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lunes, 27 de mayo de 2019

Amelia Bloomer defensora estadounidense de los derechos de las mujeres


Amelia Jenks Bloomer (27 de mayo de 1818 - 30 de diciembre de 1894) fue una defensora estadounidense de los derechos de las mujeres y del movimiento de la templanza contra el consumo de bebidas alcohólicas. Era la editora del periódico The Lyli con el lema "Dedicado a los intereses de la mujer" en el que se difundía las voces de las mujeres y sus reivindicaciones. Su nombre quedó asociado con el estilo de vestimenta femenina conocido como «Bloomer's» (bombacha). Consistía en una larga túnica ligeramente sujeta a la cintura y unos pantalones ajustados al tobillo.1


Amelia Bloomer nació en 1818 en Homer, Nueva York. Bloomer venía de una familia modesta y recibió solo unos pocos años de educación formal en la escuela del distrito. Tras un breve periodo como maestra a los 17 años, decidió mudarse a Waterloo con su recién casada hermana Elvira. Al cabo de un año se trasladó a casa de la familia Oren Chamberlain para trabajar como institutriz.

A los 22 años se casó con el abogado Dexter Bloomer, quien la animó a escribir para su periódico neoyorkino County Courier


En 1848, Bloomer asistió a la convención de Seneca Falls, la primera convención por los derechos de las mujeres. Al año siguiente empezó a editar el primer periódico para mujeres, The Lily, que fue publicado dos veces a la semana de 1849 a 1853. El periódico comenzó enfocado en la templanza, pero evolucionó hasta llegar a tener una amplia mezcla de contenidos que iban desde recetas a panfletos moralistas, particularmente cuando estuvo bajo la influencia de la activista Elizabeth Cady Stanton y de Susan B. Anthony. Originalmente, The Lily iba a ser distribuido a domicilio entre los miembros de la Sociedad para la Templanza de Seneca Falls, pero tras un tiempo llegó a tener una tirada de más de 4000 copias. El periódico tuvo que enfrentarse a varios obstáculos en sus comienzos, pero Bloomer sentía un compromiso con la publicación y asumió la plena responsabilidad de editarlo y publicarlo. Aunque al principio la portada contenía la frase "Publicado por un comité de señoritas", a partir de 1850 solo apareció el nombre de Bloomer. En dicha publicación, Bloomer promovía un cambió en la vestimenta de las mujeres que resultase menos restrictiva para sus actividades:

La vestimenta de las mujeres debería adaptarse a sus deseos y necesidades. Debería procurar, a la vez, su salud, confort y utilidad; y, aunque tampoco debería dejar de procurar su embellecimiento personal, debería darle una importancia secundaria.

En su  periódico  Amelia propuso la “atrevida” vestimenta para su época, los pantalones bloomers;  pantalones sueltos fruncidos en los tobillos, coronados por un vestido corto o falda y chaleco.  La idea consistían básicamente en mejorar la calidad de vida de las mujeres. Sentirse más cómodas era la primicia.
Esta idea fue objeto de burlas continuas en la prensa y en la calle. La propia Bloomer abandonó esta moda. 
Después del revuelo causado por los innovadores pantalones, Amelia vendió su periódico The Lily, y junto con su esposo se mudaron a Ohio. 

Bloomer continuó siendo una pionera de la defensa del sufragio femenino y escritora el resto de su vida, y colaboró con un extenso número de periódicos. Lideró campañas sufragistas en Nebraska y Iowa, y fue presidenta de la Asociación por el Sufragio Femenino de Iowa de 1871 a 1873. Murió en Council Bluffs, Iowa, en 1894.

http://antesdeeva.com/amelia-bloomer-la-comodidad-la-mujer-derecho-al-sufragio/
https://es.wikipedia.org/wiki/Amelia_Bloomer
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domingo, 26 de mayo de 2019

Paulina Luisi ginecóloga, y activista por los derechos de la mujerde Uruguay



Paulina Luisi Janicki (Colón, Entre Ríos, Argentina, 1875 - Montevideo, Uruguay, 1949) fue una médica, profesora y activista feminista uruguaya.


Su padre fue Ángel Luisi Pisano, italiano, quien trajo a América sus ideas masónicas de libertad, y su madre, María Teresa Josefina Janicki, hija de polacos exiliados en Francia. Llegaron a Entre Ríos, Argentina, recién casados en 1872 y en 1878 se trasladaron a Paysandú, Uruguay. En 1887 se instalaron en Montevideo.

Los Luisi Janicki fueron una familia de trabajadores y educadores que se desarrolló en un ambiente de resistencia y rebeldía, de pensamiento muy liberal para la época. Todas sus hijas estudiaron magisterio y algunas de ellas siguieron carreras universitarias siendo de las primeras mujeres profesionales del Uruguay. Sus hermanas Luisa como poeta y pedagoga, Clotilde como abogada e Inés como médica también tuvieron una destacada actividad profesional. Paulina estudió en el Internado Nacional de Magisterio, bajo la dirección de María Stagnero de Munar, a quien siempre reconoció como ejemplo en su formación.

Paulina Luisi fue la primera mujer uruguaya que cursó estudios en la Facultad de Medicina de  la Universidad de la República. Comenzó la carrera en 1900 y se recibió en 1908.​ Obtuvo el título de Doctora en Medicina, siendo además ginecóloga, docente, promotora y activista por los derechos de la mujer. En 1923 obtuvo la especialización en Dermatología y Enfermedades venéreas en París.

Su doctrina versaba sobre la eliminación de la trata de blancas, del proxenetismo y de la prostitución, ya que consideraba que estas actividades eran un comercio sobre el cuerpo de la mujer. En su libro Otra voz clamando en el desierto abogaba por la eliminación de la reglamentación sobre prostitución, que indicaba dónde, en qué horarios y la obligación de las mujeres que ejercieran la prostitución a indicarlo con una tarjeta que además incluyera información sobre su salud venérea.

En sus trabajos entendía que la educación sexual debía ser integrada a la educación para ambos sexos, ya que era responsabilidad tanto de varones como de mujeres una adecuada salud sexual para prevenir enfermedades venéreas.​ En 1906 propuso a la Dirección de Instrucción Pública el primer proyecto sobre educación sexual en Uruguay.



Como activista fue fundadora del Consejo Nacional de la Mujer Uruguaya en 1916 y de la Alianza Uruguaya de Mujeres en 1919, que luchaba por el voto femenino que terminó concretándose en las elecciones generales de 1938. Sus ideas y su trabajo se han propagado como valores universales por los derechos de la mujer en el mundo entero.6​ Su casa oficiaba de consultorio médico y en forma simultánea, albergaba la sede del Consejo Nacional de Mujeres.6​ Fue directora de una revista que defendía los derechos de las mujeres llamada Acción Femenina publicada en 1917 en Montevideo.

Como política  se vinculó con el Partido Socialista del Uruguay que se había fundado en 1910 en Montevideo, donde encontró un lugar donde luchar por los derechos culturales y civiles de las mujeres. 7​ Esa época fue durante el segundo gobierno de José Batlle y Ordoñez donde se comenzó a debatir para la aprobación del derecho a voto femenino, que se concretaría muchos años después, cuando se habilita el voto a la mujer en las Elecciones generales de 1938.

Obras
Pedagogía y conducta sexual (1950)
Otra voz clamando en el desierto: proxenetismo y reglamentación (1948)
La mujer uruguaya reclama sus derechos políticos (1929)
Una vergüenza social: la reglamentación de la prostitución (1919)
Algunas ideas sobre eugenesia (1916)


http://greatthoughtstreasury.com/author/paulina-luisi
https://es.wikipedia.org/wiki/Paulina_Luisi
https://twitter.com/bnuruguay/status/839506714013630465

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sábado, 25 de mayo de 2019

Assal Alinejad arquitecta e ilustradora


Assal Alinejad es una heroína cotidiana nacida en Irán. Tuvo la fortuna de tener acceso a la universidad, y su mente inquieta y observadora la llevo fuera de su país.  Le resultaba difícil aceptar que sus padres organizaran reuniones con la familia de posibles pretendientes. La pasividad que se le exigía en esos momentos cruciales hizo que se escapara de esos posibles encuentros, así como de todo la realidad opresiva que enfrenta las mujeres en su país. Ella era muy sensible al papel predominante que en su país se concedía al hombre y sufría porque las mujeres estuvieran relegadas a posiciones secundarias. 
Siguió  completando su formación en Italia y de allí viajó a Ecuador, donde le habían ofrecido un trabajo. Tras unas semanas de ocupar su puesto la empresa cerro dejándola en la más completa  indefensión. 
Dio por un tiempo clase en una universidad, pero la ineficacia de esa institución la coloco en situación de ilegal en el país, lo que unido a otros temas la hizo solicitar de nuevo asilo en Italia. 

 Su  propuesta actual es esta :
Assal Alinejad, arquitecta e ilustradora iraní, refugiada política residente en Italia desde hace 4 años.
 Viaja en bicicleta por tres países, desde Italia, pasando por Francia, hasta España. En este viaje realiza eventos en los cuales a través de sus ilustraciones narra e invita a compartir y reflexionar de manera conjunta sobre las experiencia de la Otredad.  El título del evento , ¡ Las cositas que todos saben ! ,  se refiere al hecho de que los principios que regulan las interacciones sociales rara vez se refieren explicitamente a los extranjeros. La narración está inspirada en la tradición persa llamada Naqqali (una forma de relato / recitación realizada en cafeterías, tiendas nómadas, hogares y lugares históricos como el antiguo Caravanar).


Como parte de su viaje podremos encontrarnos con ella en Madrid el 30 de mayo en la Junta municipal del distrito de Retiro, en la Avenida  Ciudad de Barcelona 162  a las 7 de la tarde, lo que nos dará la posibilidad de  sumar energías, reflexiones y propuestas para acabar con un patriarcado que nos obliga a ser heroínas sin quererlo en el mundo entero, pues algo que Assal ha descubierto es que el patriarcado no es exclusivo de Irán, encontrandoselo en cualquier país que visita. 



Os invitamos para que le ayudéis en su viaje : https://es.gofundme.com/those-little-things-everybody-knows

Más de su trabajo : http://assalalinejad.blogspot.com/
https://www.facebook.com/events/nuovi-profili/incontro-con-lillustratrice-persiana-assal-alinejad/422987841784935/
https://www.facebook.com/laotracantinela/photos/gm.359601858005219/347047306163231/?type=3&theater

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viernes, 24 de mayo de 2019

Teresa Santos pintora


Teresa Santos nace en Zamora el 28 de Marzo 1932, hija de Eusebio Santos y Benedicta Pérez es la tercera de seis hermanos. Sus primeros estudios de educación primaria los realiza en Zamora, destacando en el dibujo artístico.

En 1945 acude a la escuela de Bellas Artes de San Ildefonso, perteneciente a la Obra Sindical de Educación y Descanso en Zamora; donde es alumna entre otros de Daniel Bedate y José María García Castilviejo. En el transcurso de su aprendizaje en Zamora destaca por sus cualidades plásticas y sus profesores le recomiendan que ingrese en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid; lo que hace efectivo en 1953, gracias a una beca  que le permite costear sus estudios.


Desde 1953 a 1955 estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, siendo alumna entre otros de Joaquín Valverde y Eduardo Chicharro. En 1955 interrumpe sus estudios y trabaja en un taller de arquitectura confeccionando maquetas, además de impartir clases de dibujo y desarrollar sus cualidades pictóricas.

En 1959 regresa a la Escuela de San Fernando para continuar sus estudios de pintura. Su vuelta se debe al apoyo del industrial zamorano Juan José Regojo, para el que trabajan su padre y hermanos. Termina sus estudios en San Fernando en 1960, ampliándolos con sus profesores junto a su compañera Amparo Villalva.

En 1960 se casa con Emilio Sanz Herreiz, fija su residencia en Madrid y fruto de su matrimonio son sus tres hijos Miguel Ángel, Mª Teresa y Emilio. A partir de este momento se dedica a pintar y asistir a convocatorias y concursos de pintura.


De 1976 a 1994 reduce su producción artística y se dedica a la docencia en las materias de dibujo artístico y técnico en bachillerato, obteniendo plaza de profesora titular en propiedad en 1981. Realiza su labor docente en los institutos García Morato, Orcasitas y Gran Capitán de Madrid.

Desde 1994 se dedica en profundidad a la pintura, intensificando la producción artística e investigadora. Destacan de esta etapa sus retratos, alegorías a la actualidad y su fascinación por los paisajes y la naturaleza.

Desde mediados de 2003 se ve afectada y disminuida en su actividad por motivos de salud falleciendo en 12 de enero de 2004.




http://teresasantos.es/category/teresa-santos/
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Sylvia Marcos académica comprometida con la practica antihegemónica feminista


Sylvia Marcos es una académica comprometida con los movimientos indígenas de las Américas, profesora e investigadora universitaria. Impulsora de la revisión en el campo de la epistemología feminista, las religiones mesoamericanas, y las mujeres en los movimientos indígenas, así como defensora de una hermenéutica, teoría y práctica antihegemónica feminista.

A través de los años, Sylvia Marcos ha sido fundadora, consultora, editora, integrante, de un numero de organizaciones, espacios académicos y publicaciones incluyendo: Red de Feminismos descoloniales-Red de redes, Cuadernos Feministas, CIDHAL, CIDOC, Semillas, Católicas por el derecho a decidir, Programa Interdisciplinario de Estudios de la Mujer, PIEM COLMEX; Investigacion Feminista , CEIICH UNAM; Equidad y Genero, CRIM UNAM; Centro de Derechos Humanos Don Sergio, La Doble Jornada, Enlace Continental de Mujeres Indígenas, Journal Alter/Native; Journal of Feminist Studies in Religion, JFSR; Journal Gender in Society; Catholics for a Free Choice; Coordinadora Nacional de Mujeres Indigenas, CONAMI; Las Cortes de las Mujeres,The Courts of Women.

 

La Dra. Sylvia Marcos, con post-doctorado en Psicología y Sociología de las Religiones de la Universidad de Harvard, es profesora visitante de la Facultad de Estudios de las Religiones del Posgrado de la Universidad de Claremont , CA. Integrante y fundadora del seminario permanente de Antropología y Género del Instituto de Investigaciones Antropológicas del la UNAM e integrante del comité directivo permanente de ALER.(Asociación Latinoamericana para el Estudio de las Religiones).

Ha recibido varios premios y becas como la del Programa de Estudios de las Mujeres en la Religión de la Universidad de Harvard. Es Investigadora Visitante del Max Weber Kolleg de la Universidad de  Erfurt Alemania, Fue “Humanista en Residencia” de la Universidad de la Ciudad de Nueva York, en el programa de estudios de la mujer, investigadora invitada del Centro de Estudios de la Mujer de las 5 Universidades (Smith, Mount Holyoke, Amherst, Hampshire y Universidad de Massachussetts.), investigadora invitada del Instituto de Investigaciones en Humanidades ( Humanities Research Institute) de la Universidad de California ( USA) International Scholar in Residence y Profesora visitante del seminario teológico de la Universidad de Drew y recibió la Catedra Honorífica  H. W. Luce en el seminario teológico UNION de la Universidad de Columbia en Nueva York.


Ha sido profesora visitante de la Universidad de Harvard,  Universidad de Ljubljana, en Eslovenia,  Universidad de Claremont-Depto de Educación, Universidad de Riverside, CA, de la Universidad Andina Simon Bolivar en Ecuador  y de la UNAM, Universidad Nacional Autónoma de México.

Conferencista invitada en varias universidades de Brasil, Ecuador, Perú, Argentina, Bolivia, Colombia Venezuela, Trinidad y Tobago, Cuba, Costa Rica y Jamaica, Croacia, Serbia. En Filipinas, India, Indonesia, Taiwan, Estados Unidos, Japón, Corea del sur, Canadá, Francia, Alemania, Nueva Zelanda, Turquía, Costa Rica, Brasil  Egipto, Irán, Bosnia, Croacia, Rumanía ,  Argelia ,Túnez, Vietnam y Cambodia ha impartido conferencias, cursos, seminarios y talleres.

Es autora de varios libros, numerosos artículos y ha publicado ampliamente sus investigaciones etnohistóricas , en el área de género, religiones mesoamericanas, epistemologías tradicionales y sobre el Curanderismo. Sus artículos y sus libros han sido publicados en Español e Inglés y también en Turco, Alemán, Checo, Holandés, Polaco, Rumano, Francés, Italiano , Portugués, Croata, Japones.

Es editora del III volumen de la Enciclopedia Iberoamericana de Religiones de la Editorial Trotta  intitutlado: Religión y Genero ,2004, y co-editora del libro  “Dialogue and Difference: Feminists  Challenge Globalization,” Palgrave: New York, 2005. Fue consultora de la Primera Cumbre de Mujeres Indígenas de las Américas , Oaxaca, Dic. 2002  y  ha participado y organizado  varios talleres con mujeres indígenas de varias regiones de México, Perú, Bolivia, Colombia, Guatemala y Ecuador , Chile. “Identidades en transformación: el movimiento de mujeres indígenas y el feminismo en México” fue publicado por el CDI. 

En Brill, Academic Publishers, apareció su libro en Ingles Taken from the Lips: Gender and Eros in Mesoamerica en 2006, en traducción al español: Tomado de los Labios genero y eros en Mesoamerica  editorial Abya Yala, Ecuador, 2012.  El libro Dialogue and Difference, Palgrave 2005 co-editado con Marguerite Waller  fue traducido al español : “Dialogo y Diferencia: Retos Feministas a la Globalizacion”, CEIICH-UNAM/Instituto de las Mujeres Morelos, 2008.  Tres libros aparecieron en 2010: “Indigenous Religions and Women: Perspectives from Asia, Australia, and the Americas” Praeger, 2010: “Cruzando fronteras: mujeres indígenas y feminismos abajo y a la izquierda”, CIDECI, Universidad de la Tierra ,Chiapas, 2010. Indigenous Voices in the Sutainability Discourse, Editorial Lit, Verlag, 2010, Berlin, Alemania. Mujeres Indigenas, Rebeldes Zapatistas, Mexico EON, 2012.  En co-edicion con Georgina Mendez, Xuno Lopez Intzin y Carmen Osorio, Senti-Pensar el Genero, 2013; Mujeres Indígenas y Cosmovisión Descolonial, IDEA Editura, Bucarest, Rumania, 2014.



https://sylviamarcos.wordpress.com/
http://www.uaem.mx/gacetavirtual/gestion/presentan-la-obraem-otro-mundo-otro-caminoem-de-sylvia-marcos/1224
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jueves, 23 de mayo de 2019

Ruth Fernández cantante contralto puertorriqueña y miembro del Senado


Ruth Fernández Cortada (Ponce, 23 de mayo de 1919 - Santurce, 9 de enero de 2012​) fue una cantante contralto puertorriqueña y miembro del Senado de Puerto Rico. De acuerdo con las "Comisiones Nacionales para la Celebración del Quinto Centenario", Fernández fue una de tres artistas cuyas contribuciones ayudaron a unir a Latinoamérica. Los otros dos artistas mencionados fueron Libertad Lamarque de Argentina y Pedro Vargas de México.


Conocida como "El alma de Puerto Rico hecha canción", Ruth Fernández nació en el barrio Bélgica de Ponce el 23 de mayo de 1919, hija menor del matrimonio de Santiago Fernández y Rosa María Cortada. Al cumplir seis años murió su madre y ella y sus cuatro hermanas quedaron al cuidado de su abuela Adela, medium-unidad espiritista ante quien desfilaba la aristocracia ponceña. En Ponce hizo sus estudios elementales, secundarios y superiores. De niña estudió piano y participaba en actividades escolares y comunitarias, donde ya daba muestras de su vocación artística y su talento en desarrollo. En escuela superior organizó su propio grupo musical y amenizaba programas escolares.

A los 14 años empezó a cantar como profesional en la estación de Radio WPRP y WPAB de Ponce, sin haber pasado por la etapa de aficionada, ganando 50 centavos diarios. Sus interpretaciones fueron escuchadas por Mingo y sus Whoopee Kids, la orquesta más popular del momento, y a los 16 años fue contratada como cantante principal de la famosa agrupación puertorriqueña. Durante ocho años recorrió Puerto Rico cantando en los principales casinos, centros nocturnos, fiestas patronales y bailes.

Su primera grabación fue para el sello Columbia. A raíz de la gran popularidad de este disco en 1941 obtuvo su primer contrato para cantar en el Teatro Latino de Nueva York. Fue allí donde el cantante y maestro de ceremonias, Héctor del Villar, se refirió a ella con el mote que la habría de conocer en adelante: "El Alma de Puerto Rico Hecha Canción".


A su regreso a Puerto Rico se reintegra a la orquesta de Mingo y sus Whoopee Kids, a la vez que estudia en la Universidad de Puerto Rico, donde anhelaba especializarse en leyes o trabajo social. Alternando con sus estudios universitarios y diversas presentaciones en Puerto Rico, cumple compromisos artísticos en Sur América y giras por el Caribe. Poco después es aclamada en suelo borinqueño como solista y se independiza de la orquesta.

Durante la Segunda Guerra Mundial y el conflicto de Corea, Ruth participó en varias giras artísticas para entretener a los soldados en bases de Puerto Rico y el Caribe, incluyendo a St. Thomas, Jamaica, Curazao, Trinidad, Santa Lucía, Antigua, Panamá y Cuba.

Ruth Fernández fue pionera en variados campos del arte: primera cantante femenina en una orquesta puertorriqueña, viajando por toda la Isla en una guagua con 14 músicos y el director; fue la primera intérprete de música popular en ser contratada por el Metropolitan Opera House; la primera cantante latina del género sentimental romántico en presentarse en los países escandinavos; la primera en grabar con una orquesta norteamericana; así como la primera cantante en ser electa al Senado de su país. Ha sido, además, pionera en la lucha contra el discrimen racial. Lo había vivido en carne propia, particularmente en sus comienzos, cuando tenía nueve años y junto a otras cuatro jovencitas formaba parte de un grupo folclórico. Recuerda que las invitaron a participar en un espectáculo y la maestra le dijo que no podía ir porque era fuera de la escuela y su abuela no la dejaría ir. Más tarde se enteró que la verdadera razón era por el color de su piel.

En otra ocasión, cuando cantaba con Mingo y sus Whoopee Kids, fueron contratados para actuar en el Hotel Condado Vanderbilt. El director de la orquesta le explicó que, de acuerdo con las normas, debía entrar por la cocina, como hacían todos los músicos negros, pero ella se negó a seguir la instrucción y decidió entrar por la puerta principal ante los rostros perplejos de varios guardias de seguridad que la vieron desplazarse por el escenario con la mayor dignidad.

Cantó para la estación de radio de la CBS, en un programa transmitido de costa a costa de los Estados Unidos. Dio un concierto en el Carnegie Hall de Nueva York, con espectaculares reseñas en los diarios neoyorquinos, y ha representado a la Isla en casi todos los países de América Latina y en muchos de Europa, incluyendo Italia, España y Francia. En Noruega fue contratada por tres semanas y se quedó cuatro meses. A Cuba iba todos los años a hacer una temporada en el Tropicana, el Teatro América y la estación de radio CMQ. En Cuba grabó la opereta "Cecilia Valdés", interpretando a la esclava Dolores Santa Cruz con unos hermosos sones afro.

Ruth Fernández se casó con el famoso pelotero ponceño Juan Guilbe y tras divorciarse de éste, se volvió a casar con Tito Henríquez, autor de "Bello amanecer", matrimonio que duró 14 años. Fue amiga de virtuosos músicos, entre ellos, Don Pablo Casals, quien le escribió la canción "Ven a mí", y de Jesús María Sanromá. También tuvo su propio espacio por televisión dentro del "Show de las 12" titulado el "Show de Ruth Fernández".

Esta artista ponceña recibió los más altos honores, medallas y reconocimientos de distintos gobiernos: En Panamá se le otorgó la Medalla Vasco Núñez de Balboa; en Venezuela, la Orden Francisco Miranda; en Estados Unidos, declaración del Día de Ruth Fernández en Washington, D.C.; Los Angeles, Nueva York y Puerto Rico, Medalla del Quinto Centenario, Doctorado Honoris Causa de la Universidad Mundial, y más de cinco Cemíes y Agüeybanás. De todas las distinciones, la que más la llena es una partitura de puño y letra que Don Pablo Casals le dedicó en 1963, "Ven a mí", canción que le dedicó.

Entre sus múltiple logros en Puerto Rico figuran la inauguración de la emisora de radio WCMN en Arecibo; la inauguración del Show Libby's, primer show musical de la televisión puertorriqueña; homenaje que las Comisiones Nacionales para la Celebración del Quinto Centenario le rinden junto a Libertad Lamarque y Pedro Vargas por ser los tres artistas que más han contribuido a hacer una América Latina unida.



En 1985 fue objeto de un merecido homenaje, en ocasión de celebrar sus 50 años en el arte. Importantes artistas de otras tierras participaron, entre ellos Mario Moreno "Cantinflas", Libertad Lamarque, Pedro Vargas, Olga Guillot, Kasandra Damirón, Alberto Cortés y Nelson Ned; plasmada luego en un especial de televisión bajo el título "Ruth Fernández: vengo de regreso".

Posteriormente le dedicaron el Primer Encuentro de Bolero y Filin y el XVI Festival de Bomba y Plena. En 1990 fue seleccionada por la revista "Imagen" como una de las diez mujeres puertorriqueñas con mayor imagen de Puerto Rico.

Con la llegada del año 2000, Ruth recibió un emotivo homenaje en la Sala Antonio Paoli del Centro de Bellas Artes. En el actuaron figuras como Rocío Jurado, Sophy y Choco Orta, entre otras personalidades. En el homenaje, Ruth Fernández fue proclamada "La Cantante del Siglo" en el pentagrama nacional.

El lunes, 9 de enero de 2012, a las 5:54 de la tarde, el Alma de Puerto Rico Hecha Canción falleció en el Hospital San Gerardo de Cupey, San Juan, a causa de un “shock” séptico y neumonía.




https://es.wikipedia.org/wiki/Ruth_Fern%C3%A1ndez
https://prpop.org/biografias/ruth-fernandez/
https://prpop.org/biografias/ruth-fernandez/
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miércoles, 22 de mayo de 2019

Lucila Mataix escritora



Amalia Lucila Mataix Olcina (22 de mayo de 1932 en Alcoy, (Alicante), Comunidad Valenciana - 9 de octubre de 2001 en Valencia, Comunidad Valenciana), fue una escritora española de más de 250 novelas de varios géneros entre 1955 y 2001. Escribió principalmente novelas rosas, firmadas primero con su nombre Lucila Mataix y más tarde bajo el seudónimo de Celia Bravo, que fueron incluso traducidas al portugués, a partir de 1980, comenzó a escribir cuentos infantiles, género con el que le llegaría el reconocimiento de crítica y por el que fue galardonada.


Amalia Lucila Mataix Olcina pasó parte de su infancia en esta ciudad hasta que la familia se traslada a vivir a Valencia. En plena posguerra, cursa bachillerato y secretariado. Trabaja como secretaria de dirección de Radio Nacional de España en Valencia, donde también colabora como escritora en "Charlas de Medianoche", al tiempo que publica cuentos y poesía en diversas revistas, periódicos y antologías, siendo todavía muy joven. En 1957 contrae matrimonio –tuvo cuatro hijos y cuatro nietos-.

Durante los primeros 25 años como escritora, publicó más de dos centenares de novelas románticas con su nombre y bajo el seudónimo de Celia Bravo, la mayoría editadas por la Editorial Bruguera, y algunas de ellas traducidas al portugués. Durante algunos años fue además colaboradora de “Las Provincias”.


Gracias a su primer libro infantil, gana en 1980 la Hucha de Plata por su cuento Un Lugar para Dioni. Su libro El Rincón Oscuro (Ed. Autor, 1981) –en el que se incluye este relato— mereció la recomendación de UNICEF y marca su reconocimiento definitivo como escritora, recibiendo varias menciones honoríficas, y quedando finalista en múltiples certámenes tanto en literatura infantil como para adultos. Desde ese momento distintas editoriales se interesan por su obra, hasta el punto de haber sido incluida varias veces en antologías locales y nacionales. Por El Calcetín del Revés (Bruño, 1991) figura en el cuadro de honor de la C.C.E.I. En sus novelas los protagonistas son a menudo niños, lo que desvela su amor por la infancia, desbordado en su obra para el público infantil. Sus libros infantiles han sido traducidos a varias lenguas del estado y han superado en algunos títulos las quince ediciones, siendo lectura recomendada en muchos colegios. Además colaboró con la Editorial Santillana en los libros de lectura para escolares con poesías y textos cortos.


Lucila Mataix fallece el 9 de octubre de 2001 en Valencia.


https://es.wikipedia.org/wiki/Lucila_Mataix
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martes, 21 de mayo de 2019

Hisako Matsubara novelista japonesa


Hisako Matsubara (松原 久子 Matsubara hisako?, 21 de mayo de 1935, Kioto) es una novelista japonesa, que ha escrito su obra en alemán. 

Hisako Matsubara nació  y creció en Kyoto , hija de un gran sacerdote de la religión sintoísta. También, ella está ordenada como sacerdotisa de este credo. Estudió literatura inglesa y religión comparada en la International Christian University de Tokio y se graduó en Arte del Teatro, en la Pennsylvania State University, en los Estados Unidos. Allí, trabajó como editora antes de trasladarse a Europa para ampliar estudios en Zurich, Marburgo y Göttingen. Posteriormente, se doctoró en Historia del Pensamiento por la Universidad de Ruhr, en Alemania, país en el que residió durante mucho tiempo, concretamente en la ciudad de Colonia. Salvo algunos poemas de juventud en japonés, toda su obra está escrita en alemán. 


En 1969 traduce a la lengua de Goethe el texto Taketori-monogatari, clásico japonés del siglo décimo, junto a su hermana Naoko Matsubara que realiza las ilustraciones de este libro.

Entre sus obras destacan: Samurái, su novela más conocida y que ha sido traducida a ocho idiomas  en la cual, narrando una historia de amor frustrado, expone la fragilidad de la sociedad nipona posterior a la guerra civil de 1868, tras la cual debe abrirse a las potencias occidentales, y en particular a EE.UU.



Tambien ha escrito  Glückspforte (1980), Los pájaros del crepúsculo (1981), ambientada a finales de las Segunda Guerra Mundial y principios de la posguerra, Bajo el puente en Hiroshima (1988), Karpfentanz (1994) y Himmelszeichen (1998). Asimismo, destacan sus libros de ensayo Blick aus Mandelaugen: eine Japanerin in Deutschland (1968), Weg zu Japan: west-östl. Erfahrungen (1983) y Raumschiff Japan: Realität und Provokation (1989) y el libro en inglés The Japanese: A Mystery Unfolded (1990). Además, ha realizado una edición completa y comentada de la literatura japonesa del siglo XIX. Igualmente, ha escrito artículos regularmente para el diario germano Die Zeit y para la televisión alemana como autora de documentales y en labores de asesoramiento sobre temas literarios y políticos. En los últimos años, esta novelista, una de las más importantes escritoras japonesas actuales, se ha trasladado junto a su familia a los Estados Unidos, donde ha impartido clases en varias de sus universidades.


https://es.wikipedia.org/wiki/Hisako_Matsubara
https://elrevesdelapiel.blogspot.com/2014/05/hisako-matsubara.html

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lunes, 20 de mayo de 2019

Varvara Stepánova artista rusa del movimiento constructivista.



Varvara Fiódorovna Stepánova (en ruso, Варва́ра Фёдоровна Степа́нова. Kaunas, Imperio Ruso, 24 de octubre jul./ 5 de noviembre de 1894greg. — Moscú, Unión Soviética, 20 de mayo de 1958) fue una artista rusa relacionada con el movimiento constructivista.


Varvara Stepánova procedía de una familia campesina, pero obtuvo una educación en la Escuela de Arte de Kazán. Allí conoció a su amigo y colaborador Aleksandr Ródchenko. En los años que precedieron a la Revolución Rusa de 1917 compartieron un apartamento en Moscú con Vasili Kandinski y a través de él conoció a Aleksandra Ekster y  a Liubov Popova. Estos artistas pronto se convirtieron en algunas de las principales figuras de la vanguardia rusa.



En los años posteriores a la revolución, Stepanova se involucró en poesía, filosofía, pintura, artes gráficas, construcción de escenografías y diseños textiles y de vestimenta. Contribuyó con el trabajo a la Quinta Exposición Estatal y la Décima Exposición Estatal, ambas en 1919. En 1920 llegó una división entre pintores como Kasimir Malevich, que continuó pintando con la idea de que el arte era una actividad espiritual, y aquellos que creían que debían trabajar directamente para el desarrollo revolucionario de la sociedad. En 1921, junto con Aleksei Gan , Rodchenko y Stepanova formaron el primer Grupo de Trabajo de Constructivistas , que rechazó las bellas artes en favor del diseño gráfico, la fotografía, los carteles y la propaganda política. También en 1921, Stepanova declaró en su texto para la exposición 5x5 = 25 , celebrada en Moscú:

'La composición es el enfoque contemplativo del artista. La técnica y la industria han confrontado el arte con el problema de la construcción como un proceso activo y no reflexivo. La 'santidad' de un trabajo como una sola entidad se destruye. El museo que era el tesoro del arte ahora se transforma en un archivo '.
El término " constructivista " estaba siendo usado por los propios artistas para describir la dirección que estaba tomando su trabajo. El teatro era otra área donde los artistas podían comunicar nuevas ideas artísticas y sociales. Stepanova diseñó los decorados para La muerte de Tarelkin en 1922.

En 1921, Stepanova se movió casi exclusivamente en el ámbito de la producción, en el que sintió que sus diseños podían lograr su mayor impacto para ayudar al desarrollo de la sociedad soviética. La indumentaria constructivista rusa representaba la desestabilización de la estética opresiva de élite del pasado y, en cambio, reflejaba la funcionalidad y la producción utilitarista. Las distinciones de género y clase dieron paso a la vestimenta funcional y geométrica. De acuerdo con este objetivo, Stepanova buscó liberar el cuerpo en sus diseños, enfatizando las cualidades funcionales de la ropa en lugar de las decorativas. Stepanova creía profundamente que la ropa debe ser vista en acción. A diferencia de la vestimenta aristocrática que sentía que sacrificaba la libertad física por la estética, Stepanova se dedicó a diseñar prendas para campos particulares y entornos ocupacionales de tal manera que la construcción del objeto demostraba su función. Además, buscó desarrollar medios convenientes de producción de ropa a través de diseños simples y uso estratégico y económico de telas.



Stepanova, por lo tanto, identificó la ropa como ocupando dos grupos: prodezodezhda y sportodezhda . Dentro de estas categorías, asistió a la producción y construcción lógica y eficiente de las prendas.  Sin embargo, la pobreza inducida por la guerra colocó restricciones económicas sobre el fervor industrial de los constructivistas rusos, y su compromiso directo con la producción nunca se realizó del todo. Por lo tanto, la mayoría de sus diseños no fueron producidos en masa y circulados. 

La primera, prodezodezhda , o ropa de producción / de trabajo en estilos básicos, incluía trajes de teatro y prendas profesionales e industriales. A principios de la década de 1920, Stepanova ingresó a la industria del vestido a través de sus diseños de vestuario en teatro, en los que tradujo su afinidad artística por las formas geométricas en ropa funcional y emblemática. Hecho de material azul oscuro y gris, los trajes gráficos permitieron a los actores maximizar la apariencia de sus movimientos, exagerándolos para el escenario y transformando el cuerpo en una composición dinámica de formas geométricas y líneas. 

Dentro de esta categoría, Stepanova comenzó a diseñar spetsodezhda , o ropa especializada para una ocupación específica.  Al hacerlo, diseñó ropa para hombres y mujeres en capacidades industriales y profesionales con una meticulosa consideración de costuras, bolsillos y botones para garantizar que cada aspecto del traje mantuviera una intención funcional. Independientemente del contexto ocupacional, su ropa de trabajo tenía un borde geométrico y lineal distintivo, lo que hacía que el cuerpo adoptara una composición gráfica y una forma andrógina cuadrada


La segunda categoría, sportodezhda , o trajes de deporte, también presentaba líneas audaces, formas grandes y colores contrastantes para permitir y enfatizar los movimientos del cuerpo y permitir a los espectadores distinguir fácilmente a un equipo del otro. Stepanova incluso convirtió el emblema del equipo en un diseño gráfico.  El campo de deportes ofreció un contexto para que Stepanova realizara una neutralización corporal idealizada, y sus uniformes eran a menudo unisex con pantalones y una túnica con cinturón que oscurecía la forma humana. 


Stepanova llevó a cabo su ideal de involucrarse con la producción industrial en el año siguiente cuando ella, con Lyubov Popova , se convirtió en diseñadora de textiles en Tsindel (la primera fábrica textil estatal) cerca de Moscú, y en 1924 se convirtió en profesora de diseño textil en Vkhutemas ( Higher Technical Artistic Studios) mientras continúa la tipografía , el diseño de libros y contribuye a la revista LEF. Como constructivista, Stepanova no solo transpuso diseños gráficos audaces en sus telas, sino que también se centró en gran medida en su producción. Stepanova solo trabajó poco más de un año en The First Textile Printing Factory, pero diseñó más de 150 diseños de tela en 1924. Aunque se inspiró para desarrollar nuevos tipos de tela, la tecnología actual la restringió a patrones impresos en superficies monótonas. Por su propia elección artística, también limitó su paleta de colores a uno o dos tintes. Aunque solo usó triángulos, círculos, cuadrados y líneas, Stepanova superpuso estas formas geométricas entre sí para crear un diseño dinámico y multidimensional.







El nuevo arte abstracto en Rusia que comenzó alrededor de 1909, fue una culminación de influencias del cubismo, el futurismo italiano y el arte campesino tradicional. Stepánova diseñó obras «cubofuturistas» para varios libros de artistas.

http://www.irmielin.org/nothere/vavara-stepanova/
https://en.wikipedia.org/wiki/Varvara_Stepanova
https://monoskop.org/Varvara_Stepanova
https://es.wikipedia.org/wiki/Varvara_Step%C3%A1nova

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domingo, 19 de mayo de 2019

Mercedes Paluzíe y Borrell, escritora de libros infantiles y para niñas adolescentes bajo el seudónimo Florencia de Arquer


 Mercedes Paluzíe y Borrell,  fue una pintora y escritora de libros infantiles y para niñas adolescentes bajo el seudónimo Florencia de Arquer 
La odisea de Gina y Beth fue el primer libro que me dejo atada hasta su terminación . Se suponía que no me gustaba leer, pero lo que contaba me debió resultar de mucho interés y no fui capaz de dejarlo , salvo absoluta necesidad hasta el final.
Buscando información sobre la autora solo he sabido que perteneció  a una familia de intelectuales , encontrando información sobre los aportes de su bisabuelo, su abuelo  y de sus hermanos. También he sabido de otros libros por ella escritos  como Campanilla, Algo más de Gina y Beth, Florecilla de Hungría, Laura  y varios más 
Florecilla de Hungría de Florencia de Arquer, seudónimo de Mercedes Paluzie Borrell, año 1958

 Hemos sabido que  tiene lazos familiares  con Elisenda Paluzie y Hernández  economista y activista política catalana, Presidenta de la Asamblea Nacional Catalana desde marzo de 2018. Ojala por esa vía consigamos saber su fecha de nacimiento y visibilizar sus aportes, consiguiendo una imagen de ella. 


http://datos.bne.es/edicion/bimo0000564258.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Esteve_Paluzie_i_Cantalozella
http://datos.bne.es/edicion/bimo0000564258.htmlbros.com/autor/paluzie-borrell-mercedes-florencia-de-arquer
https://www.todostuslibros.com/autor/paluzie-borrell-mercedes-florencia-de-arquer
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sábado, 18 de mayo de 2019

Mirja Salkinoja-Salonen experta en toxinas ambientales



Mirja Sinikka Salkinoja-Salonen ( nacida Salkinoja, 18 de mayo de 1940, Hauho ) es  una microbióloga finlandesa y profesora emérita de la Universidad de Helsinki.  Ha trabajado como profesora de la Academia. Salkinoja-Salonen, ha sido investigadora en los Países Bajos desde los años 60 a los 70, y desde 1970 ha sido investigadora principalmente en Finlandia.

En los primeros días de su carrera, estudió la descomposición de los compuestos sintéticos y clorados, centrándose principalmente en los agentes de blanqueo utilizados en el procesamiento de la madera. Los estudios de Salkinoja-Salonen contribuyeron al hecho de que la industria de la madera dejó de usar clorofenol que contiene cloro tóxico en el tratamiento. Desde la década de 1990, Salkinoja-Salonen ha estado estudiando los venenos producidos por microbios a partir de productos alimenticios, forrajes y piensos que han causado y intoxicaciones alimentarias.

Mirja Salkinoja-Salonen también ha sido investigadora en dos Centros Finlandeses de Coordinación para la Investigación, que realizan investigaciones multidisciplinarias en colaboración con diferentes universidades. 

Salkinoja-Salonen fue invitada a unirse a la Academia Americana de Microbiología que es la organización de ciencias microbiológicas más grande de la Sociedad Americana de Microbiología en 2013.


La profesora  Mirja Salkinoja-Salonen es una experta internacionalmente reconocida en toxinas ambientales. Recuerda cómo se interesó por el tema en la década de 1950:

"Alrededor de 1955, la Biblioteca Valkeakoski adquirió la traducción finlandesa de Cazadores de microbios (Mikrobien metsästäjät) del holandés Paul de Kruif. Ese libro debe haber tenido un tremendo efecto subconsciente en mí, para que  como estudiante, solicitase una pasantía en un laboratorio en los Países Bajos y en ningún otro lugar, aunque otros países también estaban disponibles.

Después de haber analizado la arena y la arcilla en un laboratorio de cemento y baldosas en Geldermalsen durante algún tiempo, me trasladé al enorme laboratorio (de más de 2000 empleados) de Shell Chemicals en Amsterdam en 1960. En ese momento, el Rin espumaba tanto que las burbujas cubrian a los coches en los puentes que cruzan el río.  Los trabajos sobre el agua de la ciudad  se enfrentaban a la desesperada tarea de convertir este baño de burbujas en agua potable. La gerencia de Shell asignada a mi departamento, encabezada por el Dr. AC van der Linden (hijo del inventor del plaguicida lindano), tuvo la tarea de averiguar por qué las cadenas de carbono en los agentes de lavado sintéticos vendidos por la compañía no se rompían, sino que se convertían en la espuma mucho tiempo después de ser liberado de las lavadoras a las alcantarillas.

Los resultados de la investigación fueron un éxito. Estuvimos encantados de haber resuelto el misterio en un par de meses: las cadenas de hidrocarburos de tres o cuatro ramificaciones no eran degradables microbiológicamente. Shell cambió inmediatamente a la producción de cadenas de hidrocarburos lineales o de dos ramificaciones. Todo sucedió a una velocidad asombrosa, en menos de un año ".

En la década de 1970, Salkinoja-Salonen se embarcó en una carrera de investigación en Finlandia y se centró en la industria de procesamiento de madera, y más específicamente, en la biodegradabilidad de los compuestos clorados de pasta de papel,  el uso de clorofenol en la industria de procesamiento de madera,  la cloración de agua potable. Encontrando claras pruebas de qué compuestos clorados eran microbiológicamente degradables y cuáles no.

La industria respondió rápidamente a estos resultados de la investigación: la producción de clorofenol se suspendió en 1984 y en 1991 se eliminó el cloro del proceso de blanqueo de la pulpa. "Si alguien hubiera predicho esto en la década de 1970, no lo hubiera creído. La parte más difícil no fue convencer a la industria, sino a las autoridades ..."

En la década de 1990, Salkinoja-Salonen comenzó a estudiar las toxinas fabricadas por los microbios que se encuentran en los materiales de construcción de interiores y a los que sirven   de alimento. Su grupo de investigación en la Universidad de Helsinki ha descubierto un nuevo género de bacterias peligrosas, las mitocondriotoxinas, que aceleran el envejecimiento en el cuerpo humano. Un gran desafío es descubrir cómo se pueden controlar estas toxinas y los microbios que las producen. 

La bacteria Bacillus licheniformis, que se encontraron en los alimentos para bebés, ha destruido las membranas celulares de los espermatozoides, que se ven en rojo en la foto. La bacteria probablemente ha causado serias intoxicaciones alimentarias. El esperma de un cerdo es particularmente adecuado para su uso como células indicadoras para una prueba de toxicidad. Las toxinas solubles en grasa penetran bien las membranas celulares de los espermatozoides debido a los bajos niveles de colesterol de estos últimos.



https://fi.wikipedia.org/wiki/Mirja_Salkinoja-Salonen
http://www.helsinki.fi/akka-info/tiedenaiset/english/salkinoja.html

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viernes, 17 de mayo de 2019

Anna Brownell Jameson historiadora de arte angloirlandesa


Anna Brownell Jameson (17 de mayo de 1794 - 17 de marzo de 1860) fue la primera historiadora de arte angloirlandesa . Nacida en Irlanda, emigró a Inglaterra a la edad de cuatro años, se convirtió en una reconocida escritora británica y colaboradora del pensamiento decimonónico en una variedad de temas que incluyen el feminismo temprano, la historia del arte (particularmente el arte sacro), los viajes, Shakespeare, los poetas, y la cultura alemana. Jameson estaba conectado a algunos de los nombres más destacados del período,

Anna Murphy nació en Dublín. Su padre, Denis Brownell Murphy, era un pintor de retratos en esmalte. Se mudó a Inglaterra en 1798 con su familia, y finalmente se estableció en Hanwell, cerca de Londres.

A los dieciséis años de edad, Anna comenzó a trabajar como institutriz del marqués Charles Paulet. En 1821 se comprometió con Robert Jameson. El compromiso se rompió, y Anna Murphy acompañó a una joven alumna a Italia, escribiendo una historia sobre un personaje ficticio basada en lo que vio y en lo que hizo. Le dio este diario a un editor con la condición de recibir una guitarra si obtenía algún beneficio por el escrito. Colburn finalmente lo publicó como The Diary of an Ennuyée (1826), atrayendo  mucha atención. Anna Murphy fue institutriz de los hijos de Edward Littleton, desde 1821 hasta 1825, cuando contrajo matrimonio con Robert Jameson.


El matrimonio no fue feliz. En 1829, cuando Jameson fue enviado a la isla de Dominica la pareja se separó sin pesar, y la Sra. Jameson visitó Europa continental acompañada por su padre.

La primera obra que demostró sus habilidades de pensamiento original fue su Characteristics of Women (1832). Este análisis de las heroínas presentes en las obras de William Shakespeare es notable por su fragilidad ante las críticas y su toque literario. Es  el resultado de una búsqueda intensiva en la mente femenina, aplicada al estudio de personas de su mismo sexo, detectando características y definiendo diferencias no percibidas por las críticas ordinarias y completamente pasadas por alto por los lectores en general.



La literatura y el arte alemán habían despertado mucho interés en el Reino Unido, por lo que Anna Jameson hizo su primera visita a Alemania en 1833. La conglomeración de nuevas líneas, colores fríos y arquitectura puntillosa que decoraron Múnich bajo el reinado de Ludwig I de Baviera eran nuevas para el mundo.

En 1836, Jameson fue llamada a Canadá por su esposo, quien había sido ascendido a jefe del departamento de Justicia de la provincia de Upper Canada. Falló en su intento de verla en Nueva York, por lo que Anna debió recorrer el país sola durante el invierno de Toronto. Allí comenzó el diario de si viaje, Winter Studies and Summer Rambles in Canada, el cual fue publicado en Gran Bretaña en 1839. Luego de ocho meses de viajar y escribir en Canadá, se dio cuenta de lo inútil que era prolongar una vida lejos de todo tipo de felicidad familiar y de oportunidades para una mujer de su clase y educación. Antes de irse viajó a las tierras de los establecimientos indígenas en Canadá; exploró el Lago Hurón, y aprendió sobre la vida aborigen, desconocida para los viajeros. Regresó a Gran Bretaña en 1837.


En este periodo, Jameson comenzó a enviar textos a los responsables de las colecciones de arte privadas en Londres y sus cercanías. Los resultados se ven plasmados en su Companion to the Private Galleries (1842), seguido en el mismo año por Handbook to the Public Galleries. Editó Memoirs of the Early Italian Painters en 1845. El mismo año visitó a su amiga Ottilie von Goethe. Su amistad con Annabella Byron data de esta época y duró aproximadamente siete años; finalizó por, aparentemente, el temperamento poco razonable de la baronesa.



Un volumen de ensayos publicados en 1846 contienen una de las mejores piezas de trabajo de Jameson, The House of Titian. En 1847 viajó a Italia con su sobrina y subsecuente biógrafa (Memoirs, 1878), Geraldine Bate Macpherson, para recolectar material para la obra sobre la cual yace su reputación: su serie de Sacred and Legendary Art. Esta época se vio sembrada por contribuciones a la guía del viajero. El Acta Sanctorum y el Book of the Golden Legend tuvo lectores, pero ninguno señaló la conexión entre estas historias y las obras de arte cristiano. Estos estudios se ven reflejados en el prólogo de Kugler's Handbook of Italian Painting por Sir Charles Eastlake, quien tenía pensado comprar él mismo los derechos.

Finalmente le dio a Jameson los materiales y referencias que había recolectado. Ella reconoció el alcance de la tierra antes de ingresar en la atmósfera de la poesía, la historia, la devoción y el arte. Contagió a sus lectores con su propia admiración entusiasta; y, debido a su equipo técnico e histórico, escribió un libro que mereció su éxito.


También tuvo un gran interés en las cuestiones relacionadas con la educación, las ocupaciones y el mantenimiento de las mujeres. Su ensayo The Relative Social Position of Mothers and Governesses era la obra de una persona que conocía ambos lados. A ella le debemos la primera enunciación popular del principio de cooperación entre hombres y mujeres en obras de misericordia y educación. En sus últimos años, tomó una sucesión de temas relacionados con los mismos principios de benevolencia activa y las mejores formas de llevarlos a la práctica. Hermanas de la caridad, hospitales, centros penitenciarios, prisiones y casas de trabajo reclamaron su interés, todo incluido más o menos en las definiciones de "comunión de amor y comunión de trabajo" que están inseparablemente conectadas con su memoria. Hermanas de la Caridad , 1855, y The Communion of Labor , 1856) se puede encontrar en la fuente, de donde los reformadores y los filántropos tomaron consejo y valor


Dejó la última de su serie de Sacred and Legendary Art en preparación. Fue completada bajo el título de The History of Our Lord in Art, por Lady Eastlake.


https://en.wikipedia.org/wiki/Anna_Brownell_Jameson
http://www.biographi.ca/en/bio/murphy_anna_brownell_8E.html
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jueves, 16 de mayo de 2019

Louise Dumont actriz y directora teatral alemana


Louise Dumont (22 de febrero de 1862 Colonia - 16 de mayo de 1932 Düsseldorf, nacida  Louise Maria Hubertine Heynen ) fue una actriz y directora teatral alemana.

Louise Maria Hubertine Heynen, nacida en Colonia, cerca de Neumarkt, era la segunda de once o doce hermanos.   En 1879, Louise estaba trabajando como costurera, después de la segunda bancarrota de su padre.  Louise Dumont hizo su primera audición en 1882 en el Teatro Residenz en Berlín, donde recibió su primer papel. Como nombre de artista ella eligió el apellido de soltera de su madre, Dumont. En 1888, ganó un papel en el Royal Court Theatre de Stuttgart, donde conoció a una amiga de la reina Charlotte. En 1898 Dumont dejó Stuttgart para unirse al Deutsches Theater en Berlín, donde logró sus mayores éxitos, especialmente como intérprete de piezas de Henrik Ibsen.

En 1903, conoció a Gustav Lindemann. Como no les fue posible establecer un teatro en Berlín debido a las intrigas de los tribunales locales, intentaron hacerlo en Darmstadt, también sin éxito. Finalmente tuvieron éxito en Düsseldorf, donde Louise Dumont y Gustav Lindemann fundaron el Schauspielhaus Düsseldorf el 16 de junio de 1904, como un competidor directo del teatro municipal. Louise Dumont y Gustav Lindemann contribuyeron financieramente al proyecto, al igual que diez miembros de familias prestigiosas como Poensgens y Luegs. El teatro se inauguró el 28 de octubre de 1905, y posteriormente se agregó una academia de teatro. La academia capacitó a varios actores que influyeron significativamente en la vida teatral alemana. 



En 1907, Louise Dumont se casó con Gustav Lindemann. Se separaron en la década de 1920, después de lo cual Dumont estuvo vinculado a varias actrices jóvenes. Se presume que  era bisexual.

Louise Dumont es considerada la sucesora del siglo XX de Friederike Caroline Neuber . 

Dumont murió en 1932 en Düsseldorf y fue enterrada en el cementerio local. Su tumba está decorada con una escultura de Ernst Barlach  Su marido donó en su memoria un collar con topas rodeadas de perlas que había recibido como regalo de la Reina Carlota de Württemberg, para ser otorgado a actrices sobresalientes durante su vida. En 1976 apareció en una estampilla emitida por el Deutsche Bundespost.  Hay una calle  en Düsseldorf-Pempelfort  que recibió su nombre.



http://www.wz.de/lokales/duesseldorf/kultur/louise-dumont-lass-mich-nicht-in-duesseldorf-1.905244
http://www.wz.de/lokales/duesseldorf/kultur/louise-dumont-lass-mich-nicht-in-duesseldorf-1.905244
https://en.wikipedia.org/wiki/Louise_Dumont
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miércoles, 15 de mayo de 2019

Maria Theresia von Paradis compositora y pianista


Maria Theresia  von Paradis (también von Paradies ) (15 de mayo de 1759 - 1 de febrero de 1824), fue una música y compositora austriaca que perdió la vista a temprana edad, y para quien Mozart pudo haber escrito su Concierto para piano n.º 18 en B  mayor.

 Maria Theresia  fue tratada desde finales de 1776 hasta mediados de 1777 por el famoso Franz Anton Mesmer, quien fue capaz de mejorar su condición temporalmente hasta que fue retirada de su cuidado y la ceguera regresó de forma permanente.

Ella recibió una amplia educación en las artes musicales impartida por figuras muy importantes en la música de ese momento. 

Paradis no permaneció confinada en Viena . En 1783, emprendió una gira extendida hacia París y Londres , acompañada por su madre y el libretista Johann Riedinger, quien inventó una composición para ella. En agosto de ese año visitaron a Mozart en Salzburgo,  el diario de Nannerl parece ubicar esta reunión en septiembre. Ella tocó en Frankfurt y otras ciudades alemanas , luego Suiza . Paradis finalmente llegó a París en marzo de 1784.  Su primer concierto allí se dio en abril en el Concert Spirituel; la reseña en el Journal de Paris decía: "... uno debe haberla escuchado para formarse una idea del toque, la precisión, la fluidez y la viveza de su interpretación". En total, hizo  14 apariciones en París, con excelentes críticas y aclamaciones. También ayudó a Valentin Haüy ("el padre y apóstol de los ciegos") a establecer la primera escuela para ciegos, que se inauguró en 1785.

Viajó a Londres a fines de 1784 y actuó durante los siguientes meses en la corte, Carlton House  y en los Conciertos Profesionales en Hanover Square , entre otros lugares. Ella tocó las fugas de Handel a George III . Sin embargo, sus conciertos perdieron interes, siendo peor recibidos y atendidos en Londres que en París. Continuó su gira por Europa occidental (incluida Hamburgo, donde conoció a Carl Philipp Emanuel Bach , y después de pasar por Berlín y Praga, terminó en Viena en 1786. Se hicieron planes adicionales para dar conciertos en los estados italianos y en Rusia , pero no se materializaron. Regresó a Praga en 1797 para la producción de su ópera Rinaldo und Alcina .






Durante su gira por Europa, Paradis comenzó a componer música solista para piano, así como piezas para voz y teclado. La música más antigua atribuida a ella se cita a menudo como un conjunto de cuatro sonatas para piano de alrededor de 1777, pero en realidad son obra de Pietro Domenico Paradisi , a quien gran parte de su música a menudo se atribuye erróneamente. Su primera obra importante en existencia es la colección Zwolf Lieder auf ihrer Reise en Musik gesetzt , compuesta entre 1784-86. Su obra más famosa, la Siciliana en mi bemol mayor para cuarteto de piano, lamentablemente es falsa, ya que se deriva de una sonata de violín Carl Maria von Weber (Op. 10 n.º 1) y se cree que ha sido inventada por su supuesto descubridor. ,Samuel Dushkin .

Para el año 1789, Paradis  pasaba más tiempo con la composición que con el desempeño, como lo demuestra el hecho de que desde 1789 hasta 1797 compuso cinco óperas y tres cantatas . Después del fracaso de la ópera Rinaldo y Alcina de 1797, ella cambió su energía cada vez más a la enseñanza. En 1808, fundó su propia escuela de música en Viena, donde enseñó canto, piano y teoría a muchachas jóvenes. Una serie de conciertos dominicales en esta escuela presentó el trabajo de sus alumnos sobresalientes. Ella continuó enseñando hasta su muerte en 1824.

Al componer, usó un tablero de composición inventado por Riedinger , su compañero y libretista, y para la correspondencia una máquina de impresión de mano inventada por Wolfgang von Kempelen . Sus canciones son en su mayoría representativas del estilo operístico, que muestra coloratura y trinos. La influencia de Salieri se puede ver en las escenas dramáticamente compuestas. Gran parte del trabajo escénico se inspira en el estilo vienés de Singspiel , mientras que sus obras para piano muestran una gran influencia de su maestro Leopold Kozeluch .

Lista de obras de Maria Theresa Paradis 
Escenarios

Ariadne und Bacchus, melodrama, 20 de junio de 1791 (perdido)
Der Schulkandidat, 5 de diciembre de 1792, pt de Act 2 y todos de Act 3 (perdido)
Rinaldo und Alcina, Zauberoper, 30 de junio de 1797 (perdido)
Große militärische Oper 1805 (perdido)
Zwei ländliche Opern (perdido)

Cantatas

Trauerkantate auf den Tod Leopolds II, 1792 (perdido)
Deutsches Monument Ludwigs des Unglücklichen, 1793
Kantate auf die Wiedergenesung meines Vaters (perdido)

Trabajos instrumentales

Concierto de piano en G (perdido)
Concierto de piano en C (perdido)
12 Sonatas para piano, 1792 (perdido)
Pianoforte Trio, 1800 (perdido)
Fantasía en G, pf, 1807
Fantasía en C, pf, 1811
Variaciones del teclado (perdidas)
Un meine entfernten Lieben, pf (perdido)
Varias canciones y lieder por un total de al menos 18 obras, de las cuales dos están perdidas.



http://ellamentodeariadna.blogspot.com.es/2016/06/maria-theresia-von-paradise-la-fuerza.html
http://historyandotherthoughts.blogspot.com.es/2014/07/maria-theresia-von-paradis.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Theresia_von_Paradis
https://en.wikipedia.org/wiki/Maria_Theresia_von_Paradis
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