Carolina Noémia Abranches de Sousa Soares ( 26 de setiembre de 1926 en Lourenço Marques, hoy Maputo en Mozambique- 4 de diciembre de 2002 en Cascais, Portugal) hija de un matrimonio mixto, Carolina Noémia era mulata y fue una poetisa y periodista mozambiqueña.
Noemia de Sousa (Mozambique) está considerada como una de los más grandes poetisas de África. Su producción poética tuvo un gran alcance ya que influyó en toda una generación de escritores y poetas. La constante presencia de las raíces africanas, la exaltación del continente, la glorificación de los valores africanos, la protesta y la queja son los temas reflejados en su poesía.
Estudió en Brasil y realizó sus primeras publicaciones en O Brado Africano. Fui pionera de la poesía de su país.
Además fue la primera mujer de color en publicar poesía en su país.
Comenzó a escribir a finales de la década de los '40. Escribió todos sus poemas entre 1945 y 1951.
Abandonó Mozambique en 1951 debido a las persecuciones políticas de la policía secreta por sus ideas anticolonialistas.
Se fue a vivir a Lisboa, donde trabajó como traductora en una agencia de noticias. Tuvo que exiliarse por su oposición al Estado Novo y se fue a París, donde comenzó a trabajar en el consulado de Marruecos. Fue en esta época cuando comenzó a adoptar el pseudónimo de Vera Micaia.
Fue reportera de las agencias noticiosas ANI, ANOP y Lusa.
Publicó sus obras en periódicos y revistas. Participó en Msaho, una revista literaria de Mozambique que apareció en 1951. La revista sólo tuvo un número, pues fue prohibida por la censura. También publicó alguna obra en Mensagem, revista de Angola ligada a la poesía. Colaboró con otras publicaciones como Itinerário, Notícias do Bloquéio, O Brado Africano, Moçambique 58, Vértice o Sul.
En 1975, con el fin del Estado Novo, volvió a Lisboa, donde trabajó para la Agência Noticiosa Portuguesa.
En el año 2001 la Associação dos Escritores Moçambicanos reunió su poesía escrita entre 1949 y 1951 en el libro Sangue Negro. Su poesía está representada en la antología de poesía mozambiqueña Nunca mais é Sábado, organizada por Nelson Saúte.
Sangre negra
Me golpeas y amenazas
Ahora levanto mi cabeza
Y grité: “¡Basta!” (…) Me condenas a la oscuridad eterna
Ahora que mi alma de África se ilumina
Y descubro el engaño y grité, mil veces grité: ¡Basta!
Elisabeth Neumann-Viertel (5 de abril de 1900 - 24 de diciembre de 1994) fue una actriz austríaca que comenzó su carrera en Alemania durante los años veinte. Bajo el régimen nazi , emigró a los Estados Unidos, donde apareció en Broadway y en algunas películas de Hollywood. Más tarde regresó a Alemania donde trabajó en numerosos teatros de exito de Berlín, entre ellos el Berliner Bühnen de Fritz Kortner. Neumann-Viertel también fue una actriz de personaje notable en el cine y la televisión, aunque rara vez desempeñó un papel principal allí. Se retiró a finales de la década de 1980 después de casi 70 años de actuación.
Filmografía seleccionada
Hermana Veronika (1927)
Doña Juana (1927)
El asesino Dimitri Karamazov (1931)
M (1931)
Donogoo Tonka (1936)
La extraña muerte de Adolf Hitler (1943)
La casa en la calle 92 (1945)
El vals eterno (1954)
Los caminos secretos (1961)
Heidi (1968)
Cabaret (1972)
Kara Ben Nemsi Effendi (1973)
Derrick - Temporada 5, Episodio 8: "Solo für Margarete" (1978)
Ijeoma Umebinyuo (Nigeria) es una mujer que desafía la palabra. Defensora de los derechos reproductivos de las mujeres, de las mujeres en la política y de las mujeres siendo dueñas de su propia narrativa, Ijeoma se considera una feminista que busca con su poesía mover el alma de los lectores.
Ijeoma Umebinyuo nació en Lagos, Nigeria. Su hogar ancestral se encuentra entre dos estados, una ciudad fronteriza en algún lugar del sudeste de Nigeria. En 2016, Ijeoma fue nombrado uno de los mejores poetas contemporáneos emergentes de África por Writivism.
Sus cuentos y poemas han aparecido en The Stockholm Review of Literature, The Wildness, The Rising Phoenix Review, Doll Hospital Journal, The Renaissance Noire, The Gordon Square Review y The MacGuffin . Su poema "Diaspora Blues" es parte de la contribución de la Dra. Rosalba Icaza a Routledge Handbook of Postcolonial Politics .
En 2017, Ijeoma fue invitada a hablar en The Cooper Union, su charla Dismantling the Culture of Silence busca desafiar la cultura donde el silencio es visto como una virtud en las comunidades marginadas y cómo afecta a las mujeres. Desmantelar la Cultura del Silencio ha sido utilizado por algunos maestros para enseñarles a los estudiantes de la escuela secundaria la importancia de usar sus voces.
Su poema The Delicate Acts of Survival de su colección de poesía Questions for Ada ha sido seleccionado para ser traducido al español; será publicado por el Consejo Latinoamericano de Ciencas Sociales (Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales) como parte de un libro electrónico.
“Blues de la diáspora”
Así que, aquí estás,
demasiado extranjero para casa y
demasiado extranjero para aquí.
Nunca suficiente para los dos.
“I am writing for the women who were once girls judging themselves through the eyes of souls who couldn’t comprehend their light.”
"Estoy escribiendo para las mujeres que una vez fueron niñas juzgándose a sí mismas a través de los ojos de almas que no podían comprender su luz".
Victoria Claflin Woodhull, más tarde conocida como Victoria Woodhull Martin (23 de septiembre de 1838 – 9 de junio de 1927), fue una líder del movimiento por el sufragio femenino en los Estados Unidos.
En 1872, Woodhull se convirtió en la primera mujer en presentar su candidatura para la presidencia de los Estados Unidos. Además de su labor como activista a favor de los derechos de las mujeres y de las reformas laborales, Woodhull apoyaba el amor libre, que para ella significaba tener libertad para casarse, divorciarse y tener hijos sin la interferencia del gobierno. Woodhull pasó dos veces de la pobreza a la riqueza: la primera vez, cosechó un gran éxito gracias a su trabajo con la magnetoterapia, y la segunda vez, en la década de 1870, hizo una fortuna como corredora de bolsa en Nueva York. Su rol como representante de los movimientos sociales por el voto femenino y demás causas a favor de los sectores desfavorecidos fue muy poderoso. Junto con su hermana, fue la primera mujer que operó una financiera en Wall Street, y ambas fueron de las primeras mujeres que fundaron un periódico, Woodhull & Claflin's Weekly, que comenzó a publicarse en 1870. A principios de la década de 1870, en su etapa política más activa, Woodhull adquirió notoriedad como la primera mujer que presentó su candidatura para la presidencia de los Estados Unidos, como representante del partido Equal Rights, que abogaba por el sufragio femenino y la igualdad de derechos. Durante el desarrollo de la campaña electoral Woodhull fue muy asediada y maltratada por los periódicos. Días antes de las elecciones, fue acusada de obscenidad por haber publicado un artículo sobre el supuesto romance adúltero entre el prominente ministro Henry Ward Beecher y Elizabeth Tilton y arrestada, lo que sumó una gran cobertura mediática a su candidatura. No recibió votos electorales y no se sabe con seguridad si obtuvo algún voto popular. Estuvo presa seis meses por lo que no pudo votar en esas elecciones presidenciales de 1872.
Las reformas y los ideales de Woodhull para la clase trabajadora, en contraposición a lo que ella veía como la elite corrupta y capitalista, eran muy controvertidos y extremistas en su época. Varias generaciones después, muchas de estas reformas han sido implementadas y algunas de sus ideas y sugerencias aún están en debate.
Victoria nació en el pueblo rural de Homer, Licking County, Ohio. Fue la séptima de diez hermanos, su madre Roxanna Roxy era analfabeta e hija ilegítima y su padre Reuben Buckman Claflin era un estafador y vendedor de aceite de serpiente.
A los 11 años Woodhull solo había tenido tres años de educación formal aunque sus maestros la consideraban muy inteligente. Tuvo tres matrimonios, el primero cuando tenía 15 años del cuál nacieron dos hijos, pero se divorció muy pronto al descubrir las innumerables infidelidades de su marido y la dependencia al alcohol que padecía. Su segundo matrimonio fue con un coronel del ejército de quien tiempo después también se separó. El tercer matrimonio fue con un banquero inglés que conoció al emigrar a Inglaterra en 1876.
Desde que descubrió las traiciones de su primer esposo Woodhull se convirtió en una fuerte defensora del “amor libre”, las mujeres que contraían matrimonio en el siglo XIX en Estados Unidos debían respetar la unión incluso si no estaban enamoradas y aun existiendo infidelidades dentro de la pareja. El divorcio era posible, pero casi siempre terminaba en escándalo y las mujeres divorciadas eran estigmatizadas y excluidas de la sociedad, que veía como algo normal que los hombres casados tuvieran amantes y relaciones ocasionales. Sobre este tema Woodhull aseveraba:
“Sí, creo en el amor libre. Tengo un derecho inalienable, constitucional y natural a amar a quien yo quiera, por el tiempo que pueda; a cambiar ese amor todos los días si así lo deseo, y ninguna persona ni ley está autorizada a interferir en ese derecho.”
El feminismo era el principal interés del Weekly pero terminó adquiriendo notoriedad por publicar opiniones controversiales sobre temas tabú, como la educación sexual, el amor libre, el voto femenino, el uso de faldas cortas, el espiritualismo, el vegetarianismo y la prostitución legal.
Fue una ferviente defensora de los derechos de la mujer y sobre todo respecto al voto femenino, llegando a ser la primera mujer en los Estados Unidos que hizo ante el Congreso una petición formal para que las mujeres tuvieran derecho a votar en las elecciones, hecho que fue bien publicitado en la prensa de la época.
Intentó volver a postularse en las elecciones de 1884 y 1892 sin éxito alguno.
Victoria Woodhull falleció el 10 de junio de 1927 en Norton Park, Worcestershire, cerca de Tewkesbury, Inglaterra.
Hay algo mal en un gobierno que hace que las mujeres sean propiedad legal de sus maridos. Todo el sistema necesita cambios, pero los hombres nunca harán los cambios. Ellos tienen demasiado que perder.
Hermelinda Urvina Mayorga (Ambato, 26 de septiembre de 1905 - Toronto, 20 de septiembre de 2008)1 fue la primera mujer ecuatoriana y sudamericana en obtener una licencia de piloto de aviación, otorgada en 1932 por la autoridad aeronáutica de los Estados Unidos.
Nacida en la ciudad de Ambato (Ecuador) el 26 de septiembre de 1905, fue hija de José Belisario Urvina y Felicidad Mayorga.3 En 1926, después de contraer matrimonio con Rosendo Briones, se mudó a la ciudad de Nueva York donde residiría hasta 1945, año en que retornó a Ecuador donde enviudó en 1989, volviendo a partir en 1999 para establecerse junto a una de sus hijas en Toronto (Canadá).3
En 1932 se convirtió en la primera mujer sudamericana en obtener una licencia de piloto de aviación, expedida por la autoridad aeronáutica de los Estados Unidos. Fundó junto a otras compañeras la organización más grande mujeres piloto de Norteamérica, llamada Ninety Niners, en donde conoció a Amelia Earhart . En el año 2000 fue reconocida por la prensa ecuatoriana como una de las 10 mujeres más influyentes del milenio.
Hermelinda murió en la ciudad de Toronto el 20 de septiembre de 2008, sus restos fueron trasladados a Quito para ser enterrados en el mausoleo familiar.
Ada Konstantia Nilsson, (21 de septiembre de 1872 en Toarps Manor, Sur de Sams, Älvsborg´- 23 de mayo de 1964 en Fogelstad, Julita) era una médica y una figura prominente en el movimiento feminista sueco.
Nilsson se quedo huérfana a temprana edad por lo que su tutor se hizo cargo de su educación y enviándola a una escuela primaria para niñas en Estocolmo. Después de graduarse en 1890, se formó como médica en el Instituto Karolinska. Después de la escuela de medicina se convirtió en ayudante de cátedra en Serafimer en el departamento de ginecología. Luego trabajó durante varios años en Ersta Hospital, que pertenecía a un orfanato.
En 1907, Nilsson inicia el establecimiento de la Sociedad de Debates de la Mujer y abre su propio estudio en Estocolmo. Con sus conocimientos de la ginecología, atiende a las prostitutas en Södermalm. Esto le condujo a un interés en los temas sociales y a la necesidad de dar formación sobre este tema. Desde la década de 1910, era una frecuente conferenciante sobre el tema.
Más tarde trasladó su práctica a Triewaldsgränd en el casco antiguo de Estocolmo. Cuando el semanario Tidevarvet comenzó a publicarse en 1923 se convirtió en editorialista, escribiendo muchos artículos sobre educación sexual. En la revista abogó por el uso de anticonceptivos, que eran ilegales hasta 1938. Ella también fue oradora frecuente para la escuela Mujer Ciudadana en Fogelstad.
Nilsson estaba residiendo en Triewaldsgränd , por encima de la farmacia Engelen. En casa, a veces se armaba un salón literario con Albert Engström y Hasse Zetterström como invitados. Entre sus pacientes se podía contar Selma Lagerlöf, Albert Engström y la embajadora soviético Alexandra Kollontai.
Sus últimos años vivió como directora de Mujer Ciudadana Honorine Hermelin en la Pequeña Ulfåsa en Fogelstad.
Youssra Ouka, nació en 1985 en el barrio de Ain Sabaa en Casablanca, Marruecos. Comenzó su carrera en solitario en 2010. En un contexto regional, en el que continúan las luchas intergeneracionales por la igualdad de género, la rapera marroquí Youssra Oukaf, popularmente conocida por su nombre artístico Soultana, es una voz intransigente de la disidencia.
Usando su letra como plataforma, apoya a los movimientos por la igualdad de género y la justicia social en Marruecos en unión la organizaciones feministas bases para el cambio.
A través de su trabajo y su arte representa un desafío creativo frente a las corrientes políticas y religiosas conservadoras, Soultana define el rap como un medio para "hablar sobre temas: pobreza, violencia, abuso, contradicciones sociales" .
Al mantener la tensión entre el desafío de la discriminación basada en el género y el orgullo vocal por su identidad y sus raíces, se ha ganado el respeto y el apoyo de un público fiel en Marruecos y más allá.
En respuesta a un entorno mediático en el que gran parte de la cobertura de Medio Oriente y África del Norte perpetúa los estereotipos reduccionistas de género, Soultana narra las luchas de las mujeres que están activas en movimientos por la igualdad, la emancipación y el cambio político.
Resueltamente no comercial, su coherencia al hablar la ve experimentando momentos de precariedad, al igual que otros artistas emergentes que reciben poco apoyo o financiación.
"Ser una artista árabe es ser consistentemente fuerte: vivir con orgullo. Trabajar con recursos limitados y, a veces, derechos limitados, pero continuar amando, luchando, creando ", reflexiona.
Aunque se enfrenta a censuras sociales y políticas esporádicas en Marruecos, la vocalización de Soultana de su identidad como mujer y letrista marroquí matizada y autoritaria es una fuente de inspiración para muchos y su trabajo ha servido como mentor para los MC emergentes más jóvenes .
Reflexionando sobre su trabajo y sus fuentes de fortaleza emocional, explica: "Me he enfrentado en tiempos difíciles, personal y profesionalmente, pero como dicen, 'lo que no te mata te hace más fuerte'. Todo todavía me da esperanza, aunque trato de mantener viva mi esperanza en un mundo diferente. Quiero ver un cambio en este mundo: encender la televisión y no mirar más guerras, bombas, pistolas.
"Por supuesto que quiero ver la democracia, la libertad de expresión, el acceso a la atención médica, la felicidad, el amor, la amistad, pero todo esto se puede resumir diciendo solo que quiero ver que las personas puedan vivir con dignidad".
Yvonne Vera (Bulawayo, 19 de septiembre de 1964-Toronto, 7 de abril de 2005) escritora de Zimbabue .
Nacida en Rodesia del Sur, trabajó en los campos de algodón desde los ocho años cerca de la ciudad de Chegutu. Más tarde estudió literatura inglesa y viajó a Canadá donde se casó en 1987.
De vuelta en Zimbabue, fue nombrada en 1997 directora de la Galería nacional de Zimbabue en Bulawayo y regresó a Canadá en 2004 donde murió al año siguiente de SIDA.
Yvonne Vera utilizaba la tradición oral shona para vehiculizar un mensaje de resistencia ante la dominación blanca como otros autores.
En su obra aborda temas como la violación, el incesto o el infanticidio resaltando la igualdad entre sexos tanto antes como después de la independencia de su país.
Mientras estaba en la universidad, Vera envió una historia a una revista de Toronto: la editorial pidió más, así que se sentó a escribirlas. Su colección de cuentos, Why Do not You Carve Other Animals, se publicó en 1992. Le siguieron cinco novelas completas:
Nehanda (Baobab Books, 1993), preseleccionada para el Premio de Escritores de la Commonwealth
Sin nombre (Baobab Books, 1994), galardonada con el Premio de escritores de la Commonwealth para África y el Premio literario de los editores de Zimbabwe
Debajo de la lengua (Baobab Books, 1996)
Butterfly Burning (1998), galardonada con el premio literario alemán, LiBeraturpreis , en 2002
The Stone Virgins (2002), galardonado con el Premio Macmillan Writers para África
En el momento de su muerte ella estaba trabajando en una nueva novela, Obediencia. Sus trabajos han sido publicados en Zimbabwe, Canadá y varios otros países, incluidas las traducciones al español, italiano y sueco.
Vera escribía obsesivamente, a menudo durante 10 horas al día, y describía el tiempo cuando ella no estaba escribiendo como "un período de ayuno". Su trabajo fue apasionado y lírico. Asumió con sensibilidad y coraje temas como la violación, el incesto, el infanticidio y la desigualdad de género en Zimbabwe antes y después de la guerra de independencia del país . Ella dijo: "Me encantaría que me recordaran como una escritora que no tenía miedo a las palabras y que tenía un amor intenso por su nación". En 2004 recibió el premio sueco PEN Tucholsky "por un corpus de obras que tratan temas tabú".
Vera también editó varias antologías de escritoras africanas, incluyendo Espacios de apertura: una antología de escritura de mujeres africanas contemporáneas (Heinemann African Writers Series , 1999).
La africana Yvonne Vera combina música, poesía y dolor en una novela 'Mariposa en llamas' es su primera obra editada en español
A la escritora Yvonne Vera (Bulawayo, Zimbabue, 1964) le gusta combinar en las páginas de sus libros el lado duro y la belleza de las cosas. Mariposa en llamas (Ediciones B), su primera obra publicada en España, es descrita por la autora como "una combinación de la música que se hace en su país, de la poesía y del dolor". Mariposa en llamas describe la vida cotidiana de una comunidad marcada por la segregación racial.
"Si no hay libertad, por lo menos que haya ritmo", cuenta la narradora de la novela en una de las descripciones de la vida cotidiana en el barrio de la ciudad zimbabuense de Bulawayo donde vive la pareja protagonista de la novela. Fefelati, mucho más joven que el hombre del que se ha enamorado, simboliza la mariposa, la búsqueda del vuelo. "Ella representa la belleza, pero será consumida por la intensidad de la pasión. Es una mujer en busca de su identidad con una gran capacidad para dañarse a sí misma", explicó ayer la autora en su primera visita a Madrid para promocionar su nuevo título.Vera lleva el pelo recogido en coletitas, usa largos pendientes de madera y plata y viste pantalón negro y chaqueta de lana gris. Su voz suena tan cálida como su escritura. "Decidí dotar a los personajes de una gran capacidad para disfrutar de la música, y que ésta les sirviera como terapia frente al dolor de sus vidas". Mariposa en llamas tiene una componente de atemporalidad aunque transcurre fundamentalmente en 1946, en un momento de una fuerte discriminación racial. Los hombres, desplazados desde el campo hasta la ciudad para trabajar en las faenas, tienen prohibido llevar consigo a sus mujeres y a los negros no se les permite andar por las aceras. La opinión de la escritora es que la época es sólo un telón de fondo frente al que se desarrolla la novela y debe ser como un espejo en el que el lector pueda reconocerse. Vera eligió expresamente ese momento histórico porque marca el comienzo de la modernización del país. "No sólo llegaron las primeras cremas y vestidos europeos sino que en esos años se inicia el comienzo de la música kwuela (kwuela era la única palabra que dirigían los policías a los negros para que subieran a los coches policiales) que los africanos hacían con lo que tenían más a mano, ya fuera una bomba de una bicicleta o cualquier otro objeto que estuviera tirado en la calle".
Hasta ahora, Vera compatibilizaba la dirección de la Galería Nacional de Arte de su país con la literatura, pero los dos próximos meses la escritora africana los dedicará íntegramente a concluir su próxima novela, ambientada en los años ochenta en los momentos de máxima tensión y violencia en su país "tras el sueño de la independencia".
Tomie Ohtake, nombre de nacimiento Tomie Nakakubo (Kyoto, 21 de noviembre de 1913 - São Paulo, 12 de enero de 2015), fue un artista japonesa naturalizada brasileña. Su trabajo incluye pinturas, grabados y esculturas. Ella fue una de las principales representantes del abstraccionismo informal en Brasil.
En 1936, cuando tenía veintitrés años, Ohtake viajó a Brasil para visitar a un hermano pero no pudo regresar debido a la Segunda Guerra Mundial.
Ohtake se instaló en São Paulo con su esposo y comenzó a pintar en 1951, después de una visita al estudio del pintor Keisuke Sugano.
Tuvo su primera exposición en 1957, en el Salón Nacional de Arte Moderna y en 1961 participó en la Bienal de São Paulo . En 1972 participó en la sección de Grabados de la Bienal de Venecia y en 1978 de la Bienal de Tokio .
Creó docenas de esculturas de espacios públicos de finales de los años ochenta; su trabajo ha
aparecido en varias ciudades de Brasil, pero especialmente en el estado de São Paulo.
Fue premiada en el Salón Nacional de Arte Moderno en 1960, participando en cinco ediciones de la Bienal de San Pablo.
En 1988, Ohtake recibió la Orden de Río Branco por la escultura pública que conmemoraba el 80 aniversario de la inmigración japonesa en São Paulo, y en 2006 fue galardonada con la Orden del Mérito Cultural .
Tomie Ohtake era la madre de los arquitectos Ruy Ohtake y Ricardo Ohtake.
Falleció el 12 de enero de 2015, a los 101 años.
Tomie Ohtake, frases rápidas
En la inminencia de su centenario, Tomie Ohtake trabaja todas las semanas en nuevas pinturas, esculturas y grabados, mientras que visitantes serenamente entretenidos están interesados en preguntarle una vez más sobre su trayectoria. Tomie Ohtake no habla mucho, y no es solo por su edad. La fuerza de su producción proviene, entre otras cosas, de la forma íntima y espontánea de su proceso creativo, libre de cualquier compromiso con los discursos explicativos. Su casi silencio habla, por lo tanto, de su profunda implicación con el arte liberado de los principios compositivos racionales y calculables que marcaron los discursos de los artistas concretos a mediados de los años cincuenta. Esta apuesta abre un camino hacia una investigación continua y cohesiva que trasciende los paradigmas constructivo-geométricos.
En lo sucesivo, proponemos un pasaje a través de algunas breves declaraciones hechas por Tomie Ohtake durante una conversación en agosto de 2013.
"En ese momento no sabía cómo preparar la pintura, pero no le pregunté a la gente sobre eso, así que seguí intentando averiguar por mí misma".
Alentada por Keiya Sugano, una famosa pintora japonesa que pasó por Brasil, Tomie Ohtake pasó una semana experimentando con la pintura al óleo en 1952. En ese momento tenía 39 años, era ama de casa y madre de dos hijos, y nunca ha dejado de pintar desde entonces. En su biografía afectiva, esta semana representa el momento de reunirse con el sueño que tuvo en Japón en 1936. Hacer arte, vivir como artista, esta ambición no tenía y comenzó alimentándose de los temas figurativos más tradicionales: pinturas de bodegones, retratos, casas y escenarios urbanos. A pesar de la convencionalismo de estos temas, Tomie Ohtake enfatiza el enfoque empírico que ha aplicado para ella, en el que es demasiado orgullosa y está demasiado ansiosa por sumergirse en los principios técnicos de la pintura académica occidental. En su juventud, parecía demasiado preocupada con virtuosidades. La atención a las cualidades intrínsecas de los materiales de pintura (textura, viscosidad, pigmentación, transparencia, tiempo de secado, etc.) comenzó, casi como un accidente, y más tarde se convirtió en uno de los aspectos definitorios de su producción.
"No doy títulos a mi trabajo para que la persona que lo ve no cree un solo significado en sus cabezas. El barniz de títulos permite a las personas usar sus propias ideas ".
Río de Janeiro y Sao Paulo, Tomie Ohtake se liberó del aspecto figurativo explícito de sus primeros estudios y se zambulló en la investigación de abstracciones creadas sin regla ni brújula: sin formas figurativas que aún evocan superficies acuáticas, luces, estrellas, imágenes cosmológicas, dependiendo de la imaginación del espectador.
Para hacer, esta opción vendría de un deseo de asociar con este o ese movimiento de vanguardia, y más como ecos de su afiliación estética con formas y composiciones que fueron más condensadas y cohesivas. Por lo tanto, la abstracción permitió un manejo más directo y elemental del color, el gesto y la materialidad. También liberó la realización de las obras, llevándolas a un terreno abierto, sin guiones o conjuntos. Finalmente, eligieron la abstracción debido a su preferencia por los artículos del hogar, la cultura y los rituales japoneses, desde el teatro hasta la religión, pasando por la creación de ornamentos; ella dice que siempre elige la más simple y condensada. Nuevamente, en su universo afectivo, la simplicidad que se encuentra en su hogar, en su espacio de trabajo, se entrelaza con lo que busca en su pintura.
"No hay concepto"
Cuando se le preguntó, Tomie Ohtake reitera, con la misma actitud que ha mantenido durante décadas, que sus pinturas no resultan de la implementación de conceptos, cálculos o fórmulas previamente elaboradas. Todo es gesto, solo gesto pictórico, asegura. Es imposible creer completamente esta afirmación, ya que es imposible purgar por completo el gesto del proceso pictórico, por lo que es poco probable que elimine todo pensamiento y formulación lógica del proceso creativo.
Tomie Ohtake es responsable de la historia del arte, enfatizando la diferencia entre los movimientos de vanguardia concretos y neoconcretos en Brasil. A diferencia de los programas, manifiestos y principios de estos grupos, la práctica del artista se basa en la investigación sobre el poder de sus gestos, es decir, los posibles encuentros entre su mano y el material que elige, ya sea para sus estudios o sus obras de arte. El concepto, como, reside en la hipótesisde investigar materiales, formas y colores, que ella recombinó a lo largo de seis décadas de trabajo. Lejos de lo aleatorio en sus procedimientos, sabía cómo, en cada período, mantener algunas variables y mantener a los demás en posición abierta, al igual que un músico interesado en explorar aspectos alternativos de las escalas musicales.
"Estoy utilizando mi tiempo ensamblando y combinando formularios" en esos estudios hechos con papel triturado y recortes.
El proceso más recurrente en las obras de Tomie Ohtake es el collage: hecho de lágrimas y recortes de revistas brasileñas y japonesas. Desde la primera mitad de la década de 1960, se ha utilizado en el procedimiento para definir los campos de color por la escritura a mano, es decir, debido a las texturas, ranuras y bordes de los desvíos impredecibles que este método impone a las formas. Durante los años 1970 y 1980, sus estudios muestran una fuerte definición del contorno de las formas. Esto se debe a las tijeras para cortar el papel. Estos pequeños proyectos repercuten directamente en las obras del artista, que muchas veces conservan en sus pinturas e imprimen los mismos contornos delicados de los collages, así como las texturas y tonalidades de los papeles que usaron.
La existencia de estos estudios y la fidelidad de sus pinturas no son contradictorias. Pero en realidad, cambian, la temporalidad del trabajo. A diferencia del proceso de meditación, intensamente inmerso en un estado de la improvisación y la deriva de las pinceladas, Tomie Ohtake confía en momentos decisivos en la que el azar, la manejabilidad y la intuición convergen en al forma prematura. Usando metáforas orientales, su pintura es más cercana a un samurai que a la meditación de un monje. Estos gestos compactos repercuten, en la continuidad de su trabajo, en múltiples reinterpretaciones y recombinaciones de las formas, de acuerdo con un método empírico de exploración no dogmática de las posibilidades. Las piezas de arte están escritas en frases, fragmentos de un lenguaje personal.
"Me gusta la música, Beethoven y otros clásicos, pero para trabajar, necesito silencio"
Esta pregunta y respuesta debe leerse como una "paz mental". La pintura de Tomie Ohtake apunta a la simplicidad del gesto y la forma.
Maria Lovisa Åhrberg o Årberg (17 de mayo de 1803 o 1801 en Upsala, - 26 de marzo de 1881 en Estocolmo) fue una médica cirujana sueca. Fue la primera médica de Suecia; en la década de 1820 ya trabajaba como doctora, mucho tiempo antes de que se permitiese formalmente que las mujeres ejercieran la medicina (se permitió en 1870). La única médica anterior a ella en el país, la cual también tuvo reconocimiento oficial, fue Kisamor, quien, sin embargo, no tenía estudios formales.
Lovisa nació en Upsala, Uppland. Su padre era sepulturero y su madre enfermera; a principios del siglo XIX, las enfermeras eran simplemente ayudantes de los médicos sin estudios formales, pero Lovisa acompañaba a su madre a los hospitales y ésta era, según sus observaciones, tan competente como una graduada. Tanto su madre como su abuela materna eran enfermeras.
De adulta, Lovisa abandonó Upsala para trabajar como doncella en Estocolmo. En su tiempo libre, ayudaba a sus amigos con sus problemas de salud. Se corrió la voz de sus conocimientos médicos, y cada vez más personas iban a pedirle consejo. Poco después, incluso los más adinerados se convirtieron en sus clientes y le pagaron por su trabajo, por lo cual terminó renunciando a su trabajo como doncella y abrió su propia clínica para comenzar a trabajar únicamente como médica en la ciudad de Estocolmo.
A diferencia de Kisamor, quien fue aceptada por la comunidad médica por su trabajo como médica rural, Lovisa sufrió una gran oposición por parte de los médicos hombres cuando comenzó a volverse reconocida como médica en la ciudad. En la década de 1820, estaba prohibido que una mujer ejerciera la medicina, y sufrió una investigación por las autoridades médicas por fraude. Durante la investigación, sin embargo, descubrieron que era una muy buena médica, y que tenía el mismo conocimiento que sus pares hombres. Por lo tanto, se le retiraron los cargos y obtuvo el permiso de ejercer su profesión en Estocolmo aunque estuviera prohibido. El rey Óscar I de Suecia le otorgó una medalla en 1852 por su trabajo.
Fredrika Bremer admiraba a Lovisa y la mencionó en su famosa novela Hertha de 1856:
Permítaseme expresar una palabra de agradecimiento y reconocimiento para la doctora de Estocolmo, la señorita Årberg, y el deseo de que alguna de las personas adineradas, quienes en ocasiones van a verla, quieran, en algún momento, presenciar la atención que le da a la gente pobre de Estocolmo, quienes encuentran las puertas abiertas para que les curen sus lesiones y enfermedades; se sentirían, como nos sentimos nosotros, admirados por la paciencia infinita, el buen humor y la generosidad, por la cual da su tiempo, su cuidado y sus ungüentos a los miles que no tienen nada que darle excepto su agradecimiento. Sentirían, como nosotros, ganas de darle una mejor ubicación para su trabajo que la que tiene ahora (prácticamente en la calle).
Åberg fue conocida como "la médica sanadora de heridas" y "Maid Åberg". Aparece en un libro sobre famosas suecas publicado en 1864-1866. En el mismo, su clínica se describe como "la clínica de los pobres" porque generalmente atendía a los más humildes. Este libro contemporáneo reporta que la salud de Årberg se había dañado tanto por su trabajo que había tenido que dejarlo para descansar en Carlsbad.
No era la única mujer cuyo trabajo en la medicina era reconocido en Suecia en su época; Hanna Svensdotter, (1798-1864), su contemporánea, fue reconocida como "la doctora de Wram", y su reputación, especialmente la relacionada con las heridas en las piernas, "superó los límites de Scania".
Mistinguett, nombre artístico de Jeanne Bourgeois (Enghien-les-Bains 5 de abril de 1875 - Bougival, 5 de enero de 1956), fue una vedete, cantante y actriz francesa.
Jeanne Bourgeois hizo su debut como Mistinguett en el Casino de París en 1895, participando después en espectáculos del Folies Bergère, el Moulin Rouge, y Eldorado. Llegó a ser una de las más populares artistas francesas en su tiempo y la mujer más importante en el mundo del espectáculo. En 1919, sus piernas fueron aseguradas por la enorme cifra de 500 000 francos. Fue la primera en interpretar la canción Ça c'est Paris ("Esto es París") llamada s el "himno de los parisinos".
Tuvo una larga relación amorosa con Maurice Chevalier, quien fue su partenaire.
En 1920, grabó su primera canción, Mon homme, que fue popularizada con el título inglés de My man por Fanny Brice y se convirtió en un clásico del repertorio de numerosos cantantes. En España fue Sara Montiel quien la popularizó con el título de Es mi hombre.
Igualmente, el actor francés Jean Gabin inició con ella su carrera artística, estrenando la célebre Java de Doudoune.
En famosa su frase: "El dinero no da la felicidad, pero aplaca los nervios"
La carrera de Jeanne Bourgeois acabó poco después de los cincuenta años de actividad. Falleció a los 80 años y fue enterrada en el cementerio de Enghien-les-Bains, en la región de Île-de-France.
Discografía Mistinguett. 1926-1942. Chansophone, 1993. Filmografía L'empreinte ou La main rouge (1908) Fleur de pavé (1909) La fiancée récalcitrante (1909) Un mari qui l'échappe belle (1909) L'enlèvement de Mademoiselle Biffin (1909) Ce bon docteur (1909) Les timidités de Rigadin (1910) La ruse de Miss Plumcake (1911) L'épouvante (1911) Le clown et le pacha (1911) Un enfant terrible (1912) L'oubliée (1912) La moche (1912) La folle de Penmarch (1912)
Le coup de foudre (1912) Bal costumé (1912) À bas les hommes (1912) La vocation de Lolo (1912) Le parapluie (1912) Une bougie récalcitrante (1912) La glu (1913) Les misérables (1913) La valse renversante (1914) La doppia ferita (1915) Chignon d'or (1916) Sous la menace (1916) Fleur de Paris (1916) Mistinguett détective (1917) Mistinguett détective II (1917) L'île d'amour (1928) Rigolboche (1936) Carosello del varietà (1955)
Claudia Stacy Peña Claros (Santa Cruz de la Sierra, 15 de diciembre de 1970) es una poeta, cuentista e investigadora social boliviana.
Estudió Comunicación Social y tiene una maestría en Desarrollo Sustentable. Fue ministra de Autonomías entre los años 2011 a 2015 y es consejera de la Fundación Banco Central de Bolivia .
Bolivia: la cruceña Claudia Peña ganó el premio de Literatura “Franz Tamayo”
En enero de 2015, Claudia Peña dejó el cargo de ministra de Autonomías y decidió seguir una de sus grandes pasiones: la literatura. Hoy, después de más de un año, la también periodista cruceña conquistó el primer lugar del XLIII Concurso Municipal de Literatura Franz Tamayo con su obra El Destello.
Para Peña, este premio representa una señal para seguir el camino que siempre ha soñado cuando era niña: ser escritora.
“Vengo escribiendo desde hace muchos años y tengo muchas cosas publicadas, pero por mi militancia política había dejado de escribir. Entonces, este año, he vuelto a la literatura. Pienso que este premio es una señal importante para seguir en el mundo de las letras. Llega justo en un momento de mi regreso a la escritura”, comentó Peña, quien es una de las gestoras del café cultural Rayuela.
El cuento El destello, definido por el jurado como “magistralmente escrito”, narra los últimos minutos en la vida de una persona y se basa en experiencias personales de la autora con el tema de la muerte. “Se detiene en los detalles e instantes de esa persona e intenta una mirada global -no solamente de lo orgánico- a partir de ese momento, a partir de ese detalle”, comentó la escritora, quien por primera vez participó concurso de cuento Franz Tamayo.
La escritora recibirá un premio de 20.000 bolivianos y la publicación de su obra en una antología con la Editorial 3.600.
Peña nació en Santa Cruz y en la actualidad vive en La Paz. Estudió Comunicación Social y tiene una maestría en Desarrollo Sustentable. Fue ministra de Autonomías entre los años 2011 a 2015. “Yo quería estudiar Literatura, pero cuando salí bachiller mi mamá me dijo: ‘Te vas a morir de hambre y no tendrás trabajo’. Entonces, yo dije: ‘Qué es lo que más se parece a Literatura’ y entré a Comunicación Social. Siempre me ha gustado escribir”, contó.
La cruceña publicó los libros de cuentos El Evangelio según Paulina (2004) y Que mamá no nos vea (2005). En poesía presentó obras como Inútil Ardor (2006) y Con el cielo a mis espaldas (2007). En 2010 publicó su primera novela, La furia del río, bajo el sello Plural Editores.
¿Cómo recibió la noticia de que usted ganó el concurso de cuento Franz Tamayo?
Fue una verdadera sorpresa, no esperaba el premio. Yo mandé mi cuento al concurso, pero uno siempre no se hace muchas ilusiones. Yo estaba en eso, prefería no pensar en el tema.
¿Qué historia narra en el cuento El Destello?
Es una mirada a través de un microscopio, que cuenta unos pequeños instantes de la vida de una persona que se encuentra a un paso de la muerte. Entonces, el cuento tiene una mirada bien cercana a lo que sucede con el protagonista, pero también es una mirada global de su mundo y de sus familiares. Es un cuento que narra el pasaje de ese personaje.
¿Considera que de alguna manera su obra es autobiográfica?
Sí, en los últimos tiempos me ha tocado vivir algunos momentos muy difíciles y muy personales. Entonces, eso me ha impactado y me hizo pensar mucho. El cuento es como un destilado de todo eso, de toda esa gigantesca obra y de ese tsunami de emociones. He intentado retratar esos momentos.
¿Cuánto tiempo ha durado el proceso de creación de su obra?
He trabajado el cuento entre cuatro y cinco meses. Pero, quiero aclarar que el proceso de creación del cuento no es solamente al momento de escribirlo. Pienso que cuando uno escribe ha tenido antes una vivencia vital y personal. Entonces, muchas veces, un cuento, uno lo puede escribir incluso en una hora o dos horas, pero esa se ha empezado a escribir hace muchísimo tiempo. Creo que cada cuento es un reflejo de toda una serie de experiencias que uno tiene a lo largo de su vida (…) Es un cuento que ha venido escribiéndose en el último par de años en realidad.
¿Qué significa para su carrera ganar el concurso de cuento Franz Tamayo?
Es un premio muy importante y muy respetado. Estoy feliz y es como una señal que uno recibe para seguir en este camino. Es como un aliciente y me genera mucha ilusión. Es también como una recompensa del trabajo invertido. Yo vengo escribiendo desde hace muchos años y tengo muchas cosas publicadas, pero por mi militancia política había dejar de escribir. Cuando ya dejé el Ministerio de Autonomías, ya me he dado un tiempo para escribir. Entonces, este año he vuelto a escribir y el premio es como una señal importante para seguir adelante.
Ha escrito poesía, cuento y novela ¿Usted se considera más una narradora o una poeta?
Yo me considero más narradora. Pienso que para decir que uno es poeta, es una palabra demasiado grande. Yo lo que escribo ahora es cuento, hace muchos años he dejado de escribir poesía. Por esa razón, me considero más una narradora.
“El Destello es un cuento magistralmente escrito. Desde un principio de su lectura, y gracias a un manejo cautivante y preciso del lenguaje, la historia que narra nos mantiene en un suspenso estremecedor”, destaca el acta del jurado calificador sobre la obra ganadora del XLIII Concurso Municipal de Literatura “Franz Tamayo” 2016. El texto es de autoría de Claudia Peña.
” Una larga y angustiante lucha contra la muerte es el eje central de este cuento, donde un halo poético también se hace presente sólo para reforzar la contundencia de lo que está narrando”, añade el documento.
Obras
Ser cruceño en octubre. Aproximación al proceso de construcción de la identidad cruceña a partir de la crisis de octubre de 2003 (con Nelson Jordán, 2006)
Poder y élites en Santa Cruz (junto a Fernando Prado y Susana Seleme, 2007)
Inútil ardor (poemas, con dibujos de Valia Carvalho, 2005)
Con el cielo a mis espaldas (poemas, con dibujos de Valia Carvalho, 2007)
El evangelio según Paulina (cuentos, 2003)
Que mamá no nos vea (cuentos, 2006)
Suzanne Prou, nacida Suzanne Marcelle Henriette Doreau el 11 de julio de 1920 en Grimaud y fallecida el 30 de diciembre de 1995 en París, es una escritora francesa.
Suzanne Prou estudió en la Facultad de Artes de Aix-en-Provence. Fue en 1966 cuando publicó su primer libro, Les Patapharis. El premio Cazes se otorga en 1972 a su quinta novela: Méchamment les oiseaux. Ella es también la autora de libros para niños.
Suzanne Prou fue miembro del jurado del Prix Femina.
La Terrasse des Bernardini ganó el premio Renaudot en 1973. El Grand Prix des Lettres de Provence ha coronado toda su obra.
La terraza de los Bernardini. Suzanne Prou :Dos mujeres viven juntas en una gran mansión de provincia en Francia, Laure Bernardini es mayor, rica, ávida de respetabilidad. ¿Qué hace junto a ella la extraña Thérese? ¿Qué drama las une? ¿Qué lazo las retiene? ¿Se aman o se odian? Noche tras noche, sobre la terraza de los Bernardini, ambas mujeres reconstruyen el "puzzle" de sus recuerdos, con sus detalles íntimos. Habladurías y viejos papeles sirven para desentrañar la verdad.
Suzanne Prou logra hechizarnos desde las primeras páginas de su novela. Atmósfera de misterio, personajes intrigantes, situaciones equívocas, preguntas que quedan sin respuesta, hasta que cada ser haya revelado su faz oculta. La autora ha llegado a dominar admirablemente el arte de desnudar las almas para descubrir sus secretos.
Con La terraza de los Bernardini, se ensancha el universo de esta autora, cuya originalidad ha sido destacada por la crítica en general. El mundo que describe, el de nuestras pasiones reprimidas, vividas en lo cotidiano, nos libera de nuestros fantasmas, sin dejar por ello de inquietarnos.
Annie Kenney (13 de septiembre de 1879 – 9 de julio de 1953) fue una sufragista británica, figura principal en Unión Social y Política de las Mujeres (WSPU). Cofundó su primera rama en Londres junto a Minnie Baldock. Atrajo la atención de la prensa y el público en 1905, cuando junto a Christabel Pankhurst estuvo encarcelada por varios días por agresión y obstrucción, después de interrumpir violentamente a Lord Edward Grey en un rally del Partido Liberal en Mánchester sobre el asunto del sufragio femenino. Este incidente inauguró una nueva fase en la lucha para el sufragio de las mujeres en el Reino Unido, con la adopción de tácticas militantes.
Annie nació en Springhead, Saddleworth, West Riding of Yorkshire, el 13 de septiembre de 1879, siendo la cuarta hija (de 12 hermanos) de Nelson Horatio Kenney (1849-1912) y Anne Madera (1852-1905); la familia era de clase humilde, y Kenney debió trabajar a tiempo parcial en un molino de algodón local a la edad de 10 años, mientras a la par asistía a la escuela; luego tuvo dedicación exclusiva a los 13 años, con turnos de 12 horas desde las 6 de la mañana a las 6 de la tarde.
Kenney se involucró activamente en la Unión Social y Política de las Mujeres (WSPU) después de que ella y su hermana Jessie Kenney oyeron a Teresa Billington-Greig y Christabel Pankhurst en el Oldham Clarion Club Vocal en 1905.
Durante un rally liberal en el Free Trade Hall de Mánchester, en octubre de 1905, Kenney y Christabel Pankhurst interrumpieron una reunión política para preguntarle a Churchill y a Edward Grey si creían que las mujeres tendrían que tener el derecho a votar, sin obtener respuestas. Las dos mujeres desplegaron una pancarta que declaraba "Votos para las Mujeres", gritándoles a los dos políticos para que contestaran sus preguntas. Consiguientemente, tanto Kenney como Pankhurst fueron expulsadas de la reunión y arrestadas por causar obstrucción y una agresión a un agente policial. Annie Kenney estuvo encarcelada por tres días por su parte en la protesta, y 13 veces en total.
En 1906 ella, Adelaide Knight, y la señora Sparborough fueron arrestadas cuando intentaron obtener una audiencia con Herbert Asquith. Se les ofreció una pena de seis semanas en prisión o dejar de hacer campañas por un año, pero Kenney escogió ir a prisión, al igual que las otras mujeres.
Kenney era una mujer de clase obrera quién terminó formando parte de la jerarquía senior del WSPU, deviniendo en sublíder en 1912, algo inusual en una organización de clase media. En 1913, Kenney y Flora Drummond lograron que representantes del WSPU pudieran reunirse con políticos como David Lloyd George y lord Edward Grey. La reunión había se había establecido pues eran mujeres de clase obrera representando su clase. Ellas explicaron los salarios bajos y condiciones laborables que padecían y su esperanza que el derecho a voto habilitara a las mujeres para desafiar el statu quo en una manera democrática. Alice Hawkins de Leicester explicó cómo sus amigos trabajadores podrían escoger un hombre para representarles políticamente en el parlamento mientras que las mujeres quedaban sin representación.
Annie Kenney y Christabel Pankhurst
En el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, Emmeline Pankhurst llamó a un cese de las movilizaciones sufragistas e instó a las mujeres a devenir activamente en trabajos tradicionalmente considerados para hombres, dado que la mayoría que estos estaban ausentes por la guerra. Esto pausó al movimiento sufragista, relanzado el 16 de abril de 1915 con el eslogan que lo era «mil veces más el deber de la militante sufragista luchar contra el Káiser por el bien de la libertad que luchar contra gobiernos antisufragistas». Como parte de esto, durante el otoño de 1915 Kenney acompañó a Emmeline Pankhurst, Flora Drummond, Norah Dacre Fox (más tarde Norah Elam) y Gracia Roe a Gales del Sur, Midlands y Clydeside a reclutar apoyos en los tiempos de guerra. Llevó su mensaje a lugares tan lejanos como Francia y los Estados Unidos, pero eventualmente contrajo matrimonio con James Taylor (1893-1977) y se estableció en Letchworth, Hertfordshire, después de que a las mujeres mayores de 30 años se les otorgara el derecho a voto en 1918. Un hijo suyo, Warwick Kenney Taylor, nació en 1921.
Murió en Hitchin, el 9 de julio de 1953, a la edad de 73 años. Sus cenizas fueron esparcidas por su familia en la pradera de Saddleworth.
En 1999, el consejo municipal de Oldham levantó una placa conmemorativa en su honor en Lees Brook Mill en Lees, cercano a Oldham, lugar donde Kenney había empezado a trabajar en 1892.
