Acerca de nosotras ·

viernes, 10 de marzo de 2023

Ina Donna Coolbrith poeta

 Ina Donna Coolbrith, nombre original Josephine Donna Smith, ( 10 de marzo de 1841, Nauvoo, Ill., EE. UU.—29 de febrero de 1928 en Berkeley, California), popular poeta estadounidense que, se convirtió en una figura importante en círculos literarios y culturales de San Francisco del siglo XIX y principios del XX.

Ina Coolbrith, la primera poeta laureada de California, era conocida como “Safo del oeste” y la “Cantante dulce de California”. Fue quizás la poeta del siglo XIX más conocida de California.

Nombrada Josephine Donna Smith en honor a su tío Joseph Smith, el fundador de la religión mormona, Ina  nació en Nauvoo, Illinois. Su padre  Carlos Smith, hermano menor del profeta mormón, murió cinco meses después del nacimiento de Ina, y poco después su madre Agnes Moulton Coolbrith contrajo matrimonio polígamo con Joseph Smith, convirtiéndose en su sexta esposa plural. Después del martirio de Smith en 1844 en una cárcel de Illinois por una turba anti-mormona, Agnes huyó con sus hijos a St. Louis, donde se casó con un impresor llamado William Pickett. Finalmente, Pickett llevó a su familia a California  cruzando Sierra Nevadas en Beckwourth Pass. Primero se establecieron en Marysville, al norte de Sacramento, y luego de una breve estadía en San Francisco, se mudaron a Los Ángeles.

La joven Josephine, llamada “Inez” por su familia, comenzó a escribir poesía a una edad temprana. Su primer poema publicado, "El hogar de mi infancia", apareció en Los Angeles Star el 30 de agosto de 1856, cuando tenía quince años. Durante los siguientes cinco años, contribuyó con varios poemas al Star y al California Home Journal bajo el seudónimo de "Ina".

Se casó a los diecisiete años, con un hombre llamado Robert Bruce Carsley que  fue físicamente abusivo y el matrimonio solo duró tres años. Se ha afirmado que en algún momento durante los tres años de su matrimonio, Ina dio a luz a un niño pequeño que murió poco después del parto.

Algún tiempo después del divorcio, Ina se mudó con su madre y su padrastro a San Francisco. Buscando un nuevo comienzo, así como para distanciarse de su pasado mormón, cambió su nombre, tomando su seudónimo "Ina" como su nombre de pila, y agregando como apellido el apellido de soltera de su madre, Coolbrith. Pronto encontró trabajo como maestra de escuela en San Francisco. Mientras tanto, continuó escribiendo poesía y fue colaboradora de Golden Era, Californian y otras publicaciones periódicas locales.

Coolbrith  se familiarizó con Charles Warren Stoddard y Bret Harte, y a través de su trabajo conjunto en Overland Monthly, una prestigiosa revista literaria publicada en San Francisco, se les conoció como la “Trinidad Golden Gate”. Como una de las figuras literarias más importantes de San Francisco, 

Coolbrith se hizo amiga de otros escritores importantes de la época, incluidos Mark Twain, Ambrose Bierce y Joaquin Miller. Coolbrith había sido presentado a Miller en 1870 por Stoddard, poco antes de que Miller zarpara hacia Inglaterra y obtuviera reconocimiento internacional como "El poeta de las sierras".  Miller trajo a su hija india Calla Shasta a vivir con Coolbrith, y ella cuidó de la joven durante más de siete años.

Coolbrith se vio obligada a cancelar un viaje planeado a Europa en 1873 cuando su hermana Agnes, que debía cuidar a su anciana madre durante su ausencia, enfermó gravemente y se mudó a la casa de Coolbrith con sus dos hijos pequeños. Agnes murió poco después, y Coolbrith crió a sus  sobrinos como propios. Pronto se mudó con su hogar a Oakland y a una casa más grande.


Aunque conocida por su poesía, Coolbrith recibió muy poca remuneración por sus versos y, por necesidad económica, aceptó un puesto como bibliotecaria en la Biblioteca Pública de Oakland en 1874. Las largas horas en la biblioteca le dejaban poco tiempo para escribir. Sin embargo, durante sus años como bibliotecaria sirvió como mentora de los muchos niños pequeños que visitaban la biblioteca, y entre los que más tarde reconocieron su influencia estaban la bailarina Isadora Duncan y el escritor Jack London. En 1892, después de dieciocho años de servicio en la biblioteca pública, la junta directiva despidió a Coolbrith y la reemplazó su sobrino. Más tarde regresó a San Francisco y aceptó un trabajo de medio tiempo como bibliotecaria del Bohemian Club.

Coolbrith contrajo peritonitis en julio de 1895. Los médicos no pensaron que sobreviviría, pero unos meses después se recuperó milagrosamente. Su editor envió inmediatamente a la imprenta un libro de sus poemas, Songs from the Golden Gate. Incluía muchos de los poemas de A Perfect Day, and Other Poems (1881), publicado anteriormente, y es probablemente su obra más conocida.

El terremoto que azotó a San Francisco el 18 de abril de 1906 devastó la ciudad y, en los incendios que siguieron, Coolbrith perdió su hogar y casi todas sus posesiones materiales, incluidos sus manuscritos inconclusos. Uno de ellos era una historia casi completa de la literatura de California que había planeado publicar. Más tarde, con la ayuda de amigos, se construyó una nueva casa. 

En sus últimos años, Coolbrith se mudó a la ciudad de Nueva York, y aquí escribió algunos de sus mejores poemas. Regresó a California en 1923 y pasó los últimos cinco años de su vida en la casa de una sobrina en Berkeley, donde murió el 29 de febrero de 1928. Coolbrith está enterrado en el cementerio Mountain View en Oakland.


Durante su vida, Coolbrith recibió muchos honores. En 1871 se convirtió en la primera mujer a la que se le pidió que escribiera una oda de graduación para la clase de graduados de la Universidad de California en Berkeley. Fue elegida Presidenta del Congreso de Autores y Periodistas antes de la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en 1915, en la que extraoficialmente fue nombrada Poeta Laureada de California. Cuatro años más tarde, la legislatura del estado de California la reconoció oficialmente como la primera Poeta Laureada de California.

Un mayor reconocimiento se produjo después de su muerte. En 1932, la Junta Geográfica de los Estados Unidos nombró una montaña de casi 8,000 pies de altura en la cordillera de Sierra Nevada, cerca del paso Beckwourth, Mt. Ina Coolbrith en su honor. En San Francisco, un pequeño parque cerca de la casa de Coolbrith en Russian Hill se llamó Ina Coolbrith Park y es aclamado por sus magníficas vistas de la ciudad. En 2016, un sendero para caminar en Berkeley pasó a llamarse Ina Coolbrith Path.

Además, el Premio de Poesía Ina Coolbrith Memorial se otorga cada año al mejor poema inédito o grupo de poemas de un estudiante de pregrado en cualquiera de los campus de la Universidad de California, y el Círculo Ina Coolbrith, formado cuando Coolbrith aún vivía, es un grupo dedicado a honrar la poesía y la historia de California, y todavía se reúne regularmente hasta el día de hoy.


San Francisco

En los días finales, un niño, pisé tus arenas

….Las arenas sin construir se amontonan con maleza y zarzas

Y florecer, persiguió la espuma del mar en tus hebras,

….¡Joven ciudad de mi amor y mi deseo!


Vi tus colinas yermas contra los cielos,

….Los vi rematados con minarete y chapitel,

En la llanura y la pendiente se elevan tus innumerables muros,

….Bella ciudad de mi amor y deseo.


Contigo el Oriente tocó corazón y manos;

….Los ricos argosies del mundo yacían a tus pies;

Reina de la tierra más hermosa de todas las tierras,—

….¡Nuestra Sunset-Glory, orgullosa, fuerte y dulce!


¡Te vi en tu angustia! torturado, propenso,

….¡Desgarra con los dolores de la tierra, vestidos de fuego!

Cada herida de tu pecho sobre la mía,

….Ciudad triste de mi amor y de mi deseo.


Cenizas grises arrastradas por el viento, pared rota y derribada

….Y el hogar arruinado, ¿son estas tu pira funeraria?

Desolación negra que cubre como un paño mortuorio,—

….¿Es este el final, mi amor y mi deseo?


No, fuerte, impávido, sin pensar en la desesperación,

….La Voluntad que te construyó construirá de nuevo,

Y todas tus promesas rotas brotan más bellas,

….¡Tú, poderosa madre de hombres tan poderosos!


¡Te levantarás invencible, supremo!

….La tierra para expresar tu gloria nunca se cansa,

Y la canción, no nacida, no cantará tema más noble,

….Ciudad orgullosa de mi amor y mi deseo.


¡Pero yo te veré siempre como en la antigüedad!

….Tu espectro de perla, muro, minarete y aguja,

Enmarcado en las nieblas que velan tu Puerta de Oro

….Ciudad perdida de mi amor y mi deseo.


Revista mensual de Putnam, octubre de 1906; Alas del atardecer (1929). En Wings of Sunset este poema se tituló “San Francisco. 18 de abril de 1906”, y después de la fecha se incluyó la siguiente nota al pie: “Fecha del gran terremoto e incendio que devastó San Francisco”.


El lirio mariposa

¿Insecto o flor? Frágil, cosa de hadas,

En equilibrio sobre la punta delgada, y temblando

….¡A volar! una flor de los campos de aire;

….Una polilla enjoyada; una mariposa, con raras

Y tiernos tintes en su ala suave

….Un momento de descanso en nuestra feliz vista;

….Una flor cautiva por un hilo tan ligero

Sus alas de pétalos de telaraña bordada

Son, ligeros como el viento, con todo viento en movimiento,—

….Olor dulce, tenue y exquisito.

Oh delicado lactante del campo y del cielo,

….Qué cosa más bella mira hacia el azul del cielo

….Y bebe el sol del mediodía, el rocío de la aurora?

¡Tú, flor alada! ¡Tú, flor de mariposa!



https://forgottenpoets.wordpress.com/2017/12/24/ina-coolbrith-1841-1928/

https://www.britannica.com/biography/Ina-Donna-Coolbrith

https://forgottenpoets.wordpress.com/2017/12/24/ina-coolbrith-1841-1928/

Leer más...

jueves, 9 de marzo de 2023

Emma Bonino querida política italiana


Emma Bonino (Bra, 9 de marzo de 1948) es una política italiana, integrante del Parlamento italiano.

Nacida en la población de Bra, en la provincia de Cuneo. Después de estudiar en su ciudad natal se licencia en Lengua y Literatura moderna en la Universidad Bocconi de Milán, Italia realizando una tesis de graduación sobre la autobiografía Malcolm X.

En 1975 funda el Centro de Información sobre la esterilización y el aborto y promueve un referéndum por la legalización del aborto en Italia, siendo arrestada por primera vez por desobediencia civil.

Al año siguiente con Partido Radical se presenta por primera vez a las elecciones, siendo Bonino escogida miembro de la Cámara de Representantes Italiana. Una condición que se repetirá en seis legislaturas más: 1979, 1983, 1987, 1992, 1994 y 2006.

En 1986, fue una de entre las y los promotores principales del referéndum contra la energía nuclear que va a desembocar en el abandono del programa civil nuclear italiano. En 1994 fue designada por el Gobierno Italiano jefe de la delegación nacional en la Asamblea General de las Naciones Unidas para tratar sobre la Moratoria sobre la Pena de muerte.

El 17 de mayo de 2006 Bonino fue nombrada ministra de Política Europea y Comercio Internacional en el gobierno de Romano Prodi, ganador de las elecciones generales de 2006

El 27 de abril de 2013 Bonino fue nombrada ministra de Exteriores en el gobierno de Enrico Letta. Tras la subida al poder de Matteo Renzi abandona el Ministerio de Exteriores.

En 1979 fue escogida miembro del Parlamento europeo, y, de nuevo, en 1984 y 1999. Desde el inicio como diputada europea va a iniciar sus trabajos en favor de la mujer, de los más desfavorecidos, así como en contra de los gobiernos autoritarios.

Entre 1980 y 1981 promueve diversas campañas por los derechos civiles de los ciudadanos de Europa del este, así como de la instauración de la Corte Penal Internacional. En 1981 funda la asociación "Food and Disarmament International", de la que es secretaria general desde 1985, y con la que pretende dar a conocer el problema del hambre en el mundo.

En 1993 promueve ante las Naciones Unidas el establecimiento del Tribunal Penal Internacional para la antigua Yugoslavia, tribunal específico para investigar y juzgar los crímenes cometidos durante la Guerras Yugoslavas y sus secuelas.

Emma Bonino es conocida por su pro-europeísmo, postura que reafirmó recientemente al firmar una carta escrita por George Soros en la que pedía una mayor integración europea.


En 1994 Bonino fue nombrada comisaria europea responsable del Consumo y Pesca así como de la Oficina europea de ayuda humanitaria, bajo la presidencia de Jacques Santer.

El 26 de enero de 1995, cuarenta horas después de tomar posesión de su cargo, viaja a Sarajevo y Mostar para denunciar la impotencia de la Unión Europea y el desinterés de la ONU sobre el conflicto de los Balcanes y por cerrar los ojos ante la limpieza étnica que se estaba produciendo. En 1996 denuncia el abandono de Ruanda por parte de la comunidad internacional ante el genocidio cometido por las etnias tutsi y hutu.

En febrero de 1995, después de que un pesquero español fuera interceptado por la marina militar canadiense, y llevado a puerto con toda su tripulación, Emma Bonino acusa a Canadá de un "acto de piratería internacional" y da comienzo a una negociación que termina en abril con un acuerdo entre Bruselas y Canadá. Este hecho provoca una fuerte estima hacia ella en España.

Bonino, como responsable de ayuda humanitaria de la Comisión Europea, realizó diversos viajes a zonas en conflicto: Somalia, denunciando el régimen de los Señores de la Guerra; Sudán; Kurdistán, perjudicado por las sanciones impuestas al régimen de Sadam Husein; Afganistán, para denunciar el régimen de los talibán por sus restricciones a la población, y a la mujer en especial; Guinea-Bisáu, donde media entre el gobierno y la guerrilla; y Sierra Leona.

En 1998 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Cooperación Internacional, junto con Fatiha Boudiaf, Rigoberta Menchú, Fatana Ishaq Gailani, Somaly Mam, Graça Machel y Olayinka Koso-Thomas por su trabajo en defensa y por la dignidad la mujer.

El 15 de marzo de 1999 dimitió de su cargo, al igual que el resto de la comisión de Jacques Santer, por las acusaciones de fraude y malversación de fondos sobre la comisaria Édith Cresson. En junio de ese mismo año se presenta nuevamente a las elecciones europeas con su propia formación, la Lista Bonino, consiguiendo el 8,5 % de los votos italianos y 7 eurodiputados. En 2004 la Lista Bonino se unió a la Alianza de los Liberales y Demócratas por Europa.

El 28 de abril de 2013 Bonino asumió el cargo de ministra de Asuntos Exteriores formando parte del gobierno de Letta convirtiéndose en la segunda mujer en ocupar el cargo después de Susanna Agnelli. Ocupó el cargo hasta el 22 de febrero de 2014, cuando fue sustituida por Federica Moguerini.

En enero de 2018 se anunció que concurriría a las elecciones legislativas de Italia del 4 de marzo de 2018 con un pequeño partido democristiano: Centro Democrático tras un pacto con su líder Bruno Tabacci. La cesión permite que Bonino pueda concurrir a los comicios con una lista propia, de inspiración radical y con el nombre de +Europa con Emma Bonino, evitando que se vea obligada a la recogida de 25.000 firmas en 63 circunscripciones tal como marca la ley.


Bonino ha destacado especialmente por la defensa de los derechos humanos de las mujeres y ha recibido varios premios por ello.

En el octubre de 1998 al recibir el premio Premio Príncipe de Asturias de Cooperación Internacional lo dedicó a la líder de la oposición birmana Aung San Suu Kyi y pidió compartir el premio con un grupo de mujeres especialmente activas en el campo de los derechos humanos: Fatiha Boudiaf, viuda del presidente argelino asesinado en el 1992, Olayinka Koso-Thomas, nigeriana que lucha de más que quince años por la abolición de la mutilación femenina, Graca Machel, Presidenta de la Comisión ONU por la defensa de los niños víctimas de la guerra, Rigoberta Menchù, Premio Nobel por la Paz 1992, Fatana Ishaq Gailani, fundadora del Consejo de las Mujeres afganas, y Somaly Mam, Presidenta de la asociación camboyana que combate la prostitución infantil. En la década de 2000 trabajó especialmente en campañas contra las mutilaciones genitales femeninas, los derechos de las mujeres afganas y la lucha contra la prostitución infantil.

En 2001 luchó por la incorporación de mujeres en el nuevo gobierno de Afganistán pos talibán y apoyó la "carta afgana de los derechos de la mujer" que debía proponerse a la asamblea de jefes tradicionales encargada de escribir la nueva constitución.

En enero de 2015 cuando se hablaba de ella como posible sucesora de Giorgio Napolitano a la presidencia de Italia anunció que tenía cáncer, un tumor en el pulmón izquierdo, que requeriría un duro tratamiento médico y que reduciría su ritmo de trabajo pero que no tenía intenciones de interrumpir su actividad política. «Sólo queremos decir que debemos esforzarnos por ser personas y por vivir libres hasta el fin. En suma, yo no soy mi tumor, ni vosotros sois vuestra enfermedad; debemos pensar solamente que somos personas que se enfrentan al reto que se les ha presentado» añadió en su intervención.​ En mayo de 2015 en otro comunicado anunció que había superado el cáncer de pulmón y que estaba en tratamiento de radioterapia preventiva.​ Unos días más tarde añadió que estaba mejor, aunque no estaba curada y que el camino era todavía largo.

http://www.heroinas.net/2011/10/en-italia-la-red-de-bienestar-social-es.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Emma_Bonino

https://www.lacasademitia.es/articulo/politica/emma-bonino-anos-politica-periodicos-han-abusado-demagogia-disparate-entrevista-julio-ocampo/20220923100904129527.html

https://elpais.com/elpais/2019/03/12/eps/1552392491_072033.html

https://gloria.tv/post/tdLAQPc32xuM1YmxVtoMa1B38

Leer más...

miércoles, 8 de marzo de 2023

Anna Maria Lenngren poeta sueca


Anna Maria Lenngren, (nacida Malmstedt, 18 de junio de 1754 - 8 de marzo de 1817), ha sido una de las poetas más famosas de la historia sueca. Su padre y su hermano también eran poetas.

Uno de sus poemas más conocidos es Några ord till min kära dotter, ifall jag hade någon ("Consejo para mi querida hija, si tuviera una"). También escribió sobre el sistema de clases de Suecia  y en los poemas satíricos cuestionó el esnobismo Hans nåds morgonsömn (" Posesión matutina de Su Gracia") y Grevinnans besök ("La visita de la condesa").


Anna Maria Lenngren nació en Uppsala como la hija del poeta Magnus Brynolf Malmstedt (1724-1798), profesor de latín en la Universidad de Uppsala , y Märta Johanna Florin (m. 1788). Su padre era miembro de la Iglesia de Moravia y era conocido por su trabajo social; desde 1772, fue anfitrión de una escuela para niños pobres en su hogar. Sus padres publicaron himnos, y su hermano Johan Magnus (1749–80) escribió poemas seculares.

Anna Maria Lenngren cuestiono  la religión y en favor de la ilustración por la aversión a los apasionados sentimientos religiosos de su padre; pero su humanismo y pasión por la justicia social también se han atribuido a la influencia de este.  En sus opiniones sociales, sentía simpatía por las clases trabajadoras, se opuso a los privilegios de la nobleza y actuó como portavoz del "tercer estado", idealizando un estilo de vida simple y humilde.

Ella fue instruida en casa en latín y los clásicos de la antigüedad. Su poeta favorito era Horacio .


Comenzó su carrera en poesía con reseñas , epítomos , epigramas y traducciones en la década de 1770. Entre sus primeros trabajos había interpretaciones de Horace, publicadas anónimamente en la prensa. En 1772, publicó su primer poema bajo su propio nombre, el poema fúnebre På mademoiselle Anna Lovisa Pahls saliga hemfärds dag, den 14 Maji 1772, die Corona . Entre  1774-1777,  escribió con frecuencia para   el periodico editado po Anna Hammar-Rosen  Hwad Nytt ?? Hwad Nytt ?? .

En 1776 fue comisionada por el duque Charles , hermano del rey de Suecia, para una traducción de la opereta francesa Lucile, la primera opereta francesa traducida al sueco. En su introducción, defendió el derecho de las mujeres al trabajo intelectual.  Fue un éxito: Lenngren recibió un reloj de oro como muestra de agradecimiento por parte de la duquesa real Charlotte , y la casa real le encargo varias traducción similares.

Lenngren disfrutó de un gran éxito: ya en 1774, fue incluida en una sociedad literaria en Uppsala, obtuvo buenas críticas y reconocimientos poéticos en la prensa, se hizo conocida como defensora de las mujeres intelectuales y se refirió a sí misma como una "litterata".  Se convirtió en miembro de la Royal Society of Sciences and Letters en Gotemburgo en 1775, y de Utile Dulci en 1779.  Era una de las tres únicas mujeres miembros de Utile Dulci, las otras eran Anna Charlotta von Stapelmohr y Anna Brita Wendelius .  En 1777, repitió su demanda a favor del derecho de las mujeres a actividades intelectuales en Thé-conseillen . 


En 1780, se casó con el oficial Carl Peter Lenngren (1750-1827). editor jefe de Stockholms-Posten, donde el famoso poeta y crítico Johan Henric Kellgren y Kellgren  publicaron y comartieron trabajó con Lenngren en varias tareas desde 1778, supuestamente le proporcionaron inspiración y compartió un interés en las ideas de Voltaire. Anna  habia publicado   poemas y prosa en Stockholms-Posten desde 1778, pero después de su boda, solo publicó anónimamente, parando su producción por completo a fines de la década de 1780.

Su matrimonio causó un gran cambio en su vida. Después de su boda, oficialmente dejó de ser activa en el mundo literario, publicando bajo seudónimos, renunciando a su posición anterior a favor de la emancipación intelectual y literaria de las mujeres, y argumentando que las mujeres deberían evitar actividades literarias en favor de desarrollar su carácter como esposas y madres adecuadas.  Si fue honesta en este cambio de opinión, o si estaba usando la ironía  ha sido objeto de debate. 

Tristemente Anna Maria  llegó a admirar a Rousseau , y puede haber venido a apoyar sus ideas sobre el papel de la mujer en la década de 1780, opiniones respaldadas aún más por los valores religiosos de simplicidad y humildad en el hogar  que le enseñaron su infancia. 

Después de su matrimonio, organizó un salón literario, que se convirtió en un centro de debate cultural. Durante estos años se la describe como ingeniosa e inteligente pero humilde y modesta.

Su cónyuge fue descrioa como útil y aburrido,  pero  en apariencia el matrimonio fue feliz y solía llevarlo a la Academia Utile Dulci y cantar con él.  Ella no tuvo hijos, pero adoptó una hija. En 1797 la hija fue ingresada en un manicomio, pero murió poco después de su admisión, un evento que afectó profundamente a Lenngren, al igual que la muerte de su padre, quien se ahogó en circunstancias sospechosas en 1798.

En 1790, se produjo otro gran cambio cuando su esposo  suspendió su producción literaria debido a una enfermedad. y Anna Maria Lenngren reanudó sus contribuciones en Stockholms-Posten por razones financieras.  Sin embargo, ella insistió en permanecer en el anonimato y se negó a reanudar oficialmente su carrera, aunque extraoficialmente se conocían sus seudónimos  aunque insistió en permanecer oficialmente anónima.

Su salón en Beridarebansgatan era el centro de la Real Academia Sueca, y aunque nunca fue miembro formal, la llamaron su "miembro invisible". El 20 de diciembre de 1797, la Real Academia Sueca la celebró con la "Oda a la Sra. Lenngren", leída por Gustaf Fredrik Gyllenborg . Ella declinó su admiración con el poema Dröm ("Sueño"), en el que describió cómo el poeta Hedvig Charlotta Nordenflycht se le había aparecido y la consideraba indigna.  Sin embargo, ella firmó  Dröm con su propio nombre, el primero que había escrito con su propio nombre desde su matrimonio, y el último.

Lenngren murió de cáncer de mama a los 62 años y fue enterrada en el cementerio Klara kyrka de Estocolmo .


Anna Maria Lenngren debutó como escritora de poemas para funerales y bodas, y su primer trabajo tiene un tono de la pasión extática común en los círculos religiosos de su padre. Sin embargo, esto fue rápidamente reemplazado por un tono más sobrio en línea con el sentido científico y el realismo de la era de la iluminación .

Como escritora, Lenngren solía usar la sátira, el sarcasmo y la ironía, y a menudo parodiaba el género de la pastoral, la ópera y la balada. Su verso era a menudo corto, retratando la vida cotidiana, casi siempre en un ambiente de ciudad, y criticaba la artificialidad y la falta de valor genuino detrás de la fachada. Ideológicamente, se inspiró en su amigo personal y colega Johan Henric Kellgren, con quien a menudo trabajó desde 1778 en adelante.  

Su exitosa carrera temprana durante la década de 1770 estuvo influenciada por sus ideas feministas, principalmente su defensa del derecho de las mujeres a participar en el trabajo intelectual. Esto es más evidente en las palabras preliminares de su traducción de Lucile (1776) y su poema Thé-conseillen (1777). 

El cambio radical en sus puntos de vista sobre el papel de la mujer que tuvo lugar en su trabajo después de su matrimonio en 1780 ha sido objeto de mucho debate. En su poema Några ord till min kära dotter, ifall jag hade någon ("Consejo para mi querida hija, si tuviera una") y ' råden hasta Betti ', aconseja a las mujeres que renuncien a las aspiraciones intelectuales y se centren en moldear moralmente su carácter para ser  una esposa y madre ideal.  Ella aconseja a las mujeres que se concentren en las tareas domésticas en lugar de intentar entrometerse en actividades intelectuales o políticas, porque "Nuestro hogar es nuestra República; nuestra política es nuestra apariencia". Ella misma quito continuidad  oficialmente  a su carrera después de su matrimonio al publicar sus trabajos bajo seudónimos anónimos que  se negó a admitir. 
 Sin embargo, Anna Maria Lenngren es famosa por su gran amor por la ironía , lo que ha creado incertidumbre acerca de si ella quiso decir lo que dijo literariamente o si deseaba demostrar su punto por ironía.  Su poema Dröm , que fue dado como respuesta a la admiración de la Academia en 1797, y en el que se describe a sí misma como indigna, también ha sido interpretado como irónico a este respecto. 

Anna Maria Lenngren tenía opiniones radicales sobre el sistema de clases de Suecia, se opuso a los privilegios de la nobleza y defendió los derechos del "tercer estado" o clase trabajadora contra la opresión.  Ella criticó el esnobismo de la nobleza, la humilde admiración que les daban sus sirvientes y la ansiosa reverencia de la clase trabajadora, y describió a los miembros masculinos de la clase alta como fríos y despiadados y a las mujeres como presumidas y ridículas. Idealizó "la tercera clase", se inspiró en la Revolución francés. Sobre todo, ella luchó por la libertad intelectual de las mujeres; que también se debe permitir que las mujeres tengan opiniones y critiquen el doble rasero 

Sus poemas más conocidos sobre el sistema de clases son Hans nåds morgonsömn ("Oración matutina de Su Gracia") y Grevinnans besök ("Visita de la condesa"), en la que satiriza el esnobismo, y Pojkarne ("Niños"), en el que lamenta el hecho de que los niños de todas las clases puedan jugar entre ellos durante su infancia, pero que esta solidaridad y amistad se destruye cuando se convierten en adultos, junto con el popular Det blev ingen julgröt men ändå en glad julafton ("No había avena pero sigue siendo una feliz Navidad "), en la que describe los efectos de la pobreza. 


Medalla de plata con la imagen de Lengren, 1818.


Anna Maria Lenngren es una de las poetas más famosas de la historia de Suecia. Su producción la ha convertido en una de las pocas poetas suecas del siglo XVIII que todavía se lee comúnmente,  y ha sido publicada varias veces después de su muerte durante los siglos XIX, XX y XXI.

De acuerdo con sus instrucciones, sus poemas recopilados fueron publicados después de su muerte por su viudo bajo el nombre de Skaldeförsök ("Intentos de poesía"). Después de su publicación, la Real Academia Sueca acuño una medalla conmemorativa hecha con la inscripción: "Cuanto menos buscaba fama, más la ganaba". 

Se ha publicado su correspondencia con su amigo personal Gustaf af Leopold de 1795 a 1798. 

En la  ficción Anna Maria Lenngren ha sido retratada en la novela Pottungen por Anna Laestadius Larsson en 2014, donde ella, junto a Ulrika Pasch , Ulrika Widström , Jeanna von Lantingshausen , Marianne Ehrenström y Sophie von Fersen, se convierte en miembro de un Sociedad de medias azules.



http://runeberg.org/lenngren/1_01.html
https://alchetron.com/Anna-Maria-Lenngren
https://www.britannica.com/biography/Anna-Maria-Lenngren
https://en.wikipedia.org/wiki/Anna_Maria_Lenngren
http://mujerdelmediterraneo.heroinas.net/2013/12/como-se-nos-ha-educado-las-mujeres.html
Leer más...

martes, 7 de marzo de 2023

Irma Urteaga compositora, pianista

Irma Urteaga (San Nicolás de los Arroyos, 7 de marzo de 1929 - Buenos Aires, 14 de febrero de 2022)​, fue una compositora, pianista y profesora argentina.

Junto a Amanda Guerreño fundó en 2004 el Foro Argentino de Compositoras, del cual fue vicepresidenta.​ Fue secretaria del Consejo Argentino de la Música, vicepresidenta y socia honoraria de la Asociación Argentina de Compositores y miembro de Compositores Unidos de la Argentina.

Urteaga nació en San Nicolás, Buenos Aires. Empezó sus estudios en la ciudad entrerriana de Paraná. Se trasladó a Buenos Aires y allí continuó su formación, estudiando piano con María Lucrecia Madariaga de Gilardi, Josefa Hernandorena y Jorge Fanelli, y armonía con Beatriz Hernandorena y Gilardo Gilardi.​ Tuvo también como docentes a Roberto García Morillo, Jacobo Fischer, Roberto Caamaño, Valdo Sciamarella y Alicia Terzian.

Logró el título de profesora (con especialidad en piano) en el año 1959, en el Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo". En la misma institución estudió composición, egresando en 1971 con medalla de oro.​

En el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón se formó en dirección orquestal y coral.


Urteaga se desempeñó como maestra interna del Teatro Colón dirigiendo ópera, y lo hizo también en el grupo Ópera de Bolsillo.

A lo largo de su trayectoria obtuvo varios premios en composición y otros reconocimientos por sus logros.

Dictó clases de canto, repertorio, armonía, composición y dirección orquestal.

También ofició de jurado en diversos concursos de índole musical.

https://es.wikipedia.org/wiki/Irma_Urteaga

https://www.clarin.com/espectaculos/musica/murio-compositora-irma-urteaga_0_xj4E9m19EK.html

https://svmusicology.com/mapa?lang=es

Leer más...

lunes, 6 de marzo de 2023

Elizabeth Barrett Browning poeta

Elizabeth Barrett Browning (6 de marzo de 1806 – 29 de junio de 1861) fue una escritora de la etapa victoriana que se destacó por su poesía. Hizo campaña por la abolición de la esclavitud y su obra ayudó a influir en la reforma de la legislación sobre trabajo infantil. Su producción literaria influyó en autores como Edgar Allan Poe y Emily Dickinson.

Elizabeth Barrett Browning, llamada originalmente Elizabeth Barrett Moulton-Barrett, nació en Cochoe Hall, cerca de Durham, Inglaterra en 1806. Era hija de un propietario de plantación Edward Moulton-Barrett, que adoptó el apellido "Barrett" al heredar las fincas de su abuelo en Jamaica. Fue bautizada en la iglesia de Kelloe, donde una placa la describe como una "gran poeta, noble mujer, devota esposa". Su madre se llamaba Mary Graham-Clarke y provenía de una familia adinerada de Newcastle upon Tyne, descendiente del rey Eduardo III de Inglaterra.

Barrett fue educada en su hogar por su hermano mayor y el tutor Daniel McSwiney. ​ Al parecer comenzó a escribir versos a la edad de cuatro años, leía novelas con seis, con ocho las traducciones de Homero y a los diez ya estudiaba griego. A los doce años ya había escrito su propia epopeya homérica, La batalla de Maratón: un poema.

De 1820, es su The Battle of Marathon, un poema de estilo épico cuyas copias permanecieron dentro de la familia.​ Su madre compiló la poesía de la todavía niña en la colección de "Poems by Elizabeth B. Barrett" que su padre llamó " Poet Laureate of Hope End" en alusión a la mansión donde vivían. El resultado es una de las mayores colecciones de juventud escrita en lengua inglesa.

En esta época, Elizabeth comenzó a luchar contra una enfermedad, que la ciencia médica de la época no pudo diagnosticar. Las tres hermanas cayeron con el mismo síndrome aunque solo persistió en Elizabeth. Tenía dolor intenso de cabeza y columna con pérdida de movilidad. Enviada para recuperarse a Gloucester, fue tratada, en ausencia de síntomas que respaldaran otro diagnóstico, por un problema de columna vertebral. Aunque esta dolencia continuó durante el resto de su vida, se cree que no está relacionada con la afección pulmonar que desarrolló más tarde, en 1837.

Para calmar los dolores derivados de sus problemas de salud, Barrett comenzó a tomar opiáceos, láudano, seguido de morfina, entonces comúnmente prescrito, convirtiéndose en dependiente de ellos durante gran parte de su vida adulta. Así mismo, el uso desde una edad temprana de este derivado del opio bien pudo haber contribuido a su frágil salud. Algunos biógrafos como Alethea Hayter han sugerido que esto también puedo haber fomentado la viveza de su imaginación y en el  impacto en la poesía que produjo.

En 1821, con 15 años, Elizabeth Barrett lee Vindicación de los derechos de la mujer de Mary Wollstonecraft (1792), convirtiéndose en una apasionada defensora de las ideas de esta pensadora y escritora referente del pensamiento feminista.

En 1828 fallece su madre. A partir de este momento, es su tía Mary Sarah Graham-Clarke quién se encarga principalmente de cuidar a los hijos de su hermana. Tras  la abolición de la esclavitud, el padre de Elizabeth sufre grandes pérdidas financieras y de inversión que le fuerzan a vender Hope End. Aunque los Barrett nunca llegaron a ser pobres, el lugar fue confiscado y puesto a la venta para satisfacer a los acreedores, representando un duro golpe para la economía de la familia.

Entre 1833 y 1835, la familia se traslada a Belle Vue en Sidmouth, rebautizado en la actualidad como Cedar Shade, en donde una placa azul en la entrada atestigua el paso de Barrett por la localidad. En 1838, algunos años después de la venta de Hope End, los Barrett se establecen en el 50 Wimpole Street .

Durante 1837-38 la poeta sufrió una nueva enfermedad, con síntomas que hoy sugieren una ulceración tuberculosa de los pulmones. Ese mismo año, como consecuencia de la insistencia de su médico, los Barrett vuelven a mudarse, en este caso a Londres a Torquay, en la costa de Devonshire. Más tarde dos tragedias azotan a la familia. En febrero de 1840, su hermano Samuel mure de fiebre en Jamaica y poco después, en julio, su hermano favorito Edward ("Bro") se ahoga en un accidente de navegación en Torquay. Esto tuvo un efecto grave en su salud, que ya era frágil y la familia regresa a la calle Wimpole en 1841. Aquí Elisabeth Barrett Browning pasa la mayor parte de su tiempo en su habitación, viendo a pocas personas fuera de su entorno inmediato. Durante este aislamiento su perro de aguas Flush se convierte en una importante compañía. La propia Elizabeth Barrett, con la perspectiva de los años, describe como se sentía y como le afectó esta situación de soledad y desconexión con el mundo, que percibía como una clara desventaja para desarrollar su pasión por la escritura, que para ella representaba una válvula de escapeː


He vivido sólo hacia adentro o con tristeza, por una emoción fuerte. Antes de esta reclusión de mi enfermedad, estuve recluida también y pocas habrá en el mundo entre las mujeres más jóvenes que no hayan visto más, oído más, sabido más de la sociedad, que yo, que difícilmente puedo ya ser considerada joven.

Elisabeth Barrett Browning en Virginia Woolf



Agradezco a todos.

I Thank All, Elizabeth Barrett Browning (1806-1861)


Doy las gracias a todos los que me han amado en sus corazones,

con las gracias y el amor que hay en el mío.

Profundas gracias a todos los que se han demorado en los muros de esta prisión

para escuchar mi música en sus más intenso dolor,

flotando siempre hacia adelante, llenando el espacio del templo pagano, 

más allá de las palabras.

Tu, quien te hundes y caes en mi voz cuando la pena te arrebata, 

el divino instrumento del arte se despliega ante tus pies

para escuchar lo que he dicho entre lágrimas.

Enséñame cómo agradecerte.

Enséñame cómo ver el sentido de mi vida en los años futuros,

Y a sentir que el amor perdura en la vida que se desvanece.



I thank all who have loved me in their hearts,

With thanks and love from mine. Deep thanks to all

Who paused a little near the prison-wall

To hear my music in its louder parts

Ere they went onward, each one to the mart's

Or temple's occupation, beyond call.

But thou, who, in my voice's sink and fall

When the sob took it, thy divinest Art's

Own instrument didst drop down at thy foot

To harken what I said between my tears,

Instruct me how to thank thee! Oh, to shoot

My soul's full meaning into future years,

That they should lend it utterance, and salute

Love that endures, from life that disappears!


Elizabeth Barrett Browning (1806-1861)

El periodo de 1841 a 1844 son años prolíficos en poesía, traducción y prosa. El poema " The Cry of the Children ", publicado en Blackwoods en 1842, condenando el trabajo infantil, ayudó a realizar reformas legales mediante el apoyo a la Ley de diez horas de Lord Shaftesbury (1844).

En 1844 publica dos volúmenes de Poemas, que incluyeron "A Drama of Exile", "A Vision of Poets", y "Courtship de lady Geraldine" y dos importantes ensayos críticos para The Athenaeum. La liberación de las tareas domésticas que le supuso su enfermedad, le permitió, a diferencia de lo que sucedía con sus hermanas y lo que se esperaba de cualquier joven de la época, centrarse y desarrollar su faceta intelectual y creativa, cultivando una enorme correspondencia y leyendo ampliamente.

Los Poemas publicados en 1844 le trajeron un gran éxito, atrayendo la admiración del escritor Robert Browning, con el que inicia una correspondencia secreta, que culmina en matrimonio también secreto por temor a la desaprobación de su padre que, en efecto, se produjo, siendo poco después del enlace desheredada por este. La pareja se asentó en Florencia, en donde la salud de Elizabeth mejora. Aquí escribe Las ventanas de la casa Guidi (Casa Guidi Windows, 1851), considerada por muchos su trabajo más poderoso, inspirada por la lucha toscana por la libertad. El matrimonio instala su residencia en Piazza San Felice, en el apartamento que hoy es el museo de Casa Guidi, dedicado a su memoria. Durante su estancia en esta ciudad Elizabeth Barrett se hace muy amiga de las poetas británicas Isabella Blagden y Theodosia Trollope Garrow. En 1848 nace su único hijo, Robert Wiedeman Barrett.


Su obra más conocida en España es The Sonnets from the Portuguese, normalmente traducidos como Sonetos del portugués, aunque también han aparecido publicados como Sonetos de portugués, Los sonetos del portugués, Sonetos portugueses, Los sonetos de la dama portuguesa o Sonetos de la portuguesa. De tema amoroso, relata su propia historia de amor, disfrazándola escasamente con el título. Empieza a escribirlos en 1845, y no es hasta 1848 que se los da a leer a su esposo, finalmente los publica en 1850, dentro de una edición aumentada de los Poemas.

En 1856 se publica 'Aurora Leigh, la que Barrett considera su obra más madura, "aquella en la que figuran mis convicciones más elevadas sobre la vida y el arte". Se trata de una libro gestado durante muchos años, que ya tenía en mente cuando conoce a su marido, con el que comparte su idea y anhelos sobre el mismoː

Mi principal intención en este momento es escribir una especie de novela-poema...adentrándome en el centro de nuestras convenciones, e irrumpiendo en las salas de estar y sitios parecidos, "donde a los ángeles les da miedo pisar"; y abordando así, cara a cara y sin máscara, a la humanidad de la época, diciendo claramente la verdad sobre ella. Esa es mi intención.

Elisabeth Barrett Browning en Virginia Woolf



Aurora Leigh fue, además, una de las más apreciadas por el público de la época, como pone de manifiesto que en el año 1873, diecisiete desde su publicación, se llegaran a hacer trece ediciones de este libro.

En 1860 sale a la luz una edición completa de sus poemas con el título de  Poems before Congress. Poco tiempo después su salud empeora y Elizabeth Barrett Browning fallece el 29 de junio de 1861.​ Su tumba se encuentra en el cementerio protestante de Florencia. Una colección de sus últimos poemas fue publicada por su marido poco después de su muerte.

Generalmente se considera a Barrett la más grande poetisa inglesa. Sus obras están llenas de ternura y delicadeza, pero también de fuerza y hondura de pensamiento. Sus propios sufrimientos, combinados con su fuerza moral e intelectual, hicieron de ella una defensora de los oprimidos allí donde los encontrara. Su talento era sobre todo lírico, aunque no toda su obra adopta esa forma. Sus debilidades son la falta de concisión, cierto manierismo, y fallos en metro y rima.

Una de sus obras más famosas es los Sonetos del portugués, una colección de sonetos amorosos escritos por Browning pero disfrazados como una traducción. El más famoso de ellos, con una de las frases iniciales más conocidas del idioma inglés, es el número XLIII: "How do I love thee? Let me count the ways… / ¿Cómo te amo? Déjame contarte las maneras en que te amo..."

Pero mientras sus petrarquianos Sonetos del portugués son exquisitos, también fue una poetisa profética, incluso épica, al escribir Las ventanas de la casa Guidi en apoyo del Risorgimento italiano, como Byron había apoyado la independencia de Grecia respecto a Turquía.

Aurora Leigh es  otra de sus obras más conocidas, escrita en nueve volúmenes que representan el número de la mujer, después de la muerte de Margaret Fuller al ahogarse en el barco "Elizabeth", en el que Aurora encarna a Margaret y Marian Erle, a la propia Elizabeth. Aurora Leigh transcurre en Florencia, Inglaterra y, empleando en ella sus conocimientos adquiridos desde la infancia, de la Biblia en hebreo, Homero, Esquilo, Sófocles, Apuleyo, Dante, Langland, Madame de Stael, y George Sand.

Virginia Woolf dice sobre esta obra de Barrett que su velocidad y energía, además de una franqueza y seguridad absoluta mantienen cautivadas a las personas que leen el texto. Resalta, así mismo, que una de las impresiones más penetrantes cuando se lee esta obra es la sensación de la presencia de la autora, que "a través de la voz del personaje Aurora, resuenan en nuestros oídos el carácter, las circunstancias, las peculiaridades de Elisabeth Barrett".


El gobierno de Italia y la Comuna de Florencia celebraron su poesía con placas conmemorativas en la Casa Guidi, donde los Browning vivieron durante sus quince años de matrimonio. Lord Leighton diseñó su tumba en el cementerio inglés, realizándose su escultura, no muy fidedigna, en mármol de Carrara, por parte de Francesco Giovannozzo. En 2006 la Comuna de Florencia colocó una corona de laurel sobre esta tumba para celebrar los doscientos años transcurridos desde su nacimiento.




 https://frasesmaspoemas.com/poemas-de-elizabeth-barret-browning/

https://es.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Barrett_Browning


https://elespejogotico.blogspot.com/2008/10/poema-para-decir-gracias.html

Leer más...

domingo, 5 de marzo de 2023

Mathilde von Rothschild mecenas y compositora



Hannah Mathilde von Rothschild ( Frankfurt del Main , 5 de marzo de 1832 - ibídem , 8 de marzo de 1924 ) fue una compositora, mecenas  y baronesa alemana .

Mathilde von Rothschild fue la segunda hija de Charlotte y Anselm Salomon von Rothschild , un miembro de la familia Rothschild de Viena.  En 1849 se casó con el banquero Wilhelm Carl von Rothschild, primo de su padre. La pareja primero residió en la casa Rothschild en Zeil (en el Zeilpalast), pero después se trasladó a un palacio en Grüneburg, y también vivió en una villa en Königstein im Taunus. Tuvieron tres hijas, dos de las cuales sobrevivieron a la infancia: Adelheid Rothschild y Minna Caroline Rothschild


Otorgó subvenciones a diversas fundaciones, incluida la Fundación del Hospital Rothschild y la Fundación del Hospital de Georgine Sara von Rothschild. También financió orfanatos, sanatorios, residencias de ancianos, proyectos de investigación para la Universidad de Heidelberg y el Museo Judío de Antigüedades. Además, fundó la Biblioteca Pública Carl von Rothschild en su ciudad natal.

Alumna de Chopin, Mathilde desarrolló su amor por la música como intérprete y compositora. Produjo piezas para piano, valses y una gran cantidad de canciones, principalmente en francés y alemán, aunque se sabe que sobrevive una canción en inglés, My lady sleeps. Su canción más famosa, Si vous n'avez rien à me dire, la primera de cinco que escribió para Adelina Patti, fue grabada en 1905 como El Romance de la Baronne Willy.

Escribió canciones para cantantes como  la citada y para Selma Kurz  . En 1878 publicó un volumen de treinta melodías en el que se incluyen dos poemas de Victor Hugo : « Vieille chanson du jeune temps » y  «Si vous n'avez rien à me dire»(cf. Biblioteca Nacional de Francia ). A finales de la década de 1880 publicó un volumen de doce canciones titulado Zwölf Lieder für Singstimme mit Pianoforte Begleitung ( Doce canciones para voz con acompañamiento de piano ) que incluía el trabajo de varios poetas con música, incluidos escritores  poetas y dramaturgos y libretistas   Acumuló una colección de arte que incluía viejos maestros y también la obra de artistas populares . 



https://ca.wikipedia.org/wiki/Mathilde_von_Rothschild

https://family.rothschildarchive.org/people/53-hannah-mathilde-mathilde-von-rothschild-1832-1924

Leer más...

sábado, 4 de marzo de 2023

Barbara Poe-Levee pintora y coleccionista estadounidense.


Barbara Reis (4 de marzo de 1922 - 13 de septiembre de 2013 )   Más tarde conocida como Barbara Poe-Levee - pintora y coleccionista estadounidense.
 

Barbara Reis nació en la ciudad de Nueva York en 1922 y estuvo casi destinada a ser artista. Sus padres se encontraban entre los conocedores de Nueva York que, a principios de la década de 1940, recibieron artistas europeos exiliados que huyeron de la guerra en sus países de origen. Su madre Rebecca era pintora, la profesión de su padre Bernard era como contable, pero ambos eran grandes coleccionistas del arte moderno, un entusiasmo en el que Barbara los siguió. La familia había viajado por Europa durante la década de 1930 y Bárbara se educó en una escuela Rudolph Steiner en Nueva York, la Escuela de Bellas Artes Tyler, Filadelfia y la Ecole Internationale, en Ginebra, Suiza.

 Barbara se hizo amiga de su hija pintora Pegeen Vail, la hija de Peggy Guggenheim, por su primer matrimonio con el escritor y artista Lawrence Vail. El primer contacto de Barbara, como adolescente impresionable, con los artistas europeos, especialmente los surrealistas, tuvo un impacto duradero en ella como artista.  Sus otros amigos en la década de 1940 incluyeron artistas como Luchita Hurtado, Anne Alpert, Matta, Wolfgang Paalen y Robert Motherwell.

En 1941 Barbara, que estudiaba grabado con su compañero de estudios Robert Motherwell, bajo el surrealista suizo Kurt Seligmann, viajó con Motherwell, en un viaje a México que se suponía debía haber sido con Seligmann y su esposa, los Seligmann tuvieron que cancelar sus planes de viaje - Barbara y Motherwell fueron acompañadas en cambio por la visionaria surrealista Matta Echaurren y su esposa estadounidense Anne Clark. Todos pasaron el verano en la ciudad montañosa de Taxco, a unos 1800 metros sobre el nivel del mar en la Sierra Madre. Bárbara, aparentemente, no compartía alojamiento, ya que Matta recuerda que se encontraron todos los días en un bar frente a la espectacular catedral de Santa Prisca. También visitaron al surrealista británico Gordon Onslow Ford, que vivía en un pueblo remoto a orillas del lago Pátzcuaro, en el estado sureño de Michoacán.

The Enchanted Bull, , la pintura exhibida en la Exposición de 31 Mujeres, muestra el interés inicial de Bárbara por el surrealismo que se preocupaba por la mitología y el realismo mágico, aliándola a Leonora Carrington, a quien conoció el mismo año. 

Barbara fue la más joven de los artistas que expuso en 31 Women. La primera exposición individual de Betty Parsons fue la encargada de dirigir la galería Wakefield Bookstore entre 1942 y 1945. Más tarde Parsons abrió su propia galería y se hizo cargo  de muchos de los jóvenes artistas emergentes estadounidenses. El trabajo de Barbara también apareció en la otra exposición femenina de Peggy Guggenheim, The Women, en 1945. Barbara regresó a México en 1943, cuando viajó a la Ciudad de México con Pegeen Vail y fue allí donde conoció a Leonora Carrington.   También se convirtió en una amistad de toda la vida con la pintora y surrealista Luchita Hurtado, quien se convirtió en vecina cercana cuando Barbara vivía en Santa Mónica.
 

En 1943, Barbara se casó con  el escritor James Poe, mientras era oficial naval en Key West, Florida. Poe se convertiría en una guionista  influyente, trabajando en el teatro, el cine y la radio. Después de que terminó la guerra, se mudaron de Key West a Los Ángeles y tuvieron una hija Lorna y un hijo, Adam. Barbara y James estuvieron juntos durante casi 20 años. Barbara se casó más tarde con el agente de Hollywood Michael Levee.

Bárbara continuó pintando y exhibiendo su trabajo a lo largo de su vida matrimonial y también comenzó a diversificar sus intereses para apoyar y promover el arte moderno. En 1946 formó parte de un grupo de entusiastas que incluía a las luminarias de Hollywood Fanny Brice, Edward G. Robinson y Vincent Price, así como a los artistas Marcel Duchamp y William Brice y a los coleccionistas  como Walter y Louise Arensberg, quienes juntos organizaron la primera exposición pública de arte contemporáneo en Exposition Park Los Angeles.


Esto condujo al año siguiente, 1947, a la creación del Instituto de Arte en Beverly Hills. La influyente Arensberg había estado profundamente involucrada en la recolección del arte moderno desde la década de 1910 y el Instituto se basaba en la colección de Arensberg, que incluía el trabajo fundamental de Marcel Duchamp. Aunque el instituto solo sobrevivió por dos años, Barbara también fue miembro fundador del Consejo de Arte de UCLA.

Entre 1960 y 1972, la obra de Barbara fue exhibida en la galería Rex Evans en Hollywood y su trabajo también apareció mucho más tarde en 1997, en una importante revisión histórica de las mujeres artistas que fueron promovidas por Peggy Guggenheim; Arte de este siglo: The Women , que se organizó en el Pollock-Krasner House and Study Center, East Hampton, Nueva York. La exposición luego viajó a la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, posiblemente la única vez que la obra de Barbara apareció fuera de los EE. UU. Más tarde estuvo representada por la Galería Sharon Truax y su última exposición pública, Les Biller & Barbara Poe Levee , Art at Michaels, Santa Mónica fue en 2008.


Barbara Poe Levee también era importante como coleccionista de arte y fue generosa con las donaciones, cediendo trabajos  de su colección a varios museos estadounidenses, incluido el museo Norton Simon en Pasadena, a la que dio la muerte Máscara de Amedeo Modigliani de Jacques Lipchitz . El Museo del Condado de Los Ángeles recibió una vida inmortal surrealista semi abstracta por John Graham y un dibujo de su amigo y maestro Matta y el Museo Hammer en la UCLA también recibió obsequios importantes. 
Bárbara continuó pintando a finales de los ochenta, pero abandonó la pintura de caballete y trabajó en piezas de acuarela más pequeñas que podrían manejarse desde una silla. Murió el 13 de septiembre de 2013, a la edad de 91 años. Su trabajo es poco conocido hoy más allá de Santa Mónica.
                                                                        *


http://www.legacy.com/obituaries/latimes/obituary.aspx?pid=167493764
.
Leer más...

viernes, 3 de marzo de 2023

Ariane Mnouchkine directora escénica



Ariane Mnouchkine (Boulogne-Billancourt (cerca de París), Francia, 3 de marzo de 1939) es una directora escénica francesa, directora del Théâtre du Soleil (Teatro del Sol), y también guionista y productora de cine.


Ariane Mnouchkine es hija de la actriz británica Jane Hannen y del productor de cine Alexandre Mnouchkine, que ha llamado a su compañía cinematográfica “Les films Ariane” (Las películas Ariane). Ha empezado en el teatro en una compañía universitaria en Oxford donde estudiaba inglés. Cuando volvió a Francia, ha creado la Association théâtrale des étudiants de Paris (ATEP) (Asociación teatral de los estudiantes de París) de la Universidad Sorbonne. En 1964, con otros miembros de la asociación coo Philippe Léotard y Jean-Claude Penchenat, Ariane Mnouchkine crea la compañía Théâtre du Soleil. Luego, en 1970, la compañía se domicilió en La Cartoucherie de Vincennes, un lugar dedicado a la creación teatral y coreográfica cerca de Paris.


Le Théâtre du Soleil se encuentra en la Cartoucherie de Vincennes, un lugar cultural, dedicado a la cultura, ocultado en el bosque de Vincennes (al lado de París). Allí, hay cuatro teatros (Théâtre de l’Aquarium, Théâtre de l’Epée de bois, Théâtre du Chaudron y Théâtre du Soleil), una escuela de danza y establos. En el pasado, este lugar era una fábrica de armas que se ha convertido en un lugar cultural cuando Ariane Mnouchkine y su compañía se domicilian allí, en 1970, mientras que el gobierno francés no estaba de acuerdo al principio. Es con el espectáculo 1789, que trata de la revolución —revolución teatral, revolución en los hombres— dentro del contexto de liberación de los años 70, que la compañía se acapara de la Cartoucherie. Este primer espectáculo fue un gran éxito. Ver un espectáculo en el Théâtre du Soleil no es solamente ver teatro, porque lo que Ariane Mnouchkine quiere es crear una experiencia humana. Su objetivo es hacer que la gente vuelva a creer algunas horas más en la bondad de los valores humanos. En ese sentido, ha desarrollado un teatro muy humano en la cual el confort del público es muy importante. Por ejemplo, ella en persona aloja al público a la entrada del teatro, distribuye mantas a los espectadores con el fin de que no tengan frío… Ariane Mnouchkine fundó el Théâtre du Soleil como un grupo de trabajo con un espíritu de comunidad. Algunos de los principios que rigen el funcionamiento de la compañía han marcado los espíritus, tales como la igualdad de remuneración para todos, el maquillaje público, la cena antes de las muestras…


Siguiendo la idea precedente de teatro humano, las puestas en escena de Ariane Mnouchkine permiten reflexionar sobre la condición humana. En efecto, su teatro trata de temáticas muy actuales, tal que la vida de los inmigrantes en su creación Le dernier Caravansérail (2003). Este espectáculo narra episodios de la vida de todos los días, en Afganistán y en el norte de Francia, donde los refugiados intentan entrar clandestinamente en Inglaterra, con la esperanza de encontrar una vida a la que no se puede acceder en su país de origen. Uno de los primeros éxitos de Ariane Mnouchkine es La Cuisine de Arnold Wesker (1967). Esta obra relata la vida de un gran restaurante - gran por el nombre de clientes más que por la cualidad de la comida -. Lo interesante con esta obra es la ausencia de comida en los platos o sartenes, todo es un trabajo gestual. En efecto, los espectadores pueden figurarse la comida tras los gestos de los actores mientras que no hay comida. Para Ariane Mnouchkine, lo que hace la teatralidad de este espectáculo es que no hay comida real. De manera general, lo que le apetece es romper con la realidad en el teatro y esta ausencia de comida permite romper con la realidad. En efecto, ella opina que el teatro occidental es demasiado realista y que eso va a matar al teatro. Es en este sentido que ella se interesa en el teatro oriental, tal que el teatro Kabuki o el teatro Nō. Esta influencia oriental se puede ver mucho en su estética escénica. De manera general su teatro es conocido por su estética y por algunas características recurrentes en sus puestas en escena tal que sus escenografías con plataformas sobre ruedas que se pueden mover gracias a hombres. En efecto, casi en todas sus producciones hay hombres vestidos de negro, que mueven las plataformas o las telas. Las plataformas sobre ruedas permiten ver la misma escena desde diferentes ángulos. También, trabaja mucho con las telas, por ejemplo con telas azules para simbolizar el agua.


Ariane Mnouchkine nunca realiza trabajo de mesa. No distribuye papeles, no impone ningún personaje a los actores: prefiere trabajar a partir de situaciones y estados, pero no de las emociones. En su trabajo de creación teatral, la música desempeña un papel importante. Desde 1979, trabaja con el músico Jean-Jacques Lemêtre. Este músico sabe tocar un montón de instrumentos, tantos que se lo puede calificar de hombre-orquesta. Ya sea durante los ensayos o las muestras, el músico está en el borde del escenario para tocar la música en directo. Durante los ensayos, Jean-Jacques Lemêtre, Ariane Mnouchkine y los actores hacen trabajo real de grupo. La metodología de Ariane consiste en un trabajo “en triángulo”. Es decir: los actores proponen algo en el escenario, el músico integra música para ilustrar los sentimientos de los actores y la directora escénica está aquí para decir si funciona o no. Si Ariane Mnouchkine piensa que no funciona, los actores proponen una nueva propuesta y el músico sigue integrando la música en función de la nueva propuesta. Ariane Mnouchkine es un poco como un “catalizador”, que permite que todo quede coordinado y funcione. Categoría:Miembros del Colegio de Francia


Alicia Trueba – Microponencia en el Encuentro ‘Las artistas que hay en mí’, 6 de marzo de 2019.

Ha habido muchas mujeres que han sido una referencia para mí desde que era una niña. Bailarinas, profesoras y actrices que de alguna manera influyeron a lo largo de mi vida. Pero hay un encuentro clave en mi trayectoria profesional con una mujer llamada Ariane Mnouchkine hace 20 años, en París, que marca un antes y un después. Una mujer que ha permanecido como una especie de guía desde entonces y que, sin conocerla personalmente, ha estado presente en mis decisiones más importantes, de una forma casi inconsciente. Ha sido solo hace unos meses que caí en la cuenta de lo mucho que este encuentro marcó el destino de mi proyecto futuro.

Esta mujer es un coloso del teatro desde hace más de cincuenta años, y su compañía, Le Théâtre du Soleil, un ejemplo de trabajo colectivo creador.  Ariane Mnouchkine nació en Francia en 1939. A los 20 años, cuando aún era estudiante de psicología en la Sorbona, se estableció con un grupo de teatro independiente. En 1964, este grupo se convirtió en el Théâtre du Soleil. En 1970, se instaló en la Cartoucherie del bosque de Vincennes, una vieja fábrica, antiguo arsenal del ejército, en las afueras de París, que la compañía usaba para ensayar y que transformó en teatro. (En la década de los 70, Mnouchkine y el Théâtre du Soleil, celebraron su primer éxito internacional con la legendaria obra 1789, inspirada en la revolución francesa). Su objetivo fue establecer nuevas relaciones con el público y distinguirse del teatro burgués para hacer uno popular de calidad.

Me gustaría detenerme especialmente en el recuerdo del espectáculo de “Tambours sur la Digue” de otoño de 1999: Todo ha sido pensado para que la llegada a la Cartucherie sea amable y mágica. Un autobús gratuito conduce a los espectadores de la estación de metro más cercana a este inmenso centro teatral en donde conviven cuatro teatros, además del Théâtre du Soleil. El sitio, en el corazón del bosque de Vincennes, es un remanso de paz. El espectador es el personaje central de la aventura. Cada noche lo recibe la propia directora, ella es quien hacía el control de las entradas. El interior del teatro es pura convivencia: restaurante popular, librería, encuentro con los actores que se maquillan, acogida de la directora, una gradería en donde se ve perfectamente bien desde cualquier punto. La música siempre es en vivo, los espectáculos, una garantía de calidad y compromiso.

Me gustaría terminar con algunas reflexiones recogiendo las palabras de la propia Ariane Mnouchkine, una dosis de inspiración en estado puro:

Concibo el teatro como un lugar de encuentro, de comunión, de identidad colectiva. Es el “palacio de las maravillas”, como decía Meyerhold. Allí alimentamos nuestro corazón, nuestro estómago, nuestro cuerpo. Vamos al teatro para tener confianza unos en otros. Incluso cuando vemos una tragedia, la Orestea por ejemplo, el hecho de verla juntos, de ver que los actores se han tomado tanto tiempo para elaborar ese espectáculo, nos devuelve la confianza en el ser humano. Incluso en el silencio, a través de la piel, nos decimos que nos parecemos. El público se habla aún sin hablarse.

El teatro es una especie de milagro. En ese momento compartido con nosotros, los actores se ponen la máscara y los espectadores se la quitan. Compartir la comida es un signo de amistad, de ternura, tenemos ganas de que estén bien alimentados, de que no tengan hambre durante el espectáculo. De que tengan tiempo de calmarse y de olvidarse de las situaciones conflictivas del día o de su trabajo. Creo que el teatro es, durante algunas horas, una utopía. 600 personas que respiran juntas, que no se matan, que no se pelean todo el tiempo, que se miran, que se hablan. El teatro es un reflejo de lo que el mundo podría ser

“Un teatro no es ni una boutique ni una oficina ni una fábrica. Es un taller para encontrarse y compartir. Un templo de reflexión, de conocimiento, de sensibilidad. Una casa donde debemos sentirnos bien, con agua fresca si tenemos sed y algo para comer si tenemos hambre”.

“Me empecino en decir que no es ni ilegítimo ni ilógico pensar que la cultura debería ser subvencionada por todos los ministerios a los que les rinde servicios inestimables. Es notorio que somos útiles para la salud mental, ayudamos a prevenir la delincuencia y la violencia, somos eficaces contra la ignorancia, somos portadores de la imagen honorable de Francia en el exterior; por lo tanto somos indispensables a los Ministerios de Salud, de Justicia, del Interior, de Educación, de Turismo y de Relaciones Exteriores, sin olvidar al de Juventud y Deportes, y al de Asuntos Sociales”.

«Y lo más importante, digamos a nuestros hijos que llegan a la tierra casi al principio de una historia y no en su final desencantado. Todavía están en los primeros capítulos de una epopeya larga y fabulosa de la que serán, no los engranajes silenciosos, sino, al contrario, los autores inevitables. Deben saber que, afortunadamente, tienen una obra, compuesta de mil obras, para realizar, juntas, con sus hijos y los hijos de sus hijos. Digámoslo alto y claro, porque muchos de ellos han escuchado lo contrario, y creo que eso los desespera. ¿Qué mejor legado podemos dejar a nuestros hijos que la alegría de saber que la génesis aún no ha terminado y les pertenece? ¿A qué esperamos?»








https://cdat.es/ariane-mnouchkine/

https://es.wikipedia.org/wiki/Ariane_Mnouchkine
Leer más...

jueves, 2 de marzo de 2023

Nelly Uchendú cantante, compositora y actriz nigeriana

 

Nelly Uzonna Edith Uchendu, MON (1950 - 12 de abril de 2005), fue una cantante, compositora y actriz nigeriana. Reverenciada por modernizar la música folclórica tradicional igbo, Uchendu saltó a la fama con el lanzamiento de su canción de 1976 "Love Nwantinti", que le valió el apodo de "La dama de la voz dorada". Lanzó 6 LP durante su carrera. 

Nació en 1950 en Umuchu , una ciudad en el área del gobierno local de Aguata del estado de Anambra , en el este de Nigeria . Uchendu comenzó a cantar a una edad temprana. Más tarde se unió al grupo de música del profesor Sonny Oti bajo el cual se desarrollo  usando su voz. En 1976, su carrera musical saltó a la fama tras el lanzamiento del clásico producido por Homzy Sounds titulado "Love Nwantiti" de su composición LP debut Love Nwantiti ; antes de lanzar "Waka", "Aka Bu Eze" y "Mama Hausa", que la establecieron aún más en la industria musical de Nigeria. 



 En  su carrera musical produjo discos en varios géneros musicales, incluido Igbo highlife , gospel y pop ,lo que hizo en la última parte de su carrera.   Uchendu también  actuó fuera de Nigeria, sobre todo en Londres, Inglaterra, junto a Sir Warrior y sus Oriental Brothers durante la década de 1980. 

En 1986, Uchendu actuó como estrella invitada como la madre de Ikemefuna en la versión televisada de Things Fall Apart de NTA Network en la que cantó "Ikemefuna's Song". También interpretó a la madre de Tony en la película de Nollywood de 1994 Nneka the Pretty Serpent , en otro papel de cantante. 




Discografía 

Amor Nwantiti (1976)

También conocido como Bu Eze (1977)

Mamá Awusa (1978)

Creo (1979)

Ogadili Gi Nma (1982)

Hacer una nueva Nigeria (1988)

Ezigbó Dim (1982)

Nye ya ekele (1995)

Nna chetam (1995)

Reconocimiento 

En reconocimiento a sus contribuciones a la música en Nigeria, Uchendu recibió el honor nacional de Miembro de la Orden del Níger de manos del ex presidente nigeriano Shehu Shagari en 1980. 


 Agradecemos el magnifico trabajo de Sakira Ventura que desde su página https://svmusicology.com/ nos recuerda a mujeres como esta .

https://svmusicology.com/mapa?lang=es

https://www.facebook.com/biafrareportersNews/photos/a.313723662095869/1837832109685009

https://en.wikipedia.org/wiki/Nelly_Uchendu

Leer más...

miércoles, 1 de marzo de 2023

Pepita de Oliva bailarina

Pepita de Oliva, ilustración de August Weger


Pepita de Oliva de nombre real Josefa Durán y Ortega, (nacida en el barrio del Perchel de Málaga en 1830, fallecida el 1 de marzo de 1871 en Turín) fue una bailarina española, abuela de la escritora inglesa Vita Sackville-West.

Fue miembro del coro de ballet de Madrid. Se hizo célebre bailando la cachucha o la danza llamada Olé. En 1852 se trasladó a Alemania y debutó por primera vez allí en Stuttgart con éxito. Desde Leipzig, donde también tuvo un gran éxito, su reputación fue reforzada y ampliada aún más con su actuación en Berlín en 1853. Durante el período de Berlín vivía en un castillo cerca de Hakenfelde Spandau. Desde entonces bailó en todos los principales teatros de Alemania. Más tarde fue a Múnich y actuó allí en febrero de 1856 por primera vez como la muda Fenella (papel de bailarina) en la ópera Masaniello, o La muda de Portici de Daniel-François-Esprit Auber. Sus numerosas actuaciones por el Imperio austrohúngaro y su fama en el mismo dejó incluso un testimonio léxico de su fama: su nombre de pila forma parte del vocabulario checo al designar un tipo de tela con diminuto ajedrezado de color negro y blanco que ella solía utilizar en sus actuaciones. La palabra también se descubre en polaco —pepitka— y en alemán —der/das pepita. 


Pepita de Oliva, Lithografia de Eduard Kaiser, 1859


Se enamoró del aristócrata y diplomático Lionel Sackville-West, secretario de la Embajada de Inglaterra en Alemania, aunque estaba casada con su maestro de baile, Juan de Oliva, del que tomó el nombre artístico; Lionel también contaba con esposa, pero ellos continuaron viviendo juntos  y se instalaron en Arcachón (Francia); llamaron a su residencia Villa Pepita. Allí nacieron sus hijos: Maxilien, Flora, Amalia, Henry y Victoria, futura madre esta de la escritora bisexual Vita Sackville-West, la cual escribió un libro sobre su abuela andaluza, Pepita (Barcelona: Tusquets, 1989). Pepita Oliva murió de sobreparto a los 41 años, y tras su fallecimiento los hijos de la pareja reclamaron la paternidad del diplomático. 



En Pepita, Vita Sackville-West relata la historia de su abuela documentándose con los recuerdos familiares y con las pesquisas realizadas por un investigador contratado por la familia para demostrar la paternidad y reivindicar a su madre, Victoria, repudiada por la conservadora sociedad victoriana que rechazaba a la niñas de la relación adúltera  pero que  terminará sin embargo casada con su primo e instalada en la lujosa mansión de Knole donde nació la escritora.

Pepita de Oliva era su nombre popular. Su nombre artístico era Josefa de la Oliva y su nombre de nacimiento completo Josefa Durán y Ortega.


August Conradi, autor del Berliner Couplet, le dedicó la Pepita Oliva Polka y Johann Strauss hijo le dedicó la polca Pepita, (Polka-Pepita, opus 138). También existe una marcha militar compuesta en su nombre que se llama la marcha Pepita (Pepita-Marsch).




Leer más...
Más