, dirigida por el doctor Lorenzo y diez enfermeras que incluían a Innocenta Díaz, Concepción Ibáñez, Jovita Muñiz, Concepción Sánchez, María Sánchez, Basilia Vélez, María Vélez y Antonia Zorilla. Al llegar a Juárez encontraron una gran devastación y Arizmendi tuvo otra vez que reunir fondos. A finales de 1911, la Cruz Blanca Neutral estableció 25 brigadas en todo México. Arzimendi fue elegida como la primera socia mujer de la Sociedad Mexicana de Geografía y Estadística, pero ella rechazó el honor; sin rembargo aceptó una medalla de oro por su dedicación a brindar ayuda a los heridos concedida por la Gran Liga Obrera.
Arizmendi era admirada por su filantropía, pero criticada por su liderazgo en una época en que las mujeres debían ser dóciles y sumisas. Hubo ataques a su administración de la Cruz Blanca, como cuando se tomó una fotografía en broma con las cananas revolucionarias cruzadas que utilizaban los soldados y soldaderas y fue acusada de violar la neutralidad de la organización de salud.
Durante la época revolucionaria, tuvo un largo romance con José Vasconcelos, que era casado y tenía dos hijos; se le ha descrito como «la primera de sus muchas amantes en la vida, pero sin duda su más intensa y locamente amada aventura». Arizmendi huyó de México para los Estados Unidos en 1915, se refugió brevemente en un convento en Victoria, Texas, para ocultarse del escándalo público que causó su relación con Vasconcelos. Más tarde se estableció en Nueva York, donde finalmente terminó la relación. Según Enrique Krauze, Arizmendi acompañó a Vasconcelos a Lima, Perú, y rompió la relación mientras este se preparaba para regresar a México. Vasconcelos escribió sobre ella en su autobiografía, La Tormenta, donde le da el seudónimo de «Adriana». Según Krauze, la descripción de Vasconcelos de la relación «es la representación más famosa de "locura de amor" en la literatura mexicana». Cuando Arizmendi estaba en Nueva York, Vasconcelos intentó reconciliarse con ella sin éxito.
Rodeada por feministas en Nueva York, reconoció la perspectiva anglosajona de las feministas europeas y estadounidenses. Con la intención de dar voz a las mujeres latinas, fundó una revista feminista que fue nombrada Feminismo Internacional y comenzó a publicar artículos que reflejaban las versiones hispanas del feminismo. También fue cofundadora, junto a Sofía Villa de Buentello, de una unión cooperativa en 1923, denominada «Mujeres de la raza», con el objetivo de unir a las mujeres de latinas en la lucha por sus derechos. En ese tiempo, América Latina era vista como el siguiente «escenario», ya que el sufragio femenino se había conseguido en Europa y Estados Unidos. Después de asistir a la Conferencia Panamericana de Mujeres de 1922, Arizmendi comprendió que las europeas y norteamericanas no entendían las realidades culturales de las mujeres hispanas. Villa y Arizmendi pensaban que el matrimonio y la maternidad, parte integral de la identidad latina, hacían que la experiencia de ser mujer fuera «total». Además, Arizmendi pensaba que el movimiento anticlerical de los gobiernos posrevolucionarios era un ataque a una parte central de la identidad mexicana.
Arizmendi y Villa planearon una conferencia para las «Mujeres de la raza» patrocinada por la Liga Internacional de Mujeres Ibéricas e Hispanoamericanas. Arizmendi utilizó sus contratos de prensa y la cobertura asegurada de The New York Times para promover el evento. El 2 de marzo de 1924, un extenso artículo sobre el movimiento feminista en México titulado «New Women of Mexico Striving for Equality», incluía una entrevista a Villa de Buentello en la que exponía un resumen de sus objetivos.La reunión se efectuó en la Ciudad de México en julio de 1925, con Villa como presidenta de la Conferencia. Arizmendi actuó como secretaria general, pero no asistió debido a una diferencia de opinión con Villa.
En 1927, Arizmendi publicó una autobiografía novelada con el fin de dar a conocer su punto de vista sobre la relación con Vasconcelos y acallar los rumores, ya que este había publicado dos obras, Ulises Criollo y La Tormenta, en las que vilipendiaba a Arizmendi a través de el personaje ficticio de Adriana. La autobiografía, Vida incompleta; ligeros apuntes sobre mujeres en la vida real, es una reflexión sobre la doble moral a la que se enfrentan las mujeres de su época. El libro, que en su edición original se distribuyó solamente en la ciudad de Nueva York, fue reeditado en 2012 con prólogo de Gabriela Cano, académica e investigadora de El Colegio de México y biógrafa de Arizmendi.
Gabriela Cano consideró que la aparición de Vida incompleta es un llamado de atención respecto a cómo se ha soslayado la vida y aportes de las mujeres durante las primeras décadas del siglo XX, en el ámbito intelectual, social o político, pues las mujeres de la época tuvieron una interesante producción literaria. “Encontramos autobiografías por lo general que son el surgimiento del ‘yo literario’ en la mujeres de habla hispana; este libro es la otra cara de la moneda respecto a cómo la representó Vasconcelos en las obras ya mencionadas, pues lejos de ser una mujer fatal Arizmendi estuvo comprometida con su época, desarrolló ideas religiosas y políticas propias, y se preocupó por aportar algo al feminismo de su época”.
Arizmendi volvió a México brevemente para la celebración del veinticinco aniversario de la Cruz Blanca Neutral en 1936, en parte tal vez porque el presidente Lázaro Cárdenas había mostrado su apoyo al sufragio femenino. En esa ocasión regresó a Nueva York, pero volvió definitivamente en 1938 a la Ciudad de México, donde murió en 1949.
Danielle Caillet (Bourg-de-Péage, Francia, 1940 - La Paz , Bolívia, 1 de Noviembre de 1999) residió en Bolivia desde 1966. Inició su obra creadora en la fotografía realizando la fotofija en los largometrajes “Yawar Mallku” (Jorge Sanjinés), 1969, y “Chuquiago” (Antonio Eguino), 1977.
Recibió numerosos premios nacionales por sus fotografías en blanco y negro.
Incursionó en el cine con el cortometraje “Warmi”, en 1979, el primer cortometraje realizado por una mujer en Bolivia, un sentido retrato de la realidad socio-cultural de la mujer en Bolivia, producción por la cual recibió el Trofeo de Plata en el Festival de Bilbao, España.
Realizó una serie de videos sobre mujeres artistas bolivianas denominada “Nosotras”, entre las cuales se encuentran: Marina Núñez del Prado, María Luisa Pacheco, Maritza Wilde, Francine Secretar, Matilde Cazasolas y Guiomar mesa.
Sus últimos documentales fueron homenaje a dos célebres mujeres bolivianas: “Nacer Hombre”, sobre el poema de Adela Zamudio, una combinación de imágenes sugerentes cargadas de denuncia en contra del machismo de nuestra sociedad con danza contemporánea; y “Los Fantasmas de Juana Azurduy”, una interpretación de los últimos pensamientos de la heroína de la independencia en la víspera de su muerte.
Se inició en la escultura como autodidacta, al principio trabajando con cerámica y luego con bronce y piedra. Recibió el premio “Arte Expo” en 1992, por su escultura “La Gallina de los Huevos de Oro”.
Su obra escultórica, de cerca de 250 títulos, abarcó alrededor de 15 años, y ha marcado su rumbo indeleble en el mundo artístico boliviano. Sus exposiciones en Bolivia se extendieron desde 1986 hasta 1998.
Danielle expresaba de sí misma: “Bolivia es mi cuna artística, en mi paso por Los Andes”.
Falleció en La Paz, luego de una larga enfermedad el 1 de noviembre de 1999.
Danielle Caillet por Kory Eguino
Nació en una ciudad del sur de Francia, Bourg-de-Pèage, en plena segunda guerra mundial. Danielle conoció una infancia llena de carencias en una Francia ocupada y de una Europa quebrada después de la guerra. Mi madre solía contarme que ella probó su primera naranja a sus 8 años, y al ser la hija menor de una familia de tres hijos, toda la familia estaba atenta a su reacción al probar la jugosa fruta.
Estudió en un internado de monjas, por decisión de su madre, una experiencia que no fue nada agradable para Danielle y que la marcó profundamente en el futuro en su relacionamiento con la religión católica, y fue una experiencia que incrementó su timidez.
Su padre, mi abuelo, François Caillet, tenía, junto con sus dos hermanos una fábrica de maquinaria para la fabricación de calzados. Romans-Sur-Isère, el pueblo de la familia Caillet era conocido como la "Capital del Calzado", y fue cuna de importantes marcas de calzados franceses, incluso hoy, a pesar que la industria se desplomó debido a la competencia, primero italiana y después asiática, se mantiene el museo del calzado. Danielle pasaba sus días de niñez y vacaciones estacionales en el departamento encima de las instalaciones de la fábrica, luego en la casa que construyeron sus padres, o de vacaciones en la montaña del Vercors, siempre rodeada de sus primos y hermanos. Son justamente mis tíos quienes me comentaron que nadie hubiera sospechado que la "tímida Danielle" se fuera a vivir tan lejos.
Honestamente, no creo que ni ella se hubiera imaginado jamás que pasaría el resto de su vida en un país sub-desarrollado en Sud América: Bolivia, lugar donde no solamente estableció una familia junto al cineasta Antonio Eguino, pero también donde fue desarrollando y descubriendo su inquietud y pasión por las artes visuales y plásticas... "Mi paso por los Andes", solía decir ella.
El destino a veces nos tiene reservadas sorpresas insospechadas, cuando mi madre estaba haciendo sus estudios en la Universidad de Sorbona, en París, inicialmente con una licenciatura en inglés y luego incursionando en turismo, decide tomar una vacación en Roma para profundizar sus conocimientos en italiano. Paralelamente, mi padre, Antonio Eguino, que estudiaba fotografía y cine en Nueva York logra ahorrar suficiente dinero para viajar por primera vez a Europa, y el azar hizo que ambos estuvieran en el mismo bus turístico y se conocieran en Roma. Luego de un noviazgo de dos años, de idas y vueltas entre París y Nueva York, deciden casarse en Francia en 1964 y luego establecerse en Nueva York.
En sus primeros años de casada, a medida que apoyaba a mi padre en sus trabajos universitarios, es que empieza a descubrir su fascinación por la fotografía, demostrando desde el principio un exquisito sentido de composición y estética.
El viaje a Bolivia en 1966, supuestamente para visitar a los padres de Antonio, si bien fue toda una aventura, tres meses en la vagoneta Ford por la carretera Panamericana desde Nueva York hasta La Paz, resultó ser largo y fatigoso para Danielle, por que al iniciar el viaje desconocía que estaba embarazada de mi hermano Manuel.
La supuesta visita a los suegros se fue extendiendo y la pareja terminó estableciéndose definitivamente en La Paz, fueron años difíciles para la joven Danielle, encontrarse en un país extraño y atrasado, con otro idioma, otras costumbres y cultura, muy diferentes al ambiente de pequeña familia burguesa del que ella salió. Sin embargo, Antonio y Danielle crearon juntos el Estudio Fotográfico Eguino en un subsuelo en la Calle 6 de agosto. Este inicio a la fotografía de retrato fue un nuevo descubrimiento y un trabajo que les permitió crecer y descubrir juntos sus nuevas posibilidades en La Paz. Este era un negocio de "boca a boca", no contaba con un letrero ni publicidad y la mayoría de los clientes eran extranjeros, y sin embargo tenían mucho trabajo. El Estudio Eguino, que posteriormente abrió sus puertas en la Plaza del Estudiante, fue el negocio de la familia que logró financiar los estudios de los dos hijos de la pareja e incluso varias producciones cinematográficas.
En sus años de fotógrafa, Danielle logró explayarse con toda su creatividad y demostrar gran calidad en sus variados trabajos, en especial los de foto fija que realizó para las películas Yawar Mallku (1969) y Los caminos de la muerte (1970) de Jorge Sanjinés; y para Chuquiago (1977) y Amargo Mar (1994) de Antonio Eguino, y en numerosos viajes por el país, ganando varios premios en los siguientes años.
A finales de la década de los setenta decide incursionar en la cinematografía, con un proyecto que venía madurando hacía varios años, se lanza a escribir el guión y dirigir el cortometraje Warmi (mujer en aimara), filmada en 16 milímetros que la convirtió rápidamente en la primera mujer boliviana cineasta y le valió recibir el Trofeo de Plata del Festival de Bilbao en España.
[Extracto de una entrevista radial a Danielle en el programa Ciclo Cultural Portales en 1980] "Warmi es una película documental sobre la condición de la mujer boliviana. Abarca solamente las capas sociales más desfavorecidas de nuestra sociedad; quiere decir la mujer campesina, la minera, la fabril. Warmi que es el título de la película, propone un punto de vista femenino, pero no feminista; la liberación de la mujer en el contexto socioeconómico del país en vías de desarrollo. La liberación de la mujer en un país del tercer mundo no es una lucha de sexo como degenera generalmente en las naciones industrializadas, es más bien la lucha común del hombre y de la mujer contra la dependencia, el analfabetismo, el hambre y la enfermedad. Para mí, tomar la iniciativa de realizar una película sobre la mujer viene a ser un desenlace normal de todo un movimiento, proceso de maduración profesional y concientización social. Como he dicho anteriormente, la película tiene como temática la concientización de la mujer boliviana frente a la cámara. La niñita campesina, la mujer madura fabril y la anciana palliri son las tres edades, tres diferentes edades de la mujer, en su educación y su ciclo de productividad como madre, esposa y trabajadora, y su vejez sin jubilación.
Bolivia es un país que venera a la imagen de la mujer a través de su folclore, su leyenda y su religión, eso lo podemos ver en la Mama Ocllo, la Pachamama y la Virgen María, pero, sin embargo, la valoración de la imagen de la mujer no quiere decir valoración de los roles específicos de la mujer trabajadora.
La película empieza con muestras del folclore, la religión, procesión de la virgen y la adoración de esta imagen de la mujer, y en contraste vemos la condición de la mujer en su vida diaria. Empezamos con la niña campesina que se encuentra marginada por su falta de educación. Después vamos a la mina y empezamos una entrevista con la anciana palliri que ha trabajado 35 años en la empresa y que no tiene ninguna remuneración por parte de la empresa. Después vamos a la ciudad, en una fábrica donde encontramos una mujer fabril que nos cuenta su vida diaria que consiste en tres trabajos: trabaja en la fábrica, trabaja en la casa y, como no alcanza la plata para educar a sus siete hijos porque el padre finalmente está fuera del hogar, tiene que ir a trabajar a un puesto de venta de 5 de la tarde a 10 de la noche.
El efecto más importante que queremos lograr con este tipo de película es llegar a la concientización, especialmente de la mujer en su vida muy sacrificada y, por supuesto, el final de la película no es de fiesta; es un final pleno de optimismo porque sabemos que la mujer va a superar todas las dificultades de su vida material a través de una mejor educación, como participación activa en la guerra sindical, y también a través del cambio de mentalidad de parte de los hombres, las mujeres y la sociedad en general.
Warmi no es una película feminista pero sí es una película femenina, me explico: ser feminista hoy en día es adquirir en sentido figurativo, vivir a las sensaciones provocativas de las diferentes agrupaciones feministas latinoamericanas y europeas. Ser feminista es aumentar la lucha de sexo.
Esta lucha de sexo es un lujo que se pueden dar las mujeres en los países industrializados, donde la densidad es altísima, donde se ha alcanzado un bienestar generalizado, donde existe una fuerte competencia ocupacional. Pero aquí, en Bolivia, donde la densidad alcanza apenas los 5 habitantes por kilómetro cuadrado, se persigue utilizar el potencial humano de la población activa. Es preciso que mujeres y hombres se integren en una lucha común contra el analfabetismo, la enfermedad y la dependencia."
Al mismo tiempo que acompañaba a su esposo en sus diversos viajes de filmaciones de documentales, Danielle seguía con su búsqueda de nuevas técnicas fotográficas en movimiento y en color. Enseñó fotografía durante varios años en la Academia de Bellas Artes de la UMSA y también nos incursionó a mi hermano y a mí en este arte, especialmente en el revelado blanco y negro en el pequeño laboratorio que mis padres instalaron en el departamento en el que vivíamos en Los Pinos.
Durante varios años se dedicó a escribir artículos de crítica cinematográfica, especialmente de aquellas películas que la impactaron más, y ganó por ello dos concursos de crítica de cine patrocinados por el Cine Club Luminaria y el periódico Presencia.
Entre los años 1985-1989 realizó una serie de cortometrajes en video sobre mujeres artistas bolivianas denominado "Nosotras", entre las cuales se encuentran: Marina Núñez del Prado, Maritza Wilde, Francine Secretan, Matilde Casazola y Guiomar Mesa; en cada uno de los cuales transmite la sensibilidad y creatividad de estas artistas, que además la inspiraron luego cuando incursionó en su propia expresión creativa plástica en la escultura.
En 1988 realizó el documental sobre la obra creativa de María Luisa Pacheco, pintora de gran renombre internacional, a la cual mi madre admiraba mucho. Justamente fue ella la que le aconsejó que nunca use su apellido de casada cuando firme sus obras artísticas. Este documental participó en los festivales internacionales de La Habana (Cuba), San Francisco (Estados Unidos), Santo Domingo (República Dominicana), FIFART, Festival Internacional de Filmes de Arte de Lausana (Suiza).
Los dos últimos documentales que realizó, siempre relacionados con mujeres a las cuales admiraba profundamente, fueron homenajes a dos insignes luchadoras. El primer documental filmado en 1992 recrea un poema de Adela Zamudio: "Nacer Hombre", una combinación de imágenes sugerentes, con un tratamiento creativo muy audaz, cargadas de denuncia en contra del machismo de nuestra sociedad elaborado con el recurso de danza contemporánea. El segundo realizado en 1994 "Los Fantasmas de Juana Azurduy" una interpretación de los últimos pensamientos y sueños, e incluso alucinaciones de la heroína de la independencia en la víspera de su muerte.
La escultura fue la nueva expresión artística que le permitió expresar su constante creatividad y su fino sentido del humor e ironía. Si bien siguió transmitiendo su punto de vista "femenino" o “feminista” creando muchas obras, explorando las curvas del cuerpo femenino, la maternidad y la fertilidad; también transmitía pensamientos y sentimientos muchas veces muy reprimidos, como por ejemplo su serie de cadenas en piedra, madera y bronce, que nació luego de un accidente que sufrió en el cual se fracturó tibia y peroné que la mantuvo postrada en cama y luego con muletas durante mucho tiempo. En su serie de "dichos y hechos" dio rienda suelta al sentido del humor que tenía, a veces un poco negro, pero que no demostraba fácilmente por su gran timidez, en esta encontramos, por ejemplo: dos palomas de bronce atravesadas por una flecha negra, abiertas como flores, sobre una base de mármol blanco que evoca el dicho "dos pájaros de un tiro", o la palabra gato en letras de bronce detrás de una reja negra y un gran candado antiguo, refiriéndose a que "hay gato encerrado".
La religión no podía quedar atrás, la espiritualidad era muy importante para ella, y a pesar que mis padres decidieron no bautizarnos en la religión católica a mi hermano y a mí, mi madre constantemente me repetía que yo debía buscar la espiritualidad sin importar si estaba relacionada con una religión o no, pero que para el ser humano la espiritualidad es una parte muy importante de su vida, tanto como respirar. Le gustaba entrar a las iglesias cuando estaban vacías y sentarse sola a orar o meditar. Recuerdo que cuando me acompañó a Buenos Aires para dejarme instalada para iniciar mis estudios universitarios me contó muy emocionada que había entrado a una pequeña iglesia que le llamó la atención y que dentro había mucha luz, pidió por mí y sintió tanta paz que se iba tranquila sabiendo que yo estaría muy bien. En algunas de sus últimas esculturas reflejó su creatividad en temas religiosos. Cuando la invitaron a participar en la exposición de arcángeles en la iglesia de Calamarca se dedicó con mucho entusiasmo a crear un arcángel muy original y gracioso con cabellos tipo ricitos de oro. La última obra que realizó cuando ya estaba muy cansada, luego de varios años de luchar contra la enfermedad que la estaba consumiendo, fue un Cristo, escultura moderna con líneas simplificadas, que yo conservo en casa por su especial significado que me recuerda siempre a mi madre, esa mujer fuerte, decidida, luchadora e intelectual, que se fue muy pronto. Cuando vi por primera vez este cristo quedé muy sorprendida que ella hubiera realizado una obra tan "religiosa" y me miró con su típica mirada juguetona y me dijo que debía reconciliarse con él de arriba antes de irse… ¡por si acaso!
Danielle fue una escultora autodidacta, en sus primeros años en Bolivia empezó a trabajar la greda e hizo unas cuantas Pachamamas en cerámica y el mosaico de nuestra mesa de comedor diario, esa mesa aún se encuentra funcional en la casa de mi padre. A mi madre le encantaba ir a museos de arte y exposición que hubiera de pintura o cerámica, y cuando podía me llevaba con ella en esas sus "exploraciones" de inspiración. Conoció muchas artistas escultoras, a quienes además les rindió homenaje en su serie de videos "Nosotras", todo esto fue una absorción de la expresión artística que luego ella misma decidió explorar.
La recuerdo en su taller en nuestra casa del Valle de Aranjuez, lleno de luz y plantas, al lado de baldes con arcilla remojando, que podían ser de bloques de arcilla recientemente adquiridos, pero las más de las veces con los "cadáveres" de creaciones que no contaban con la aprobación de su creadora. En ese taller ella se divertía mucho y cuando entrabamos siempre nos introducía a sus recientes creaciones con un aire muy divertido, a veces la escuchaba reír a carcajadas sola viendo como sus ocurrencias tomaban forma.
Y para elaborar esas ocurrencias dibujaba muchos bocetos en, literalmente, cualquier trozo de papel que se encontrara a su alcance, invitaciones, servilletas, folletos, recetas médicas, e ¡incluso algunos de mis cuadernos! Yo insistía en comprarle blocs de papel para que dibujara en ellos, pero cuando le llegaba la inspiración tomaba lo que tuviera a mano. Y la inspiración le llegaba muy seguido… Dibujaba en cualquier lugar, en la antesala del dentista, en un café o restaurante, pero sobre todo en su cama, entre lectura y lectura. Creo que los únicos papeles que respetaba e incluso veneraba eran sus libros.
Agradezco a Fátima y Marisol por esta invitación para escribir sobre mi madre, que fue una oportunidad para mí de reencontrarme con ella y volver a descubrir a esta maravillosa mujer que aún me hace mucha falta.
La imágen corresponde a el film dirigido por Danielle Caillet (+). Warmi es un cortometraje, cuyo argumento trata sobre la mujer trabajadora en Bolivia, fue exhibido en la Cinemateca Boliviana en 1980, como parte del Ciclo dedicado a la mujer y auspiciado por el "Comité Femenino Juana Azurduy de Padilla".
Danielle Caillet (+) de origen francés, fue la primera esposa del Director Antonio Eguino.
Nacida en Chicago, Illinois el 8 de febrero de 1862, Sara Shewell Hayden se graduó con honores en 1890 del Art Institute of Chicago antes de mudarse a Cincinnati, Ohio para enseñar en Mount Auburn Young Ladies Institute. Regresó a Illinois al año siguiente para aceptar un puesto en el Grant Collegiate Institute, donde enseñó durante cuatro años. Esta prestigiosa escuela preparatoria, anteriormente llamada Misses Grant's Seminary for Young Ladies, capacitó a mujeres para el Vassar College de Nueva York.
Durante este tiempo, tuvo tres acuarelas aceptadas en la Exposición de Illinois de la Mujer de 1893, de Chicago, en la Exposición Mundial de Columbia. Hayden dejó sus puestos docentes para viajar al extranjero en 1896 y pasó dos inviernos en París. Trabajó en varios estudios de pintores, incluido el del estadounidense Charles C. Lasar (1856-1936), quien abrió su taller a mujeres de habla inglesa, incluida la famosa pintora Cecilia Beaux (1855-1942). Aunque pocas mujeres fueron incluidas en el Salón de París a fines del siglo XIX, el arte de Hayden fue la excepción en 1898. Su trabajo también se exhibió ampliamente en los Estados Unidos en lugares de Nueva York, Filadelfia, Chicago y St. Louis.
En 1899, el puesto de director del Departamento de Arte en la Universidad de Nebraska en Lincoln se abrió con la partida de Cora Parker. Hayden aplicó y le ofrecieron el puesto el mismo año.
Durante sus años en Lincoln, Hayden enseñó dibujo y pintura y también impartió clases de arte para el público los sábados. Unos años más tarde, la clase de 1902 le encargó al artista que pintara un retrato de Ellen Smith, la primera profesora y registradora de la Universidad, que había muerto después de muchos años de servicio. Aunque los encargos de retratos hubieran sido más lucrativos, Hayden también pintó otros temas. En la naturaleza muerta del Museo de Arte de Nebraska titulada Tulipanes, Hayden usó acuarela, sin embargo, los tonos oscuros y ricos y el fondo aterciopelado se asemejan a la pintura al óleo. Hayden colocó el jarrón fuera del centro permitiendo que las expresivas flores se doblaran hacia el centro de la pintura. Al igual que sus mentores Frank Duveneck (1848-1919) y William Merritt Chase (1849-1916), la pintura de Hayden posee cualidades románticas oscuras con pinceladas visibles y luces y sombras reflectantes que revelan su origen. Hayden capturó la elegancia de las flores y estableció un ambiente oscuro y melancólico en su trabajo a través del color, la luz y la composición.
En 1905, Hayden notificó a la Universidad que se iba a tomar una licencia de un año para aceptar una invitación de Chase para pintar y estudiar en España y volver a visitar París y Londres por su cuenta. El viaje incluiría pintura de paisajes, estudio de modelos vivos y obras maestras en el Museo del Prado de España. Su carta al Canciller y la Junta o los Regentes enfatizaba la reputación de Chase como artista y el prestigio que esto le daría a la Universidad. Ella continuó: "Estoy segura de que los beneficios que resulten para la Universidad de un renovado vigor personal y la acumulación de material deseable para conferencias compensarán cualquier desventaja factible". Para su reemplazo, escribió estratégicamente que el director francés del Instituto de Arte podría recomendar un sustituto. Registros como este, así como encargos de pintura y ventas, indican que Hayden disfrutó de autonomía durante su estadía de 17 años en Nebraska.
Hayden llegó cuando la comunidad artística de Nebraska comenzaba a florecer. El Club de Arte Haydon, establecido en 1888 y una de las primeras organizaciones artísticas en Lincoln, se había convertido en la Asociación de Arte de Nebraska (NAA) un año después de la llegada de Hayden, y sus actividades ayudaron a reforzar el clima artístico. La tradición de albergar exposiciones de arte de la costa este que inició la predecesora de Hayden, Cora Parker, se estaba consolidando. La NAA, según Hayden, había albergado varias exposiciones y había garantizado la llegada y devolución seguras de la obra de arte. De estas exposiciones, la NAA compró piezas para su colección y, a medida que los artistas se enteraron de estas prácticas, estuvieron más dispuestos a enviar sus obras a Nebraska.
Hayden tenía 54 años cuando renunció a la Universidad en 1916 y regresó a Chicago. La búsqueda de un registro de exhibición arroja poca evidencia de actividad artística después de que ella dejó Nebraska. En una carta a Clarissa Bucklin para Nebraska Art and Artists en 1930, ella habló de haber estado "encerrada" durante los últimos 10 años y que no estaba lo suficientemente bien como para "soportar mucha emoción". Murió en 1939 en Park Ridge, Illinois.
Zuzana Růžičková (14 de enero de 1927 en Pilsen - 27 de septiembre de 2017 en Praga ) fue una clavecinista checa y profesora en la Academia de Artes Escénicas de Praga . Zuzana Růžičková nació en una familia judía.
Růžičková empezó a tomar clases de piano después de sufrir una neumonía a la edad de nueve años, como recompensa por su recuperación. Su profesora de piano, Marie Provaníková, la introdujo en las obras de Bach y la animó a tomar el clavicémbalo. Provaníková quedó tan impresionada por el talento de Růžičková que escribió a la clavecinista Wanda Landowska , pidiéndole que aceptara a la Růžičková como alumna suya en la École de Musique Ancienne (Escuela de Música Antigua) en París, una vez hubiera terminado la su escolaridad obligatoria a los 15 años. Al final, Růžičková no pudo asistir debido a la invasión nazi en Checoslovaquia y de la aplicación de las leyes de Nuremberg, las cuales impidieron que el colectivo judío se relacionara con el pueblo alemán. Al principio sólo se les prohibía ir al cine, tomar el tren, etc. Pero poco a poco eran más y más prohibiciones. Incluso tuvieron que dejar la escuela y sus casas. A pesar de que Růžičková no se consideraba particularmente religiosa, su sangre era judía y por eso se vio afectada.
Los nazis empezaron la ocupación de Checoslovaquia en 1938. En 1941, la Gestapo empezó a organizar el transporte para mover a los judíos de Plzeň hacia Theresienstadt . Los primeros presos se encargaron de convertir la fortaleza y alrededores de la ciudad amurallada en un campo de concentración, conocido como Theresienstadt (el nombre alemán de Terezín).
En Plzeň, la Gestapo utiliza a niños judíos, entre ellos una niña de 13 años (Růžičková), para entregar "invitaciones" a otros miembros de la comunidad judía de Plzeň, informándoles de la fecha en que serán deportados al campo. Růžičková describió la experiencia: "Fue terrible la entrega de los avisos. Vimos la vida en su peor estado. Fue una pesadilla".
En enero de 1942, tres semanas después de recibir una "invitación" de la Gestapo, Růžičková y su familia fueron trasladados forzadamente de Plzeň al campo de concentración de Theresienstadt. A su llegada, Růžičková encontró a Fredy Hirsch, un judío alemán de 25 años, quien asumió la responsabilidad del cuidado de los niños del campamento.
Theresienstadt fue designado originalmente por los nazis como comunidad por judíos de clase media de Alemania, Checoslovaquia y Austria. Más de 150.000 personas permanecieron internadas durante meses o años antes de ser enviados a los campos de exterminio de Treblinka y Auschwitz en Polonia. Decenas de miles de personas murieron a causa de la desnutrición y la enfermedad, pero a pesar de las condiciones horribles, los trabajos forzados, y la ausencia de atención médica, se logró dar lecciones a los niños, e incluso se organizan conferencias, obras de teatro, óperas y conciertos.
Růžičková, junto con otros niños de Theresienstadt , hizo trabajo agrícola, aprovechándose para coger comida de los huertos para su familia. Aunque se vio obligada a trabajar durante el día, Růžičková pudo continuar su educación, asistir a conciertos y conferencias organizadas por los residentes, ver a la cantante de ópera Karel Berman, tomar clases de latín de un exprofesor universitario y lecciones de armonía del pianista Gideon Klein , y unirse a un grupo de niños.
El padre de Růžičková murió en la primavera de 1943. En diciembre del mismo año, Růžičková y su madre fueron enviadas al campo de concentración de Auschwitz después de casi dos años en Theresienstadt. A Růžičková se le dio la oportunidad de permanecer en Theresienstadt, pero optó por ir con su madre.
Al llegar al campo de exterminio de Auschwitz, Růžičková, su madre y los demás prisioneros fueron desnudados y tatuados. Luego fueron obligados a firmar un documento, en el que declararon que habían sido detenidos en Theresienstadt por actividades antialemanas, aceptando, por tanto, la condena. Poco después de su llegada, Růžičková se reunió con Fredy Hirsch, quien le aconsejó que mintiera sobre su edad para poder encontrarse con él en las “casas” de niños. Allí serán internadas durante casi medio año.
Růžičková trabajó como ayudante de Hirsch. En ese papel, Růžičková fue expuesta a la realidad extrema de la teoría racial nazi; médicos alemanes visitaban las "casas" de los niños para tomar medidas fisiológicas o seleccionar a los niños para experimentar con ellos. Consciente de estos terribles hechos, Růžičková se dio cuenta de que estaba viva gracias a Hirsch, ya que éste la alejó de trabajos muy peligrosos y enfermedades del campo.
En mayo de 1944, Růžičková y otros presos que habían viajado con ella de Theresienstadt a Auschwitz fueron programados para ser gaseados. Su ejecución estaba programada para el 6 de junio, pero Růžičková y su madre tuvieron suerte. En estas fechas, los enemigos de Alemania estaban ganando terreno y los alemanes necesitaban trabajadores, los cuales seleccionaron de entre los presos de Theresienstadt. 1000 hombres y 1000 mujeres fueron enviadas a Alemania, y afortunadamente Růžičková y su madre fueron dos de ellas.
Růžičková fue deportada a Hamburgo, una ciudad bombardeada regularmente por las tropas británicas y americanas. A ella ya otros trabajadores les fue asignado el trabajo de mantenimiento de tanques de gas y reparación de oleoductos. Sufrió mucho por el hambre y las condiciones de trabajo peligrosas. Sin embargo, ella fue capaz de ganar algo de comida extra de los demás presos por cantar para ellos.
A finales de febrero de 1945, Růžičková y los demás trabajadores fueron trasladados al horrible campo de exterminio de Bergen-Belsen . Ella dice sobre Bergen-Belsen: “Si existe el infierno, seguro que ésta es la parte más oscura del infierno. Éste era un campo de exterminio en serio, realmente planteado para morir en él. Nadie quería que sobreviviéramos."
Su madre enfermó, y en abril de 1945, Růžičková y los demás prisioneros estaban construyendo trampas para tanques, mientras oían disparos de los enemigos de Alemania. Esto les hizo pensar que se estaban acercando y quizás la guerra estaba llegando a su fin. Los nazis se fueron del campo de concentración, dejándolos sin comida ni suministro de agua. En estas condiciones lograron sobrevivir los presos de Bergen-Belsen durante tres días, sin saber qué pasaba. Por último, el 15 de abril de 1945 llegaron los soldados británicos a Bergen-Belsen y los liberaron. La guerra había terminado.
En el momento de la liberación de los presos, Růžičková y otros prisioneros se encontraban en una situación precaria y con una salud muy extrema. Ella fue trasladada al hospital, donde se le diagnosticó principio de malaria, y otras muchas deficiencias en sus órganos. Como sabía hablar inglés, una vez recuperada, se encargó de traductora por el equipo médico.
Pese a las condiciones extremas que soportó durante la guerra, el amor de Růžičková por la música prosperó. En Theresienstadt, tomó lecciones de armonía de su compañero de prisión Gideon Klein. Decía que "el espíritu de Bach siempre estuvo con ella y la mantuvo con vida".
Una de las primeras personas que Růžičková encontró a su regreso a Plzeň fue su antigua profesora de piano Marie Provaníková. Růžičková recuerda que cuando Provaníková vio las condiciones de sus manos después de cuatro años en campos de concentración, lloró.
Los cuatro años que Růžičková había pasado en los campos de concentración, no sólo le habían provocado daño físico y psicológico, sino que también ralentizaron su progreso como música. En la escuela, tuvo que recuperar habilidades fundamentales poco a poco con Bohdan Gsölhofer, y en 1947 se inscribió en la Academia de las Artes Escénicas de Praga. Cuando ingresó en la Academia, decidió especializarse en música antigua. En 1950, empezó a trabajar en la Academia como profesora de piano de los compositores. De esta forma, conoció a su futuro marido, el compositor checo Viktor Kalabis.
En 1948, hubo un golpe de estado por parte del partido comunista en Checoslovaquia. Bajo ese gobierno, Růžičková como judía, todavía era vulnerable a persecuciones. Además, en 1952, se casó con Viktor Kalabis. En 1956 Růžičková ganó el Concurso Internacional de Música ARD de Múnic y un miembro del jurado, Marguerite Roesgen-Champion, le ofreció una beca para continuar sus estudios de clavicémbalo en París. Kalabis también fue invitado a estudiar en París, pero a la pareja no se le permitió viajar al extranjero juntos, y Viktor fue a París, pero Růžičková permaneció en Checoslovaquia. Sin embargo, la victoria de Růžičková en el Concurso Internacional de Música ARD de Múnich, la condujo a dar conciertos por toda Europa, gracias a su fama y el apoyo que tenía fuera de Checoslovaquia. Sin embargo, el gobierno comunista se quedaba con el 80% de sus ganancias de la Růžičková en el extranjero, y además la privaron de dar clases en Checoslovaquia debido a su herencia judía y controlaban todos los movimientos de la pareja.
Las presiones sobre Růžičková se suavizaron ligeramente después de la muerte de Stalin. Por primera vez, pudo grabar música para distribución internacional, lo que aumentó su fama. Esto coincidió con el renacimiento de la música barroca en Europa Occidental. En 1965, fue contratada para grabar la integral de las obras para teclado de Bach. Durante la Revolución de Terciopelo en 1989, participó en protestas contra el régimen. Por último, cuando cayó este régimen, recuperó su título como "Profesora", hizo tours por América del Norte, Canadá, Australia, Japón, etc. e impartió masterclasses por Europa.
Růžičková residió hasta su muerte en Praga . Dejó de actuar en público en el 2004 después de que su marido enfermó. Tras la muerte de Kalabis en 2006, Růžičková se involucró más en diversas organizaciones musicales y comités dedicados a la interpretación y preservación de la música antigua, y al descubrimiento de jóvenes músicos. Ella fue la presidenta de la Fundación Viktor Kalabis y Zuzana Růžičková, vicepresidenta de la Comisión del Concurso Internacional de Primavera de Praga, y miembro del jurado de la Chamber Music Society de la República Checa, y el Concurso Internacional Concertino Praga. Además, defendió de la Iniciativa Hans Krása, dedicada a la vida y música del compositor y compañero suyo como prisionero en Theresienstadt, Hans Krása. También estuvo involucrada en la Iniciativa de Terezín, a través de la cual financió un monumento para Fredy Hirsch.
Con motivo de su noventa aniversario se reeditó la grabación de la integral de las obras de Bach para teclado y hizo público el documental Zuzana: Music is Life .
Después de la liberación estudió música en Plzeň y de 1947 a 1951 en la Academia de Artes Escénicas de Praga (piano con Albín Šíma y František Rauch , clavecín con Oldřich Kredba). En 1951 hizo su primera aparición pública como clavecinista. Tras la guerra prosiguió su carrera, casi impedida por los nazis, con una fuerza que, según sus propias declaraciones, le debe a la música de Johann Sebastian Bach . “Entonces Bach me mostró que hay algo que nos trasciende. De repente uno está seguro: bueno, pequeño ser humano, estás completamente devastado. Pero hay algo por encima de ti, una orden ".
Actuó regularmente con compañeros de música de cámara como Josef Suk , Aurèle Nicolet , Pierre Fournier y Jean-Pierre Rampal.sobre. Dirigió clases magistrales en Zúrich, Stuttgart, Budapest y Tokio, por ejemplo. En Checoslovaquia, sin embargo, no se le permitió enseñar el clavecín como asignatura porque, según la ideología imperante, el clavecín se consideraba un "instrumento feudal y religioso". De 1978 a 1982 fue profesora invitada en la Academia de Música de Bratislava . En 1990 recibió una cátedra en la Academia de Artes Escénicas de Praga.
El repertorio de Růžičková varió desde los virginalistas ingleses hasta los tiempos modernos. Su atención se centró en Johann Sebastian Bach. Grabó sus obras completas para clavecín en 1975 para el sello francés Erato. Esta grabación completa se lanzó en 2016 como una remasterización de las cintas originales de Warner Classics . Como solista participó en numerosos festivales de Bach, incluso en Stuttgart y Oregón.
Růžičkov se habia casado en 1952 con el compositor checo Viktor Kalabis (1923-2006), quien escribió varias obras para ella. Ambos se negaron a unirse al Partido Comunista de Checoslovaquia, que ocupó el poder entre 1948 y 1989 y, como resultado, se enfrentaron a la persecución política. Růžičková actuó en todo el mundo durante 50 años, grabó más de 100 discos y espandio sus conocimientos entre un alumnado que llego a ser muy prestigioso.
Premios
Los numerosos premios y honores que ha recibido incluyen el Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura francés (2003) y la Medalla al Mérito del Estado Checo a la Trayectoria (2003).
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