Nazanin Zaghari-Ratcliffe ( persa : نازنین زاغری رتکلیف ) es ciudadana británica-iraní. Fue acusada de "planificar el derrocamiento del gobierno de manera sutil" y ha sido detenida en Irán desde el 3 de abril siendo finalmente sentenciada el 6 de septiembre a cinco años de prisión.
Nazanin Zaghari-Ratcliffe fue hallada culpable de “cargos secretos” en una Corte Revolucionaria, según su marido, Richard Ratcliffe. Nazanin esdirectora de proyecto de la Fundación Thomson Reuters, que promueve el progreso socioeconómico y el estado de derecho en todo el mundo.
“Parece raro que te den una sentencia sin presentarte ningún cargo”, dijo Ratcliffe y agregó: “No te puedes defender de secretos“.
Zaghari-Ratcliffe, fue sentenciada este martes por el juez Abolghassem Salavati en la Corte Revolucionaria de Teherán, conocido por sus duras sentencias .
La Guardia Revolucionaria ha dicho, sin dar detalles, que Zaghari-Ratcliffe participó en el “diseño y aplicación de proyectos de medios y cibernéticos para conseguir el derrocamiento de manera sutil de la República Islámica”.
Zaghari-Ratcliffe, viajó a Irán el 17 de marzo de 2016 para visitar a su familia por el Año Nuevo persa, con ella estaba su hija Gabriella de 22 meses de edad. El 3 de abril de 2016, miembros de la Guardia Revolucionaria de Irán, la detuvieron en el Aeropuerto Imam Jomeini cuando ambas estaban a punto de abordar un vuelo de vuelta al Reino Unido.
El 7 de mayo de 2016, esposo Richard Ratcliffe lanzó una petición en línea instando tanto el Primer Ministro del Reino Unido y el líder supremo de Irán a tomar las medidas apropiadas para asegurar el retorno seguro de su esposa y su hija Gabriella. La petición de Richard ha sido firmada por más de 800.000 seguidores en más de 155 países,Esta petición sigue activa en : https://www.change.org/p/free-nazanin-ratcliffe
Nan Goldin (12 de septiembre de 1953 Washington D. C., Estados Unidos) es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80
Goldin nace en una familia de origen judío en Washington D.C creció entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra, después de que su hermana se suicidara. Poco después, Goldin entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Cuando tiene 15 años, tuvo su primer contacto con la fotografía en la escuela; dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, Goldin ya aparece como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, "en las imágenes de las revistas de moda moderna".
Por esa época, Goldin empieza a frecuentar la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense. Allí, la artista conoce a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años.
Poco después, Goldin ingresa en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se gradúa en 1978. En su promoción también estudian artistas reconocidos como Philip-Lorca diCorcia y David Armstrong, al que había conocido en Satya y que habría de convertirse en uno de los grandes cómplices de Goldin, participando en el grupo de Los cinco de Boston. En esa época, además, de hacer fotografia empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash.
Con ese equipaje, Goldin abandona Boston y se establece en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topa con el estallido del punk y la aparición paralela de decenas de impulsos contraculturales.
En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista».
Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente. La más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual (título tomado de una canción de Bertolt Brecht), y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema.
Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, Goldin ingresa en una clínica de desintoxicación, donde sigue trabajando. Allí, el autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, la fotógrafa rodaría un documental autobiográfico, I'll be your mirror, que toma su título de una canción de la Velvet Underground.
Poco después de salir de la clínica, en 1991, Goldin abandona Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora.
En el año 1992 exhibe en la Galería Matteu Marks siendo su trabajo objeto de dos grandes retrospectivas itinerantes: uno organizado en 1996 por el Museo Whitney de Arte Americano y otro, en 2001, el Centro Pompidou, París y Whitechapel Art Gallery, Londres.
Expociones incluyen la diapositiva y presentación de video Sisters, Saints & Sibilas en La Chapelle de la Salpêtrière, París, las contribuciones a Les Rencontres d'Arles en 2009, recién en el año 2006 fue admitida en la Legión de Honor Francesa.
Posteriormente expone “escopofilia”, la cual forma parte del programa especial en 2011 de Patrice Chéreau en el Louvre. La colonia MacDowell le otorga a Nan Goldin la Medalla Edward MacDowell por su visión permanente y la creatividad. En el mismo año monta una exposición de su obra en el Museo de Arte Moderna de Río de Janeiro.
Nan, desde principios de los años 80, estuvo fotografiando niños y actualmente se dedica a hacerlo. Expuso en Atenas un pase de diapositivas en 2010 y luego su versión continuada en 2011 con imágenes que están editadas y sincronizadas con una banda sonora. Algunas fotografías son recientes y otras de su archivo.
Su último libro publicado fue, The Beautiful Smile en 2007 y dijo “Los últimos siete años, no he podido publicar un libro por un contrato y se me ha considerado una artista muerta.”
En el año 2007 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra
Alma Lucy Reville (14 de agosto de 1899 en Reino Unido – 6 de julio de 1982 en Bel-Air, Los Ángeles, California)
Aunque Alma Lucy Reville nació el 14 de agosto de 1899, en Inglaterra, su vida pública acabó cuando conoció a un acomplejado aspirante a director de películas, que ocupaba dos asientos en el bus: uno para él y otro para su ego
Todo nos indica que Alma se tuvo que plegar al guión que
establece la sociedad patriarcal no pudiendo restar una pizca de libertad a
lo que su esposo considerara, que contaba por otra parte con el consentimiento tácito
de todos menos de las mujeres acosadas.
Nuestro reconocimiento a sus aportes claros y significativos
para nuestra cultura. Su posición vital le permitió dar cauce a su creatividad, en
mayor medida que si hubiera estado sola. El costo fue soportar el menosprecio
que generaban los comportamientos de su compañero (Nada raro ni lejano desgraciadamente).
Los padres de Alma, Mathew y Lucy, eran protestantes y ella renunció a esa creencia para convertirse al catolicismo y casarse, el 2 de diciembre de 1926, con Alfred Hitchcock, con quien vivió 54 años. Alfred murió en 1980 y ella lo siguió dos años después, el 6 de julio de 1982. Tuvieron una hija, Patricia, que incursionó en el cine pero se retiró tras casarse con Joseph O’Connell. Mal de familia por lo que parece.
Eran el perfecto matrimonio inglés. Hitch y Alma se comportaban como esposos devotos; solían vacacionar en St. Moritz o en el Lago Cuomo, donde habían pasado su luna de miel y eran “habitué” de varios restaurantes donde incluso tenían siempre una mesa reservada.
Pese a las diferencias de temperamento que los chismosos querían encontrar, resolvieron con flema inglesa sus divergencias y se concentraron en la única pasión que los unía: el cine.
La relación personal comenzó cuando ambos trabajaban en la compañía Famous Players-Lasky Studio, filial de la Paramount en Londres. Desde aquellos días, a inicios de los años 20, Alma se convirtió en las dos manos derechas del naciente director: escribía los guiones, editaba, doblaba voces, verificaba la continuidad del relato y supervisaba los decorados. También trabajó un tiempo con otros cineastas: Berthold Viertel y Maurice Elvey.
Desde los 15 años Alma Reville comenzó a trabajar en el cine y aprendió todos los secretos del oficio, emulando el camino de su padre quien fuera ayudante de vestuario en Twickenham, una de las primeras compañías cinematográficas en Londres.
Alma, además de esposa, fue la fiel cómplice de su marido; estuvo un paso atrás de él pero opinaba sobre los montajes, los guiones y era la única persona a la cual el director escuchaba y hacía caso, aunque refunfuñara porque Reville –en la mayoría de las ocasiones– tenía razón . Según Anthony Hopkins fue “la instigadora y la fuerza clave en su vida”.
En una entrevista con Francois Truffautt el cineasta le confesó como Reville le ayudó a superar sus temores e inseguridades y “después de cada toma, miraba a mi prometida y le preguntaba: ¿Va bien, funciona?” A Truffaut le valió un pito Alma y ni siquiera la incluyó en la conversación.
Para justicias el tiempo. En el 2003, Pat Hitchcock O’Connell, hija de Alfred y Alma, escribió La mujer tras del hombre para rescatar la imagen y el aporte de su madre. En el 2012, Julián Jarrold dirigió The Girl, y expuso la tolerancia de Alma en relación con el acoso sexual a que Hitchcock sometió a la rubia Tippi Hedren, durante la filmación de Los pájaros .
En Hitchcock, de Sacha Gervais, la actriz Helen Mirren, plasmó el extraño nexo que unía a la pareja y como ambos formaron una sociedad creativa, donde Alma era la consejera y mejor amiga de un director que consideraba a los actores como “cerdos”.
“Lo que más me gustó descubrir en ella, fue su sentido de la lealtad, de la paciencia y su comodidad con el rol que tenía en la familia y en el proceso creativo” señaló Mirren.
Por el contrario, The New York Times consideró que el filme desacreditó el genio de Hitchcock y lo presentó como un enfermo, cuando en realidad la influencia de Alma fue solo una anécdota.
Otros autores, como Ana Campoy, han rescatado la figura de Reville. Así lo hizo en la serie infantil Las aventuras de Alfred & Agatha , que recreó las aventuras detectivescas de ambos personajes en la niñez, y en la trama del cuento La caja mágica, incluyó a Reville.
Si bien algunos exégetas del cine descartan la influencia emocional y profesional de Alma en la vida de Alfred, el conspicuo literato irlandés George Bernard Shaw escribió –en uno de sus libros– esta dedicatoria a Hitchcock: “Para el marido de Alma Reville”. Alma era solidaria, discreta, paciente, reía mucho y sabía desempeñar diferentes papeles como mujer, profesional, esposa, madre, crítica, operaria fílmica y consejera. Helen Mirren puntualizó: “Sí, era una ama de casa estupenda y una compañera solidaria y madre devota, pero también tenía ideas propias. Era mucho más que la señora Hitchcock y sus aportaciones al trabajo de su marido eran invaluables”.
Hitch nunca aprobaba nada sin el consentimiento de Alma. Ese regordete, capaz de filmar las escenas más crueles; de estrujar a sus actrices para exprimirles las peores emociones; de llevar el suspenso hasta el paro cardíaco era incapaz de tomar una decisión solo.
Cuando recibió un reconocimiento del American Film Institute, por su vasta carrera, dedicó el premio a cuatro personas que le dieron “su cariño, su reconocimiento, sus ánimos y su colaboración constante”. La primera de ellas fue a una excelente montadora cinematográfica; la segunda una guionista excepcional; la tercera la madre de Pat y la cuarta la mejor cocinera. “El nombre de las cuatro es Alma Reville. Si la hermosa señorita Reville no hubiera aceptado hace 53 años un contrato vitalicio sin opciones para convertirse en la señora de Alfred Hitchcock, es posible que hoy sería uno de los camareros más lentos del salón”.
Aquella mujer diminuta, que nunca apareció en los créditos de las películas del maestro de Hollywood, aceptó vivir a la sombra para no opacar el brillo del marido.
Ella estuvo a punto de morir por un derrame cerebral y superó un cáncer de mama y eso acabó con la carrera deHitchcock, que vivió atemorizado ante la posibilidad de fallecer antes que su mujer: su alma gemela.
Si bien Hitchcock tenía una fijación morbosa por las rubias, como Kim Novak, Grace Kelly, Ingrid Bergman o Tippi Hedren, su verdadera obsesión fue Alma; ella era la clave para entender el intrincado laberinto emocional del director.
Uno de los biógrafos del cineasta, William Rothman, sostiene en el libro La mirada asesina , que hay por lo menos tres películas en las cuales Alfred refleja su codependencia con Alma: El caso Paradine , de 1947; Yo confieso , de 1953; y Frenesí , de 1972.
También, Stephen Rebello en el libro Alfred Hitchcock y la realización de Psicosis , expone la tesis de que Reville es la verdadera protagonista de la ópera prima del director inglés; no solo porque aceptó hipotecar la casa para financiar el filme, sino porque incluso propuso la música para la escena del apuñalamiento en la bañera, una de las más tensas y estremecedoras del cine.
“Alma era un enigma para todo el mundo” reveló Mirren a The Telegraph . Así como toleró, e incluso pudo propiciar las perversiones sexuales de su marido con varias actrices, algunos biógrafos han insinuado que ella tuvo un affaire con Whitfield Cook, uno de los guionistas de Extraños en un tren y Pánico en la escena .
Se carece de pruebas para vincular a Reville con Cook, por más celosa o furiosa que estuviera, por los avances de su marido con las protagonistas de sus películas.
Del libro de Pat se desprende que sus padres llegaron a un acuerdo tácito, para que ninguno fuera un obstáculo en los planes del otro; además, Alma vivió en un tiempo donde las mujeres no exigían el reconocimiento a su labor.
Enérgica y de fuerte personalidad, Alma podía ser una “mosquita muerta”, pero de alguna manera cuadraba en los gustos de Hitchcock que prefería a las “mujeres que parecen profesoras, pero dentro de un taxi, te pueden destrozar”.
Solo un alma grande pudo vivir medio siglo sin hacerle sombra al sol; pero aún en la penumbra Alma Reville demostró que tenía su propia fuego, sin tener que robarlo del Olimpo.
Han tenido que pasar cinco décadas para que Hollywood se acordara de ella, un prolongado tiempo de reposo que le acabó por otorgar el incalculable y nostálgico valor de un tesoro abandonado, como una vieja botella de vino al fondo del almacén desprovista, muchos años después, de su densa capa de polvo. A Alma Reville, la insigne y temperamental mujer de Aldred Hitchcock, le han sacudido los años de olvido de encima con dos películas, devolviendo aquella relación matrimonial con el maestro a primera línea de combate.
Porque medios y guionistas han vuelto a hablar de ella se sabe que fue mucho más que una mujer en las sombras, el único apoyo del director a la hora de la verdad, su editora más minuciosa, su defensora más acérrima.
No fue, sin embargo, un camino de rosas el de la de Nottinghamshire en tierras estadounidenses. Tuvo que lidiar con los arranques temperamentales y el ego bíblico de su compañero sentimental, obsesionado además con las rubias imponentes de las que decidió rodearse en sus años de cine con mayúsculas.
Tanta fue la debilidad del londinense por las maneras de Kim Novak, Tippi Hedren o la princesa Gracia de Mónaco, que Melville, furiosa y arrebatada por los celos, pudo haberse refugiado en los brazos de un amante, Whitfield Cook, un guionista al que conoció durante el rodaje de dos de las películas de Hitchcock, 'Extraños en un tren' y 'Stage Fright'.
Es una versión de la que se hace eco 'Hitchcock', la cinta de Sacha Gervasi que acaba de ver la luz en cines españoles, una historia interpretada por Helen Mirren y que la propia actriz británica no tiene claro que llegara a suceder en absoluto en la vida real.
"Ese hombre definitivamente existió, y sí escribieron un guión juntos", dijo Mirren en una conversación telefónica al The New York Times. "Hay una sugerencia en una de las biografías de que posiblemente tuvieron un affaire, pero no ha sido ni remotamente demostrado".
Tampoco se pudo comprobar la versión vertida por una de las presuntas obsesiones de Hitchcock, Tippi Hedren, la elegida por el virtuoso director para 'Los pájaros' y 'Marnie la ladrona'. Fueron, en palabras de la propia Hedren, los dos rodajes más traumáticos de su vida por el acoso sexual al que le sometió Hitchcock, una situación de la que Reville estaba al tanto y que al parecer prefirió ignorar.
"Alma era un enigma para todo el mundo", recordaba Hedren recientemente a 'The Daily Telegraph'. "Nadie podía entender cómo era su relación. En un momento, vino y me dijo: 'Tippi, siento que tengas que pasar por esto'. La miré y le dije: 'Pero podrías pararlo', y ella simplemente miró para otro lado y se fue", aseguraba la actriz.
La única hija del matrimonio, Patricia Hitchcock, se encargó de negarlo, autora de la biografía sobre su madre, 'Alma Hitchcock, The Woman Behind the Man', curiosa elección siendo hija de quien era.
Pese a los avatares y el particular genio de su marido, estuvo casada con él casi toda su vida, desde el 2 de diciembre de 1926 hasta la muerte del director en 1980. Dos años después Reville diría adiós a los 82 años de edad por causas naturales, una mujer bajita de mucho genio que ahora está recibiendo el crédito que nunca terminó de recibir en vida. Hollywood le ha dado esa clase de reconocimiento póstumo con el que suele enmendar sus célebres resbalones.
Charo Oquet (Santo Domingo, 12 de junio de 1952) es artista interdisciplinar con sede en Miami y su obra incluye pintura, fotografía, performance e instalación. Ha sido expuesta ampliamente a nivel internacional obteniendo muchos escritos críticos por curadores, críticos, reconocidos académicos en libros y otras publicaciones. Además de las criticas en el Miami Herald, Atlántica, África Arte, Art in America, Art Nexus y Arte de Nueva Zelanda entre otros,
Antonio Zaya editó, elaboró y distribuyó un libro de su obra, Charo Oquet - Lo Que Ve La Sirena . Su obra está incluida en libros y catálogos.
Oquet ha realizado numerosas exposiciones individuales en museos y galerías por todo el mundo, como en el Bass Museum, Miami Beach; Casal Solleric, Palma de Mallorca, el Convento de Santo Domingo, Lanzarote, El Banco Mundial, Washington, D.C., Canarias, España (comisariada por Antonio Zaya) y ha participado en exposiciones colectivas de prestigio como Arte, Religión y política , Mami Watta, en el Museo Fowler de UCLA, (2008-10); Subliminales, Beijing, China; (07 ); Away, en la UNESCO - París (06); Después Columbus.com, Hus Kunstnerne, Oslo, Noruega, (03); V Bienal del Caribe'03, '01, I Trienal Internacional del Caribe (10) Museo de Arte Moderno de Santo Domingo; En Ruta PR '02, H & M Proyectos de Puerto Rico,Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Canarias así como la Galería de Arte Govett-Brewster, NZ. La obra de Oquet se encuentra en varias colecciones de museos como el Museo de Arte de Fort Lauderdale, Frost Museo de Arte, Universidad Internacional de Florida, Miami, FL; CAAM, Centro Atlántico de Arte Moderno; Bass Museum of Art, Miami Beach, FL, El Museo Nacional de Nueva Zelanda, Wellington, NZ; Dowse Museo de Arte, Lower Hutt, NZ; Galería de Arte Govett-Brewter, NZ; Asuntos Exteriores, Wellington, NZ; Museo de las Casas Reales, República Dominicana.
Como activista de las artes, en 1996 fundó y dirigió "Miami Arts Collaborative", que más tarde se convirtió el Centro de Arte Edge Zones, una organización de artes sin fines de lucro. En su papel como gestora y curador Oquet ha organizado numerosas exposiciones de nivel internacional donde han participado artistas de todo el mundo. Oquet ha comisariado otras exposiciones de grupo en España, Puerto Rico, Suiza y China. Como directora y curador de Edge Zones, del 2003 hasta el presente su programación anual ha incluido las obras de cientos artistas de la Florida y artistas internacionales (véase www.edgezones.org).
Como editora ha publicado cuatro libros (www.edgezonespress.org), Miami Now (Miami Ahora) (2005), (Wet) Húmedo (2006), Húmedo II (2007) y Supermix (2008).
Oquet ha sido oradora invitada en la Universidad de Miami, Bass Museo de Arte, Miami Beach, Syracuse University, Syracuse, Florida Atlantic University, Boca Raton, FL, Miami Dade College y fue el orador principal en ‘99 en la Universidad de Rutgers y New York University Reuniendo Hispaniola. Oquet también sirve a la comunidad artística como panelista y jurado para las subvenciones que otorga el Consejo de Asuntos Culturales de Miami-Dade y para el Consejo de Asuntos Culturales de Estado de la Florida.
Ella ha recibido numerosas becas y premios, más recientemente el Gran Premio de la 26 Bienal de Arte de Santo Domingo, Mudeo de Arte Moderno, 2011; del Estado de la Florida Premio para los mejores artistas Visuales de la Florida; Beca Artística del Consorcio Cultural del Sur de la Florida para Artistas Visual 2005; Beca del Capital Creativo; varias Becas del Sur de la Florida para Acceso a la Cultural, así como también el Reina Isabel II Consejo de las Artes de Nueva Zelanda Gran Premio para artista Fellowship (84, 85 y 86) durante los años que vivió y trabajó en Nueva Zelanda. Ella consiguio un BFA de la Universidad Internacional de Florida en el 2000.
Nacida en la República Dominicana, Charo Oquet es un artista interdisciplinar, que trabaja en múltiples medios, incluyendo el metal, madera, textil, cerámica, fotografía, instalación, vídeo y performance. . El trabajo de Charo se encuentra en las colecciones permanentes del Museo de Fort Lauderdale de Arte, Frost Art Museum, Universidad Internacional de la Florida, El Banco Mundial, el Centro Atlántico de Arte Moderno, Museo de Arte Bass, el Museo Nacional de Nueva Zelanda, Dowse Art Museum, Govett-Brewter galería de arte, Foresight Colección y Museo de las Casas Reales.
LA GANADORA DEL GRAN PREMIO DE LA XXVI BIENAL NACIONAL DE ARTES VISUALES POR “EN UN ABRIR Y CERRAR LOS OJOS” ES UNA ACTIVA TRABAJADORA DE LA IDENTIDAD DOMINICANA
El gran premio de la XXVI Bienal Nacional de Artes Visuales es una instalación.
La dominicana Charo Oquet se estrena en participación y galardón en la exposición con una propuesta que reúne sus años y experiencia como artista plástica: mucho color, sutiles mensajes que hablan de identidad y religiosidad populares y un sumario en imágenes de los eventos que impactan el país y el mundo.
¿Qué verá el público al traspasar la cortina negra que sirve como puerta y se encuentre con una instalación de menos de 10 metros llamada en “En un abrir y cerrar los ojos”? Verá un vídeo y muchos materiales de plástico, plomerías, cubos de agua, cintas, utensilios domésticos, partes de inodoros y de carros, alambres, hilos, juguetes infantiles, cascos de bicicleta y muchas cosas encontradas por ahí.
Casi todo es reciclado y responde a un modo muy peculiar que sigue la artista, radicada en Miami, para hacer su trabajo.
“Para mí, buscar los materiales es parte de la obra también, porque los busco en la Duarte con París y en Villa Consuelo y eso me lleva a conocer la realidad económica del pueblo. Si como artista te quedas con la parte más bonita y pudiente, nunca llegas a conocer esas realidades”, explica Oquet. Es un método que repite en los países a los que lleva su arte para obligarse a conocer el pueblo y los temas que trabaja.
El expectador
La instalación que presenta en el Museo de Arte Moderno (MAM) se presta a múltiples lecturas. Está inspirada en una obra del novelista haitiano Jacques- Stephen Alexis, En un abrir y cerrar los ojos, porque tiene mucho que ver con la relación dominicohaitiana.
Esta relación está presente en dos formas, dice Oquet. Está visible en las imágenes de la habitación de un haitiano que vive en Dominicana, y en los marcados rastros de las costumbres religiosas que comparten ambos países: gagá, vudú y catolicismo.
Un vídeo, de unos 20 minutos, es muy importante para entender el resto de la instalación, asegura Oquet. Son fotografías a color y blanco y negro tomadas por la artista en República Dominicana, Haití y otros puntos del mundo que muestran eventos importantes que están marcando y afectando el planeta, así como paisajes y estampas rurales y citadinas características de nuestro pueblo.
Hay contrastes muy marcados, como la intersección de las avenidas Duarte y París y el centro comercial Blue Mall, dos espacios antagónicos de la ciudad de Santo Domingo.
“Enseño diferentes fases de lo que hay en nuestro país –lo explica Oquet–, de lo que somos como país. Cuando vas a la Duarte con París te das cuenta de que este país tiene dinamismo. Este sitio te demuestra que es una ciudad muy dinámica, de mucho crecimiento, de una energía increíble que a la que quisieras conectarte. El dinamismo que siento ahí es una cosa que me eriza. Hay gente que lo mirarán y dirán ‘esta gente es pobre’, yo no lo veo así, prefiero ir allí porque lo que veo es un país que tiene un espíritu de esperanza que no ves en muchos países”.
Oquet nació en Santo Domingo y vive en Miami, donde dirige el espacio cultural Edge Zones. Hace esculturas, instalaciones, performance, ambientes, pintura y fotografía. Para la bienal se decidió por lo que considera su fuerte aunque sabe que las instalaciones no son comerciales y cuesta venderlas.
“Es lo más completo de mi obra porque puedo expresar más ampliamente lo que quiero decir y porque permite que el visitante entre a un mundo del que se vea rodeado, empapado y parte de la obra. La lectura de mi obra tiene por un lado el caos, la dinámica de materiales reusables y de cosas creadas a partir del arte; pero por otro está la parte de identidad que siempre he trabajado, la religiosidad popular, el vudú dominicano”.
Esta lectura se puede ver en todos sus trabajos anteriores y marca su estilo. Por eso, para entender todas las posibles lecturas de “En un abrir y cerrar los ojos”, recomendamos al público visitar la web de la artista, www.charooquet.com y empaparse con su trabajo.
“El país no valora su riqueza artística”
Charo Oquet vivió los primeros diez años de su vida de pueblo en pueblo, porque su papá era militar y Leonidas Trujillo movía a los militares de sitio cada tres meses.
A principios de los 60, la familia emigra a New Jersey y allí, en una escuela pública, sin saber inglés, sintiéndose incómoda por lo nómada que en se estaba convirtiendo su vida, vivió esa primera experiencia que la marcaría como artista. Tenía 10 años.
No recuerda el nombre de la maestra, pero sí su rostro y que era jovencita. Ella le pidió a los alumnos que, con motivo de las fiestas de Halloween, realizaran una máscara.
Cuando la maestra vio la de Charo, una máscara china muy bien trabajada, le dijo que había hecho una maravilla y que debía dedicarse al arte. Y así lo hizo Charo, casi a escondidas, sin que su familia apenas se percatara de su inminente destino. Se convirtió en la decoradora de la clase, en la artista de la clase.
En adelante, todos sus proyectos los haría a partir del arte.
Fue también en New Jersey donde comprendió la dominicanidad.
El trato despectivo para con los latinos avivó su amor patrio y le hizo valorar sus raíces. “Si no fuera porque yo venía a este país y aprendía mi cultura y quiénes éramos, yo me hubiera sentido una caca, como le decían a los latinos. Al conocer mi cultura tomo fuerza porque ese conocimiento te empodera y no te afecta que te digan que tu país es chiquito y pobre porque tú sabes que la pobreza y la riqueza son relativas, que somos ricos y grandes en muchas cosas”.
A los 16, de vuelta a su tierra, no lo dudó y solita se fue hasta la Escuela Nacional de Bellas Artes dispuesta a estudiar en sus aulas. Le preguntaron por su portafolio y como no conocía esta palabra les presentó el cuadernillo donde dibujaba. La aceptaron inmediatamente.
Arte y religiosidad
Y es por eso que las obras de Oquet tienen esa tendencia religiosa tan marcada, “porque mi obra está relacionada a lo dominicano, porque está relacionada a mí, a quien soy”, expresa.
Aunque no practica vudú, por ejemplo, reconoce que tiene una fuerza de importancia.
“No lo practico pero le doy su valor, porque forma parte de una cultura que negamos, y si la negamos nos negamos a nosotros mismos.
Es parte nuestra y cuando tomas conciencia la entiendes y la notas a tu alrededor”, comenta.
El pueblo no lo acepta como parte de su cultura, indica, porque nos han metido mucho miedo. “El miedo es una pena, porque cuando le tienes miedo a una cosa la odias. No es que te metas a eso, no, pero conócelo, porque tiene su valor, conocer la cultura no te va a hacer daño”, dice.
La artista considera que el país todavía no se ha dado cuenta de la riqueza artística que tiene y de cómo el arte se presta para vender sus atractivos. “Si logras que la gente se interese por tu cultura, por tu arte, ya tienes un amigo; y el que se interesa por tu cultura y tu arte también se interesará por tus playas, por tu música”, opina.
Instalaciones
El arte que le valió el gran premio de la XXVI Bienal Nacional de Artes Visuales lo aprendió en 1997. La invitaron a participar en las celebraciones de San Miguel en Mata Los Indios, Villa Mella, cuya cofradía, Los Congos del Espíritu Santo, es patrimonio oral e intangible de la humanidad.
Pero Charo dijo que no quería sólo ver, que quería participar, conocer cómo hacen los preparativos.
Antes, las instalaciones que había visto en los grandes museos le parecían enor mes e indescifrables, objetos que parecían tomarse mucho tiempo y dinero. En Mata los Indios, “cuando veo que con un cubrecamas, un mantel, escarcha y papel esta gente transforma una casita humilde en un gran altar, en un espacio sagrado, entiendo lo que es una instalación. Me doy cuenta que no es el dinero ni los materiales caros lo que transforma un espacio, sino el deseo y la capacidad artística tuya, y empiezo a trabajar con telas de segunda mano, hilo, papel crepé”.
Sin abandonar la pintura comienza a hacer sus hoy famosos altares, a fotografiarse con ellos, a encontrar belleza en los objetos de segunda mano y a convertirlos en arte. Para ese tiempo sus esculturas también dieron un cambio. Charo vive desde hace 21 años en Miami. En 1999 tuvo que establecerse en el tercer piso de un edificio en decadencia y hasta allí tenía que llevar sus materiales, algunos muy pesados, como la madera. ¿Qué hizo? “Adapté la obra a mis necesidades.
Buscaba plástico y los ensamblaba, y de pronto ya tenía una escultura de 10 pies pero que se desamblaba.
Eso me llevó a conocer otra parte de la obra: su esqueleto.
Yo suelo vestir mis esculturas, pero verlas sin vestir me hizo enamorar del esqueleto y comencé a hacer otro tipo de esculturas”.
A Charo Oquet no le sorprende que cada vez más personas se interesen en este tipo de arte que, aunque parece alternativo o contestatario, no lo es.
“La obra dominicana está en evolución, ha crecido muchísimo. Es muy difícil vivir de la obra de arte. La etapa en la que la mayoría de los artistas dominicanos tenía que hacer obras que fueran vendibles y complacientes para que la gente las compraran ha pasado.
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Hemos pasado a hacer obras mucho más fuertes, más verídicas, no buscando complacer sino transmitir conocimiento, comunicación, comunicar las problemáticas de hoy día. Aquí tenemos el mejor ejemplo de eso, estamos viendo el nuevo arte dominicano. La evolución viene desde hace años, pero en esta bienal se ha notado lo amplio, lo mucho que se ha abierto el campo con temas que comúnmente no se tocaban, y eso significa una gran evolución y creo que hay que aplaudir al país. Si alguien no se ha dado cuenta de eso tiene que venir a verlo
Ver cómo el artista de ahora toma riesgo porque se ha creado esa plataforma”.
¿Qué hace falta, para Oquet? “Hace falta que el que compra esté más de acuerdo con esto; que el país nos dé un poco más de respaldo, como la creación de becas y más premios, porque ayudan e incentivan”, concluye
El origen del Día Internacional de la Mujer Indígena se remonta al día 5 de septiembre de 1983, en el Segundo Encuentro de Organizaciones y Movimientos de América en Tihuanacu (Bolivia). Allí se instituyó este día en honor a Bartolina Sisa, valerosa mujer indígena aimara, quien por haberse opuesto a la dominación y la opresión de la conquista, fue brutalmente asesinada y descuartizada el 5 de septiembre de 1782.
Bartolina Sisa había nacido el 24 de agosto de 1753. Era una mujer dedicada a las labores de los telares, tejedora e hiladora. Se casó con el caudillo Túpac Katar y junto a él, organizó la resistencia indígena de los pueblos andinos.
En este día se hace homenaje a las miles de mujeres que como ella murieron en su lucha contra la discriminación y los abusos cometidos a lo largo de la historia.
Desde aquí queremos poner fin a esos abusos que de forma directa e indirecta siguen sufriendo las mujeres indígenas. El alto grado de analfabetismo que alcanza, el 26,7 % en Ecuador, nos habla de un abandono del Estado a este colectivo dejándolo a su suerte.
Queremos pedir atención para las jóvenes indígenas que se encuentran en un momento muy difícil de cambios sociales de los que ellas son víctimas directas desde muy niñas. Los matrimonios tempranos y el embarazo adolescente, normalizados por siglos, impiden que terminen su preparación educativa y las encaminan a la venta ambulante y a la pobreza para siempre, dejando en medio, desnutrición e inadecuado cuidado para sus pequeñas y pequeños.
La búsqueda de un futuro mejor para ellas y sus hijos e hijas les hace, a veces, apostar por nuevas relaciones que solo las dejan con más descendientes.
Su capacidad de trabajo y valentía es probada. Solo es preciso observarlas por las calles intentando sacar unos centavos con sus ventas, a cualquier hora, colgadas con sus criaturas. Su aporte a la sociedad con múltiples vástagos es claro.
Es hora de ponerlas en nuestro foco de cuidado y ayudarnos ayudándolas.
Nos sumamos al clamor que despide a Julieta, el amor que sembró florece y seguira floreciendo. Celebramos su vida, agradecemos su trabajo feminista y recordamos su libro de fotografia Mundo rural, gente, paisajes y detalles que nos muestra su visión del mundo.
Una estrella que dará luz por siempre
Julieta Bendaña Monterrey ( 9 de mayo de 1956 -21 de agosto de 2016) fue una destacada profesional en el campo social en Nicaragua, mucho antes de que terminara la carrera de Sociología en la Universidad Centroamericana (UCA). Trabajó en revistas emblemáticas como Enlace y La Boletina. Se conoce que se encontraba en Colombia en un seminario relacionado con su trabajo cuando falleció.
Su destacada labor en diversos proyectos del país hacen que su partida inesperada conmueva los corazones de quienes trabajaron a su lado. A través de esta nota el Servicio de Información Mesoamericano sobre Agricultura Sostenible (SIMAS) se une al dolor de su esposo José Manuel Fandiño; sus hijos Valentín, Roberto, Eva y José; y sus hermanos René, Chepita, Emilio, Alvaro, Aldo, Irene, Mario y Ricardo Bendaña Monterrey, y sus respectivas familias.
Siempre será recordada
Luego de que la noticia de la muerte de Julieta se diera a conocer, las redes sociales de diversos amigos y organizaciones que la conocieron estallaron en mensajes tanto para ella como sus familiares. A continuación compartimos algunos de los mensajes:
Falguni Guharay, compartió un hermoso pensamiento:
“Mientras que las olas seguirán llegando a la playa,
Mientras que las gaviotas seguirán volando sobre la oleadas
Mientras que el Tamarindo será la puerta entre nostros y el otro mundo
Julieta Bendaña, tu seguirás en nuestra corazón
Con tus luchas para abrir caminos para las mujeres”.
Sofía Montenegro expresó: “Se nos fue Julieta, la amabilidad hecha persona. Mis condolencias a su familia, a Puntos y a toda la tropa de mujeres que tuvimos el privilegio de conocerla y en particular, a sus amigas más cercanas por esta gran pérdida. Hasta siempre, Julieta Bendaña y gracias por tu vida. Te extrañaremos”.
Salvador Bustos dijo: “Transparente ...a 360 grados en derredor esférico, como hermana de todos y el horizonte y el cielo y la tierra... (y, tampoco vamos nadie a la universidad para saber la amistad o la confianza total mención nobleza y cariño, ...pero ella, de todo eso, es cátedra viva cotidiana y permanente)... preciosura de alma buena, extrañaremos tu imagen en ámbito terreno, pero en esencia (presencia brutal) no te vas, querida Julieta, aquí, más acá de lo que nos huesos y carne, para siempre, t.e. q.u.e.d·á·s. . .”
Sara Hernriquez, compartió: “Me quedo con los múltiples recuerdos de cuando estudiabas sociología en la UCA llevando muchas veces a tus niños, de tu actitud ligera y apurada para sacar esas lindas fotos de las mujeres en su vida cotidiana para la boletina, de tu amistad sincera a distancia, de tus saludos cariñosos en las múltiples marchas feministas con la camara a tuto, de tu amistad cercana y pura con amigas muy cercanas como Luz Castrillo, donde siempre estabas vos en nuestras platicas, de ser la primera en responder y prestarme el collar isabelino para mi perrita callejera "La Mariposa", de la última vez que te vi sonriente en metrocentro con tu hermana y otros familiares... Pues estaba en migración hoy en metrocentro, en el mismo lugar donde te vi por última vez, cuando recibí la noticia de tu partida. Querida te fuiste en tu día, en la conmemoración de los 177 años de la fotografía, parte de tu trabajo y tu pasión. Que tus lindos recuerdos sean la fortaleza para tus adorados hijos, hija, compañero y toda tu familia. Hasta siempre querida Julieta”.
Wendy Quintero -
Lola Ocón le escribio :
QUERIDA JULIETA, UN TRIBUTO A TU PARTIDA
La muerte es vida y la vida es muerte. No puede haber vida sin muerte, ni muerte sin vida. La relación biunívoca entre esos dos conceptos, entre esos dos estados de la energía convertida en materia, nos acompaña siempre desde que nacemos. Para muchos seres humanos de occidente, la muerte es un hecho desastroso; pensamos que es el fin de nuestra relación con la persona que se va, la ruptura de todos los signos de amor y de afecto, y el tránsito a lo desconocido. Pensamos que es como salir de un cuarto iluminado y agradable, cordial y familiar, donde estamos reunidos con nuestros seres queridos, y pasar a las noches frías y oscuras, solas, esperando lo que vendrá y sin ninguna seguridad.
Olvidamos que diariamente perdemos aproximadamente 50.000 neuronas al día, lo cual no nos hace más “tontas”, sino que las neuronas restantes construyen nuevas ramas de fibras y nuevas sinapsis entre ellas, de forma que reemplazan las pérdidas. Desconocemos que cada minuto que pasa, 300 millones de células mueren en nuestro cuerpo, lo cual no es mucho si contamos los billones y billones de células que poseemos y las miles de millones que producimos diariamente.
Olvidamos que todas las noches, durante las horas de sueño, morimos en lo que respecta al plano físico y vivimos y actuamos en otro lugar. Olvidamos también que con facilidad dejamos el cuerpo físico, y aunque no podamos conservar en la conciencia del cerebro, los recuerdos de esa muerte y el consiguiente intervalo de vida activa, no relacionamos la muerte con el sueño.
Cada vez que tocamos la muerte de un ser querido, nos entristecemos sin tener la meridiana conciencia de que fueron las neuronas y las células que componen el cuerpo físico de esa persona las que se murieron. Lo intangible, la no materia convertida en memoria del recuerdo de nuestras vivencias con ella, es la que vive, perdura y se engrandece con el tiempo. En nuestro caso, en el caso del paso trascendente de nuestra amada Julieta a la otra dimensión del plano astral, debemos ensanchar nuestros corazones con el noble sentimiento del agradecimiento por el legado que dejó ella en nuestras vidas.
Dice el Zorro a El principito en el libro de Antoine de Saint-Exupéry Solo se ve bien con el corazón, lo esencial es invisible a los ojos. Desde nuestro corazón, celebremos la vida de la Julieta, celebremos su compromiso, su alegría, su solidaridad, su sensibilidad, su sencillez, su acelere, su autenticidad, su lucha cotidiana en diferentes frentes de batalla como feminista, trabajadora, como amiga, como mama, como fotógrafa, como socióloga y comunicadora, como mujer aventada que todo lo sabía y lo podía, y si no, lo inventaba multiplicándose en mil todos los días, en su bicicleta, en su moto, en sus volskwagens, en todos sus trabajos.
Desde nuestro corazón agradecido, brindemos por el pase de su vida en el transcurrir de las nuestras, por el recuerdo que dejó, por la vivencia compartida como compañera de colegio, de trabajo, de lucha feminista, por las lecciones que nuestras almas han aprendido de la de ella.
Desde nuestro corazón agradecido, brindemos por su compromiso feminista que hizo de esta gran familia de mujeres, un transitar más tolerante, más tranquilo que el de muchas de nosotras, que nos enseñó a tener paciencia. Celebremos a la Julieta por haber conseguido la meta de juntarnos este día en un puro amor a ella y a su familia pequeña de sangre (Valentín, Roberto, Eva una y José Manuel), y a la nuestra, la grande, la que quiere transformar el mundo de injusticia y opresión en la que viven miles de mujeres.
Desde nuestro corazón agradecido, celebremos en el futuro a la Julieta cuando logramos un triunfo personal ante nuestras propias debilidades, cuando identifiquemos que el amor incondicional es un requisito de vida cotidiana, cuando la solidaridad se concreta en una llamada, en una palmada en el hombro, en un abrazo sororario, cuando la solidaridad se concreta en la generosidad con los más pobres, los más jodidos y excluidos, y abramos nuestro corazón y nuestra billetera, para contribuir con una causa justa.
Julieta querida, hoy nos hemos juntado para celebrar tu alegría, tus risas, tu sonrisas, tu disfrute al cantar y bailar lo gozaremos ahora que estamos juntas todas las personas que te amamos. Tu fortaleza y tesón nos acompañarán siempre.
Amiga querida, gracias por tu vida, la celebramos con agradecimiento y alegría. Viva la Vida, Viva la Julieta. Viva su vida. Viva el amor!!!!
EL ALZA EN LA MATERNIDAD REQUIERE DE UN COMPROMISO SOCIAL
Es vergonzoso que el gobierno italiano culpe a la mujer del problema de Estado de la falta de natalidad. No nos extraña. El alza en la maternidad requiere de un compromiso social. Los hijos no son solo de la madre y no se le pueden a ella sola cargar.
¿Qué ayudas proporciona Italia a sus mujeres? ¿Cómo trata a sus mujeres Italia?
Es evidente que en Francia, donde las ayudas a la maternidad son superiores hay más hijos. Está probado que las ayudas que se dieron en España por maternidad aumentaron el número de bebes nacidos.
Con una tasa de desempleo en el 42 por ciento para los Italianos edades entre 15 a 24, la escritor a Giulia Blasi señala que puede haber mejores maneras de conseguir ser creativo que dando a luz un niño que no puedne permitirse. Ella argumenta que los esfuerzos de Italia sería mejor encaminarlos en gastar para hacer más fácil a las mujeres el equilibrar la maternidad y el trabajo.
Desde este observatorio de la realidad patriarcal, donde recibimos alertas cada día sobre la mujer italiana, podemos decir que la situación de la mujer en Italia es terrible.
Ni la muerte de las mujeres es tomada en serio, ni hay asociaciones que trabajen en ella. Conocemos una y con poca actividad.
Hace mucho escribimos que las mujeres se ocupaban de resolver el problema de la falta de ayudas sociales en cuidados, que constituían los servicios sociales allí.
El machismo impera. Solo hay que ver los comentarios cuando una mujer se presentó para alcaldesa, pidiéndole que se quedara en casa cuidando de su maternidad
No sabemos qué fue de las mujeres de la librería de Milán, ni del affidamento , pareciera que las mujeres pasan por una fase de supervivencia bastante individualista, para superar un entorno terriblemente hostil como refleja esta publicidad. Esperamos que sirva esta campaña para que se fortalezcan y
unan y juntas plantemos cara a esta sociedad patriarcal .
Y como siempre es una ministra de quien se supone depende la campaña.
Carla Del Ponte (Lugano, Suiza, 9 de febrero de 1947) es una jurista suiza, exfiscal jefe del Tribunal de derecho penal internacional de las Naciones Unidas.
Estudió Derecho y empezó su carrera de abogada en un bufete matrimonialista. Después ejerció de magistrada, y más tarde fue fiscal y fiscal general de Suiza. Junto al juez italiano Giovanni Falcone destapó la denominada pizza connection, la relación entre el tráfico de drogas y el blanqueo de dinero en bancos suizos. En 1999 fue nombrada por la ONU fiscal jefe del Tribunal Penal Internacional de Ruanda y del de la Antigua Yugoslavia, desde donde persiguió a los criminales de guerra durante ocho años. Cambió la toga por la diplomacia y ahora es la embajadora de Suiza en Argentina.
De pequeña a Carla Del Ponte le gustaba ir a cazar serpientes con sus hermanos, víboras y otras culebras venenosas que después vendían a un laboratorio. El ser la única niña de cuatro hijos la obligó a luchar por ganarse un hueco dentro de los juegos de sus hermanos y por que ellos la aceptaran como a una igual. Ya de adulta, le esperaba otro tipo de caza casi tan peligrosa como la de las víboras: la de mafiosos, genocidas y criminales de guerra.
Aunque procedía de una familia acomodada, Carla Del Ponte tuvo que convencer a su padre para ir a la Universidad. Era una pérdida de tiempo y de dinero que su hija estudiase para terminar casándose y dedicarse a la familia. Su primer trabajo fue como abogada matrimonialista. Pero lo suyo no era defender. Le gustaba buscar la verdad. Como abogada no se sentía muy a gusto con su conciencia, pero en cuanto pasó a ser fiscal encontró su vocación y ya no paró.
En su persecución de la delincuencia se ha ganado todo tipo de apelativos. Ha sido “la nueva Gestapo” para los serbios, “la puta” para la mafia y un “misil sin guía” para los financieros suizos. Unos apelativos que explican hasta qué punto esta mujer ha irritado a los criminales que ha perseguido.
Su amigo y mentor, el juez italiano Giovanni Falcone, la definió como la “personificación de la testarudez”. Sólo una vez estuvo tentada de abandonarlo todo: precisamente cuando la mafia mató a Falcone, con quien había pasado muchas horas de trabajo para desentrañar las relaciones entre los traficantes de droga italianos y los bancos suizos que blanqueaban su dinero. “En aquel momento me di cuenta de la suerte que podían correr los que se atreviesen a luchar contra la impunidad de que gozan poderosos criminales y políticos y me dio miedo por mi hijo”, cuenta Carla Del Ponte. Falcone no se había rendido y ella decidió seguir investigando las cuentas de los mafiosos.
Desde su puesto de Fiscal General de Suiza se dedicó a combatir el blanqueo de dinero del crimen organizado y de los grandes delincuentes en los bancos suizos. Consiguió que el Parlamento aprobara una ley que convertía en delito el blanqueo de dinero y que castigaba a los banqueros que hicieran la vista gorda. Y con esa ley en la mano congeló las cuentas de personajes poderosos como Raúl Salinas, hermano del ex presidente de México Carlos Salinas de Gortari, que guardaba dinero procedente de la droga, o de la que fuera primera ministra de Pakistán, Benazir Bhutto, acusada en su país de corrupción. Carla dejó claro que no se casaba con los poderosos y que llevaba sus investigaciones hasta el final porque para ella la ley y la justicia eran una prioridad. En una ocasión le había contado a un periodista que le gustaría ser fiscal jefe del Tribunal Penal Internacional, pero cuando en el verano de 1999 recibió la llamada del Secretario General de Naciones Unidas, Kofi Annan, para que fuera a Nueva York, Carla Del Ponte no interrumpió sus vacaciones. No confiaba en que fuera a ser la elegida cuando su país no pertenecía ni a Naciones Unidas, ni a la OTAN, ni a la Unión Europea. Pero se equivocó y poco después se convertía en la fiscal jefe del Tribunal Penal Internacional para la Antigua Yugoslavia, para lo que sólo puso una condición: la independencia absoluta de la Fiscalía.
Su objetivo era “atrapar” a los responsables de las más terribles operaciones de limpieza étnica durante las guerras en la ex Yugoslavia, Sarajevo, Kosovo y, sobre todo, Srebrenica, donde los serbobosnios asesinaron a 7.500 musulmanes en lo que constituye la mayor matanza cometida en Europa tras la II Guerra Mundial. Y en lo alto de la pirámide, se encontraban tres nombres: Slobodan Milosevic, Radovan Karadzic y Ratko Mladic.
Sabía que no era una tarea fácil porque por medio estaban los intereses políticos. De hecho, Milosevic seguía en el poder en Serbia. “No había ninguna voluntad política ni en la comunidad internacional ni en el ámbito nacional de arrestar a Mladic y a Karadizic. Además hay que considerar que una parte de la sociedad les considera héroes y a los héroes no se les arresta”. Incluso llegó a criticar en público al Secretario General de la OTAN, George Roberston, por permitir que algunos personajes camparan a sus anchas por las zonas que controlaba la Alianza. Cuando al principio Del Ponte pedía la colaboración de la OTAN todo eran buenas palabras pero en realidad se encontraba con lo que ella llamaba “il muro di gomma”: los responsables de la Alianza no iban a hacer nada pero no lo parecía.
Pero ella seguía insistiendo. Sólo un año después de haber ocupado su cargo, consiguió arrestar y llevar a juicio a Slobodan Milosevic. Fue la primera vez en la historia que un Jefe de Estado fue acusado y juzgado por crímenes de guerra. Este juicio, dijo Del Ponte, es la demostración de que nadie está por encima de la ley o más allá del alcance de la justicia. “Quizá sea la primera vez que realmente siento que estoy haciendo algo constructivo por la sociedad. Podría llegar a ser posible acabar con la impunidad de los poderosos”. Carla está comprometida, además de con la justicia, con las víctimas. “Es una de mis mayores motivaciones”. Quería que se supiera la verdad para poder reparar en parte el daño que estas habían sufrido.
En sus ocho años al frente de la fiscalía del Tribunal Penal Internacional para la Antigua Yugoslavia arrestó a 91 fugitivos y procesó y condenó a 48 de ellos. Pero no terminó satisfecha. De su lista no pudo tachar los nombres de los dos criminales más sangrientos, Karadzic y Mladic, y el tercero, Milosevic, murió antes de oír su sentencia.
Ahora vive como embajadora suiza en el país de las Madres de la Plaza de Mayo, que, como ella, han luchado por la verdad y por que se hiciera justicia. Pero, como ya dijo cuando abandonó La Haya: “Me voy a tomar una pausa de tres años para estar de nuevo lista y volver a la justicia internacional”.
PAZ ALARCÓN
En octubre de 2008 se estrenó "La lista de Carla", película documental del director suizo Marcel Schüpbach que profundiza en las actuaciones de Del Ponte como fiscal jefe del TPIY y explica cómo funciona realmente la justicia internacional.
