Lynn Hershman Leeson artista visual

Lynn Hershman Leeson (Cleveland Ohio, Estados Unidos,  17 de junio de 1941) es una artista visual estadounidense. Su trabajo combina el arte con la sociedad, particularmente en la relación entre personas y tecnología. La obra de Leeson basada en los nuevos medios tecnológicos ha ayudado a legitimar las formas del arte digital.

Lesson obtuvo el grado de bachelor's degree in Education, Museum Administration and Fine Arts por la Case Western Reserve University in Cleveland (1963) y un Master of Fine Arts MFA en la San Francisco State University (1972).​

La obra de Leeson tiene como temas principales: la identidad en un tiempo de consumismo, la intimidad en la era de vigilancia, interactuando los humanos y las máquinas, y la relación entre mundos reales y virtuales. Su trabajo surgió de la tradición de la performance y las instalaciones, enfatizando la interactividad . Con una práctica que abarca más de 40 años, Leeson ha trabajado en la performance, imagen en movimiento, dibujo, collage, textos, "site specific interventions" ( instalaciones creadas en espacios intervenidos) y posteriormente trabajos realizados con los nuevos medios de comunicación/ l tecnologías digitales medios de comunicación nuevos más tardíos / tecnologías digitales, y trabajos de Net Art interactivos.

Sus proyectos exploran la interacción entre arte, ciencia y tecnología. Leeson fue la primera artista que creó una pieza interactiva usando el Videodisc, (precursor de DVD (Lorna, 1983–84), también fue la primera artista en incorporar una interfaz de pantalla táctil a sus obras de arte (Deep Contact, 1984-1989). Su instalación de arte robótico en la Red (The Difference Engine #3, 1995-1998) es un ejemplo de su tendencia para expandir sus obras fuera de los espacios tradicionales del arte.

El trabajo de Lynn Hershman Leeson forma parte de las colecciones públicas del Museo de Arte Moderno, el William Lehmbruck Museo, el ZKM, Museo especializado en arte tecnológico en Kalsrue, Alemania, Los Angeles County Museum of Art], National_Gallery_of_Canada di Rosa, el Walker Art Center y the University Art Museum en Berkeley, California, además de las colecciones privadas de Donald Hess y Arturo Schwarz, entre otros muchos.[5]​ Así como proyectos para La Tate Modern, San_Francisco_Museum_of_Modern_Art, de Young Museum, Charles_Schwab_Corporation Charles Schwab.

De 1974 hasta que 1978, Leeson desarrolló un personaje de ficción como su alterego denominado "Roberta Breitmore." Consistía no solo en una transformación física a través de maquillaje, ropa, y pelucas, pero también la personalidad. Durante un periodo extendido del tiempo suplantó esta personalidad incluso legalmente a través de tarjetas de crédito, licencia de conducir, incluyendo cartas de su psiquiatra.

Posteriormente creó tres clones de Roberta contratando performers que dieran vida a sus personajes de ficción. Estos ‘clones' de Roberta adoptaron la misma mirada y atuendo. Hacia el final de este proyecto, el ‘original' Roberta, retiró a sus tres ‘clones' para continuar su trabajo, hasta que definitivamente fueron eliminados en el Palazzo dei Diamanti en Ferrara, Italia en 1978, durante un exorcismo en la tumba de Lucrezia Borgia. Lo que permanece son los artefactos físicos de cualquier vida: la documentación y efectos personales como documentos legales y médicos y un diario).

Entre 1995–2000 Roberta transformó al CybeRoberta, en una escultura inteligente artificial interactiva en la web. Roberta vivió 10 años. En 2006 Roberta Breitmore desarrolló una Segunda Vida. Posteriormente The Stanford University adquirió su archivo. Leeson trabajó con Henry Lowood (Laboratorio de Humanidades de Stanford) para convertir partes del archivo legibles para el público en general Trabajaron juntos para recrear y re-enact tanto Roberta Breitmore y El Dante Hotel en un espacio virtual.​

LORNA Era uno de los primeros trabajos de Leeson, el primer láser interactivo artdisk, en el que LORNA cuenta la historia de un Agoraphobic mujer. Los espectadores tienen la opción de dirigir su vida hacia varias parcelas posibles y finales.[9]​ LORNA Nunca dejó su apartamento de una habitación minúscula. Los espectadores estuvieron invitados a liberar LORNA de sus miedos, utilizando unidades de control remoto.

En 2001, Leeson creó el "Agent Ruby" para el SFMOMA, ( San Francisco Museo de Arte) Desde aquel momento el "Agent Ruby" ha conversado con usuarios en línea, los cuales dieron forma a su memoria y conocimiento. En 2013 el SFMOMA presentó Los Archivos de Ruby. Esta presentación digital y analógica reinterpretó los diálogos dibujados, los archivos de texto y las conversaciones del "Agent Ruby" con usuarios en línea y reflejados en temas recurrentes, y patrones de las tecnologías, y modelos de la audiencia.​

En 1990 realizó el documental, Desire Inc. presenta una serie de los seductores anuncios televisivos en los que una mujer sexy pedía a los espectadores que la llamaran.

Tres largometrajes - Cultura Extraña, Teknolust, y Concibiendo Ada - han formado parte del Sundance Festival de cine, el Toronto Festival de cine Internacional y El Berlín Festival de cine Internacional, entre otros, y ha ganado numerosos premios.

En 2011 Hershman presenta el largometraje documental !Women Art Revolution, sobre el movimiento de arte Feminista en los Estados Unidos. Según las palabras de la autora:

Las películas son sobre la pérdida y tecnología. Ada Lovelace inventó el lenguaje del ordenador, pero nunca fue reconocido y ha sido básicamente borrado de historia. Teknolust Es sobre clones de inteligencia artificial: bots que escapan de la realidad e interaccionarn con vida humana, en efecto una simbiosis entre vida tecnológica y vida humana, y cómo los dos pueden casar. "Strange Culture" otra vez habla sobre la pérdida de identidad, donde los medios de comunicación crearon un personaje de ficción al que culpan de este delito, en vez de a la persona real. Todos de estos trabajos tratan el borrado de la identidad y como la tecnología se suma y la crea y como podemos vencer eso.

En una parte de su exposición "Cómo Desaparecer,"en 2014, presentó por primera vez el vídeo El Ballad de JT Leroy, examinando el uso de Laura Albert del personaje literario JT Leroy. Reflejando el paralelismo entre JT Leroy y Roberta Breitmore. Hershman Leeson ha comentado:

El concepto de un alterar ego no es nuevo en absoluto. Los escritores han estado protegiéndose durante siglos. Mary Shelley lo hizo. Naturalmente Laura llevó esta práctica más lejos y creo que fue muy lista y pienso que no se merece la clase de condena que se le ha atribuido. Si yo hubiera hecho el proyecto de Roberta diez años después, me habría afrontado a los mismos problemas.

En 2007 tuvo una retrospectiva en el Whitworth Galería de Arte en Mánchester, Agentes Autónomos, presentó una gama comprensible del trabajo del artista - de la Roberta Breitmore serie (1974@–78) a vídeos del @1980s e instalaciones interactivas que uso el Internet y software de inteligencia artificial. Sus aventuras tempranas influyentes a rendimiento y fotografía son también presentados en el actuales visitando exposición WACK! Arte y la Revolución Feminista, organizado por el Museo de Los Ángeles de Arte Contemporáneo. El Arte y Películas de Lynn Hershman Leeson: Agentes Secretos, Privados I, estuvo publicado por La Universidad de Prensa de California en 2005 en la ocasión de otro retrospectivo en el Henry Galería en Seattle.

En 2014 la exposición retrospectiva "Civic Radar" en El Museo de ZKM de Arte Contemporáneo en Karlsruhe, Alemania, ha mostrado sus primeros trabajos y abarca una visión general de todas las fases creativas en la obra de Lynn Hershman Leeson, pero también las producciones más recientes de esta artista innovadora.[12]​ Mientras esta exposición abarca un amplio cuerpo del trabajo de Hershman a lo largo de los años, "Civic Radar" destaca el interés de Hershman en la tecnología, analizando de cerca la inteligencia artificial y la modificación genética. En 2017, "Civic Radar", de Hershman del ZKM, itineró en el Centro de Artes de Yerba Buena en San Francisco, California. 

 Reconocimientos

Lynn Hershman Leeson Ha sido premiada con subvenciones de Capital Creativa, La Dotación Nacional para las Artes, Nathan Cummings Fundación, Siemens Premio de Artes de Medios de comunicación Internacional, Prix Ars Electrónica, y Alfred P Sloan Premio de Fundación para Escribir y Dirigiendo. En 2009 sea el recipient de un John Simon Guggenheim Camaradería de Fundación Conmemorativa.

En 2009, recibia  el SIGGRAPH Premio de Artista Señalado. 

El Museo de Arte Digital en Berlín reconoció su trabajo con el d.Desarrolla premio digital (ddaa) para Lifetime Consecución en el campo de Medios de comunicación Nuevos en 2010.

Su trabajo era recientemente incluido en Arthur y Marilouise Kroker Superior Diez para el enero de 2013 asunto de Artforum.

En 2014, IFP Premio de Mercado del Píxel fue al Motor de Infinidad que protagoniza Tilda Swinton, dirigido por Lynn Hershman Leeson en colaboración con productor Lisa Cortes, cuyos créditos incluyen el Premio de Academia y Sundance Festival de cine película ganadora Precious. El Motor de Infinidad es una instalación , película y sitio web interactivo en línea. El premio comprende una camaradería de seis meses en el Centro de Medios de comunicación y una invitación para participar en el año que viene es Ningún programa de Fronteras.[36]​

Leeson Era también presentado en las Mujeres eNews "21 Dirigentes para el siglo XXI" especial en 2014 para su función en facultar artistas hembra jóvenes para fortalecer sus voces artísticas. Su documental !W.Un.R. Levanta concienciación para el hecho que el mundo de arte es un macho-reino dominado y explora los muchos trabajos influyentes de artistas hembra sobre las décadas.[38]​

Hershman Leeson Sirvió tan Silla del Departamento de Película en el Instituto de Arte del San Francisco, cuando Profesor Emeritus en la Universidad de California, Davis, y cuando un Un. D. Profesor blanco en Grande en Cornell Universidad.[39]​[40]​[41]​ Es la 2013 -2014 Dorothy H. Hirshon "Director en Residencia" en La Escuela Nueva.[42]​

En 2004,  las bibliotecas Universitarias de Stanford adquirieron Hershman Leeson archivo de trabajo. Stanford También adquirió una colección de las entrevistas compiló para Hershman Leeson 2010 documental !!Women Art Revolution.​

En 2018, Las Mujeres Caucus para el arte otorgó a Lynn Hershman Leeson  el Lifetime Premio de Consecución, en Los Ángeles CA

https://aperture.org/editorial/why-lynn-hershman-leeson-is-always-ahead-of-her-time/

http://www.lynnhershman.com/
https://en.wikipedia.org/wiki/Lynn_Hershman_Leeson

http://www.womensmediacenter.com/feature/entry/visionary-feminist-artist-finding-recognition-after-50-years

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Rebecca Horn poeta y artista visual

Rebecca Horn (Michelstadt, 24 de marzo de 1944-Bad König, 6 de septiembre de 2024) fue una artista visual alemana conocida por sus instalaciones artísticas, ser directora de cine y por sus modificaciones de cuerpo como Einhorn (Unicornio), un traje corporal con un gran cuerno que se proyecta verticalmente desde el casco, y Pencil Mask, un arnés para la cabeza con muchos lápices proyectándose hacia afuera. La reflexión de Rebecca Horn gira en torno al cuerpo, su extensión y “maquinización”. El cuerpo es objeto y debe ser manipulado para exaltar sus posibilidades. Hace una indagación de las formas corporales, de su sensibilidad no explotada y el espacio que las contiene, a través de la escultura, el video, la instalación, la performance y el cine. En la búsqueda constante de la multiplicidad del cuerpo, Horn se obliga para configurar un proceso creativo superior al anterior.​ En mayo-agosto de 2005 la Galería Hayward en Londres celebró una retrospectiva de Rebecca Horn. Dirigió las películas: Der Eintänzer (1978), La ferdinanda: Sonate für eine Medici-Villa (1982) y Buster's Bedroom (1990). Horn vivió en Hamburgo hasta 1971, en Londres durante un breve período y desde 1973 en Berlín.[3]​

Nació en Michelstadt, Alemania y pasó la mayor parte de su infancia en internados y a los diecinueve años se rebeló contra el plan de sus padres de estudiar economía y decidió acudir a la Academia de Bellas Artes de Hamburgo (Hochschule für Bildende Künste) (1964-1970).Una dolencia pulmonar a causa de trabajar con fibra de vidrio y resinas sin la debida protección la forzó al cambio. En cama, comenzó a dibujar con pinturas de madera. Durante esta etapa comenzó a crear sus primeras esculturas corporales elaboradas con madera y tela.

En 1964 tenía veinte años de edad y vivía en Barcelona, en uno de esos hoteles que alquilan habitaciones por horas. Trabajaba con fibra de vidrio, sin mascarilla, porque nadie dijo que era peligroso, y enfermé mucho. Durante un año estuve en un sanatorio. Mis padres murieron. Estaba totalmente aislada

Tenía que tomar grandes cantidades de antibióticos y dormía muchas horas para tener energía suficiente que le permitiera actuar normalmente. Podía, sin embargo, trabajar con materiales más suaves y cuando estaba en la cama dibujaba con pinturas de madera . También empezó poco a poco a salir de su aislamiento autoimpuesto y empezó a crear escultura y extrañas extensiones con madera de balsa y tela. «Comencé a producir mis primeras esculturas corporales. Podía coser tumbada en la cama». Su intención era sofocar «su soledad comunicándose a través de formas corporales».

A finales de los años 60 empezó a experimentar la performance. Una mujer joven y “burguesa” está lista para casarse. Está vestida para la ocasión: luce un cuerno blanco que le crece de la cabeza y se sostiene de su cuerpo por unas fajas. La chica camina por el campo rozando el trigo con sus caderas. La pieza se titula Einhorn (Unicornio).

Cuando Horn regresó a la academia de Hamburgo trabajaba con extensiones corporales acolchadas y vendas protésicas. A finales de los años sesenta empezó a crear arte de performances y siguió usando extensiones corporales.

Sufrió un derrame cerebral en 2015, tras lo cual se retiró de la vida pública. Horn falleció el 6 de septiembre de 2024 en Bad König, Hesse, Alemania, a los 80 años.

Obras destacadas

Unicornio'' es una de las piezas de performance más conocidas de Horn.[6]​ Su tema es una mujer descrita por Horn como «muy burguesa» que tiene «veintiún años de edad y preparada para casarse. Gasta su dinero en nuevo mobiliario para el dormitorio», camina por un campo y bosque en una mañana de verano luciendo sólo un cuerno blanco que sobresalía directamente desde la parte frontal de la parte superior de su cabeza y las correas que lo sujetaban allí. Estas correas son casi idénticas a las lucidas en el cuadro de Frida Kahlo titulada Columna rota. La imagen, con el trigo flotando alrededor de las caderas de la mujer, es simultáneamente mítica y moderna.

'Pencil Mask' («Máscara de lápices») es otra pieza de extensión corporal, hecha de seis correas horizontales y tres correas verticales. Donde en las correas se ha unido un lápiz. Cuando se mueve el rostro hacia delante y hacia atrás cerca de una pared el lápiz hace marcas que se corresponden directamente con sus movimientos.

'Finger Gloves' («Guantes de dedos») es una pieza de performance y el principal puntal de esa pieza de performance y se hizo en 1972. Se lucen como guantes, pero la forma del dedo se extiende con madera de balsa y tela. Al ser capaz de ver lo que estaba tocando y la manera en la que lo estaba tocando, sentía como si sus dedos estuvieran extendidos y en su mente se creaba la ilusión de que realmente estaba tocando lo que las extensiones estaban tocando. Hay otra pieza que hizo muy parecida a esta última. Es parte de su serie de Ejercicios berlineses hecha en 1974 llamada «tocando las paredes con ambas manos al mismo tiempo». En esta pieza ella hizo más guantes con extensiones de dedos, pero esta vez tan medidas que específicamente encajan en el espacio seleccionado. Si el participante elegido permanecía en medio de la habitación, podían tocar con exactitud las paredes opuestas al mismo tiempo.

Otra pieza que implica la ilusión de sentimiento y la mano de uno es 'Feather Fingers.' («Dedos de pluma», 1972). Una pluma se une a cada dedo con un aro de metal. La mano se convierte en «tan simétrica (y tan sensitiva) como el ala de un pájaro». Cuando tocaba el brazo opuesto con estos dedos de plumas uno puede sentir el toque del brazo izquierdo y de los dedos en la mano derecha moviéndose como si tocaran el brazo izquierdo pero es en lugar de ello las plumas las que contactan. Rebecca Horn describe el efecto: «Es como si una mano se hubiera desconectado de repente de la otra como dos cosas completamente ajenas la una a la otra». «Mi sentido del tacto queda tan trastocado que el comportamiento diferente de cada mano suscita sensaciones contradictorias». Esta pieza se centra en gran medida sobre la sensibilidad.

Rebecca Horn sigue explorando la imagen de las plumas en sus obras de los años 1970 y 80. Muchas de sus piezas con plumas envuelven una figura en una especie de capullo o funcionan como máscaras o abanicos que cubren o aprisionan el cuerpo. Algunas de estas piezas son 'Cockfeather' («Pluma macho», 1971), 'Cockfeather Mask' («Máscara de pluma macho», 1973), 'Cockatoo Mask' («Máscara de cacatúa», 1973), 'Paradise Widow' («Viuda del paraíso», 1975), y 'The Feathered Prison Fan' («El ventilador de la prisión emplumada», 1978) realizada para su película Die Eintänzer.

Muchas de las obras de Horn también exploran las ambigüedades en la idea de lentes. Uno creería que una gran lente tintada existe para la protección y la cubierta, pero tiene también el efecto de llamar la atención sobre la persona o figura que hay detrás. La paradoja de mirar por fuera y hacia atrás se explora en su instalación para Taipei 101, Diálogo entre el yin y el yang (2002). La obra establece interacciones entre los espectadores, el medio ambiente y la escultura al usar binoculares y espejos para sugerir elYin y yang,las |energías pasiva y activa.

También escribe poesía. En muchas ocasiones su poesía ha inspirado su obra. Le enseñó a dibujar su institutriz rumana y se obsesionó con el dibujo como forma de expresión porque no era tan limitadora -ha explicado- como el lenguaje oral. Vivir en Alemania después de la Segunda Guerra Mundial afectó en gran medida al gusto que tomó por el dibujo.

«No podíamos hablar alemán. Los alemanes eran odiados. Teníamos que aprender francés e inglés. Siempre estábamos viajando a otros lugares, hablando otro idioma. Pero tenía una institutriz rumana que me enseñó a dibujar. No tuve que dibujar en alemán o francés o inglés. Sólo podía dibujar».

Inspirada por las obras de Franz Kafka y Jean Genet y las películas de Luis Buñuel y Pier Paolo Pasolini dirigió varias películas: Die Eintänzer (1978), La Ferdinanda: Sonata for a Medici Villa, y Buster's Bedroom. En todas las películas muestra su obsesión con el cuerpo imperfecto y el equilibrio entre la figura y los objetos. También ha colaborado con Jannis Kounellis y produjo algunas películas, incluyendo el film Buster's Bedroom (1990) con Donald Sutherland.

https://es.wikipedia.org/wiki/Rebecca_Horn

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Clara Ledesma artista visual de la República Dominicana

Clara Ledesma (Santiago de los Caballeros, República Dominicana, 5 de marzo de 1924–Nueva York, Estados Unidos, 25 de mayo de 1999) fue una artista visual de la República Dominicana.​ Fue una de las primeras mujeres en estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes de República Dominicana.

Ledesma nació en Santiago de los Caballeros. Inicialmente estudió arte con Yoryi Morel, en su academia en esa ciudad. Ledesma, más tarde, se matriculó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Santo Domingo, en donde se graduó en 1948.​ Ledesma fue una de las primeras mujeres en unirse a la Escuela Nacional de Bellas Artes.​ Sus profesores fueron, entre otros, Celeste Woss y Gil y George Hausdorf, mientras que su principal mentor fue el profesor de pintura Josep Gausachs.​  Después de graduarse, enseñó dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

En 1949, Ledesma realizó su primera exposición individual en el Ateneo de San Pedro de Macorís. El 14 de septiembre de 1951, participa en la exposición colectiva de la inauguración del «Centro de Arte Ledesma Studio», primera galería de arte privada en Santo Domingo, fundada por ella y que dirigía su prima Flor de Oro Trujillo Ledesma; en la cual expuso sus obras junto a las de otros artistas.​ Con los beneficios de una exitosa exposición individual en 1952, Ledesma viajó a Europa para continuar su educación. Estudió pintura en Barcelona y Madrid, y expuso sus obras en galerías de España. Ledesma también viajó a Lisboa y a París para visitar importantes museos. Estuvo particularmente influenciada por las obras de Marc Chagall, Joan Miró y Paul Klee.

En Santo Domingo, trabajó estrechamente con otros artistas dominicanos importantes, formando parte  del grupo expositivo Los Cuatro.​ En 1955, fue nombrada subdirectora de la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Durante su estancia en Europa, Ledesma conoció al artista boliviano Walter Terrazas, quien regresó a Santo Domingo con ella en 1954. Con este escultor se unió en matrimonio y formó una familia de tres vástagos.​ En 1964, Ledesma y su esposo se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde abrió otra galería. Vivió y trabajó allí el resto de su vida. En la década de 1980 se unió a otro boliviano, Rodofo Calderón, con quien tuvo a su otro hijo.

Ledesma falleció en Queens, Jamaica, a la edad de 75 años.

Ledesma tuvo numerosas exposiciones individuales internacionales, incluidos eventos en Madrid, Ciudad de México y Nueva York, y participó en exposiciones colectivas en Brasil, España, Cuba, Haití, Venezuela, Argentina y Puerto Rico.

En Madrid expuso en la Galería Vagra, en la Sala Alcor y en el Instituto de Cultura Hispánica.​ Su obra de arte se puede encontrar en varias colecciones privadas en todo el mundo.​ También se puede encontrar en el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Metropolitano de Miami, el Museo de Arte Moderno de México, el Arte Contemporáneo de Madrid y la Galería de Arte Moderno. El trabajo de Ledesma también se ha presentado en la Galería Sarduy de Nueva York, la Galería de Arte Nader, Signos de Nueva York y la Galería de Arte Moderno en Santo Domingo.

El estilo de Ledesma abarcó desde el expresionismo y el surrealismo hasta la abstracción. Es conocida por su uso de colores brillantes, figuras imaginativas y el sentimiento de magia y misticismo creado en sus pinturas y dibujos. En 1954, el periodista Horia Tanasescu describió así su trabajo:

Se ha revelado como una artista inquieta, dotada de notable voluntad, de una sensibilidad rebelde, de una leve ironía a veces hasta de cierta crueldad en el modo de enfocar sus temas y sus personajes (...) artista inquieta consigo misma, obsesionada por su trabajo y preocupada, ante todo, por el valor expresivo más bien que por la arquitectura de sus cuadros. Ni siquiera en sus trabajos decorativos se le podía encontrar aquel espíritu de descanso característico en tales actividades.​

Para la crítica de arte Marianne de Tolentino, Celeste Woss y Gil, Ada Balcácer y Clara Ledesma son el trío cimero de la plástica de autoría femenina en la República Dominicana.​ Esta autora dice de la obra de Clara Ledesma:

Se caracteriza por un conocimiento perfecto del oficio, de la pincelada, de los pigmentos, de los soportes: el manejo magistral de la técnica constituye en ella un elemento determinante desde que lo adquirió con verdadera fruición en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Semejante dominio explica la sensación de coherencia, articulando las corrientes y estilos que ella recreó según las épocas, acorde con su temperamento e inventive de antillana.​

Laura Gil Fiallo, crítica y curadora dominicana, considera que:

Con el propio Gausachs, Colson, Suro y Celeste Woss y Gil, Ledesma se contará entre los artistas dominicanos que rompen con los tabúes representacionales del siglo XIX, que excluían al negro y al mulato de los repertorios iconográficos del arte dominicano de modo sintomático, con una casi patológica negación de la identidad étnica del dominicano".​

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2012/10/pintores-dominicanos-clara-ledesma.html

https://www.claraledesma.net/

https://es.wikipedia.org/wiki/Clara_Ledesma

https://www.instagram.com/womensartwednesday/p/C3DwLZNRfzy/?img_index=1

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Virginia Huneeus escritora y artista visual chilena

Virginia Huneeus Cox (Santiago de Chile, 23 de mayo de 1934 -6 de noviembre de 2019) es una escritora y artista visual chilena que hizo todo lo posible para comunicarse a través de las imágenes .

Estudió arte en la Escuela de Bellas Artes de Chile y grabado con Nemesio Antúnez en el Taller 99.1​ En 1960 continuó sus estudios en Montreal, Canadá. Allí se integró el Grupo Formel Lyrique para investigar abstracción geométrica. Posteriormente realizó un postgrado de Diseño y Color en el Departamento de Arte de la Universidad de Utah, Estados Unidos hasta 1961. De regreso en Chile, se integró a Grupo Rectángulo,​ que más tarde tomó el nombre Movimiento Forma y Espacio, para investigar abstracción mediante la exploración de formas geométricas.

Obtuvo la Beca Fulbright en 1968 para realizar estudios de postgrado en el Centro de Estudios Visuales Avanzados (CAVS)​ del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), EE.UU.. En 1970, tras presentarse a un concurso académico, regresó a Chile para impartir clases en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, lugar donde conformó un grupo interdisciplinario de estudiantes y profesores/as con quienes realizó varias exposiciones. Tras el Golpe de Estado en Chile en 1973, se exilió en Florencia e ingresó a estudiar Psicología del Arte, gracias a una beca del gobierno italiano en la Universidad de Florencia. En aquellos años, expuso sus obras en Italia, Francia y Polonia. En 1978-1979 regresó a Chile para desarrollar su carrera como artista y académica en diferentes espacios universitarios.

Se ha desempeñado como profesora de Arte Creativo y Psicología del Arte en distintas instituciones educativas. Era miembro del Taller de Artes Visuales T.A.V,​ de la Sociedad de Escritores de Chile, SECH,​ y de la Asociación de Pintores y Escultores de Chile, APECH.

Ha publicado cinco novelas con creaciones visuales y varios cuentos que han sido premiados,​ dentro de las que destacan: El Conjuro de Cohoba (1990), Ardenza (1991), El Secreto del Chamán (1994), El Sol sobre las Tumbas (1994), Brindis de las Tres Viudas (1997)​ y Amores Carnívoros (2008). Además, publicó un libro únicamente de contenido visual, esta vez con los versos de la obra literaria La Divina Comedia, llamado "El infierno de Dante, HOY" (2005).

Ha explorado diversas técnicas, materiales y soportes: óleo, acrílico, acuarela, fotomontaje, grabado y escultura. Ha experimentado con metal, mosaico, piedras, greda, pelo, corteza, conchas, fibras, entre los más recurrentes. Una de sus obras más visibilizadas consiste en una serie escultórica realizada a partir de retazos de lana, objetos y telas diversas, llamadas “Cucos”, basados en una cosmovisión Mapuche. También destacan sus murales para la fábrica Savory-Nestlé de 1964, el del National City Bank (Santiago, Chile) de 1966 o los murales para la Base Aérea El Bosque en 1969, todos en Santiago de Chile.

Si bien la abstracción geométrica abrió un campo de investigación fundamental en el área de las artes visuales, no fue su única vía para reflexionar acerca del arte, la vida y la memoria, ya que profundiza en un lenguaje figurativo y expresivo de los cuáles emergen diversas figuras humanas, personajes y paisajes, vinculadas a un imaginario indígena precolombino.

Respecto de su obra visual, el académico Gonzalo Leiva​ ha realizado una lectura interesante donde describe el trabajo de Huneeus de la siguiente forma: “A grandes trazos reconocemos en Virginia roles de artista plástica, profesora inquieta, fundadora de talleres, escritora visual: su historia como proyecto de acción solidaria y valiente cuyos ecos van dando forma a una creación experimental, donde cada obra es un fragmento de un total continuo sostenido por una hoguera imaginativa”​ Asimismo, ha realizado una investigación sobre su trabajo en un libro titulado: “Horizontes y abismos”, donde refiere a “Sus maravillosos murales, sus acrílicos, pero también momentos más oscuros como su serie sobre el infierno según Dante, sus personajes tridimensionales también sobre el inframundo donde aflora la monstruosidad del ser humano, que ella muestra descarnadamente. O sus plácidas, pero tristes musas, en una instalación de un grupo escultórico  moldeado en cemento, madera y cuarzo”.

En relación con la crítica a su obra literaria, el Premio Nacional de Literatura 2006 José Miguel Varas escribe en el prólogo de su libro Amores Carnívoros: “Libro singular, de un género y un estilo que no se da, salvo raras ocasiones, en las letras chilenas. Desmesura, esperpento, los monstruos que nos asechan desde las cavernas del inconsciente y que nos atacan de pronto en nuestra pesadillas…”. Por otro lado, el crítico literario francés Roger Callois comenta de Huneeus en la contratapa del libro El Conjuro de Cohoba: “Su obra es significativa de nuestra época. Mitos y rituales, ofrecen un lenguaje de creencias y gestos comunitarios. Al disgregarse éstos, el artista de hoy sufre. Ante el abismo, crea entonces un pandemonio personal...”.

 En una entrevista del año 2018 por Fundación Lectura Nómada, Virginia Huneeus se refiere al proceso de su obra literaria, en que de las palabras surgen las imágenes mismas para su escritura, y que también, las imágenes se transforman en palabras. Esta relación demuestra la conexión de la autora con el arte durante toda su obra literaria, comenzando a escribir en la misma época en que inicia su obra visual inspirada en el infierno de La Divina Comedia, como se menciona en un artículo publicado por la Revista Alerce de la SECH: "...Por sobre todo, esta línea ondulante, este caos, llega a su literatura y le da forma a su escritura a partir de estas nuevas concepciones. Aunque quizás éste sea un desconcierto y una ruptura necesaria, que nos permite poder apreciar la génesis de la obra literaria de la artista...".

Exposiciones individuales

2015 Lo germinal, esculturas y grabados. Corporación Cultural Las Condes, Santiago de Chile.

2006 Versión Latinoamericana del Infierno de Dante, Instituto Italiano de Cultura, Santiago, Chile.

2005 Infierno Hoy, Virginia Huneeus. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile

2002 Síntesis 1965-2002, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.

1997 Brindis de las Tres Viudas, Sala Negra, Instituto Chileno-Norteamericano de Cultura, Santiago, Chile.

1994 El Secreto del Chamán, Instituto Cultural de Las Condes, Santiago, Chile.

1990 El Conjuro de Cohoba Centro de Extensión de la Universidad Católica, Santiago, Chile.

1988 Identidad-Fragmentación, Goethe Institut, Santiago, Chile.

1986 La Cultura de la Muerte, Galería Bucci, Santiago, Chile.

1984 Instituto Chileno-Francés, Santiago, Chile.

1979 Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago, Chile.

1976 Sala de Exposiciones Universidad de Varsovia, Polonia.

1975 Galería Inquadratura, Florencia, Italia.

1972 Sala de Exposiciones del Ministerio de Educación, Santiago, Chile.

1970 Centro de Estudios Visuales del Instituto Tecnológico de Massachusets, Estados Unidos.

1969 De Córdova Museum, Massachusets, Estados Unidos.

1963 Sala de Exposiciones de la Universidad de Chile, Santiago, Chile.

1963 Instituto Chileno-Británico, Santiago, Chile.

1962 Sala de Exposiciones de la OEA, Washington D. C., Estados Unidos.

1961 Universidades de Quebec y de Montreal, Canadá.

Pintura expuesta en el MAC en 2011, inspirada en la detenida desaparecida Marta Ugarte

Obras en colecciones públicas

Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile

Homenaje Hyeronimus Bosch, 2002, Aguafuerte, 20 x 46 cm

Museo de Arte Contemporáneo, Mac, Universidad de Chile, Santiago, Chile

Cantata, serigrafía y óleo sobre madera, 45 x 105 cm

Museo De Iquique, Chile

Banco de Talca, Calle Bandera, Santiago, Chile

Edificio Administrativo de La Fuerza Aérea de Chile, Base El Bosque, Santiago, Chile.

Mural, 1968, metal y cerámica, 3000 cm

Escuela Municipal de Domeyko, Domeyko, Chile.

Mural, 1972, 180 x 3000 cm

Fábrica Savory-Nestlé, Santiago, Chile. Mural, 1964, 3000 x 1500 cm

National City Bank, Santiago, Chile. Mural, 1966, 400 x 1500 cm

Salón Central Escuela De Periodismo, Universidad de Chile, Santiago, Chile. Mural, 1963, 2000 x 1800 cm

Colección De Arte Contemporáneo Del Museo Del Vaticano, Roma, Italia.

Colección O.E.A. Washington D. C., Estados Unidos

Museo D' Arte Progressivo, Livorno, Italia.

Museo De Córdova, Massachusetts, Estados Unidos.

https://www.latercera.com/culto/2019/11/11/muere-virginia-huneeus-artista-abstracta/#

https://es.wikipedia.org/wiki/Virginia_Huneeus

https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2014/09/pintores-chilenos-virginia-huneuus.html

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Gülsün Karamustafa artista visual y cineasta turca

Gülsün Karamustafa (2 de diciembre de 1946, Ankara) es una artista visual y cineasta reconocida como una de las personas  más famosas  de Turquía en su  campo.  Utilizando narrativas personales e históricas, Karamustafa explora cuestiones sociopolíticas en la Turquía moderna y aborda temas como sexualidad-género, exilio-etnicidad,  y desplazamiento-migración.  "Aclamada como una de las artistas contemporáneas más influyentes de Turquía",  su trabajo refleja los efectos traumáticos de la construcción de la nación,  ya que responde a los procesos de modernización, turbulencia política y derechos civiles en un período eso incluye los golpes militares de 1960, 1971 y 1980. Karamustafa fue una de las galardonadas con el Premio Príncipe Claus 2014, un prestigioso premio otorgado a "personas por sus destacados logros en el campo de la cultura y el desarrollo y el efecto positivo de su trabajo en su entorno directo y el un campo cultural o social más amplio ".  Ella vive y trabaja en Estambul.

Karamustafa nació en Ankara, Turquía en 1946. Su padre Hikmet Münir Ebcioğlu fue presentador de radio. Entre 1958-63, Karamustafa asistió a la escuela secundaria en el Colegio de Ankara. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Estambul , Departamento de Pintura en 1969, donde fue enseñada por Bedri Rahmi Eyüboğlu .

Influenciada por las revueltas estudiantiles de los años 68 y los enfrentamientos entre grupos de derecha e izquierda, Karamustafa se familiarizó con el activismo político durante sus años universitarios.  Después de su graduación, pasó un año en Londres, donde participó en discusiones sobre la guerra de Vietnam, el feminismo y el racismo.

Después de su regreso a Estambul en 1971, fue condenada por ayudar e instigar a un fugitivo político, y su pasaporte fue revocado durante dieciséis años,  haciéndola incapaz de viajar o emigrar hasta 1987. En este período es testigo de una migración masiva desde el campo a la ciudad, lo que influyó significativamente en su lenguaje artístico.

Entre 1975 y 1981, Karamustafa enseñó diseño básico en la Escuela Estatal de Bellas Artes Aplicadas, donde también completó su doctorado titulado "La interacción de la pintura y el cartel".  Luego dejó su puesto para dedicarse a su práctica artística.

"Mi relación con el arte no se desarrolló a partir de la satisfacción personal o de la necesidad de glorificar lo que hago. He estado llevando el arte como una misión pesada desde el principio. Siempre he pensado que tengo que producir y llevar esta producción a un lugar significativo ". 

"El material me lleva la mayor parte del tiempo. Puede ser material impreso, un objeto encontrado o un material transitorio: cualquier cosa puede tener un impacto en la forma de los cimientos de una obra de arte. Además, la narrativa puede conducir a un material específico. un par de componentes que se unen de manera inesperada pueden dar forma al trabajo. Lo que estoy tratando de decir es que hay una sensación de volatilidad en todos mis trabajos. Cuando obtengo esta calidad y la integro en el trabajo correctamente, todo adquiere la capacidad de ser un componente del trabajo ... El material es extremadamente crucial en mis trabajos, puede estar en igualdad de condiciones con la narrativa". 

Los trabajos de Karamustafa se pueden clasificar ampliamente en tres temáticas: migración, identidad, memoria y límites; su historia personal y experiencias; género y feminidad. Trabaja en una variedad de medios diferentes, utilizando diversas técnicas y métodos, que incluyen instalación, ready-mades, fotografías y videos.

Durante los golpes militares de Turquía a principios de la década de 1970, Karamustafa y su esposo participaron en protestas estudiantiles y fueron arrestados como resultado en 1971. Karamustafa explora esto en una obra de arte titulada The Stage (1998) donde presenta una foto tomada en el sala de justicia. Su tiempo en la cárcel está documentado en la serie de 1972 Prison Paintings , exhibida por primera vez en su exposición individual de 2013, A Promised Exhibitionen SALT, Estambul. Al hablar sobre la serie, Karamustafa explicó: "Los hice para recordar, a fin de poder tener [lo que sucedió] en mi mente. Después de cumplir un tiempo en las prisiones de Maltepe, Selimiye y Sağmalcılar en Estambul, fui enviado a la prisión de Izmit para estar con los condenados a servidumbre penal de por vida ".

Hasta que recibió su pasaporte en 1987, Karamustafa se centró en la nueva cultura visual híbrida causada por las olas masivas de migración interna de la Turquía rural a sus ciudades principales. Durante este período, también codirigió Benim Sinemalarım ("My Movie Theatres", 1990) y fue la directora artística de Bir Yudum Sevgi [20] ("A Sip of Love", 1984), Kupa Kızı  ("La reina del corazón", 1985), Asılacak Kadın  ("La mujer que debe ahorcarse ", 1986) y Gecenin Öteki Yüzü  ("La otra cara de la noche", 1987) ) Sus arabescos,  pinturas y el uso de alfombras, telas y objetos kitsch hechos a mano están inspirados en su experiencia en la industria del cine.

A partir de la década de 1990, Karamustafa comenzó a experimentar con diferentes medios, centrándose principalmente en el desplazamiento, el cruce de fronteras y la identidad.  Una obra clave de este período es Mystic Transport (1992), que consiste en colchas de satén en cestas de metal, fue expuesta por primera vez en la 3ª Bienal Internacional de Estambul en 1992. El trabajo resume la sociedad hipermóvil de la década. Presentación de una Representación temprana (1996), Trellis of My Mind (1998), Fragmenting Fragments (1999) y Anti-Hamam Confessions (2010) problematiza el discurso poscolonial.  Memoria de un cuadrado(2005), una instalación de video de doble pantalla, reúne registros históricos y experiencias personales.

http://www.turkishpaintings.com/index.php?p=34&l=2&modPainters_artistDetailID=1024
https://www.e-flux.com/announcements/11067/glsn-karamustafa-chronographia/
https://en.wikipedia.org/wiki/G%C3%BCls%C3%BCn_Karamustafa
https://www.ch-roma.com/Gulsun-Karamustafa-An-Ordinary-Love-Rampa-Istanbul-Art-Gallery
https://artcorejournal.net/2013/09/14/installed-gulsun-karamustafa/

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María María Acha-Kutscher artista visual feminista

María María Acha-Kutscher. Lima-Perú, 1968. Artista visual feminista. Co-directora con Tomás Ruiz-Rivas del proyecto experimental Antimuseo. Vive en Madrid y trabaja globalmente.

El centro de su trabajo es la mujer. Su historia, la lucha por la emancipación y la igualdad, y la construcción cultural de lo femenino. Su obra no se adscribe a ningún lenguaje, estética o estilo, ni se identifica con técnicas o formatos específicos. 




Acha-Kutscher organiza su trabajo en proyectos de largo plazo, para cada uno de los cuales desarrolla un lenguaje y una metodología propios. Posiblemente es una de las pocas artistas de su generación que se define como feminista, por la dimensión política de su obra, que cumple una doble función, la de ser un producto artístico y también un instrumento que pueda cubrir alguna necesidad social y contribuir a las transformaciones políticas.

Conocimos a María con su proyecto Indignadas, que acompañamos y difundimos .

Aquí os traemos un magnifico documental que la hace más nuestra y que merece un grandisimo éxito 

Memoria oral de mujeres republicanas exiliadas en México. Por María María Acha-Kutscher

En 2010 en el marco del proyecto MANO A MANO CON EL GENERAL CÁRDENAS del Antimuseo con el apoyo de Acción Cultural Española y la colaboración del Ateneo Español en México, realicé el documental EXILIADAS. Un testimonial de la memoria del exilio español a través de 7 mujeres que llegaron a México de niñas.

Cámara: Mario Acha

Asistente de Cámara: María Rodríguez

Edición: Mario Acha y María María Acha-Kutscher

 

Os contamos de su proyecto más actual  Womankind, mas específicamente de la serie fotográfica 365 days:

En Womankind hay una re-significación de las imágenes con las que se ha ido construyendo la historia de las mujeres desde la invención de la fotografía, donde normalmente han aparecido relegadas a un segundo plano, dentro de relatos hegemónicos de corte paternalista. María María rescata en sus collages una memoria histórica femenina, reflejando tanto su lucha política como la complejidad de su mundo privado. En Womankind las mujeres son las protagonistas

María María Acha-Kutscher  ha sido merecedora de numerosos premios y ha participado en muchas exposiciones tanto colectivas como individuales de los que os podéis informar en las páginas que se indican más adelante.

http://www.acha-kutscher.com/mujerestrabajando/about.html
http://cocteldemente.com/maria-maria-acha-kutscher-365-dias/
http://es.globalvoicesonline.org/2012/09/09/peru-maria-maria-acha-kutscher-artista-activista-y-feminista/
http://www.acha-kutscher.com/
http://www.fundacionsantandercreativa.com/web/evento-auna/charla-practicas-institucionales-en-el-espacio-publico-antimuseo-desvelarte-2012.html
http://lareplica.es/entrevista-maria-maria-acha-kutscher-feminismo/

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