Soledad Murillo socióloga feminista, investigadora y política española

Soledad Murillo de la Vega (Madrid, 21 de abril de 1956) es una socióloga feminista, investigadora y política española. especializada en estudios de género, políticas públicas e igualdad entre mujeres y hombres. Se formó en sociología en la Universidad Complutense de Madrid, donde también desarrolló una parte importante de su carrera académica como profesora e investigadora. Su trabajo universitario se ha centrado en el análisis de las desigualdades estructurales, la división sexual del trabajo, la conciliación entre la vida laboral y familiar y la construcción social de los roles de género.

Desde el ámbito académico, Soledad Murillo contribuyó de manera destacada a la introducción y consolidación de la perspectiva de género en la sociología española, especialmente durante las décadas de 1980 y 1990. Sus investigaciones y publicaciones abordaron cuestiones como el trabajo doméstico no remunerado, la corresponsabilidad y el impacto de las políticas públicas en la vida cotidiana de las mujeres. Estos estudios tuvieron influencia tanto en el debate académico como en el diseño de políticas de igualdad en España.

Su trayectoria se desarrolló también en el ámbito institucional y político. En 2004, con la llegada del primer gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero, fue nombrada secretaria general de Políticas de Igualdad, cargo desde el cual participó en la elaboración y puesta en marcha de algunas de las principales iniciativas legislativas en materia de igualdad, entre ellas medidas vinculadas a la Ley Orgánica para la Igualdad Efectiva de Mujeres y Hombres, aprobada en 2007. En este periodo trabajó en la incorporación transversal de la igualdad de género en la acción del Estado y en el fortalecimiento de los organismos públicos dedicados a estas políticas.

Posteriormente continuó alternando la actividad académica con responsabilidades públicas. En 2018 fue nombrada secretaria de Estado de Igualdad en el gobierno de Pedro Sánchez, cargo que desempeñó hasta 2020. Durante esta etapa intervino en el diseño y coordinación de políticas relacionadas con la igualdad de género, la lucha contra la discriminación y la prevención de la violencia machista, en un contexto de creciente debate social e institucional sobre estas cuestiones en España.

A lo largo de su carrera, Soledad Murillo de la Vega ha sido una figura relevante en la conexión entre producción académica y acción política, trasladando conceptos sociológicos al ámbito de la gestión pública. Aunque su trayectoria se caracteriza más por su influencia intelectual e institucional que por la obtención de premios individuales, su aportación ha sido clave en el desarrollo y consolidación de las políticas de igualdad en la España democrática contemporánea.

Impulsó el Seminario de Estudios de las Mujeres de la Universidad de Salamanca, más tarde Seminario de Estudios de la Mujer (SEM), entre 1997 y 2009, en que se disolvió y del que fue la primera presidenta.

El 30 de abril de 2004 fue nombrada secretaria general de Políticas de Igualdad​   desde donde impulsó la Ley contra la Violencia de Género y la Ley de Igualdad efectiva entre Hombres y Mujeres.​ 

En diciembre de 2008 fue nombrada directora de la Unidad de Igualdad de la Universidad de Salamanca.

De 2009 a 2013 formó parte del Comité CEDAW (Comité Antidiscriminación de la Mujer) de Naciones Unidas.

De 2011 a 2015 fue concejala del Ayuntamiento de Salamanca en la oposición por el PSOE.

Era profesora titular de la Departamento de Sociología y Comunicación en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Salamanca​ cuando en junio de 2018 fue designada Secretaria de Estado de Igualdad a propuesta de la vicepresidenta del Gobierno y ministra de la Presidencia, Relaciones con las Cortes e Igualdad, Carmen Calvo, en el gobierno de Pedro Sánchez.​

Murillo en diversas publicaciones denuncia la devaluación social del ámbito privado y doméstico pese a la cantidad de horas invertidas a la producción de bienes y servicios del hogar, así como a los cuidados de personas dependientes, que además exige la existencia de un sujeto responsable de su organización, generalmente una mujer.​ También la falta de privacidad y de "tiempo propio" de las mujeres que dedican la mayor parte de su tiempo a obligaciones familiares y de cuidado de las personas de su entorno.

En 2003 dirigió el estudio Ciudadanía activa: las Asociaciones de Mujeres en España, con la participación de 807 asociaciones de mujeres en el que se plantean las claves para avanzar hacia el diálogo civil entre los poderes públicos y las asociaciones que dan cuerpo a los movimientos sociales e identifica las debilidades y los retos de las propias asociaciones.​ En el mismo denuncia cómo los grupos de mujeres perciben el trato discriminatorio a que les someten los poderes públicos y como resultado consideran que es habitual que los partidos políticos no reconozcan los logros conseguidos por muy importantes que hayan sido o que hayan ayudado a crear bienestar social.

Cartel de presentación de su último libro 

Reconocimientos

2009 Premio Mujeres Progresistas, otorgado por la Federación de Mujeres Progresistas.

2011 Premio a la Libertad, otorgado por la Agrupación Socialista Bejarana.

2015 En  la quinta edición de los Premios Mujeres Constitucionales, otorgados por la Agrupación Socialista de Cádiz, recibió el premio especial 'La Pepa' .

2017 Premio Clara Campoamor, otorgado por el Club de las 25.

2017 I Premio Mujeres Progresistas de Retiro.

https://www.instagram.com/reel/DU_QIlbiESv/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ==

https://www.eldiario.es/autores/soledad_murillo_de_la_vega/

https://digitallibrary.un.org/record/630119/files/CEDAW_SP_2008_3-EN.

https://www.europapress.es/castilla-y-leon/noticia-soledad-murillo-menina-honor-ser-clave-crear-organismos-proteccion-contra-violencia-machista-20241115124348.html

https://www.marcialpons.es/noticias/552/

https://es.wikipedia.org/wiki/Soledad_Murillo

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Louise Pound folclorista, lingüista y galardonada deportista

Louise Pound (30 de junio de 1872 - 28 de junio de 1958) fue una folclorista, lingüista y profesora universitaria estadounidense en la Universidad de Nebraska. Pound fue la primera mujer elegida presidenta de la Asociación de Idiomas Modernos en 1955, y, ese mismo año, la primera mujer en convertirse en miembro del Salón de la Fama del Deporte de Nebraska.

Pound nació en Lincoln, Nebraska, hija de  Laura y Stephen Bosworth Pound. Fue su madre la que instruyó a Pound en varias disciplinas, junto a su hermano mayor, el profesor de derecho Roscoe Pound, y su hermana menor, Olivia Pound. Entre tales disciplinas cabe mencionar las ciencias naturales, las lenguas clásicas y modernas y la literatura.

Pound estudió en una escuela preparatoria, la Escuela Latina, en la Escuela de Bellas Artes, haciendo la transición en 1888 a la Universidad de Nebraska (BB 1892 y MA, 1895). Pound fue una estudiante activa durante toda la universidad. Junto con sus hermanos y su compañera Willa Cather, fue miembro de la Sociedad Literaria de la Unión Universitaria de la Universidad de Nebraska. Pound, oradora en los ejercicios diarios de clase de último año, hizo un discurso titulado "La apoteosis de lo común", disertación en la que planteaba la amenaza de la prosa sobre la poesía, o del tipo común, de la media sobre el individuo. Mientras estudiaba una maestría en la Universidad de Nebraska, Pound comenzó a enseñar al menos un curso de lengua anglosajona en el Departamento de Inglés. En noviembre de 1892, Pound, Olivia y Cather protagonizaron dos obras como parte del club de teatro universitario del sindicato: una, una farsa titulada The Fatal Pin; la otra, Shakespeare Up to Date, un esfuerzo creativo que desarrolla una trama de venganza de Julieta (Pound), Ofelia (Olivia) y Macbeth (Cather).

 En enero de 1895, justo antes de terminar su maestría, Pound publicó una historia corta en el Nebraska State Journal, titulada "By Homeopathic Treatment", en la que describía un intento de intervención sobre una joven socialmente consciente."By Homeopathic Treatment" fue seguido por otras obras como "Miss Adelaide and Miss Amy" y "The Passenger from Metropolis", ninguna de las cuales fue publicada.

Pound continuó sus estudios en la Universidad de Chicago y en la Universidad de Heidelberg, obteniendo su doctorado en estudios filológicos en 1900. Para entonces, había escrito "The Romaunt of the Rose : Additional Evidence that it is Chaucer's" (1896), un ensayo sobre el papel de Chaucer en la traducción al inglés de Le roman de la rose; había expuesto su artículo "English Pronunciation in Shakespeare's Time" en una reunión de estudiantes graduados, y presentó su artículo "La relación del fragmento de Finnsburg con el episodio de Finn en Beowulf" en la cuarta sesión de la División Central de la Asociación de Idiomas Modernos. 

Durante sus estudios filológicos en la Universidad de Chicago, también publicó "A List of Strong Verbs and Preterite Present Verbs in Anglo-Saxon" a través de University of Chicago Press, un folleto educativo destinado a ser utilizado en sus cursos en la Universidad de Nebraska. Pound completó su doctorado en Heidelberg en un año y se graduó magna cum laude. Su tesis se tituló La comparación de adjetivos en inglés en los siglos XV y XVI,

Poco después de obtener su doctorado,  Pound se convirtió en profesora adjunta de inglés en la Universidad de Nebraska, donde permanecería durante la mayor parte de su carrera.   Centró su trabajo en el folclore estadounidense y los estudios dialectales.

Louise Pound mantuvo una relación íntima con Ani Königsberger,  durante la que intercambiaron cartas de forma habitual durante más de medio siglo. Ani fue la "compañera más cercana" y la "amiga más íntima y duradera" de Pound. 

Algunos estudiosos sostienen que la amistad de Louise Pound y Willa Cather fue de hecho una relación lésbica. Los biógrafos de Willa Cather Phyllis C. Robinson y Sharon O'Brien argumentan que Pound era el objeto de deseo de Cather. Es cuestionable si la amistad ocupó o no un lugar igualmente notable en la vida de Louise Pound, y observan que "como mujer que disfrutaba de libertad de movimiento e independencia de pensamiento, Louise se habría sentido emocionalmente asfixiada por los intentos de seducción de Cather", lo cual fue un factor en poner fin a su amistad en 1894.

Pound  mantuvo una clara rivalidad con Mabel Lee, miembro de la facultad del departamento de educación física de la Universidad de Nebraska.​ Pound y Lee inicialmente tuvieron una relación cordial, pero los diferentes puntos de vista de ambas sobre el papel del atletismo (Pound apoyaba el atletismo como un área para la competición, sobre la cual Lee tenía sus  reservas) amargaron su relación.

Louise Pound murió en un hospital de Lincoln el 28 de junio de 1958 tras sufrir una trombosis coronaria. La enterraron en el cementerio de Wyuka.

Louise Pound fue una de las pioneras del estudio lingüístico del inglés americano. La mayoría de sus investigaciones y publicaciones fueron realizadas antes de la Segunda Guerra Mundial, una época en la que muchos estudiosos de la lingüística estaban interesados en investigar principalmente inglés británico y colonial. Pound, sin embargo, buscaba examinar las tendencias lingüísticas en el inglés estadounidense de su época, sobre todo en la acuñación de palabras y la semántica, los orígenes históricos de las pronunciaciones estadounidenses y las influencias mutuas de la literatura, el folclore, la cultura y el idioma estadounidenses.

Gran parte de la beca de Pound se centró en la identificación de tendencias en el lenguaje y el habla estadounidenses. Pound creó un corpus de eufemismos estadounidenses en relación con la muerte, explorando la incomodidad estadounidense con la realidad de la morbilidad. Además, al investigar la etimología de los nombres comerciales y la acuñación de palabras, Pound comprobó que la terminología comercial estadounidense se había vuelto voluble e ilimitada. Tal cambio en las marcas fue, para Pound, una clara ruptura con el conservadurismo y la monotonía del lenguaje comercial del pasado y demostraba que los estadounidenses estaban reclamando su propio lugar con la inventiva del lenguaje. Pound también describió varios casos en los que el inglés estadounidense se desviaba de las normas estándar en la pluralización de palabras prestadas del latín y griego. Ejemplos de tales divergencias son el uso de palabras en plural latino como palabras singulares americanas tales como curricula, data, alumni y syllabi; la creación de dobles plurales como insignias y stimulis; y la creación de plurales con -s a partir de singulares latinos como antennas, vertebras y emporiums.[19]​ Pound centró gran parte de su investigación lingüística en la etimología de las palabras de la jerga estadounidense (p. ej., darn "maldición"), así como en rastrear la evolución histórica de las idiosincrasias de la pronunciación estadounidense, como en la /n/ nasal secundaria en el inglés del medio oeste y de Nueva Inglaterra.

Además de la investigación lingüística del inglés estadounidense, Pound también fue una erudita de la literatura estadounidense temprana, sobre todo de Walt Whitman. No sorprende que Pound, que desafió las normas lingüísticas estadounidenses al estudiar el inglés estadounidense contemporáneo, escribiera prolíficamente sobre el uso poco ortodoxo del lenguaje de Whitman. Al escribir sobre las influencias de Whitman en su trabajo, Pound identifica influencias y matices no británicos específicos en la escritura de Whitman.

Pound, residente de toda la vida de Nebraska, usó el rico folclore y el dialecto de su región para guiar gran parte de su investigación. Fiel a la forma característica de su investigación, Pound busca hacer una crónica de las características que distinguen el folclore estadounidense del tradicional británico, así como calificar los rasgos que diferencian al folclore de Nebraska del de otras regiones de América. A través de entrevistas con un grupo demográfico diverso de residentes de Nebraska, Pound creó un corpus de la tradición de Nebraska sobre serpientes, cuevas y agua que llora. Cada conjunto de conocimientos recopilados por Pound se examina a través de lentes históricos, culturales y lingüísticos.

HL Mencken describía a Louise Pound como "poniendo las bases para el estudio del inglés americano". Los dos pasaron treinta años manteniendo correspondencia sobre sus intereses en la producción de investigaciones que destacaran las diferencias entre el inglés estadounidense y el inglés británico, un concepto que no era popular en ese momento.​ Uno de los estudios más notables de Pound fue su antología histórica sobre baladas que desafiaba las suposiciones escolásticas sobre las baladas como algo primitivo. Pound describía la naturaleza poética histórica de las baladas y afirmaba que son representaciones comunitarias de la cultura contemporánea que continúan evolucionando a perpetuidad en el suroeste de Estados Unidos y las culturas indígenas.​ A lo largo de su vida, Pound compuso muchas antologías sobre las influencias poéticas e históricas de las baladas estadounidenses.

Como atleta Pound ingresó y ganó el Campeonato de tenis de la ciudad de Lincoln en 1890 y continuó su carrera de tenis compitiendo contra hombres por el título de la Universidad de Nebraska en 1891 y 1892; ganando los dos años. A los 18 años, Pound compitió y ganó el Campeonato de Tenis del Oeste Femenino en 1897. Pound no solo fue la primera y única mujer en la historia de la escuela en obtener una insignia universitaria masculina, sino que también fue calificada como la mejor jugadora del país mientras trabajaba en su doctorado en la Universidad de Heidelberg. Muy pocas veces las habilidades de tenis de Pound se quedaron cortas. Sin embargo, en el Ladies' Western Tennis Championship celebrado en Chicago, Illinois, fue derrotada jugando contra la tres veces campeona individual del US Open, Juliette Atkinson.​ Pound no solo jugaba al tenis, sino que también mostró interés en el golf y ganó el campeonato estatal de golf en 1916.

Pound era una atleta versátil que mostró interés en patinaje artístico, ganó una medalla de ciclismo de 100 millas en 1906, le presentó el esquí a Lincoln y fue capitana del equipo de baloncesto de su escuela. Jugó de centro en su primer partido de baloncesto femenino en 1898 y siguió involucrada en el baloncesto dirigiendo el equipo de baloncesto femenino de la universidad.​ Pound es también la única mujer en la historia en haber sido incluida en el Salón de la Fama del Deporte de la Universidad de Nebraska, en 1955.​

Pound continuó su carrera en el tenis jugando dobles con Carrie Neely, a la edad de 43 años, y ganando los campeonatos de dobles del Oeste y del Centro Oeste de 1915. En 1926, a los 54 años, Pound ganó el campeonato de la ciudad de Lincoln, siendo la primera campeona de golf estatal femenina.​

Reconocimientos 

Pound fue miembro de varias sociedades profesionales. En 1905, Pound fue campeona de la Orden de la Máscara Negra, sociedad de honor de mujeres mayores, que se convirtió en un capítulo de Mortar Board National College Senior Honor Society en 1920. Pound se convirtió en miembro de Mortar Board ese año.

Fue presidenta de la American Folklore Society (1928)

Fue la primera mujer en ocupar el cargo de presidenta de la Modern Language Association (1954-1955), habiendo sido anteriormente su vicepresidenta (1916) y miembro del consejo ejecutivo (1925-1926).

Fue miembro del consejo (1915–19) y tesorera (1917) del Consejo Nacional de Profesores de Inglés.

Fue miembro fundadora de la Sociedad Lingüística de América (LSA) en 1925. También fue la primera mujer en publicar un artículo en la revista de la sociedad, Language (Pound 1927). Y fue la primera mujer elegida Vicepresidenta de la LSA, en 1939.

En 1925, junto a Kemp Malone y Arthur Garfield Kennedy, fundó la revista American Speech "para publicar información sobre el inglés en Estados Unidos de una forma atractiva para los lectores en general".[29]​ American Speech se publica en nombre de la American Dialect Society. Pound fue la primera mujer presidenta de la sociedad entre 1938 y 1941.

Pound fue directora de Nebraska (1906-1908) y luego vicepresidenta nacional de la Asociación Estadounidense de Mujeres Universitarias desde la década de 1930 hasta 1944.

Se desarrolló una beca póstuma a partir de las propiedades de Roscoe y Olivia Pound a nombre de Louise Pound. La beca, administrada por la AAUW, otorga estipendios anuales a mujeres estudiantes internacionales.

https://www.instagram.com/p/DRS1QqWDKGm/

https://es.wikipedia.org/wiki/Louise_Pound

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Rosa Manzano política

Rosa de Lima Manzano Gete (Villanueva de Gumiel, Burgos, 25 de julio de 1949 - Sierra de La Cabrera, Madrid, 30 de junio de 1988) fue una dirigente política española, miembro del Partido Socialista Obrero Español y Directora General de Tráfico desde 1987 hasta su muerte en un accidente de helicóptero.

Nacida en la localidad burgalesa de Villanueva de Gumiel el 25 de julio de 1949, se licenció en Derecho por la Universidad de Deusto en 1975. Tras ejercer la abogacía ingresó en el cuerpo de letrados de la Administración Institucional de Servicios Socioprofesionales (AISS), trabajando en Aranda de Duero y en el Gobierno Civil de Burgos.

En las elecciones municipales de 1979 resultó elegida concejala del Ayuntamiento de Burgos,​ dentro de la candidatura del PSOE. En diciembre de 1982, tras las elecciones generales de 1982, fue nombrada Gobernadora Civil de Palencia donde permaneció durante casi cinco años. Fue la primera mujer que ocupó ese cargo en España. Posteriormente, en noviembre del año 1987 fue nombrada Directora General de Tráfico en sustitución de David León Blanco, siendo también la primera mujer en ocupar dicho cargo.

Falleció a los 38 años en accidente de helicóptero el 30 de junio de 1988 al estrellarse el aparato en el que viajaba en la Sierra de La Cabrera (Madrid), en la falda del pico Cancho Gordo, entre los términos municipales de La Cabrera y Valdemanco, a unos 70 km de la ciudad de Madrid. Manzano se dirigía a Aguilar de Campoo, Palencia, a la inauguración del Centro y Fundación de Estudios del Románico en el Monasterio de Santa María la Real. Iba acompañada del periodista y crítico de arte Santiago Amón, y del diputado por Palencia Alberto Acítores Balbás; además de los pilotos Santiago Aizpurúa y Manuel Moratilla. Todos perecieron en el accidente.

Vida personal

Se casó con el abogado Pedro Torres, del que se divorció posteriormente, y con el que tuvo tres hijos​

Reconocimientos

Entrada a la moderna estación de ferrocarril (Burgos)

Estación de Burgos Rosa Manzano

Calle Rosa de Lima Manzano Gete en Villanueva de Gumiel

Desde 1990 la Secretaría de Igualdad del PSOE concede cada año los Premios Rosa de Lima Manzano, que reconocen la labor de aquellas personas, organizaciones y colectivos que a través de su compromiso político y social, defiendan el valor de la igualdad entre hombres y mujeres.

En Aranda de Duero existe una asociación de mujeres que agrupa a la sección femenina del Partido Socialista Obrero Español y que lleva el nombre de esta dirigente política.

En Burgos, la estación de tren lleva su nombre, aunque durante doce años solo con su nombre de pila, Rosa de Lima, por lo que realmente no se sabía si es un homenaje a la política o a la santa.​ En febrero de 2021 ADIF informó que se iba a cambiar el nombre de la estación, pasándose a llamar Rosa Manzano, nombre por el que se la conocía, si bien no fue hasta el 14 de noviembre de 2021 cuando cambió oficialmente su nombre.

La sala de conferencias de la sede de la Dirección General de Tráfico en Madrid lleva su nombre.

En su pueblo natal, Villanueva de Gumiel ( Burgos), tiene dedicada una calle con su nombre. Fue inaugurada el 10 de octubre de 1983 con la presencia de la propia homenajeada.

https://www.meryvarona.es/rosa-manzano-abriendo-camino/

https://es.wikipedia.org/wiki/Rosa_Manzano

https://www.diariopalentino.es/noticia/z7c3895f9-926f-3534-0d42938494772e8f/202202/rosa-manzano-la-que-abrio-las-puertas

https://www.burgosconecta.es/sociedad/rosa-lima-manzano-20211117145607-nt.html

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Jean Shinoda Bolen doctora en medicina, psiquiatra y escritora

Jean Shinoda Bolen (29 de junio de 1936, en Estados Unidos) es doctora en medicina, psiquiatra, analista junguiana, así como escritora y conferenciante internacionalmente conocida que extrae fuentes de experiencia de la espiritualidad, el feminismo, la psicología analítica, la medicina y lo personal.

Es Distinguished Life Fellow de la American Psychiatric Association y antigua profesora de psiquiatría clínica en la Universidad de California en San Francisco, así como antiguo miembro de la junta de la Ms. Foundation for Women y de la International Transpersonal Association. Recibió el Pioneers in Art, Science, and the Soul of Healing Award del Institute for Health and Healings, y es diplomada por el American Board of Psychiatry and Neurology.​

Apareció en dos aclamados documentales, la cinta de antiproliferación nuclear ganadora del premio de la academia Women—For America, For the World, y Goddess Remembered de la National Film Board of Canada.​

Obra

The Tao of Psychology: Synchronicity and the Self (1979, 1982) ed.

Goddesses in Everywoman: A New Psychology of Women (1984)

Gods in Everyman: A New Psychology of Men's Lives and Loves (1989)

The Ring of Power: Symbols and Themes in Wagner's Ring Cycle and in Us (1992)

Crossing to Avalon: A Woman's Midlife Pilgrimage (1994)

Close to the Bone: Life-Threatening Illness and the Search for Meaning (1996)

The Millionth Circle: How to Change Ourselves and the World (1999)

Goddesses in Older Women: Archetypes in Women over Fifty (2001)

Crones Don't Whine (2003). 

Urgent Message from Mother: Gather the Women, Save the World (2005), 2nd ed. (2008).

Like a Tree: How Trees, Women, and Tree People Can Save the Planet (2011). 

Moving Toward the Millionth Circle: Energizing the Global Women's Movement (2013). 

Artemis: The Indomitable Spirit in Everywoman (2014).

https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Shinoda_Bolen

www.jeanbolen.com 

https://www.amazon.es/Las-diosas-cada-mujer-psicolog%C3%ADa/dp/849908768X/ref=asc_df_849908768X?mcid=c770167d78503728b47764f4c571e9a5&tag=googshopes-21&linkCode=df0&hvadid=699804875473&hvpos=&hvnetw=g&hvrand=5410141466863053587&hvpone=&hvptwo=&hvqmt=&hvdev=c&hvdvcmdl=&hvlocint=&hvlocphy=9198742&hvtargid=pla-471794978845&psc=1&gad_source=1

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Bela Ajmadúlina poeta y traductora rusa

Isabella "Bela" Ajátovna Ajmadúlina (ruso: Белла (Изабелла) Ахатовна Ахмадулина) (Moscú, 10 de abril de 1937 - Ibidem, 29 de noviembre de 2010) fue una destacada poeta y traductora rusa moderna. Según Joseph Brodsky, fue la mejor poeta viva en ruso.

Fue la única hija de un padre tártaro y una madre italiana. Comenzó a escribir versos en su infancia. Inició su carrera literaria durante su época estudiantil, colaborando como periodista en el periódico moscovita Metrostróevets, al mismo tiempo que desarrollaba sus aptitudes poéticas en el círculo del poeta Yevgueni Vinokúrov. Publicó sus primeros poemas en 1954. Se graduó en el Instituto Literario (Moscú) en 1960.

Apoyó el movimiento de disidentes y defendió a Andréi Sájarov, Lev Kópelev y Alexandr Solzhenitsyn.

Se casó en tres ocasiones: con el poeta Yevgueni Yevtushenko en 1954, con Yuri Naguibin, en 1960, y con el famoso artista ruso Borís Messerer, en 1970.​

La novia

Quiero ser una novia

hermosa, peinada,

bajo un velo tímido

y blanco.

Para que tiemblen las manos

llenas de alhajas frías

y las copas se alcen

por la salud de los jóvenes.

Para que me halaguen

y profeticen hijos,

y los amigos con los regalos

esperen avergonzados en la puerta.

Blusas envueltas en celofán,

platos, encaje...

Para que me besen en la mejilla

mientras no soy esposa.

Con el vestido blanco

salpicado con vino,

sintiéndome pobre y feliz

sentada en la mesa.

Lo que vendrá

da miedo y seduce,

llora mi mamita,

basta mamá.

Mi ropa majestuosa

tirada en la cama.

Es bueno que tenga miedo

de besarte.

Escucho el ruido de sillas

al lado, detrás de la pared...

Y me pregunto

qué nos espera.

***

Bela Ajmadúlina (Moscú, 1937-2010)

Versiones de Natalia Litvinova

Obra

Su poesía lírica es lo mejor de su obra, que se caracteriza por su intenso lirismo de sus versos, refinamiento formal e intercomunicación con la tradición poética del pasado.

En la evolución poética de Ajmadúlina pueden distinguirse tres épocas:

En su primera etapa, desde 1955 a 1963, destaca su libro La cuerda (Струна, 1962), en el que sobresale el poema "Mi genealogía" (Моя родословная).

Una segunda época, de 1963 a 1979, en la considera nueva ola literaria rusa, en la que publica varios libros de poemas: Escalofrío (Озноб, Fráncfort, 1968), Lecciones de música (Уроки музыки, 1969), Versos (Стихи, 1975), La vela (Свеча, 1977), Sueños de Georgia (Сны о Грузии, 1977, 1979), Ventisca (Метель, 1977); y prosa publicada en la miscelánea literaria “MetrOpol” (Muchos perros y un perro (Много собак и собака, 1980))

Su tercera etapa poética, desde 1979 hasta 2010, incluye los libros de poemas Misterio (Тайна, 1983), El jardín (Сад, 1987) (Premio Estatal de la URSS, 1989), Versos (Стихотворения, 1988), Obras escogidas (Избранное, 1988), Versos (Стихи, 1988), Litoral (Побережье, 1991), Cofrecito y clave (Ларец и ключ, 1994), Ruido de silencio (Шум тишины, Jerusalén, 1995), Fila de piedras (Гряда камней, 1995), Justamente mis versos (Самые мои стихи, 1995), El sonido mostrador (Звук указующий, 1995), Un día de diciembre (Однажды в декабре, 1996), Contemplación de bolita de vidrio (Созерцание стеклянного шарика, 1997), Obras completas en tres volúmenes (Собрание сочинений в трех томах, 1997), Instante de existencia (Миг бытия, 1997), Lo imprevisto (Нечаяние, versos y diario, 1996-1999), Al lado de árbol de Año Nuevo (Возле елки, 1999), Rasgos hermosos de mis amigos (Друзей моих прекрасные черты, 2000), Versos. Ensayos (Стихотворения. Эссе, 2000), Espejo. Siglo XX (Зеркало. ХХ век - versos, poemas, traducciones, cuentos, ensayos, discursos, 2000).

Publicó 33 poemarios, escribió crónicas y ensayos sobre Vladimir Nabokov, Anna Ajmátova, Marina Tsvetáyeva, Venedikt Yeroféyev, Aleksandr Tvardovski, Pável Antokolski, Vladímir Vysotski y otros artistas.

Tradujo a muchos poetas clásicos y modernos de la ex URSS (georgianos, armenios, abjasios), y también a poetas europeos y estadounidenses, de idiomas como el inglés, el francés, el italiano, el polaco, el checo y el serbio, por su trabajo en las traducciones recibió muchos elogios.

La poesía de Ajmadúlina es bien conocida en el mundo entero puesto que sus libros fueron traducidos a muchas lenguas, entre ellas el inglés (Fever and Other New Poems, Nueva York, 1969; The Garden, Nueva York, 1990), el alemán (Musikstunden, Berlín, 1974; Das Gerausch des Verlusts, Leipzig, 1995), el italiano (Tenerezza, Parma, 1971; Poesie scelte, Roma, 1993; Poesie, Milano, Spiralli, 1998), el francés, el serbio, el checo, el eslovaco, el polaco, el hebreo, el búlgaro, el danés, el letón, el estonio, el georgiano, el armenio, el moldavo, el rumano, el kurdo, el árabe y el japonés.

Algunas de sus poesías se convirtieron en canciones que fueron interpretadas en varias películas soviéticas.​

Se desempeñó como secretaría de la secretaría de la Unión Soviética de Escritores, en 1977 Bella Ajmadúlina fue elegida miembro honorario de la Academia estadounidense de las Artes y las Letras.

Falleció por una enfermedad cardíaca el 29 de noviembre de 2010 en Moscú.​

En antologías

1965: Poesía soviética rusa (traducción Nicanor Parra)

Reconocimientos 

Premio Estatal de la URSS (1989)

Nosside (Italia, 1994)

Premio "Triunfo" (Rusia, 1994)

Premio Pushkin. Fundación Alfred Toepfer (1994)

Premio Brianza (Italia, 1998)

Premio Presidencial (Rusia, 1998)

Premio Bulat Okudzhava (Rusia, 2003)

Premio Estatal de Rusia (2004).

Fue galardonada con tres órdenes estatales de Rusia por sus servicios a la patria y a las relaciones internacionales en la esfera de la literatura y la cultura (propietaria de la orden «Por los servicios a la patria» de segunda y tercera clase».

https://www.zendalibros.com/5-poemas-de-bella-ajmadulina/

https://es.wikipedia.org/wiki/Bela_Ajmad%C3%BAlina

https://www.facebook.com/100089659280481/posts/el-10-de-abril-de-1937-naci%C3%B3-en-mosc%C3%BA-bela-ajmad%C3%BAlina-una-de-las-voces-po%C3%A9ticas-/624114190587218/

https://www.epdlp.com/escritor.php?id=7942

https://www.escritores.org/recursos-para-escritores/recursos-2/articulos-de-interes/31595-grandes-escritoras-universales-xciv

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Taty Almeida docente y madre de la Plaza de Mayo

Lidia Stella Mercedes Miy Uranga (Belgrano, Ciudad de Buenos Aires; 28 de junio de 1930-14 de junio de 2026), más conocida como Taty Almeida, es una docente y activista argentina por los derechos humanos que integra de la ONG Madres de Plaza de Mayo Línea Fundadora.

Nació en el barrio de Belgrano. Su madre fue Alicia Urangapadre,  y su padre Carlos Vidal Miy, fue un oficial de Caballería . 

Su infancia transcurrió en la provincia de Mendoza y la de Buenos Aires. Estudió magisterio en la Escuela Normal Superior N° 7 del barrio porteño de Almagro. Ejerció la docencia algunos años.

Contrajo matrimonio con un compañero del magisterio en 1953. Taty y Jorge Almeida tuvieron tres hijos: Jorge, Alejandro y Fabiana.[4]

Su hijo Alejandro Almeida, quien militaba en el ERP-22 de Agosto,fue secuestrado a los 20 años, el 17 de junio de 1975, por la organización paramilitar de derecha Triple A, permaneciendo desaparecido desde ese momento.Por ese motivo, a partir de 1979, se incorporó a Madres de Plaza de Mayo.Cuando en 1986 se produjo la división de esta entidad, pasó a la escindida Asociación Madres de Plaza de Mayo Línea Fundadora. Como parte de ese colectivo dio entrevistas, charlas, conferencias, asistió a eventos de diversa índole, siempre en apoyo de causas relacionadas con los derechos humanos.

Reconocimientos

En el año 2015 fue instalado un retrato suyo en la exposición permanente del Museo del Bicentenario ubicado detrás de la Casa Rosada.

Su hijo Alejandro cursaba, al momento de su desaparición, el 17 de junio de 1975, su primer año en la carrera de Medicina en la Universidad de Buenos Aires y era empleado público en la agencia estatal de noticias TELAM. Su madre siempre afirmó haber desconocido el compromiso guerrillero de su hijo hasta que, buscando entre sus papeles, descubrió una agenda que revelaba detalles de su militancia activa en el ERP. Tras la división producida en esa fuerza guerrillera en ocasión de las elecciones de 1973, quedó dentro del ERP-22 de agosto, la fracción que apoyaba electoralmente al FREJULI y que en 1974 se adjudicó los asesinatos de los dos principales académicos del nacionalismo católico en la Argentina, Jordán Bruno Genta y Carlos Alberto Sacheri. En esta misma agenda, encontró veinticuatro poemas que en el año 2008 Taty publicó en forma de libro bajo el título "Alejandro, por siempre amor"

. En 2010 se editó un CD en el que estos poemas son recitados por actores y músicos .Alejandro forma parte de los 2000 detenidos desaparecidos antes del inicio del gobierno militar, víctima de la Triple A. Esto llevó a su madre a hacer hincapié en este hecho: “Hay que recordar y remarcar que ese horror del terrorismo desde el Estado no empieza en el ‘76 sino en un gobierno constitucional aunque, yo digo, no democrático. Dado que entre el ‘74 y el ‘75 hay 2 mil detenidos desaparecidos y asesinados; y de los 600 centros clandestinos que hubo en dictadura, 3 ya funcionaban en 1975. Obviamente que después del golpe ya es un plan perfectamente organizado". 

Reconocimientos

Taty Almeida junto a Víctor Santa María en el Ex CCK durante la entrega de los Premios Democracia 2015.

Personalidad destacada, de la ciudad en el ámbito de los derechos humanos (2011), Legislatura de la C.A.B.A.

Visitante Ilustre de la Ciudad de San Martín de los Andes (2014), Concejo Deliberante de San Martín de los Andes.

Premio de Honor en la entrega de los Premios Democracia 2015, galardón impulsado por el Centro Cultural Caras y Caretas

Visitante Ilustre (2016), Facultad de Derecho de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora.[

Visitante Distinguida (2017), Universidad Nacional del Sur.

Doctora Honoris Causa (2017), Universidad Nacional de Córdoba.

Visitante Ilustre (2017), Universidad Nacional de San Juan.

Visitante Ilustre (2018), Villa Gesell.

Visitante Ilustre del Municipio de Almirante Brown (2018), Honorable Concejo Deliberante de Almirante Brown.

Premio Alicia Oliveira (2018) por la promoción y tutela de los Derechos Humanos, Defensoría del Pueblo de la Ciudad de Buenos Aires.

Visitante Notable del Partido de General Alvarado (2018), Concejo Deliberante de General Alvarado.[

Reconocimiento “Mauricio Amílcar López” (2018), CONADU.

Doctora Honoris Causa (2019), UNA (Universidad Nacional de las Artes).

Profesora Honoraria (2019), Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Jujuy.

Doctora Honoris Causa (2019), Universidad Nacional de Tierra del Fuego.

Premio Dignidad (2019) a las mujeres que luchan por la igualdad de géneros y los derechos humanos, Asamblea Permanente por los Derechos Humanos.

Llevan su nombre

La "Placita de las Infancias Taty Almeida" del Campus Río Grande, Universidad Nacional de Tierra del Fuego.

La "Terraza Taty Almeida" de la Escuela Normal Superior N.º 7 José María Torres, CABA.

https://www.facebook.com/reel/2000536260818891

https://es.wikipedia.org/wiki/Taty_Almeida

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Bertha Worms pintora franco-brasileña

Bertha Worms - Auto-retrato 1893

Anna Clémence Bertha Abraham Worms (26 de febrero de 1868 - 27 de junio de 1937) fue una profesora de arte y pintora de escenas de género y retratos brasileña nacida en Francia .

 Berta nació en Uckange, en la región francesa de Mosela, en una familia judía. A los trece años comenzó a pintar y se matriculó en la École des Beaux-Arts de París . A los diecisiete años obtuvo el título de profesora de dibujo en el Ministerio de Instrucción Pública y enseñó en las escuelas comunales.

En 1892 se casó con Fernando Samuel Worms, un cirujano dentista brasileño . Ella lo acompañó cuando regresó a Brasil y vivió en el sur del país durante dos años. En 1894 se instalaron en São Paulo , donde ella estableció un curso de dibujo y pintura; organizando exposiciones anuales para sus alumnos.

En 1895, tuvo una importante exposición en el Salão Nacional de Belas Artes de Río de Janeiro , ganando una medalla de oro. En 1911 participó de la primera Exposição Brasileira de Belas Artes, realizada en la Escuela de Artes y Oficios de São Paulo , aportando tres obras. En 1922 presentó varias obras en la Comemorativa do Centenário da Independência, celebrada en el Palácio das Indústrias de São Paulo. Al año siguiente, realizó una exposición conjunta con su hijo, el pintor y escultor Gastão Worms  .

Se destacó en el retrato captando características psicológicas de sus personajes. En sus pinceladas destacaban los trazos amplios, que buscaban precisión y una expresión clara en sus pinturas, en las que prefería usar colores en tonos de amarillo, ocre y marrón

Murió el 27 de junio de 1937 en São Paulo.

Canción sentimental, 1904

https://en.wikipedia.org/wiki/Bertha_Worms

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/08/pintores-brasilenos-bertha-worms.html

https://pt.wikipedia.org/wiki/Lista_de_pinturas_de_Bertha_Worms

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Rosario Cabrera artista mexicana

Rosario Cabrera López (Ciudad de México, 5 de junio de 1901- Progreso, Yucatán, 30 de diciembre de 1975).​ fue una artista moderna mexicana que vivió a principios del siglo xx.

Ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1916, donde estudió con los pintores Saturnino Herrán, Leandro Izaguirre, Germán Gedovius y al escultor Arnulfo Domínguez Bello, entre otros. En diciembre de 1920 participó en la exposición anual de su escuela y el pintor Carlos Mérida comentó sobre su obra: “es digno de mencionarse el envío de la señorita Rosario Cabrera, consistente en varios retratos, que acusan a un temperamento, y algunos paisajes de los cuales uno malo, el del claustro de color sucio y de pobre factura, y el otro —un apunte— bello de color y atrevida factura”.​ Un año después tuvo su primera muestra individual en la misma institución, donde presentó alrededor de cincuenta obras. En 1924 asistió al Ex Convento de Churubusco, que posteriormente se convertiría en una de las Escuelas de Pintura al Aire Libre (EPAL). De noviembre de 1924 a enero de 1927 vivió en Europa, becada por la Secretaría de Educación Pública, y presentó una exhibición individual en París entre 1925 y 1926. A su regreso a México entabló amistad con el pintor Alfredo Ramos Martínez, fundador de las EPAL, y otros pintores que como ella se convertirían en maestros de estas escuelas.​

A finales de la década de 1920, las EPAL estaban siendo cuestionadas sobre sus propósitos y vigencia, y Rosario Cabrera fue una de las artistas que asumió su defensa, convirtiéndose en la primera —y única— pintora que dirigió dos de estas escuelas. Tras el cierre definitivo de las EPAL, se concentró en la enseñanza de pintura y dibujo en escuelas primarias.

En la obra de Cabrera destacan sobre todo los retratos y paisajes. En los primeros se denota su sensibilidad, pues capturan el carácter de sus modelos y fungen como testimonio de quienes ocuparon un lugar importante en su vida, hombres y mujeres que posteriormente se convirtieron en artistas notables: Fernando Leal, Julio Castellanos, Gabriel Fernández Ledesma y Nahui Ollin, o amigos como Lupe Marín y Mirella Asúnsolo, entre otros. Ejecutados con mano segura, sus retratos reflejan un gran conocimiento de la proporción y por ende, de la anatomía, habilidad que por supuesto, también es evidente en sus esculturas, donde dichos conocimientos fueron aplicados en volumen con gran Maestría por Cabrera.

En cuanto a sus obras de paisaje, en las que no sólo representa la vegetación del lugar sino que además aparecen casas, destacan La nopalera, Paisaje y Casa de Los Reyes, Coyoacán, las tres pintadas en 1928 y la Casa Roja, pintada en 1926 durante su estancia en Europa. Todas estas obras, pertenecen a la Colección Andrés Blaisten en México, quien además resguarda grabados de la artista hechos en madera de pie y madera de hilo.

El Museo de Mujeres Mexicanas Artistas, fundado en 2008, la nombró “La primera gran pintora mexicana del siglo XX”. Murió en Progreso, Yucatán, México, el 30 de diciembre de 1975.

https://es.wikipedia.org/wiki/Rosario_Cabrera

https://museoblaisten.com/Artista/78/Rosario-Cabrera

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2014/01/pintores-mexicanos-rosario-cabrera.html

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Carmen G. Pérez-Neu pintora

 

Carmen G. Pérez-Neu: apuntes biográficos

 

Carmen G. Pérez-Neu [fig. 1 y fig. 2] nació el 31 de diciembre de 1919 en Ribadavia (Ourense), en el seno de una familia acomodada. Recibió formación artística gracias a profesores particulares, que le inculcaron el hábito del dibujo, como era habitual desde el siglo xix en las familias burguesas. Según relatan Juan Carlos Villacorta y ella misma en algunas entrevistas, con siete años empezó a enviar dibujos a la sección infantil de la revista ilustrada Blanco y Negro, titulada “Gente menuda”. Cursó estudios de Comercio en el Colegio de San José de Cluny en Vigo y un curso de enfermería por deseo de su familia, pero continuó formándose en dibujo y pintura.

Fig. 1.  Retrato fotográfico de Carmen Gómez Pérez-Neu. AGA: IDD (03)088.000, Medios de Comunicación Social del Estado: Archivo Fotográfico de la Prensa del Movimiento: Colección Biografías, caja F/03680, sobre 29.

Fig. 2.  Autorretrato a dibujo de Carmen Gómez Pérez-Neu. AGA: IDD (03)088.000, Medios de Comunicación Social del Estado: Archivo Fotográfico de la Prensa del Movimiento: Colección Biogra F/03680, sobre 29.

Tras la guerra civil, se trasladó a Madrid persiguiendo su vocación artística y consiguió permiso para copiar en el Museo Nacional del Prado. Su billete tenía el número 375 y estaba fechado el 4 de febrero de 1943. 1 Suponemos que el traslado a Madrid no fue definitivo, y que volvió a Ribadavia unos años hasta que en 1963, probablemente, fijó su residencia en Madrid.2 En cualquier caso, durante su primera estancia en Madrid completó su formación con los pintores Eduardo Chicharro y Enrique Martínez Cubells e inició su andadura hacia la profesionalización en el sistema artístico. Ilustró libros y relatos cortos de Juan Carlos Villacorta3 y pintó numerosas obras de índole figurativa, en ocasiones, próximas a un realismo mágico, que la prensa catalogaba de “naif”.4 En varias entrevistas se pronunció sobre su opinión respecto a la pintura “moderna”, que en los años cincuenta y sesenta para la prensa general era casi sinónimo de “abstracta”. En algunas entrevistas afirma respetar a los pintores abstractos, siempre y cuando estos tengan formación y no estén motivados exclusivamente por “sumarse a una moda”, aunque considera que no sería propio de ella dar el salto a la abstracción.5 En otras ocasiones resulta más tajante y asevera que “lo que suele llamarse arte moderno, y, en especial, el ‘no figurativo’ ni me gusta ni lo siento”. Convencida de su postura, asegura que “solo el fino tamiz del tiempo dirá, al fin, quién tenía razón”.6 Como se puede comprobar, mientras en España empezaban a tomar fuerza corrientes como el realismo crítico o incluso los primeros conceptualismos —recordemos que Zaj se funda precisamente en 1964—, Pérez-Neu, en sintonía con la prensa cultural del momento, se mostraba reticente a la “pintura moderna” y, particularmente, a la abstracción. No era algo excepcional. Como han corroborado estudios recientes, las mujeres tuvieron difícil cabida en las diferentes corrientes que se desarrollaron en torno a la abstracción, tanto en sus vertientes líricas o expresionistas como en las geométricas.7

Por otro lado, la autora recibió encargos murales para la capilla del Colegio Mayor Calvo Sotelo de Vigo y participó en varias exposiciones. Por ejemplo, participó en diversas ocasiones en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, por primera vez en 1941 con una obra titulada Joven griega. 8 Su primera exposición individual tendría lugar en Sala Aeolián, en Madrid, el año 1943.9 En su tierra natal, participó en una muestra en la Delegación Provincial del Ministerio de Información y Turismo de A Coruña en el año 195910 y, muy cerca, en la Sala de Exposiciones de la Obra Cultural de la Caja de Ahorros y Monte Piedad de León, ubicada en el Chalet de Ordoño, en el año 1971.11 Asimismo, colaboró con la Sección Femenina de la Falange, ya que expuso su serie de pinturas sobre la cultura celta en el Centro Cultural Medina de Madrid en 1953, una exposición que, según Villacorta, tuvo un enorme éxito de público12 y que estuvo acompañada de una conferencia a cargo del propio Villacorta.13

Expuso también en la colectiva El arte actual de Orense, en la Sala Amigos del Arte de Madrid en 1953; en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1964, donde presentó “retratos, composiciones, bodegones y paisajes”; 14 en las salas de Editora Nacional —editorial en la que publicaría el libro que aquí analizamos— en 1966;15 y en la Caja de Ahorros de Alicante en marzo de 1969. A nivel internacional, puede que llegara a exponer en una colectiva en París en 1960, puesto que en una entrevista afirma estar preparando las gestiones del traslado de sus obras sobre el mundo celta a dicha ciudad.16 Villacorta, no obstante, no hace alusión a esta exposición en la cronología que detalla en el libro monográfico que dedica a la artista.

Aunque resulta complejo precisar qué obras expuso en cada una de estas exposiciones, sí sabemos que en la muestra organizada en las salas de Editora Nacional expuso una pieza titulada Pintura primitivista [fig. 3], cuya reproducción fotográfica se conserva en el AGA. La pintura da cuenta de esa producción artística figurativa y vinculada al realismo mágico, que refleja la asimilación de un imaginario colonialista y estereotipado sobre culturas no europeas. El resto de su producción conjuga pinturas cargadas de tintes oníricos con una amplia presencia de los géneros en los que más cómodamente se movieron las mujeres en ese momento: el retrato, el bodegón y el paisaje. No es el objeto de este estudio analizar su producción pictórica, pero estas primeras pinceladas sobre la misma pueden ser el punto de partida de futuras investigaciones que ahonden en la cuestión desde un enfoque de género que permita situarla en el panorama artístico español del momento.

Fig. 3.  Reproducción fotográfica de la obra Pintura primitivista de Carmen G. Pérez-Neu. AGA: IDD (03)088.000, Medios de Comunicación Social del Estado: Archivo Fotográfico de la Prensa del Movimiento: Colección Biografías, caja F/03680, sobre 29.

A nivel personal, sabemos que contrajo matrimonio con el director de banco Joaquín Robla Díez (Soto y Amío, León, 1911 - Madrid, 1980), con quien tuvo tres hijas: Carmen María, María Leonor y Raquel. Gracias a la posición de su marido, Péréz-Neu contó, a pesar de llevar la gestión de los cuidados familiares, con una tranquilidad económica que le permitió desarrollar su trayectoria artística y también producción escrita sobre arte y arquitectura. Ya durante la Transición, entre 1979 y 1981, colaboró en la revisa E.I. (Estudios e investigaciones), dirigida por Juan Carlos Villacorta, con ensayos sobre arquitectura funeraria, ornamentación celta y otras cuestiones ligadas a la arquitectura.

Antes de estas publicaciones, sin embargo, había enviado dos libros a Editora Nacional. El primer envío, en 1964, fue aceptado. Se trata, precisamente, del libro Galería Universal de Pintoras, el cual se analiza en detalle en el próximo apartado. Cinco años más tarde, en 1969, enviaría otro manuscrito a Editora Nacional para que se estudiara su publicación, aunque este fue rechazado por la editorial. El manuscrito, de “336 folios a dos espacios de máquina”, llevaba por título Nazarenos y Prerrafaelistas. Dos escuelas pictóricas del Siglo xix y se proponía “ofrecer al lector un estudio de dos conocidas escuelas pictóricas, o movimientos, que han sido denominados, como en el título de esta obra, ‘Nazarenos’ y ‘Prerrafaelistas’”. El dictamen de la editorial fue negativo y se convino rechazar su publicación porque, según se afirmaba, el libro no conseguía sus propósitos, si no que era meramente “una sucesión de breves notas biográficas (más de un centenar) de pintores adscritos a ambos grupos o tendencias”, una sucesión de notas que se consideraba insuficiente para ofrecer al lector o a la lectora una comprensión de conjunto de los movimientos artísticos que abordaba. Las referencias a los movimientos se limitaban a un par de páginas por movimiento y las biografías resultaban muy escuetas a ojos de la editorial. Además, se consideró que la autora había proyectado una publicación ambiciosa y muy costosa, con “cerca de un centenar de fotografías, algunas en color” que suponían un esfuerzo económico no justificado dado el “escaso valor del original literario”. 17 Resulta significativo que la editorial oficial del régimen aceptara la publicación de Galería Universal de Pintoras, pero no la segunda obra que se propuso publicar la autora sobre nazarenos y prerrafaelitas, ya que el motivo del rechazo de esta segunda obra (su alto coste y que se limitaba a una serie de biografías escuetas), eran características que reunía también la primera obra que sí fue publicada. Con Galería Universal de Pintoras, por lo tanto, se iniciaría y también terminaría la aventura editorial de Carmen G. Pérez-Neu. La pintora falleció en Madrid el 25 de junio de 2005.

La reconstrucción de su trayectoria profesional como pintora y los datos escuetos con los que contamos sobre su vida personal nos permiten comprender a Pérez-Neu como una agente activa en el sistema del arte, con poco interés en el arte de vanguardia e inscrita en espacios afines al régimen, como era la propia Editora Nacional o el Centro Cultural Medina de la Sección Femenina de la Falange. La historiografía del arte, también la feminista, ha centrado sus esfuerzos fundamentalmente en rescatar y analizar figuras vinculadas al compromiso político y al antifranquismo, pero cabe interrogarse también acerca de aquellas que trabajaron desde posiciones cómodas en la dictadura, sobre cuáles fueron sus aportaciones a los debates artísticos y, en este caso concreto, a la visibilización de artistas mujeres. Carmen G. Pérez-Neu y, en particular, su Galería Universal de Pintoras resultan por lo tanto relevantes como propuesta que, desde la oficialidad —aunque no desde la centralidad— del régimen dio visibilidad al papel de las artistas en la historia del arte.

Clara Solbes Borja

Universitat de València

https://xn--archivoespaoldearte-53b.revistas.csic.es/index.php/aea/article/view/1540/1737

https://producciocientifica.uv.es/investigadores/334851/detalle

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Meraud Guevara pintora

Meraud Guinness también conocida como Meraud Guevara (24 de Junio de 1904 – 6  de Mayo de 1993)  fue una pintora , escritora y poeta que vivió la mayoría de su vida en Francia con su marido Alvaro Guevara de quien luego se separo. 

Meraud Guevara, la número  doce de la  Exposición de 31 mujeres ,  y luego "Las mujeres", en la galería Art of This Century abierta por Peggy Guggenheim en Nueva York en octubre de 1942

Meraud Guevara fue una pintora británica / irlandesa  que realizó imágenes realistas surrealistas / mágicas, retratos, paisajes, collages, bodegones y composiciones abstractas sobre yeso. También fue escritora y poetisa. Aunque criada en Inglaterra y poseedora de un pasaporte irlandés, Meraud Guevara pasó casi toda su carrera activa en Francia.

Ella era una pintora imaginativa, técnicamente capaz que vivió sin concesiones la vida de un artista, pero antes de 1999  no aparece en historias de arte publicadas. Algunas de las primeras referencias de los periódicos la describen como una heredera popular que dio fiestas memorables. Esto es muy engañoso, dando la impresión de que Meraud era una anfitriona de la sociedad, cuando de hecho eligió vivir en el borde exterior de Bohemia. Una información  sobre  que ella vivió en una cueva con gitanos es también inexacta. 

 Por nacimiento Meraud, cuyo nombre es galés, era parte de una élite social rica. Ella nació Meraud Michael Guinness en Londres, de la familia Guinness enormemente ricos. Esta sociedad, incluido su propio padre, no podía comprender a una mujer bien educada, cuyo rechazo de las formas correctas de conducta era tan extremo como el de Meraud.

 Meraud de Guevara fue descrita por Buffie Johnson como una de un par de "... chicas fugitivas de distinguidas familias británicas."  Leonora Carrington era la otra. Ella y Meraud eran las únicas artistas nacidas británicas entre las 31 mujeres.  Meraud desafió con frecuencia los deseos de su padre y fue cortada por su padre durante 10 años, aunque más tarde se reconciliaron y su padre le dio un modesto subsidio. Bajo la ley británica Meraud, como mujer, no era automáticamente una heredera, después de la muerte de su padre la fortuna de la familia fue a su hermano menor.

 La historia de Meraud Guevara es tan colorida que corre el riesgo de oscurecer su arte, aunque se sabe que ha pintado más de 400 cuadros, apenas está representada en colecciones públicas. Sus influencias incluyeron Picasso, Picabia y Giacometti pero también Ingres y obras clásicas anteriores. Ella nunca tuvo miedo de experimentar y aunque su asociación con Picabia llevó a su clasificación como  surrealista, esto formó un período bastante breve en una larga carrera.   En Londres hay una pintura impresionante colgada en Tate Modern, como un artista que se olvida de otra manera.

 Su formación artística era seria. A los 19 años, fue a la Slade School of Art de Londres. Su tutor era el renombrado profesor Henry Tonks, que tenía un cariño por el trabajo de Ingres y enseñó a sus estudiantes las habilidades de dibujo y dibujo anatómico, aunque esperaba que usaran estas habilidades como herramientas para perseguir una búsqueda individual de estilo. 

 

 En 1926 Meraud fue a Nueva York durante un año, donde le enseñó el escultor cubista Alexander Archipenko. Aunque Meraud Guevara no era escultora, el trabajo de Archipenko con la figura humana en el espacio fue influir en sus pinturas posteriores, dándole a sus propias figuras bidimensionales la solidez de la escultura. Escribió artículos mensuales para la revista Vogue, comparando la vida en Londres y Nueva York. Más tarde asistió a clases en la Academia Julien y La Grande Chaumiere en París y tuvo clases más informales con Francis Picabia y Pierre Tal-Coat.

 Meraud se estableció en una carrera como artista con la aprobación de los padres y parece haber sido relativamente bien comportado hasta su veintitantos años. Luego conoció al pintor Christopher (Kit) Wood en el sur de Francia y se fue a París. La desaprobación de su padre llevó al fracaso de esta relación y es probable que Meraud tuviera un efecto más duradero en Wood que él en ella.

 Ella se rebeló otra vez moviéndose adentro con el anterior Dadaist Francis Picabia y su segunda esposa Germaine, que vivió cerca de Cannes. Ella hizo una impresión en Germaine, llegando en su Citroen pintado a mano con un perro grande y una cacatúa. Picabia también estaba impresionado, tomó a Meraud como su protegida, su modelo y su amante. Produjo una pintura de tres mujeres, mostrando a Meraud, Germaine y Olga Mohler, la niñera de sus hijos, una extraordinaria jactancia de su ménage a quatre.

 Como maestro, Picabia amplió el panorama artístico de Meraud, animándola a mirar más allá del clasicismo en el que había sido tutorizada y experimentar con estilos de collage y no-naturalistas. Él la presentó a Marcel Duchamp y otros miembros de la vanguardia incluyendo Cocteau, Leger, Picasso e Isadora Duncan. También organizó su primera exposición individual en la Galerie van Leer de París.   Picabia escribió la introducción al catálogo de la exposición de Meraud y ella recíprocamente, escribiendo un prefacio para una exposición suya, en Nueva York.

 Cuando llegó a París el primero de diciembre de 1928 para supervisar la colgadura de sus pinturas en la galería Van Leer, el expositor anterior estaba allí, sacando sus propias pinturas. Este fue el pintor nacido chileno Álvaro de Guevara, coincidentemente también un ex-estudiante Slade.  Después de menos de tres meses se casaron en Londres.  Los padres de Meraud dieron su aprobación cautelosa a este súbito y aparentemente rico americano, él ciertamente parecía una mejor apuesta que Kit Wood.

 Aunque tanto Álvaro como Meraud crearon retratos, no hay indicios de que influyeran mucho en el trabajo de cada uno; Álvaro pintó el conjunto de Bloomsbury, favoreció un estilo ampliamente representativo, expresionista con el uso convencional de pintura sobre lienzo. Su retrato de 1942 de Meraud, pintado en las semanas después de su boda, la muestra sentada en un gran sillón, con sus pies descalzos en el asiento y sus elegantes manos cubiertas sobre las rodillas levantadas.  Ella viste un sombrero elegante, en contraste con su postura informal y pies descalzos, indicando su antipatía de las normas sociales.

 Meraud, bajo la influencia de Picabia, todavía estaba experimentando con la fantasía y con el collage surrealista. El trabajo que había exhibido en la galería van Leer incluyó La Sirene, un cuadro grande de una sirena con un séquito de pescados fantásticos, aunque éste pudo haber sido el cuadro más convencional allí. Su retrato de Picabia mostraba su cara pintada dos veces, sobre lienzo y sobre una capa de celofán separada y pegada con alfileres. El retrato del joven hijo de Picabia, Lorenzo, era más simpático, con siluetas pintadas y collaged de los perros que rodeaban al muchacho. Otros retratos también utilizaron medios mezclados incluyendo la cadena y los sellos. Meraud consiguió varias ventas de esta exposición, aunque fue descrita como "algo inusual" por un corresponsal social obviamente desconcertado y críticos de arte también no estaban seguros de qué hacer de este último exponente de la "locura surrealista". Sólo más tarde en Nueva York su trabajo logró una aclamación positiva.

Los meses inmediatamente posteriores a su asentamiento en París fueron el momento en que las páginas de la sociedad de la prensa señalaban las cenas de los Guevaras, más informales que implícitas e implicaban a sus amigos de la vanguardia artística, incluyeron a los escritores Gertrude Stein y Ernest Hemingway, los pintores Pierre Tal-Coat, Picasso y el escultor surrealista Giacometti.  Meraud pintó el retrato de Stein, en un estilo que recuerda el retrato de Picasso de Stein de veinte años antes. Gertrude Stein no era feminista y se alía con la creatividad masculina, sin embargo, se ha declarado que declaró de Meraud Guevara, "¡La pintura es ella!" El contexto exacto para esta observación sigue siendo poco claro.

El idilio casado de Guevara fue abollado en enero de 1930, cuando la madre de Meraud murió, y su vida juntos no sobrevivió mucho después de la llegada de su hija, Alladine a finales de 1931. Para entonces los Guevara se habían trasladado de su pequeño estudio a una casa más grande de París , con sirvientes. Esto era todo pagado por el padre de Meraud, que Alvaro no habría sido enteramente feliz sobre. Pasaron días pintando murales en las paredes y celebrando partidos escandalosos.

Meraud no era domesticada y Álvaro, cuya  propia educación chilena dominaba su pensamiento, tenía ideas bastante rígidas sobre los deberes de una madre. La bisexualidad de Alvaro aumentó su confusión, aunque había confesado todo a Meraud, que era tolerante y perdonador. Todo esto se combinó para dar a Alvaro expectativas algo poco realistas de su esposa altamente poco convencional. Tendía a poner a las mujeres en pedestales y se ponía celoso y violento ante cualquier pequeña admiración que recibía. A Meraud le gustaban los hombres jóvenes, homosexuales y rectos, y ningún pedestal le convenía.

Durante las vacaciones de verano de Guevaras en 1932, Meraud dejó a Álvaro y a la bebé y se instaló en casa con el artista provenzal Martin Roch. Alvaro siempre había sido propenso a la depresión, después de desafiar a Roch a un duelo, dejó de pintar y se bebió en el olvido. Benjamin Guinness arregló para que su nieta fuera rescatada y atendida por una niñera. Una vez que Alvaro surgió de su desesperación, comenzó a visitar a su hija en los fines de semana. No vio a Meraud allí, Benjamin la había desheredado.

Meraud y Roch tomaron una granja provenzal donde las condiciones eran primitivas, sin electricidad ni agua corriente; Meraud disfrutó el desafío.  Vivió una vida rústica durante varios años, pintando y adquiriendo muchos animales como huéspedes de la casa. Varias de las relaciones de Roch compartían la casa, actuando en parte como amas de casa, también esponjándose sobre la supuesta fortuna de Meraud.  En algún momento Roch mismo se fue, mientras tanto Meraud siguió escribiendo a Álvaro y él escribió detrás.  Nunca se divorciaron; Meraud despreciaba el proceso legal requerido.

En 1939, los alemanes invadieron Polonia. Meraud y Álvaro estaban, por una vez, de acuerdo con su padre; Alladine, ahora  con ocho años , debería ser trasladada de Europa a la seguridad en Canadá. Meraud decidió quedarse en el sur de Francia. Álvaro, bajo la ilusoria seguridad de ser un chileno neutral, permaneció en París durante tres años después de que los alemanes invadieran Francia. Después de ser arrestado y viendo destruido su estudio, Álvaro se sintió deprimido y paranoico. Fue repatriado a Chile en 1943.

Meraud había enviado pinturas a su hermana Tanis en los Estados Unidos y en abril de 1939 tuvo una exposición individual en la Galería Valentine en Nueva York. Las 26 pinturas mostradas fueron bien recibidas, Meraud se había alejado de las ideas surrealistas más radicales, sus pinturas se compararon con Balthus. Hoy, la comparación con Balthus, pintor de muchachas jóvenes en comprometedoras actitudes pudo ser considerado un elogio dudoso para una artista  mujer.  Time Magazine dio una revisión de cortesía enfatizando su interpretación simplificada de un estilo en gran parte clásico. A pesar de su sencillez, no hay nada ingenuo en las mujeres fuertes y tranquilas de Meraud, que parecen autónomas si están solas,

Aunque su trabajo resultó popular en Nueva York, incluso en la 31 Exhibición de Mujeres, Meraud se quedó en Europa. Vivió en el borde de la guerra en Suiza y Francia, protegida en gran parte de la interferencia por su fluidez en la lengua francesa y su pasaporte irlandés neutral.  Encontró  brevemente a Álvaro en 1945 en Londres, donde había sido nombrado cónsul chileno después de que terminara la guerra. Luego se dirigió a Berna, Suiza, mientras Meraud volvía a Aix-en-Provence donde, financiada una vez más por su padre, creó un estudio en la planta alta de la ciudad. Regresó a la vida bohemia que era su preferencia, pintando durante el día y entreteniendo amigos con el vino y su famoso pot-au-feu en las tardes.

En diciembre de 1947, Benjamín Guinness murió, de ochenta años; El hermano de Meraud, Loel, ahora estaba a cargo de la fortuna de la familia. Aunque era menos crítico de su hermana poco convencional, decidió que Meraud debería ahora asumir la responsabilidad de su hija. Lamentablemente, nadie pensó en consultar a Alladine, de dieciséis años, que, mientras hacia el duelo a su abuelo, fue sacada de la escuela, donde acababa de instalarse y  se la envió a Aix con su madre. Seguíría  un tiempo difícil para Alladine, sin amigos de su edad. En Berna, Álvaro llevaba una vida solitaria como agregado cultural chileno, sin nada que hacer excepto escribir una novela. Se enfermó una vez más y Meraud decidió que el ambiente más agradable del sur de Francia le ayudaría. Tomó un piso cerca de Meraud y Alladine y su depresión disminuyó.

A partir de 1948 Meraud se involucró con los artistas locales, incluyendo Tal-Coat que ella había sabido antes de la guerra.   En 1950 tuvo una exposición conjunta con Balthus, continuando la yuxtaposición inesperada de su trabajo. También participó en una serie de exposiciones colectivas en las que participaron artistas como Salvador Dalí, Martín Roch, Talcoat y la expositora de 31 mujeres Leonor Fini, pero no tuvo otra exposición en solitario hasta 1959.   Comenzó a experimentar con técnicas de fresco y sus obras posteriores incluyeron frescos abstractos, paisajes y bodegones escultóricos, muy alejados de su antigua experimentación surrealista.

Con una contribución de su hermano, Meraud compró "La Tour de Cesar", una propiedad abandonada cerca de Aix . Meraud se mudó con Alladine, un pequeño caballo para transportar el carril de entrada desamparado y el gran perro marrón de Alladine. Estos animales y otros gradualmente proporcionaron el puente entre madre e hija, cuyas vidas muy diferentes los habían mantenido separados por tanto tiempo.

 

 En los años siguientes la propiedad fue modernizada y Álvaro volvió a ser parte integral de las vidas de Meraud y Alladine, aunque todavía vivían separadamente. Entonces Álvaro se enfermó de cáncer terminal. Durante sus últimos meses se mudó a la casa ahora renovada de Meraud, donde le cuidó hasta su muerte en  octubre de 1951. Alvaro Guevara fue enterrado en un cementerio de campo cercano y Meraud diseñó y pintó a mano un mosaico  para cubrir su tumba. También organizó dos exitosas exposiciones póstumas de su obra en Londres.  Meraud siguió viviendo y pintando en La Tour de Cesar, exponiendo su obra a lo largo de los años cincuenta y sesenta. Ella experimentó con el collage y con las técnicas del fresco, en 1959 exhibiendo una serie de trabajos abstractos gestuales en el yeso en una exposición individual en Londres.

Siguió siendo sociable, visitó París con frecuencia y registró las exposiciones que vio aquí en su diario que guardó a partir de 1956. Continuó viendo viejos amigos incluyendo, Pierre y Bronica Talcoat, Lucien Freud, Jean Dubuffet, Gabrielle Buffet-Picabia y Roberto Matta y haciendo nuevas como el poeta Allan Ginsberg. Durante más de una década a partir de 1950, el autor surrealista David Gascoyne se quedó con ella . Había sido un rebelde a una edad aún más joven que Meraud, huyendo a París con sólo 17 años y como Álvaro Guevara antes que él, Gascoyne era bisexual y sufría de depresión paralizante. Se retiró a La Tour de César y al cuidado de Meraud cada verano y cada vez que París se hacía demasiado para él. A veces Gascoyne se volvia demasiado para Meraud, una vez trató de estrangularla.

Gascoyne eventualmente regresó a Inglaterra para recibir tratamiento, Meraud vivía sola, aunque se mantenía ocupada y estaba lejos de ser una reclusa. A menudo visitaba París y en La Tour de Cesar había visitas constantes de amigos y familiares, así como la compañía de sus muchos animales. Dejó de pintar en 1986 y debido a la enfermedad se trasladó permanentemente a París, donde murió en 1993. Su hija  colocó las cenizas de Meraud en la tumba con Álvaro.

La colorida vida de Meraud Guevara puede haber consternado a su familia, pero su alegría de vivir y generosidad está grabada en la biografía de su hija, publicada en Francia en 2007. Sus mejores obras son sus retratos mágico-realistas de mujeres monumentales y misteriosas, algunas basadas en su amiga Bronica Talcoat.  El arte de Meraud es representado por su retrato poderoso, mujer asentada con el pequeño perro 1937, que se exhibe en la galería surrealista en Tate Modern en Londres.

     

  Agradecemos infinitamente a Sue por su brillante página que nos cuenta de maravilla la vida de estas interesantes artistas .      

   http://sugswritersblog.blogspot.com.es/2013/06/meraud-guevara-31-women-number-twelve.html     

     https://sites.google.com/site/lamujerenelarte/meraud-guevara     
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