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martes, 27 de enero de 2026

Sarah Aldridge abogada y escritora


Sarah Aldridge (Río de Janeiro, 27 de enero de 1911-Rehoboth Beach, 11 de enero de 2006) seudónimo de Anyda Marchant, fue una abogada, de las primeras mujeres en ser admitidas por el Colegio de Abogados en Washington D. C., y socia fundadora de Naiad Press y A&M Books. También fue autora de ficción principalmente lésbica.

Aldridge nació en Río de Janeiro, Brasil, hija de Maude H Arnet y Langworthy Marchant, era la mayor de dos hermanos.

Su nombre completo de nacimiento era Anne Nelson Yarborough De Armond Marchant, pero alrededor de 1930, comenzó a acortar su nombre a Anyda, un acrónimo.

Cuando tenía cinco años, su familia se mudó a Washington D. C. Este traslado fue debido a la profesión de su padre, había sido nombrado jefe de la Oficina de Traducción del Ministerio de Agricultura del gobierno brasileño.​ Según su obituario en The Washington Post, en una entrevista a USA Today, de 1992, comentó que recordaba como, cuando era niña, vio a mujeres del Movimiento sufragista "ser arrestadas en Lafayette Park y metidas en furgones de arroz".

Su padre murió repentinamente cuando Aldridge tenía dieciocho años.

Aldridge se licienció en 1931 y cursó estudios de derecho en la Universidad George Washington.​ A la vez que estudiaba, trabajó durante un año como asistente jurídica junior para la pionera de los derechos de la mujer, Alice Paul, que en aquel momento trabajaba en la Enmienda de Igualdad de Derechos, (ERA). Consideró a Paul "entre las más grandes feministas".

Se graduó en derecho de la Universidad George Washington en 1933 y se convirtió en una de las primeras mujeres en aprobar el examen de la abogacía y ejercer la abogacía en Washington D. C., ante el Tribunal de Reclamaciones de los Estados Unidos y la Corte Suprema de los Estados Unidos.

En 1940, se trasladó con su madre y su hermano al condado de Baltimore.

Antes de su carrera como escritora, Aldridge tuvo una carrera jurídica de 40 años. En 1940 fue nombrada asistente de la Biblioteca de Derecho del Congreso en la sección de Derecho Latinoamericano. Cuando el jefe de la Sección de Derecho Angloamericano fue reclutado en la Segunda Guerra Mundial, ocupó su lugar. A su regreso, en 1945, esta persona recuperó su puesto y Aldridge se negó a trabajar en un puesto inferior.

Regresó a Río de Janeiro para trabajar como abogada de una compañía eléctrica canadiense.También ejerció un breve período como traductora en la conferencia de la Organización de los Estados Americanos de 1948 en Bogotá.

Volvió a Washington D. C. y a finales de 1948 se convirtió en una de las cuatro abogadas de Covington and Burling, la firma de Dean Acheson. Fue en este trabajo donde conocería a su pareja de toda la vida, Muriel Crawford, quien trabajaba allí como asistente administrativa.

Trabajó en el Banco Mundial como abogada en el Departamento Legal durante 18 años hasta su jubilación en 1972.

Escribió algunos cuentos para la revista lésbica The Ladder. A través de este medio conoció a Barbara Grier, cuando ésta editó y publicó una de sus narraciones. En 1972, cuando The Ladder dejó de publicarse, Aldridge y Grier buscaron una nueva vía para la escritura y la literatura lésbica. Así, la editorial Naiad Press fue cofundada en 1973 por ella, Muriel Crawford, Barbara Grier y Donna McBride.

Naiad Press se fundó, en parte, para publicar sus primeros libros bajo el seudónimo de Sarah Aldridge por el que sería más conocida. No creía que ningún otro editor los quisiera debido a su contenido lésbico.​ Naiad Press fue una realidad cuando ella aportó 2.000 dólares de sus ingresos de jubilación para la publicación de los primeros libros. El primer libro publicadofue The Latecomer, en 1974. Se dijo que fue la primera novela lésbica con un final feliz. Bajo este seudónimo fue autora de catorce obras literarias, once de las cuales fueron publicadas por su editorial.


Naiad Press se convirtió en la editorial lésbica de mayor éxito. Aldridge fue presidenta de Naiad desde sus inicios hasta mediados de la década de 1990. En 1992, después de una disputa editorial, junto a Crawford abandonó la editorial. Se llevaron el stock existente de todos sus libros. Después de su marcha, fundaron A&M Books. Publicaron principalmente los pocos libros restantes de los que era autora, junto con obras de otros autores, como Ann Allen Shockley.


Aldridge conoció a Muriel Inez Crawford en 1947 y se convirtieron en pareja en 1948, aunque permanecieron en gran medida sin salir del armario hasta los años 90. La pareja estuvo unida durante 57 años hasta la muerte de Aldridge. En 1965, se convirtieron en residentes permanentes de Rehoboth Beach, un lugar conocido por su comunidad LGBT. Allí, las dos realizaban reuniones semanales en su porche.Aldridge salió oficialmente del armario en 1990 con una aparición pública en una librería Lambda Rising.


Aldridge falleció dos semanas antes de cumplir noventa y cinco años, en 2006. Muriel Crawford falleció cinco meses después.



Obras destacadas

Escritas como Sarah Aldridge

The Latecomer (1974)

Tottie: A Tale of the Sixties (1975)

Cytherea's Breath (1976)

All True Lovers (1978)

The Nesting Place (1982)

Madame Aurora (1983)

Misfortune's Friend (1985)

Magdalena (1987)

Keep to Me Stranger (1989)

A Flight of Angels (1992)

Michaela (1994)[


Reconocimientos

 Premio Golden Crown Literary Society Trailblazer en junio de 2007.

Su primera novela, The Latecomer, fue reeditada en 2009 como una edición del 35 aniversario por A&M Books. Además de la novela, la editora Fay Jacobs recopiló ensayos de una amplia gama de íconos lesbianas que atestiguan el impacto duradero de Aldridge como pionera. Este volumen se convirtió en el primero de su trabajo en aparecer en formato digital en 2009.


https://es.wikipedia.org/wiki/Sarah_Aldridge

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lunes, 26 de enero de 2026

Luisa Posada Kubissa filósofa, escritora y teórica feminista



María Luisa Posada Kubissa (Madrid, 12 de junio de 1957) es una filósofa, escritora y teórica feminista española. Profesora titular de Teoría del Conocimiento, Estética e Historia del pensamiento de la facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid.

Rosa Cobo Bedia nos dice : Luisa Posadas  es la filósofa heredera de Celia Amorós. La que mejor conoce su obra y también la que tiene una obra filosófica más feminista y comprometida
 También nos cuenta Rosa de lo autoexigente que es Luisa consigo misma  y lo poco  que es con los demás. Nos habla de que practica la amistad de verdad y resalta  su enorme formación filosófica e intelectual .


Luisa Posada Kubissa  ha impartido asignaturas de Teoría Feminista desde 1997 en Grado y  Máster. Formó parte del Seminario Permanente de Feminismo e Ilustración dirigido por  la filósofa Celia Amorós desde 1987 durante diez años en esa universidad, que fue un núcleo de formación de teóricas feministas.
 Pertenece a la Sociedad Académica de Filosofía (SAF), a la Red de Estudios Kantianos en Lengua Española (SEKLE), al Grupo de Investigación en Estudios Feministas UCM, al Consejo del Instituto de Investigaciones Feministas también de la Universidad Complutense (Instifem) y a la  Red Académica Internacional de Estudios de Prostitución y Pornografía (RAIEPP). 
Diseñó y dirigió el primer Máster en Igualdad como Título Propio de la Universidad Complutense entre 2001 y 2008. Entre 2004 y 2009 fue experta en el Observatorio Estatal de Violencia sobre la Mujer. 
Entre sus publicaciones destacan los libros Sexo y Esencia (1998); Celia Amorós (2000); Razón y Conocimiento en Kant (2008); Sexovindicación y pensamiento. Estudios de teoría feminista (2012); Filosofía, crítica y re)flexiones feministas (2015); ¿Quién hay en el espejo? Lo femenino en la filosofía contemporánea (2019); Feminismo: lugares y ecos (2023). Su último libro, de próxima aparición, se titula Fuego amigo. ¿Nuevos discursos en favor del feminismo? (en prensa). 
En el marco de la teoría feminista ha publicado numerosos artículos,  coediciones, colaboraciones en obras colectivas y ha participado en diversos foros, cursos y proyectos de investigación.


Es para nosotras una fuente de inspiración y reflexión . Hemos publicado en varias ocasiones sus palabras en nuestro espacio mujeres salvando el mundo  como referencia  de pensamiento feminista.

Su libro ¿Quién hay en el espejo? Lo femenino en la filosofía contemporánea plantea un  diálogo filosófico con el pensamiento de nombres clave como Chantal MouffeRita Laura Segato, pensadoras a las que considera feministas pero que utilizan el feminismo de manera subsidiaria. También hace una relectura de Hannah Arendt, de Michel Foucault, de Pierre Bourdieu, de Sarah Kofman, quienes ofrecen herramientas según Posada para el análisis. 
Posada cuestiona las posiciones "nada conciliables con un proyecto feminista" como en el caso de Jacques Derrida, Gilles Lipovetsky o Paul B. Preciado. "Las tesis de Preciado en el “Manifiesto contrasexual” y el “Testo yonki” son otra teorización que no ayuda a la reivindicación feminista" - considera Posada

Luisa integra el libro de SABIAS Y SAVIA II, recientemente publicado, que homenajea el activismo feminista, junto con el libro de I de mismo titulo, que escucha  a 105 mujeres de 20 países comprometidas con conseguir un mundo más igualitario.

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domingo, 25 de enero de 2026

Soledad Luque Delgado comprometida con la causa de los bebes robados en España

Soledad Luque Delgado (Madrid, 25 de enero de 1965) es una docente, investigadora en estudios de género y activista española. Es conocida por su labor de denuncia de los casos de bebés robados en España y por su implicación en el movimiento de memoria histórica y democrática. Desde 2012 preside la asociación Todos los niños robados son también mis niños.

Soledad Luque Delgado es la penúltima de una familia numerosa de diez hijas e hijos. Ella y su hermano mellizo, Francisco, nacieron en la maternidad de O´Donnell de Madrid. Tras el parto, Soledad fue entregada a sus padres mientras que a Francisco se lo llevaron a la incubadora alegando que tenía poco peso. Días después, los padres recibieron la noticia de que el pequeño había fallecido, si bien nunca tuvieron la oportunidad de ver el cuerpo. Con el transcurso de los años la familia comprendió que lo que les había sucedido respondía al mismo patrón de los múltiples casos de bebés robados que se produjeron en España durante la dictadura y la transición en España.

La sospecha de que Francisco  pudo haber sido robado se fue haciendo cada vez más evidente para la familia. A ello contribuyó que en el año 2010 comenzaron a hacerse públicos numerosos casos similares de bebés que durante la dictadura y la transición fueron derivados a familias adeptas al régimen franquista sin el consentimiento de sus progenitores. Según el auto del Juzgado Central de Instrucción n.º 5 de la Audiencia Nacional de 18 de noviembre de 2008, se estima que entre 1944 y 1954 unos 30.960 niños y niñas fueron apartados de sus madres.

En el año 2012, tras participar activamente en la campaña de sensibilización Todos los niños robados son también mis niños, Soledad Luque Delgado, junto con otras personas afectadas, fundó la asociación del mismo nombre, que preside desde entonces.

Bajo su presidencia, la asociación impulsó una Proposición de Ley sobre bebés robados en el Estado español, cuyo objetivo es garantizar a las víctimas los derechos a la verdad, la justicia, la reparación y las garantías de no repetición. Asimismo, la iniciativa plantea que el robo de bebés sea considerado un delito de lesa humanidad y, por tanto, no esté sujeto a prescripción.​ La propuesta fue presentada por primera vez en 2017 a los grupos del Congreso, que la registraron el 25 de septiembre de 2018 y aprobaron su tramitación por unanimidad el 20 de noviembre del mismo año. La tramitación quedó interrumpida por la convocatoria electoral de 2019. Volvió a registrarse y a aprobarse su tramitación en 2020 y 2023, aunque en ambas ocasiones se vio nuevamente afectada por los procesos electorales.

Soledad Luque Delgado participando en conversatorio organizado por Cuarto Propio en Wikipedia sobre la inserción de las mujeres en la Ley de Memoria Democrática  


La proposición fue elaborada por Todos los niños robados son también mis niños y promovida por la Coordinadora Estatal de Apoyo a la Querella Argentina (CeAqua) de la que forma parte. A esta se sumaron numerosas organizaciones de víctimas de todo el Estado español, así como de colectivos memorialistas y de derechos humanos.

Soledad Luque Delgado ha intervenido en el Parlamento Europeo en actos de denuncia de la impunidad del franquismo.​También ha comparecido ante organismos de Naciones Unidas, como el Consejo de Derechos Humanos en Ginebra, representando a asociaciones memorialistas y víctimas del robo de bebés.​

En el ámbito académico,  Soledad Luque Delgado es docente en la Universidad Carlos III de Madrid e investigadora colaboradora del Instituto de Estudios de Género en esa misma institución. También ha impartido clases en diversas instituciones académicas dentro y fuera de España como la Fundación Ortega-Marañón y las universidades de Middlebury y Duke. Fruto de su labor investigadora, ha publicado numerosos artículos académicos y colaborado en obras colectivas sobre el fenómeno de los bebés robados desde una perspectiva de género y memorialista.


Publicaciones más destacadas

(2022) “La violencia contra las mujeres víctimas del 'robo de niñas y niños': las prácticas franquistas que continuaron en la Democracia”. En el libro Cuando el Estado es violento de la Editorial Bellaterra.

(2021) “Las víctimas del robo de bebés: Las olvidadas de la Memoria Democrática”. En el libro Memorias Democráticas de la Editorial Sylone.

 Agradecemos el trabajo de Cuarto Propio en Wikipedia y en especial a Consuelo Fernández  Diez y a Carmen Galdón Corbella

Agradecemos a nuestras compañeras de Cuarto Propio en Wikipedia su trabajo de visibilizarían  de Soledad y de tantas otras mujeres .

https://es.wikipedia.org/wiki/Soledad_Luque_Delgado

https://www.bellaterra.coop/es/bellaterra-edicions/autores-1/soledad-luque-delgado

https://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Encuentros/Cuarto_Propio_en_Wikipedia

https://es.wikipedia.org/wiki/Usuaria:Garabata

https://es.wikipedia.org/wiki/Usuaria:Consuelo_Fernandez

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sábado, 24 de enero de 2026

Concha Gisbert Jordá feminista

 


Concha Gisbert Jordá (Valencia,1950-24 de enero de 2024)  fue licenciada en Derecho y DEA por la Universidad de Valencia. Ejerció como abogada antes de acceder a la función pública en 1980. Trabajó  en diferentes administraciones públicas ocupando diferentes cargos.

Estuvo vinculada con el movimiento feminista valenciano desde sus inicios, en la asamblea de mujeres. Fue la primera responsable del Servei de la Dona de la Generalitat Valenciana desde donde organizó los “Debats sobre la situación de la dona” en Valencia en 1983.

Desde la administración ha participado en la elaboración y aplicación de políticas de igualdad entre mujeres y hombres, así como en diferentes estudios sobre la situación de las mujeres.

Como experta en derechos de las mujeres ha publicado diferentes artículos y libros. Impartiendo cursos y conferencias sobre la situación de las mujeres y las políticas de igualdad. Es profesora del Máster de Género y Políticas de Igualdad de la Universitat de Valencia.

Nos unimos a las palabras de la Junta Directiva de la Federación de Mujeres Progresistas que pone el valor los aportes de esta  mujer referente 

La Junta Directiva de la Federación de Mujeres Progresistas lamenta el fallecimiento de Concha Gisbert y envía sus condolencias a su familia.

Concha Gisbert fue la primera responsable del Servicio de Mujeres de la Generalitat Valenciana en 1983. De la misma manera, participó en la elaboración y aplicación de políticas de igualdad y en diferentes estudios sobre la situación de la mujer. Como experta ha publicado diferentes estudios, impartiendo cursos y conferencias en la esfera académica y feminista.

En 2013 recibió el Premio a la Mujer Progresista por su carrera y compromiso con las políticas de igualdad. Mientras en 2017 se distinguió con el premio junto a Dolores Sánchez y Teresa Yeves por su trabajo en recuperación de la historia reciente del movimiento feminista valenciano. En el acto de extradición, Gisbert hizo hincapié en la invisibilidad de las mujeres, nuestras acciones y nuestras vidas en la historia reciente, para enfatizar así la importancia de esta recuperación "ya que no sólo hace visible a las mujeres, sino que cambia la perspectiva general de los hechos y la convierte en algo más rico y verdadero".

Para Mujeres Progresistas 'Concha Gisbert es una voz de referente en el feminismo y su pensamiento, perseverancia y legado es inspiradora en la lucha por la igualdad de género.

https://www.nodo50.org/xarxafeministapv/?Muere-Concha-Gisbert-Jorda

https://feministasvalencianas.wordpress.com/quienes-somos/

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viernes, 23 de enero de 2026

Pina Carmirelli violinista italiana

 


Pina Carmirelli (23 de enero de 1914, Varzi - 27 de febrero de 1993, Capena) fue una violinista italiana.

Comenzó a estudiar música y a tocar en público desde muy joven. Fue alumna de Michelangelo Abbado y se graduó en el Conservatorio de Milán en violín (1930) y composición (1935). Ganó el Premio Stradivari en 1937 y el Premio Paganini en 1940. Se casó con el violonchelista Arturo Bonucci.

Desarrolló una larga carrera concertística, tanto como solista como en grupos de cámara, algunos de los cuales cofundó ella misma:

El Quinteto Boccherini (1950) con Arrigo Pelliccia y Guido Mozzato (violines), Luigi Sagrati y Renzo Sabatini (viola) y su esposo Arturo Bonucci (primer violonchelo) y Nerio Brunelli (segundo violonchelo). El Cuarteto Carmirelli (1954) con Arturo Bonucci (violonchelo), Montserrat Cervera (segundo violín) y Luigi Sagrati (viola). (1954)[2]

El Quintetto Fauré (1979) con Maureen Jones (piano), Federico Agostini (segundo violín), Massimo Paris (viola) y Francesco Strano (violonchelo).

Fue profesora titular de estudios avanzados en la Accademia di Santa Cecilia desde 1941. Actuó en recitales con Rudolf Serkin y Sergio Lorenzi y como solista bajo la dirección de Carlo Maria Giulini. También fue primer violín de I Musici. Como musicóloga editó la edición crítica de la obra de Boccherini.



https://en.wikipedia.org/wiki/Pina_Carmirelli

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jueves, 22 de enero de 2026

María Teresa del Toro Alayza


 María Teresa del Toro Alayza (15 de octubre de 1781 – 22 de enero de 1803) esposa de Simón Bolívar. Nació en Madrid. Su nombre de nacimiento es María Teresa Josefa Antonia Joaquina Rodríguez del Toro Alayza. Su madre fue Benita de Alayza Medrano, natural de Valladolid,  y su padre fue un venezolano llamado Bernardo Rodríguez del Toro y Ascanio  .

María Teresa estaba vinculada a la sociedad monárquica. Su madre murió cuando ella era una menor. Así que asumió la labor de cuidar a sus demás hermanos y también estuvo involucrada en la administración de bienes y haciendas de su familia. Mientras estaba en Madrid conoció a Simón Bolívar, quien se encontraba adelantando sus estudios desde los 17 años. Bolívar era discípulo del marqués Jerónimo de Ustáriz y Tovar.

En agosto de 1800 María Teresa y Simón Bolívar empezaron una relación. Luego de un tiempo contrajeron matrimonio. Se instalaron en La Coruña y luego se trasladaron a la capital venezolana. La pareja vivió en la Casa Grande en San Mateo. María Teresa enfermó poco después de lo que se conoce como paludismo pero que en ese tiempo era llamado: fiebres malignas. De manera lamentable no pudieron hacer mucho para salvar su vida y murió el 22 de enero de 1803 con 22 años , tras ocho meses de matrimonio y dos años de noviazgo con Bolívar 

Su muerte sumió a Simón Bolívar en la tristeza profunda y su carácter cambió negativamente. ​ 

  Los restos de María Teresa del Toro Alayza  fueron enterrados en el panteón de la familia Bolívar en la Catedral de Caracas en el lugar donde también fue enterrado su padre y su madre. Muchos años después Pietro Tenerani  realizó una escultura de María Teresa y de Simón Bolívar en dicha Capilla .

La vida de Simón Bolívar  y su historia de amor  en 2013  fue llevada al cine en la película Libertador dirigida por Alberto Arvelo.



https://historia-biografia.com/maria-teresa-del-toro-alayza/

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miércoles, 21 de enero de 2026

Edris Rice-Wray Carson científica y activista estadounidense

 


Edris Roushan Rice-Wray Simón, conocida por "Edris Rice-Wray Carson" (Newark, Nueva Jersey, USA, 21 de enero de 1904 - San Andrés Cholula, Puebla, México, 19 de febrero de 1990) fue una científica y activista estadounidense. Fue pionera en la investigación médica que ayudó al desarrollo de la píldora anticonceptiva oral y trabajó en las primeras investigaciones sobre la inyección anticonceptiva.

La Dra. Rice-Wray era la hija de Mabel y Theron Canfield Rice-Wray, casados en 1903. Originaria de la ciudad de Nueva Jersey, la Dra. Rice-Wray pasó gran parte de su vida adulta en México y Puerto Rico. La fe era un aspecto importante de su vida personal. Fue seguidora del Bahaísmo (pionera de la fe bahá’í en México) y su padrastro escribió el libro Bahá'í Portales a la libertad.

Recibió el premio del sesquicentenario de «el conocimiento, la sabiduría y el coraje de servicio» de la Universidad de Míchigan en 1967. El periódico estadounidense The Wall Street Journal-Home Journal la nombró una de los 75 mujeres más importantes de América en 1971.

Obtuvo su Licenciatura en Medicina en Vassar College. En la Universidad de Míchigan consiguió la especialidad médica en Salud Pública y en la Universidad Northwestern obtuvo la especialidad médica en Planificación Familiar. Asistió también a la Universidad de Cornell, donde fue miembro de la hermandad de mujeres Alpha Phi.

Fue miembro del cuerpo docente de la Escuela de Medicina de Puerto Rico y directora médica de la Asociación de Planificación Familiar del mismo país. Participó en los primeros ensayos clínicos a gran escala de trabajo de la historia por más de 17 años, hasta que la Organización de las Naciones Unidas (ONU) la llamó para trabajar en México. Allí fundó en 1959 la primera Clínica de Planificación Familiar de la Ciudad de México, sobre la que el periódico El Universal afirmó: «Es la primera clínica de planificación en América Latina».

Atendió  a mujeres mexicanas y promovió el uso de la píldora anticonceptiva (BCP, por sus siglas en inglés) en su Clínica Asociación Prosalud Maternal fundada en 1963, también en Ciudad de México, de la que fue directora. A fin de proseguir en la demostración de la eficacia y seguridad de la BCP, se llevaron a cabo ensayos en humanos, siendo uno de los trabajos de Edris reportar los avances obtenidos en ellos. Puerto Rico fue seleccionado como un sitio de prueba en 1955, en parte porque no había una red existente de clínicas de control de natalidad que asistieran a las mujeres de bajos recursos en la isla. Los ensayos comenzaron allí en 1956, donde algunas de las mujeres fueron invitadas a probar la píldora (Enovid). La Dra. Rice-Wray escribió a Gregory Goodwin Pincus (biólogo estadounidense e investigador que co-inventó la píldora anticonceptiva oral combinada) e informó de que «[la pastilla] da cien por ciento de protección contra el embarazo pero causa algunas reacciones secundarias y eso no permite que sean aceptables». Cada experimento fue supervisado por la Dra. Edris Rice-Wray, la cual tenía la ventaja de atender a las pacientes clínicamente, permitiéndole ser cercana con ellas. Nunca perdió su interés en hacer que la píldora fuese una realidad y en buscar métodos más eficaces para el control de la natalidad.

Gracias a sus más de 50 publicaciones así como investigaciones sobre el control de la natalidad, la revista Life de los años 70 la declaró como mujer importante de la década. Fue la consignataria de Planned Parenthood Federation of América (Federación de Planificación Familiar de Estados Unidos) y recibió varios premios por su labor en la difusión de la píldora en América Latina y por demostrar su eficacia y beneficios. Entre ellos, en 1978 recibió el importante Margaret Sanger Award.

Debido a su preocupación por la salud pública y el bienestar de la nación mundial, pronunció gran número de discursos: «El valor de la píldora anticonceptiva», «La igualdad del hombre y mujer», «Los hechos de los métodos anticonceptivos», «El problema para las madres que abortan», «El crecimiento demográfico», «La población en los años posteriores», etc. En 1965 dio un discurso con el presidente de la Clínica de Planificación Familiar de EE. UU., Alan Guttmacher, sobre el crecimiento de la población y la demanda de servicios y productos alimenticios para las naciones, así como la dificultad que será cubrir tal demanda para los años 2000.

Sin la contribución clave de las mujeres nunca habría sido posible la píldora anticonceptiva.

El 11 de mayo de 1960 salió a la venta por primera vez la BCP. En la actualidad se considera que Margaret Sanger, Katharine McCormick y Edris Rice-Wray son las «madres» de la píldora anticonceptiva.

En febrero de 1956, la Dra. Rice-Wray accedió a supervisar un gran estudio sobre la BCP realizado por el Dr. Gregory Pincus​ en su unidad de salud pública en Río Piedras (Puerto Rico) ―un complejo de viviendas de bajos ingresos en un suburbio de San Juan (Puerto Rico). Con la ayuda de una trabajadora social, Iris Rodríguez, la Dra. Rice-Wray comenzó a reclutar a mujeres casadas con fertilidad reconocida para que participaran en un ensayo clínico de la BCP.


Un grupo de tratamiento con la píldora de 100 mujeres se comparó con un grupo de 125 usuarios de condones o diafragmas. De las primeras 100 mujeres participantes, 30 se retiraron debido a efectos secundarios adversos. Hubo muchas participantes dispuestas a reemplazar los lugares que quedaron vacantes de los que abandonaron. Una vez se corrió la voz, más mujeres tanto de bajos como de altos ingresos trataron de inscribirse en el estudio.

En diciembre de 1956 debido a su trabajo con la BCP, la Dra. Rice-Wray fue presionada a renunciar a la Secretaria de Salud de Puerto Rico por parte de la ONU y la OMS, con el objetivo de que formase parte de la OMS de México, que requería su labor. Pero antes de aceptar dicha posición, Rice-Wray informaba de que 221 mujeres estaban tomando correctamente la BCP y que no habían tenido ningún embarazo. Afortunadamente, pudo continuar con su trabajo, con la OMS en México. También ayudó a organizar la píldora haciendo ensayos clínicos en Haití en 1957. La mayoría de los datos clínicos iniciales sobre la BCP pueden vincularse a los esfuerzos de la Dra. Rice-Wray y sus colaboradores. Con esta base, la píldora podría ser presentada ante la Administración de Alimentos y Medicamentos de los Estados Unidos (FDA).

En la década de 1970, Rice-Wray se trasladó a Puebla, en el municipio de Cholula, donde trabajó como profesora en la Universidad de las Américas de Puebla (UDLA) en los campos de la Ecología, la Antropología y los Estudios de la Población. Allí siguió teniendo consultas médicas ayudando y aportando conocimientos a la medicina en San Pedro Cholula y en San Andrés Cholula (Puebla) y continuó promoviendo el uso de la píldora anticonceptiva. En el año 1985 fue nombrada socia emérita de la Asociación Médica de Cholula. Durante los últimos días de su vida, vivió en Cholula, Puebla, México, y murió en su casa en San Andrés Cholula, acompañada de sus hijas y nietos.


En el libro El nacimiento de la píldora, de Jonathan Eig, el autor narra todo el proceso que llevó hasta el descubrimiento de la BCP. Esta investigación comienza con la asociación entre los científicos Margaret Sanger y Gregory Pincus, ambos muy controversiales, que comienzan experimentando en conejos. Tras conseguir financiación por parte de Katharine McCormick y empezar los ensayos en humanos gracias a la ayuda del médico John Rock, el equipo incorpora a la Dra. Rice-Wray. Poco después comienzan los ensayos en Puerto Rico y Haití, en 1956. De ellos, Jonathan Eig comenta que se violaron dos protocolos actuales de ensayos en humanos: la obligatoriedad de informar del propósito de la investigación y de informar de los posibles efectos adversos. Sin embargo, en la época no se infringió ninguna ley, y el medicamento resultó ser eficaz y seguro. En el libro se resalta la lucha que fue el desarrollo de la píldora anticonceptiva debido a las arraigadas creencias de la época, así como la perseverancia e imaginación que los investigadores tuvieron que desplegar para llevarlo a cabo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Edris_Rice-Wray

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martes, 20 de enero de 2026

Joy Adamson naturalista austriaca


 Joy Adamson (20 de enero de 1910-3 de enero de 1980) fue una naturalista austriaca conocida por su libro Born free (Nacida libre), en el que narra las experiencias que vivió para salvar a una leona llamada Elsa. La novela alcanzó popularidad gracias a una serie televisiva del mismo título.

Su verdadero nombre era Friedericke Victoria Gessner. Nació en Troppau, Silesia (ahora Opava, República Checa). Junto a su tercer marido, George Adamson, se trasladó a vivir a Kenia, a las orillas del lago Naivasha. Allí, se dedicó a estudiar y pintar animales de la selva y se hizo famosa al publicar en 1960 Born Free. También publicó otras obras sobre animales, y su vida en la selva también se llevó al cine.

El 3 de enero de 1980 el cadáver de Joy fue descubierto en un lugar alejado por su ayudante Peter Morson. Éste declaró que había sido atacada y muerta por un león; esto fue lo que en principio divulgaron los medios, pero la investigación policial descubrió que las heridas eran demasiado agudas y que no podían ser hechas por un león, llegando a la conclusión de que fue asesinada con un instrumento agudo. Al parecer emplearon un simi (popular espada africana de dos filos). 



https://www.imdb.com/name/nm0011499/bio/?ref_=nm_ov_bio_sm

https://es.wikipedia.org/wiki/Joy_Adamson

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lunes, 19 de enero de 2026

Huguette Caland artista libanesa



Huguette Caland (árabe أوغيت الخوري; née El Khoury; Beirut, 19 de enero de 1931-ibídem, 23 de septiembre de 2019) fue una pintora, escultora y diseñadora libanesa asentada en París 17 años y más tarde en Los Ángeles.

Su padre era el político Bechara El Khoury. Le interesaba el arte desde los 16 años. Estudió en la Universidad Americana de Beirut cumplidos los 30.

En 1970, se mudó a Paris donde residió y trabajó como artista durante 17 años. Era una invitada habitual al Feraud studio. En 1979,  creó una línea de caftanes que se mostraron en el Espace Cardin.  Entre 1983 y 1986, trabajó creando pinturas y esculturas en Paris y Limosín.


En 1987, regresó a Los Angeles. ​Trabajó en diversos  estudios  hasta que en 1997 se estableció en un estudio en Venice . En 2013 volvió a Beirut y finalmente permaneció ahí hasta su fallecimiento.


Huguette Caland está considerada como una de las artistas más importantes del Oriente Medio contemporáneo




Exposiciones

En 2021, su trabajo fue incluido en la exposición Women in Abstraction en el Centro Pompidou.

En febrero de 2025 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organiza la primera gran retrospectiva de Huguette Caland en Europa Una vida en pocas líneas, con cerca de 300 dibujos, pinturas, esculturas y trabajos en otros medios, además de ephemera documentales. 


https://es.wikipedia.org/wiki/Huguette_Caland


https://arsmagazine.com/la-transgresion-de-huguette-caland-en-el-reina-sofia/

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domingo, 18 de enero de 2026

Nil Yalter artista feminista

Nil Yalter (El Cairo, 18 de enero de 1938) es una artista feminista turca con nacionalidad francesa que vive y trabaja en París. Su obra, presente en numerosas colecciones y museos, incluye dibujos y fotografías, videos y performances. De hecho, es la primera mujer turca que realizó un vídeo.

Nació en El Cairo, donde vivió hasta los cuatro años.​ Es turca aunque se nacionalizó francesa. Se formó en el Colegio Robert de Estambul.​ Empezó a pintar a una edad temprana y tomó clases de danza y ballet. En 1956, viajó a la India a pie mientras practicaba la pantomima. Su primera exposición de pinturas inspiradas en este viaje tuvo lugar en el Instituto Cultural Francés de Bombai, en 1957. Entre 1963 y 1964 trabajó como diseñadora de escenarios y vestuario para compañías de teatro en Estambul. En 1963, participó en la 3.ª Bienal de París con composiciones abstractas bajo el comisariado de Nurullah Berk.​ Se trasladó a París en 1965, después de implicarse políticamente en temas sociológicos centrados específicamente en la migración y las mujeres. Su exposición de carteles que se ha colgado en todo el mundo, ha sido objeto de críticas en Bombai y Viena. El cartel, en el que aparece "Gurbetlik Zor Zanaat Zor", traducido como "El exilio es un trabajo duro", pretende sensibilizar al público sobre la situación de las personas en el exilio. Sin embargo, el significado real de la palabra "Gurbet" es "una persona que vive en un país que no es el suyo".

Yalter se trasladó a París en 1965 y participó en la contracultura francesa y en los movimientos revolucionarios que la llevaron a alejarse de la pintura abstracta constructivista para empezar a trabajar con el vídeo y a utilizar su propio cuerpo.​ En la década de 1970, lideró el inicio del movimiento artístico feminista francés.​ En 1973, creó una instalación inspirada en las estructuras habitacionales temporales de los nómadas turcos titulada, Topak Ev una tienda nómada como estudio de los espacios privados, públicos y femeninos en el Museo de Arte Moderno de París. Topak Ev marcó el inicio de la utilización por parte de Yalter de métodos sociológicos y etnográficos en su obra. Aunque la instalación se basaba en la investigación realizada en torno a Niğde sobre las tiendas nómadas. La exposición también incluía paneles que reunían dibujos, collages, fotografías y descripciones manuscritas sobre la estructura y las dimensiones de las tiendas nómadas, los materiales utilizados en su fabricación y los elementos decorativos.​ 

En 1974, creó un video titulado The Headless Woman (La danza del vientre), una pieza que destaca en la historia del arte contemporáneo francés como uno de los primeros clásicos del arte feminista. El vídeo enmarca el vientre de la artista mientras escribe un texto alrededor de su ombligo. El texto es un extracto de Erotique et Civilisations (1972) de René Nelli y afirma que "la sexualidad de una mujer es a la vez convexa y cóncava", haciendo hincapié en los potenciales orgásmicos vaginales y clitorianos de la mujer. A continuación, Yalter "activa" el texto mediante la danza del vientre, cuyos giros animan las letras. La obra es el emblema de algunos de los gestos formales y estrategias críticas que Yalter desarrolló en los años siguientes: al crear una inversión de la mirada masculina objetivando su propio cuerpo a través de la cámara, Yalter se refiere a la liberación sexual de las mujeres del control patriarcal, al tiempo que comenta la erotización orientalista de las mujeres de Oriente Medio en el arte occidental.


A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, creó una serie de obras que combinaban su interés por las cuestiones de género y el feminismo con un enfoque en comunidades marginadas como los trabajadores migrantes en Europa y los antiguos presos. Temporary Dwellings, expuesta por primera vez en Grenoble, en 1977, investiga las condiciones de vida y las experiencias de los trabajadores migrantes contadas por mujeres. Una videoinstalación creada en colaboración con Judy Blum y Nicole Croizet en 1974, La Roquette, Prison de Femmes reconstruye las condiciones de vida en la cárcel de mujeres de Roquette en París, con un video y una serie de fotografías y dibujos basados en los recuerdos de la exreclusa Mimi relacionados con ritos y objetos cotidianos que describen la experiencia de un espacio panóptico.



Formó parte de varios colectivos de mujeres artistas en París en la década de 1970 como Femmes en Lutte y Femmes / Art, que se reunían en torno a prácticas socialmente comprometidas y a la lucha de las mujeres por su visibilidad en las artes.​ Desde 1980 hasta 1995 trabajó como asociada en la Universidad de la Sorbona.

En la década de 1990, con la llegada de las tecnologías digitales, desarrolló su uso del vídeo utilizando técnicas de animación en 3D y de edición electrónica del sonido. Multiplicando la imagen y su superficie mediante formas geométricas, este uso de las técnicas digitales opera interrupciones dentro de la imagen y abre un espacio para la intertextualidad en sus obras de vídeo. Lo más emblemático de este proceso es Pixelismus (1996), que adoptó la forma de un CD-ROM interactivo. La obra es una investigación de la relación entre los mosaicos bizantinos y los píxeles, inspirada en los escritos de Kazimir Malévitch sobre el modernismo.


En 2007, participó en la exposición itinerante WACK! Art and the Feminist Revolution organizada por Cornelia Butler con La Roquette, Prison de Femmes. La exposición dio a conocer la obra de Yalter a nivel internacional y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales.​ En 2016, tuvo dos retrospectivas, Off The Record en Arter, Estambul​ y Nil Yalter, Frac Lorraine, Metz y una exposición monográfica en La Verriere - Fondation Hermes, Bruselas,​ seguida de D'apres Stimmung, en 2017, en el Museo Ludwig de Colonia. En 2018 recibió el Outstanding Merit Award AWARE 2018.


Sus obras realizadas entre 2015 y 2018 se expusieron en la muestra individual Kara Kum en Galerist, Estambul, en marzo-abril de 2018.



Las obras de Yalter forman parte de las colecciones permanentes de la Tate Modern,​ el Museo de Arte Moderno de Estambul, el Centro Pompidou, el Fonds national d'art contemporain,​ el Ludwig Museum, el Long Beach Museum, el Aksanat, el Koç Contemporary, la Reydan Weiss Colección, la Deutsche Telekom Art Collection, la Foto Colectania Foundation, la Colección Olorvisual y la Sammlung Verbund.

En 2020, Mercedes Vilardell donó al Museo Reina Sofía la obra Turquish inmigrants #7. Meatball, (1976-77).


Ha participado en la 10.ª Bienal de Gwangju (2014), la 13.ª Bienal de Estambul (2013),16​ la 10,ª Bienal de París (1977) y en exposiciones itinerantes como WACK! Art and the Feminist Revolution (Los Ángeles Muse de Arte Contemporáneo de Chicago, PS1 MoMA, Contemporary Art Center Vancouver, 2007-2008), elles@centrepompidou (Centro Pompidou de París, Centro Cultural Banco de Brasil de Río de Janeiro, Museo de Arte de Seattle, 2013) y Desire for Freedom (Museo Histórico Alemán de Berlín),​ Palazzo Reale de Milán, Eesti Kunstimuuseum - Kumu Kunstimuuseum de Tallin, Muzeum Sztuki Wspólczesnej MOCAK de Cracovia, 2013).


Su obra también se ha expuesto en Clark House Initiative / Kadist Art Foundation de Bombai (2014), Museum of Modern Art de Rio de Janeiro (2014), SALT de Estambul (2013), Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam (2012), Centro Cultural de Belém de Lisboa (2010), Akademia de las Artes de Berlín (2009).


En 2019, Fabienne Dumont cocomisarió una retrospectiva en el MAC VAL y editó los libros, Nil Yalter - Where the memories of migrants, feminists and workers meet mythology (Nil Yalter - Donde los recuerdos de migrantes, feministas y trabajadores se encuentran con la mitología) (Vitry-sur-Seine, MAC VAL, 2019) y Nil Yalter - Interview with Fabienne Dumont (Nil Yalter - Entrevista a Fabienne Dumont( (París, Ediciones Manuella, 2019). Ese mismo año, el Museo Ludwig de Colonia recogió en la exposición Las huellas del exilio en los migrantes, una retrospectiva de su obra.19​20​

https://es.wikipedia.org/wiki/Nil_Yalter

https://tr.wikipedia.org/wiki/Nil_Yalter

https://universes.art/es/bienal-venecia/2024/nil-yalter

https://awarewomenartists.com/artiste/nil-yalter/

https://www.kulturstiftung-des-bundes.de/en/programmes_projects/image_and_space/detail/nil_yalter_exile_is_a_hard_job.html

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sábado, 17 de enero de 2026

Rannveig Þorsteinsdóttir abogada, jueza, profesora y política islandesa.

Rannveig Þorsteinsdóttir (6 de julio de 1904 - 18 de enero de 1987) fue una abogada, jueza, profesora y política islandesa. Fue miembro del Partido Progresista del Alþingi , el parlamento nacional de Islandia, de 1949 a 1953. En 1959, se convirtió en la primera mujer en ejercer la abogacía ante el Tribunal Supremo de Islandia .

Rannveig nació en Mjóifjörður , Islandia. Era hija de Ragnhildur Hansdóttir, un ama de casa  y Þorsteinn Sigurðsson, un pescador. S se graduó en Samvinnuskólinn (ahora Universidad Bifröst ) en 1924,  y trabajó como empleada para Tíminn , un periódico islandés, de 1925 a 1936. Durante ese tiempo, también fue profesora a tiempo parcial en Samvinnuskólinn entre 1926 y 1933.  En 1934, comenzó a trabajar como recepcionista  cargo que ocupó hasta 1946. 

Rannveig se graduó en Menntaskólinn í Reykjavík , un colegio universitario , en 1946 y se matriculó en la Universidad de Islandia , donde se licenció en derecho en 1949. Ese año fue elegida miembro del Alþingi, el parlamento nacional de Islandia, como miembro del Partido Progresista.  Fue una de las dos únicas mujeres en Alþingi, junto con Kristín L. Sigurðardóttir, y cumplió un único mandato de cuatro años. Durante su estancia en Alþingi, fue una defensora de los derechos de las mujeres.  Estableció un despacho de abogados en Reikiavik en 1949 y fue jueza en los tribunales de Reikiavik a partir de 1950. Desde mayo de 1951 hasta enero de 1952, Rannveig fue integrante de la delegación islandesa en la Asamblea Parlamentaria del Consejo. de Europa , y fue miembro suplente de la asamblea de 1952 a 1965. 

En 1959, Rannveig obtuvo una licencia para ejercer ante el Tribunal Supremo de Islandia , convirtiéndose en la primera mujer en  en hacerlo en su país. Se retiró de su carrera jurídica en 1974 y murió el 18 de enero de 1987 a la edad de 82 años. 



https://www.althingi.is/myndir/mynd/thingmenn/492/org/mynd.jpg

https://www.althingi.is/altext/cv/is/?nfaerslunr=492

https://en.wikipedia.org/wiki/Rannveig_%C3%9Eorsteinsd%C3%B3ttir

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viernes, 16 de enero de 2026

Ernestina Lecuona Casado compositora, pianista y docente

 

Ernestina Lecuona Casado (Matanzas, 16 de enero de 1882 - La Habana, 3 de septiembre de 1951)​ fue una compositora, pianista y docente cubana.

Ernestina Lecuona y Casado era hija  de Elisa Casado Bernal (1862-1931)  que el 7 de noviembre de 1885 se caso con el  periodista Ernesto Lecuona Ramos (Santa Cruz de Tenerife, 1854 - Santa Cruz de Tenerife, 1902), quien había emigrado en 1880 a la ciudad de Matanzas ―la Atenas de Cuba―, 100 km al este de La Habana.  . Ernesto y Elisa tuvieron doce hijos, de los cuales sobrevivieron solo siete: Luis, José, Elisa, Ernestina, Fernando, Teodoro y Ernesto. Su hermano menor era el pianista y compositor Ernesto Lecuona (1895-1963).​ El guitarrista y compositor cubano Leo Brouwer (1939-) es nieto de Ernestina Lecuona.​

Cuando Ernestina era niña, su familia se radicó en la villa de Guanabacoa, una pequeña localidad histórica a 10 km al sureste de la capital cubana. ​Allí su padre desarrolló una notable labor periodística, fundamentalmente como director del diario El Comercio, Político y Mercantil, de La Habana.​ Ernestina empezó a estudiar piano con Antonio Planas en la academia de música del Centro Asturiano de La Habana,​ y los continuó en el Conservatorio Municipal de Música de La Habana (hoy Conservatorio Amadeo Roldán).

En 1895, cuando Ernestina tenía 13 años de edad, nació su hermano Ernestito (1895-1963) a quien enseñaría piano desde su más tierna edad.

Con suavidad, pero también con rigor y disciplina, se dedicó a formar al incipiente pianista que emergía en la modesta casa de la calle Cerería [ahora calle Estrada Palma]​ en Guanabacoa, quien, a los tres años, se sentaba al piano de sus hermanas y, utilizando los cinco dedos de la mano derecha y uno de la mano izquierda, se afanaba por tocar a pesar de no tener el más elemental conocimiento de la música. Ernestina con su piano y Elisa con su bandurria tenían la casa de Cerería siempre llena de música.

En 1897, a los 15 años de edad, Ernestina compuso su primera obra, Luisa (habanera), que ese mismo año fue publicada por la editorial de Anselmo López y distribuida ampliamente en Cuba y España.


Se siguió perfeccionando en el piano con la profesora francesa madame Lucía Calderón, que había enseñado en el Conservatorio de París y acababa de instalarse en La Habana en esa primera década del siglo XX.

En 1902, cuando Ernestito tenía siete años, su padre Ernesto ―de 48 años de edad― decidió trasladarse a Santa Cruz de Tenerife, su ciudad natal, para descansar. Un mes después se enteraron de que había muerto solo ocho días después de haber llegado.​

Muy joven aún, Ernestina contrajo matrimonio con el médico de origen franco-holandés Juan Bautista Brouwer Etchecopar, quien llegó a Cuba a finales del siglo XIX y ejerció como profesor en la Escuela de Medicina Veterinaria de la Universidad de La Habana en la primera mitad del siglo XX. Tuvieron cuatro hijos: Elisa, Julieta, Ángel y Juan Bautista (este último sería el padre del guitarrista y compositor Leo Brouwer). La crianza de estos niños la obligó a abandonar su carrera musical durante largo tiempo. El piano de la casa quedó al servicio de su hermano Ernesto, a cuyos estudios e inicial carrera de concertista apoyaron ella y Brouwer.

En 1928 ―ya con 46 años de edad―, con sus hijos ya crecidos, Ernestina Lecuona, impulsada por su hermano ―ubicado entonces en la cumbre de su popularidad como pianista y compositor― retomó su faceta de compositora, letrista, pianista y acompañante de cantantes líricos nacionales y extranjeros en radioemisoras y teatros. Ese año dio a conocer el bolero Anhelo besarte.


A la usanza de los trovadores tradicionales de fines del siglo XIX y principios del XX, realizó contestaciones a obras de otros creadores. De tal manera, al Te odio de Félix B. Caignet respondió con su criolla ¿Me odias? (1928),​ estrenada en La Habana por el tenor italiano Leo Micheluzzi.

Desde su posición destacada como reconocida pianista acompañante, apoyó las carreras de varias jóvenes cantantes habaneras:

Fui presentada a Ernesto Lecuona cuando sus hermanas Elisa y Ernestina me llevaron a su casa, donde conocí a su mamá. Allí, Lecuona me propuso una tournée por Oriente, y el 11 de diciembre de 1929 salimos para Santiago de Cuba. Debuté el 13 de diciembre en el teatro Vista Alegre. La presentación era muy buena, con dos grandes pianos y el acompañamiento de Ernesto y Ernestina. El Canto indio me lo enseñó Lecuona tarareándomelo, en el tren, y así lo aprendí y lo canté: sin ensayo.

Rosario García Orellana (cantante, 1905-1997)10​

En el mes de marzo de 1931 llegan ambos hermanos a México, donde triunfan con sus excelentes interpretaciones bajo la supervisión de Elisa Casado. Estando en México los sorprende un lamentable hecho: la muerte de su madre. Tras el fallecimiento, Ernestina Lecuona participa como pianista en un espectáculo de música cubana integrado por otros músicos y artistas cubanos, dirigidos por Ernesto.

En 1932, Ernestina conoció en la CMCA a la cantante habanera Esther Borja (1913-2013), y la integró a un programa de radio dirigido por ella, donde interpretaba canciones de la pianista. Cuando Ernestina la llevó a su casa salió de un cuarto una ancianita tocando las paredes (porque era ciega) y preguntó: «Ernestina, ¿quién está cantando?». Y Ernestina le contestó: «Es una jovencita que vino para que yo la escuchara, tía Carmen». Y la señora expresó: «¡Ay, Ernestina, cuando Ernestico la oiga!». Y Esther pensó: «¡Eso mismo es lo que yo necesito!».​En esa primera audición con Ernestina, esta fue a su cuarto, trajo unas cuantas partituras, las tocó al piano y le sugirió que las aprendiera para su repertorio. Eran obras de María Cervantes (1885-1981), Fernando Anckermann Rafart (1890-1933), Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944), y otras grandes figuras.11​

El 3 de agosto de 1935 formó parte de un concierto de música cubana celebrado en el Teatro Auditórium de La Habana (hoy Teatro Auditorium Amadeo Roldán), en el que interpretó La comparsa de Ernesto Lecuona, con un novedoso arreglo para ocho pianos, doce pianistas, voces y orquesta.12​

Hizo, además, innumerables presentaciones con su hermano, quien le dedicó tres de sus obras: Danza negra, Mi vida es soñar (bolero) y Anhelo besarte (bolero).

En 1936, la Unión Panamericana la invitó a visitar Estados Unidos, donde entre el 11 y el 17 de diciembre presentó varias de sus composiciones en el teatro Cervantes, de Nueva York, con la colaboración de la soprano mexicana Margarita Cueto. En esa semana también acompañó con el piano al tenor mexicano Tito Guízar (1908-1999), quien cantó su canción Cierra, cierra los ojos en la radio NBC.13​En Estados Unidos se puso en contacto con la cantante angloestadounidense Jessica Dragonette (1900-1980), quien añadió a su repertorio operístico algunas obras de la pianista.


En 1936, Ernestina viajó a Buenos Aires (Argentina) con su hermano Ernesto, la cantante Esther Borja ―a la sazón de 23 años― y el cantautor y pianista Ignacio Villa ―más conocido como Bola de Nieve―. Después de Argentina viajaron a Santiago de Chile, y regresaron a La Habana.11​Pocos meses después hicieron otra gira por Panamá, Perú, Chile, Argentina, Uruguay y Brasil.11​Recorrieron en una gira por casi todos los países de América Latina: Argentina, Brasil, Chile, Perú y Uruguay donde alcanzaron cierta popularidad. Al regresar a Cuba en 1937 fundó en La Habana la Orquesta de Conciertos, compuesta solo por mujeres. Con ella tocó ―dirigiendo desde el piano― en el Teatro Alkazar. En 1938 realizaron conciertos en el Teatro Nacional de Cuba.


En 1936 realizó su primera gira por Argentina, en compañía de Ernesto, Esther Borja y Bola de Nieve. Repitieron la visita en 1937, 1938 y 1940.15​


Entre 1940 y 1942 hizo varias giras por Sudamérica, con su hermano Ernesto y con Bola de Nieve en una gira por casi todos los países de América Latina: Argentina, Brasil, Chile, Perú y Uruguay donde alcanza cierta popularidad.


En Argentina fue incorporada a SADAÍC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores).16​

En 1942, la alcaldía de Matanzas la proclamó «Hija Eminente de Matanzas».16​

A veces tocaba a dúo a cuatro manos con su hermano en estaciones de radio y en salas de conciertos como el Carnegie Hall (en 1948).

Como pedagoga se dedicó a la enseñanza del piano en su propia casa.

Falleció en La Habana, el 3 de septiembre de 1951, a los 69 años de edad.

En 1957, su amiga la cantante habanera Esther Borja grabó en La Habana el LP Esther Borja interpreta canciones inolvidables de Ernestina Lecuona, con orquesta y arreglos de Humberto Suárez.

http://www.encuentrolatinoradio.com/2018/09/ernestina-ahora-que-eres-mia.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Ernestina_Lecuona

http://www.invasor.cu/es/aprenda-mas/ernestina-lecuona-compositora-pianista-y-pedagoga

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jueves, 15 de enero de 2026

Paula Nicho Cumez artista maya-guatemalteca

Paula Nicho Cumez (San Juan Comalapa, Chimaltenango, Guatemala, 15 de enero de 1955) es una artista maya-guatemalteca.​ Conocida por crear una comunidad de mujeres mayas tz'uthiles artistas llamada Pintores Surrealistas Kaqchikel. Sus obras se han expuesto en Ottawa, Canadá; San Francisco, Los Ángeles, Chicago, Washington D.C. en Estados Unidos y en el Northern Alps Art Festival de Japón.​

Paula es una artista maya-guatemalteca que, desde corta edad sintió afinidad por el dibujo y la pintura, pese a que nació y creció en una comunidad en donde las mujeres no podrían desempeñar actividades artísticas, recuerda que su padre le regaló el primer cuaderno y un lápiz antes de iniciar la escuela y que, en ese momento ella no sabía el poder de ambos utensilios y menos se imaginaba lo mucho que cambiarían su vida.

A los12 años, ingresó a MAIA, una asociación liderada por mujeres Indígenas para jóvenes Indígenas en donde, la artista descubrió y desarrollo sus habilidades artísticas. Antes de dedicarse a la pintura, Nicho tejía, que es otra forma tradicional de arte maya, sobre todo desempeñada por mujeres, y que, a través de esta actividad se ha conservado el vestido cultural, los símbolos, las narrativas culturales, tradiciones que son emblemáticos de indigenismo regional.

El trabajo de la artista proviene tanto de su cultura contemporánea como de su ascendencia, pues su abuelo Francisco Cumez, quien era escultor, la motivó para desarrollar sus habilidades artísticas.​

En las obras de la pintora se pueden observar mundos surreales en los que aborda la naturaleza, la cosmovisión maya kakchiquel y el poder de la mujer.​ Muchos ven sus obras como un reflejo del arte naif (arte nativo).

Sus obras son óleos sobre lienzo, pero también incluyen tejidos en ellas, que se convierten en los sujetos de las mismas.


Entre sus pinturas más destacadas se encuentran:

Proceso y Visión de los Acuerdos de Paz (2007) que representa a la diosa Ixchel.

El Principio de Una Nueva Era (2012) que representa el final del ciclo indígena Baktun.

Corazón del Maíz (2004) que es un óleo sobre madera.

Mi segunda Piel, que es una serie de dos pinturas, una realizada en 2002 y otra realizada en 2004.

La Madre Naturaleza (1995), Canto a la Naturaleza y Nuestro Madre Tierra son obras en la que el uso de tejidos con las montañas sustituidas como huipiles, está presente como motivo de autoría de Paula y propiedad femenina.


Cumez ha aportado en la visibilidad de las narrativas indígenas; sobre todo, en la investigación de modelos de tutoría con el objetivo de reestructurar la forma en que se enseña el arte en la actualidad.

Además, ha enfatizado en la importancia del arte indígena maya en la Historia del Arte. También, la artista ha trabajado con docentes y estudiantes repensando la forma en que se crea y utiliza el arte como una forma de liberación y de crear comunidad.

También ha analizado cómo la implementación del arte y la educación en justicia social en el aula modifican el comportamiento y dinámicas de las y los estudiantes.​ Desde que Paula inició su carrera ha considerado el arte como un amigo, un mundo, un arma política y una puerta para dejar salir lo que guardamos dentro de nosotras mismas.



Reconocimientos 

Mérito Mujer y Café de la Fundación Rozas Botrán.

Ha sido ganadora del Glifo de Jade en la XII Bienal de Arte Paiz.

Fue condecorada por la Orden Nacional de Patrimonio Cultural de Guatemala.

Ha recibido una Mención Honorífica en el IV Certamen de Arte por la Paz.

Cortometraje

Ana Carlos, documentalista, productora y directora de cine guatemalteca, realizó en 2012, el cortometraje Del Azul al Cielo, que trata sobre los antecedentes de Paula Nicho Cumez.


https://mayaspirituality.lasaweb.org/es/gallery/nuestra-madre-tierra/


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miércoles, 14 de enero de 2026

Liv Køltzow novelista, dramaturga, biógrafa y ensayista noruega


 Liv Køltzow ( 14 de enero de 1945-12  de octubre de 2025 ) es una novelista, dramaturga, biógrafa y ensayista noruega . Køltzow nació en Oslo de Oscar Køltzow y Else Mathisen. Estuvo casada con el escritor Espen Haavardsholm de 1966 a 1973 y con Kjell Heggelund desde 1985. 

Køltzow publicó textos en la revista literaria modernista Profil . Fue considerada una de las principales escritoras feministas noruegas durante la década de 1970, y la novela corta Hvem bestemmer over Bjørg og Unni? (1972) ha sido considerado el primer folleto sobre el feminismo militante y socialista de Noruega en la década de 1970. 

Su novela Historien om Eli de 1975 trata sobre los aspectos psicológicos de los individuos.  La novela también fue traducida al sueco y al danés. Otros libros son la novela Løp, mann de 1980, dos cuentos de la colección Abril/Noviembre (1983) y la novela Hvem har ditt ansikt? desde 1988. 

Recibió la Fundación Gyldendal en 1988 y fue la primera ganadora del Premio Amalie Skram , en 1994. La novela Hvem har ditt ansikt fue nominada al Premio de Literatura del Consejo Nórdico en 1989, pero no ganó el premio. Recibió el premio Brage en 1997 por la novela Verden forsvinner . 

En 2002 publicó la novela Det avbrutte bildet y en 2004 la colección de ensayos Essays 1975–2004 . También ha escrito dos volúmenes biográficos sobre Amalie Skram , publicados en 1992 y 1996. [1] Recibió el Premio Gyldendal en 2015. [3] Køltzow recibió el Premio Aschehoug en 2018, por la novela Melding til alle reisende . 

Liv Køltzow es una escritora noruega que se considera una de las principales autoras feministas de su país. Su obra abarca novelas, cuentos, ensayos, biografías y dramaturgia. Algunos de sus temas son el poder, la identidad, la alienación y la liberación de las mujeres

Su primera novela, Hvem bestemmer over Bjørg og Unni? (1972), se ha llamado el primer panfleto del feminismo militante y socialista en Noruega.  En esta obra, Køltzow critica la opresión de las mujeres en la sociedad patriarcal y capitalista, y plantea la necesidad de una revolución feminista

Su segunda novela, Historien om Eli (1975), trata sobre los aspectos psicológicos de una mujer que se siente marginada y soñadora, y que despierta de su ensueño y empieza a vivir su propia vida1 Esta obra explora las barreras internas que impiden a las mujeres realizarse como individuos

Otras obras de Køltzow que reflejan su perspectiva feminista son Løp, mann (1980), una novela sobre las confrontaciones entre parejas casadas y amigas dentro del problema de los roles de género; Hvem har ditt ansikt? (1988), una novela romántica sobre la insegura Helen y su amor por Aksel, un músico; y Verden forsvinner (1997), una novela sobre una mujer que se ve obligada a tomar decisiones urgentes en su vida. 

Køltzow también ha escrito dos volúmenes biográficos sobre Amalie Skram, una de las más importantes escritoras noruegas del siglo XIX, que también abordó temas feministas en su obra. Los libros se titulan Den unge Amalie Skram (1992) y Amalie Skram:  biografia (1996)


Bibliografía seleccionada 

Todavía estoy en la calle - (1970)

¿Hvem bestemmer sobre Bjørg og Unni? - (1972)

Historia de Eli - (1975)

Løp, mann - (1980)

Abril/noviembre - (1983)

Hvem har ditt ansikt - (1988)

La unge Amalie Skram - biografía (1992)

Verden Forsvinner - (1997)

La imagen bruta - (2002)

'' Fusionándose hasta todo el reisende - (2018)


Reconocimientos 

Premio Mads Wiel Nygaards 1975

Premio Gyldendals 1988[5]

Premio Amalie Skram 1994[5]

Premio Brage 1997

Premio Gyldendal 2015

Premio Aschehoug 2018[5]

Premio Brage 2021[5]

Premio de la Crítica Literaria Noruega (2021)



https://en.wikipedia.org/wiki/Liv_K%C3%B8ltzow

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martes, 13 de enero de 2026

Zunilda Roldán activista incansable por los derechos de las mujeres




 Zunilda Roldan ( 13 de enero ?-28 de agosto de 2017 ) nació en Navarro, provincia de Buenos Aires ( Argentina ) fue  directora del Grupo de Teatro Independiente  Candilejas desde 1989... responsable del primer y único teatro de la ciudad. Fue  una luchadora incansable, siempre presente  en el movimiento de mujeres


 Fue también profesora de Letras y gestora cultural y directora de la obra Blasfemia , además de asistente de producción y  asistente de dirección de Babel Cocina. 

 María Elena Naddeo escribió sobre ella  : La conocí en el Primer Encuentro Nacional de Mujeres en el año 1986. Ella integraba UMA (Desde muy joven entró en el PC de allí a la Unión de Mujeres Argentina que existía desde la Segunda Guerra. A los comienzos de los 90 se incorporó al Frente Grande, específicamente en Frente de Mujeres, donde me acompañó activamente, en nuestras luchas, demandas y personalmente en todas las actividades. Luego junto a Susana Gamba colaboró hasta el año pasado (2016) en los 25 años que cumple la Agenda de Las Mujeres. 

Podemos decir con mayúscula UNA GRANDE LAS MAS ANTIGUAS LUCHADORAS  POR NUESTROS DERECHOS.

¡¡¡¡¡¡ HASTA LA VICTORIA SIEMPRE, QUERIDA ZUNI !!!!!



https://www.instagram.com/zunil.roldan/


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lunes, 12 de enero de 2026

Constanza Ullner escritora y activista protectora de animales finlandesa

Constance Maria Ullner (20 de marzo de 1856, Vantaa- 13 de enero de 1926, Helsinki ) fue una escritora y activista protectora de animales finlandesa. Usó los seudonimos de Osäker rimmare, Vanda y Wanda . Trabajó durante 40 años en Helsinki como directora de una oficina de correos, desde 1888. Ullner fue una destacada protectora  de animales en Finlandia y los países nórdicos. Trabajó como conferenciante en el país y en el extranjero y como escritora, especialmente a través de las revistas Eläinsuojelus y Finlands djurskydd (desde 1893) que editó, así como las publicaciones Pieni djurvänne y Den lilla djurvännen (desde 1895), que aparecian en otoño y primavera. Ullner también publicó colecciones de cuentos y trabajó como traductora. 

Constance Ullner nació en una familia de habla sueca de clase alta en Helsinki.  Los padres eran Anna von Kothen y el concejal municipal Robert Ullner. Constanza asistió a una escuela sueca para niñas en Helsinki y en 1876 se casó con el trabajador de una fábrica sueca Theodor Gullberg, pero la unión terminó en 1878. Ullner regresó a Finlandia y se formó como profesora, pero como mujer divorciada no le era permitido conseguir un trabajo. 

Ullner participó en actividades benéficas y de protección de animales. De acuerdo con el pensamiento protector animal típico de la época, Ullner enfatizó la educación de los niños, a quienes impartió conferencias sobre el trato amable con los animales en escuelas y asociaciones. La Sociedad de Primavera para la Protección de los Pajaritos, fundada por Topelius , fue tan popular en las escuelas que el número de miembros llegó a  30.000. 

Ullner participó en reuniones internacionales y habló especialmente en contra de la moda de los sombreros femeninos, en los que se utilizaban plumas de ave como decoración, lo que había llevado a muchas especies, como la pava de seda en Inglaterra, a casi la extinción. 

Ullner fue una persona clave en las actividades de la Sociedad Protectora de Animales de Helsinki , fundada en 1874 , y fue su presidenta de 1916 a 1926. Ullner representó a la asociación en el XIII Congreso Internacional de Protección Animal celebrado en París en 1900 , y por iniciativa suya, desde 1909, Finlandia comenzó a celebrar cada año el Día del Animal el 4 de octubre . Ullner también fue editora de la revista  Protección Animal  desde 1894.

https://fi.wikipedia.org/wiki/Constance_Ullner

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domingo, 11 de enero de 2026

Elfrida Andrée directora, compositora y organista sueca


Elfrida Andrée (Visby, 19 de febrero de 1841 – Gotemburgo, 11 de enero de 1929), fue una directora, compositora y organista sueca, conocida en su país tanto por su producción musical como por ser una defensora a ultranza de los derechos de la mujer. Pionera en diversos sentidos, abrió un importante camino en la lucha de estos derechos en Suecia.1​ Fue la primera mujer en Suecia en graduarse como organista.

Elfrida Andrée nació en Visby. ​Fue la hija más joven de Andreas Andrée, un médico con un profundo amor por la música. Su política era liberal y era muy consciente de la situación de las mujeres en Suecia. La hermana mayor de Elfrida era Fredrika Andrée (1836 - 1880), también conocida como Fredrika Stenhammar por su apellido de casada. Fue una aclamada cantante de ópera.

Iniciándose en la música de la mano de su padre, a la edad de 14 años viajó a Estocolmo para formarse como organista, y dos años más tarde, en 1857, se convirtió en la primera mujer en Suecia en obtener un diploma de esta especialidad en la Kungliga Musikaliska akademien (la Real Academia Sueca de Música). Lo hizo como una estudiante externa, ya que las mujeres no eran admitidas como candidatas al ingreso en la academia.

Tras graduarse solicitó, como mujer, un permiso especial del gobierno para optar a un puesto como organista, pero su solicitud fue rechazada por el arzobispo Henrik Reuterdahl, un diputado conservador. Elfrida le escribió a su padre en Visby:

''Las chicas somos oprimidas en todos los sentidos. Además de convertirse en costureras o maestras, el espectáculo es la única ocupación abierta para nosotros. Quiero trabajar y perseguir un objetivo, pero ¿qué se debe hacer cuando hay un campo tan pequeño en el que trabajar? ''​

Casi al mismo tiempo, su maestra de órgano la había contratado como organista en la iglesia de St James, Estocolmo, pero el clero no la dejó tocar, alegando que "ver a una mujer en el taburete del órgano [sería] indecoroso y perturbador''. Además, San Pablo dijo: ' Las mujeres deben callar en el templo'. 

En 1861, con 20 años y tras estos incidentes, ella y su padre ayudaron, a través de la correspondencia y las discusiones con los diputados, a lograr un cambio en la ley que permitió a las mujeres ejercer de forma fija como organistas. Dos años más tarde ayudó a diseñar otro cambio legislativo mediante el cual las mujeres podían ser empleadas como operadoras de telégrafos. En 1861 comienza a ejercer su oficio en Estocolmo.

Alrededor de 1870, influida por el filósofo inglés John Stuart Mill, formuló su lema: "la elevación de la mujer". Durante su vida se produjo ciertamente una 'época de emancipación' para la mujer en Suecia. En su nacimiento en 1841, las mujeres prácticamente no tenían ningún derecho. En 1929, el año de su muerte, la posición financiera y legal de este colectivo había cambiado radicalmente, se les abrió un rango más amplio de empleo y habían obtenido el derecho a voto.


En 1860 comenzó sus estudios de composición con Ludvig Norman. En 1861 obtuvo su diploma con un amplio currículum y un gran expediente. A los 24 años, Elfrida Andrée compuso un quinteto de piano que la elevó a la elite entre los compositores suecos, un estrato que era completamente de hombres.

El cargo de organista de la catedral de Gotemburgo quedó vacante en 1866, y Andreas Andrée sugirió que su hija que se presentase como candidata. Elfrida viajó a Gotemburgo para la audición. Había siete candidatos masculinos, y estaba convencida de que no se le daría el puesto. Cuando unos días más tarde, en Estocolmo, Andreas Andrée leyó un telegrama de Gotemburgo en el que decía: «¡Esta noche, Mamsell Andrée, elegido por unanimidad organista de la catedral de Gotemburgo!» se desmayó. Su hija era la primera mujer en ostentar un empleo de este tipo en toda Europa.


Elfrida Andrée bien podría haberse establecido en Gotemburgo, tocando en la catedral y participando de la vida social de la ciudad, pero tenía ambiciones más elevadas. Su primer traspiés en el mundo de hombres de la época vino con la interpretación de su primera sinfonía, en do mayor, en Estocolmo durante el invierno de 1869. Escribió en su diario que el trabajo se representó en el teatro de Hammars y que ella creía que los músicos habían "tocado mal a propósito". Ella y su hermana Fredrika se marcharon cuando comenzó el último movimiento y los primeros violines iban un compás por detrás del resto de la orquesta. Elfrida estuvo enferma durante tres días después de "este delirio musical". El crítico Wilhelm Bauck la golpeó por completo, declarando que la composición estaba por debajo de la "imperfección". Su reseña finalizó: "Nótese esta verdad dorada: la originalidad de esta pieza consiste en la invención, no de formas anormales, si no de formas horribles".

La familia Andrée se conmovió con estos comentarios, y Andreas pensó que Elfrida debería limitarse a escribir canciones y pequeñas obras para piano. Pero ella pensó diferente. En la correspondencia que siguió escribió:


''Cuantas veces no he sentido resentimiento cuando se ha escrito o dicho, y sinceramente, que no se pueden mencionar nombres femeninos donde se trata de una composición musical seria. [...] No serán pequeñas canciones las primeras en ser vistas de mí, por canciones, de hecho bellas canciones, hay muchos de mis parientes que escriben. La música de cámara funciona [...] ahora es el comienzo que deseo. Sería más fácil arrancar una pieza de la roca que arrancarme mi idea ideal: ¡la elevación de la mujer!''

El verano siguiente, en 1870, amplió sus estudios de composición e instrumentación en Copenhague con el compositor danés Niels Gade. Tras enseñarle muchas de sus composiciones, esta fructífera relación motivó mucho a Elfrida, que escribía en una carta a su padre: "¡Quiero seguir avanzando, quiero ser realmente útil y quiero convertirme en algo más de lo que soy!". y a partir de 1871 empezó su colaboración con la Orquesta de Gotemburgo, que interpretó muchas de sus composiciones sinfónicas hasta que en el mes de mayo de 1879 la orquesta se disolvió debido a una crisis económica.


En 1880 recibió el segundo premio de composición como reconocimiento en un concurso celebrado en Bruselas. Alrededor de esta fecha, Elfrida Andrée ya era una figura muy conocida en la escena artística sueca, y algunas de sus mejores composiciones datan de esta época.


Junto a su amiga y dramaturga Selma Lagerlöf escribió una ópera llamada Fritiof Saga, en 1898, que no consiguió ganar un concurso que hubiera hecho que ésta se estrenara en la Ópera Real de Estocolmo. Sin embargo, Andrée extrajo finalmente de esta ópera una suite orquestal muy conocida dentro de su producción musical.


También compuso 3 sinfonías e importantes obras de música de cámara, además de un buen número de obras como piezas para piano y órgano, misas corales en sueco, cantatas y diversas canciones. Diversos ejemplos son un cuarteto para piano en la menor (1870) y un quinteto para piano en mi menor (publicada en 1865), un trío para piano en sol menor (1887) (y otro publicado póstumamente en do menor), un cuarteto de cuerda en re menor del año 1861 y otro en La mayor. Piezas para violín (incluyendo diversas sonatas) y para piano.


En las últimas obras, escritas después de 1890, el estilo de Elfrida Andrée cambia. La sinfonía de órgano en Si menor (1890) tardó mucho tiempo en gestarse. Una primera versión de la misma ya se había realizado en 1871, probablemente inspirada en las sonatas de órgano de Felix Mendelssohn. Diez años después, en 1882, interpretó una versión revisada en un concierto en el Crystal Palace de Londres. Un breve viaje a París en el verano de 1882 añadió reminiscencias de la música francesa a su repertorio. Los trabajos de Guilmant, Widor y Saint-Saëns figuraban regularmente en sus programas y, bajo la inspiración de la música francesa, terminó al fin la sinfonía de órgano. Hay cuatro movimientos, con esta influencia y atmósfera francesa presentes desde el principio. El segundo movimiento recuerda al estilo de Mendelssohn, muy influyente para Andrée, mientras que el tercero es suavemente sentimental y el cuarto de grandeza y exaltación gala.


Desde mediados de la década de 1920 en adelante, Elfrida Andrée se retiró de su puesto en la catedral. Fue en el órgano donde encontró una salida para sus sueños artísticos y emancipatorios, y nunca olvidó el debate parlamentario en los días de su juventud. En 1905 se consagró un nuevo órgano catedralicio que tenía un soplador eléctrico. Ahora se podía prescindir de los tratantes de fuelles, y Elsa Stenhammar recuerda que Andrée a menudo perdía la noción del tiempo y permanecía sentada en el órgano hasta altas horas de la noche. En una de esas ocasiones, siendo capaz el órgano de dar rienda suelta a sus sentimientos más íntimos, y después de que los últimos ecos se hubieron apagado, ella exclamó: 'Pablo, pequeño, ¡Ahí lo llevas!' (traducción aproximada del sueco ”Där fick du, lille Paulus!” Burla hacia el apóstol San Pablo recordando las limitaciones impuestas por el clero años antes).


A su muerte, en 1929, sus composiciones ya habían sido en parte olvidadas. Pero desde la década de 1980 han vuelto a popularizarse en su país. Los manuscritos de sus obras están conservados en Biblioteca Pública de Estocolmo.


Elfrida nunca olvidó la lucha por su profesión. 'La elevación de la mujer' siguió siendo su consigna hasta el día de su muerte, aunque no todas las mujeres compartieron esta opinión.


En Londres, en 1882, conoció a la soprano Jenny Lind (1820-1887), que entre otras cosas consideraba que las mujeres eran incapaces de tratar con una orquesta. Elfrida Andrée se apresuró a mostrar su sinfonía al marido de Jenny, el director Otto Goldschmidt. Mientras lo estaba haciendo, Jenny, de pie junto a él, susurró: "¿Es posible que sea correcto para todos los instrumentos?" "Sí, ciertamente, ciertamente", le respondió. La pianista y compositora noruega Agathe Backe Grøndahl también se mostró poco entusiasta con respecto a la escritura orquestal y declaró en una carta a Elfrida que esta actividad no estaba realmente "en mi género, creo".


Como educadora y como examinadora de Kungliga Musikaliska akademien en Gotemburgo, Elfrida instruyó y examinó a muchas mujeres organistas a lo largo de los años. Curiosamente, en 1889 Gotemburgo era la única diócesis sueca que tenía organistas mujeres, lo que tenía que ver con el puesto de Elfrida Andrée como organista de la catedral. La década de 1880 vio una creciente oposición a las mujeres como músicos y compositores, lo que es paradójico si pensamos que durante esta misma década al nombre de Elfrida se unieran otras tres compositoras, a saber, Laura Netzel (1839-1927), a quien ayudó a empezar como compositor en la década de 1880, Valborg Aulin (1860-1928), que era muy solitaria, y Helena Munktell (1852-1919). A pesar de que estas mujeres vivieron la misma época, hubo grandes diferencias entre todas. Aulin y Munktell no escribieron nada para orquesta hasta aproximadamente 1900, y la producción de música de cámara de Laura Netzel solo comenzó en la década de 1890. Ellas tres surgieron mucho después de que Elfrida hubiese producido sus composiciones, y ninguna de ellas dejó sus huellas políticas. Elfrida Andrée fue la gran pionera.

https://www.melomanodigital.com/elfrida-andree-la-elevacion-de-la-mujer/

 https://es.wikipedia.org/wiki/Elfrida_Andr%C3%A9e

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