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viernes, 19 de diciembre de 2025
Renata Tebaldi soprano italiana
jueves, 18 de diciembre de 2025
Rosa Newmarch poeta y escritora sobre música
Rosa Harriet Newmarch (18 de diciembre de 1857 - 9 de abril de 1940) fue una poeta y escritora sobre música inglesa.
Rosa Harriet Jeaffreson nació en Leamington en 1857, nieta materna del dramaturgo del siglo XIX James Kenney . Se instaló en Londres en 1880, cuando comenzó a contribuir con artículos en diversas revistas literarias . En 1883, se casó con Henry Charles Newmarch y, a partir de entonces, utilizó su apellido de casada en su trabajo profesional.
A partir de 1897 investigó mucho sobre la música rusa, realizó muchas visitas a Rusia y trabajó en la Biblioteca Pública Imperial de San Petersburgo bajo la supervisión de Vladimir Stassov. Se convirtió en una de las primeras críticas inglesas en defender la música rusa. Después de 1915 realizó un servicio similar para la música eslovaca .
Desde 1907 editó la serie de libros Living Masters of Music para John Lane .
El 26 de octubre de 2010, Newmarch fue el tema del programa de radio de la BBC de 30 minutos "Rosa and Leoš", narrado por Peter Avis que describió su papel en la popularización de la música de Leoš Janáček en Gran Bretaña y en la organización de una visita del compositor a Gran Bretaña.
Libros
Chaikovski (1900)
Horae Amoris (1903) (poesía)
Henry J. Wood (1904)
Canciones para un cantante (1906) (poesía)
La vida y las cartas de Tchaikovsky (1908)
César Franck (por Vincent d'Indy , como traductor) (1910)
La ópera rusa (1914)
Las artes rusas (1917)
Juan Sibelius (1939)
La música de Checoslovaquia (1942)
The Concert-Goer's Library (seis volúmenes, 1928-1948). Estas son colecciones de sus notas de programa, ordenadas por forma musical.
https://en.wikipedia.org/wiki/Rosa_Newmarch
https://www.fembio.org/english/biography.php/woman/notable-women?fem_id=20681
miércoles, 17 de diciembre de 2025
Ana María Avilés de Martínez pintora salvadoreña
Ana María Avilés de Martínez (Santa Ana, El Salvador, 28 de mayo de 1937 - San Salvador, El Salvador, 17 de diciembre de 2012) fue una pintora salvadoreña . Ella recibió varios premios y condecoraciones nacionales e internacionales, entre ellos el honor de ser reconocida en Italia, Estados Unidos.
Ana María nace en Santa Ana, una alegre ciudad de provincia de El Salvador, invadida por los suaves olores de los dulces caseros y por el café tostado al calor del sol que adornaba las colinas circundantes como mantas de suave color sepia. Hija de "Maruca" Avilés y Narciso Avilés, es la hermana menor de otro gran pintor salvadoreño, Ernesto "San" Avilés (1932-1991), quien sería su máxima inspiración. Desde la coloquial Santa Ana, en 1943, la familia Avilés se trasladó a la capital, San Salvador. Ana María con ellos, dejan su tierra natal, pero el recuerdo de un paisaje idílico permanecerá en su memoria. Ana María realizó estudios básicos y superiores y a los veintidós años, en 1959, se casó con Oswaldo Martínez, un arquitecto de sensibilidad inquieta y profundo amor al arte. Comienza a llamarse Ana María de Martínez. Fue madre de tres hijos, Oswaldo Martínez, Salvador Martínez y Carlos Martínez.
Junto con el crecimiento de su familia, hubo un crecimiento paralelo en su interés por las bellas artes que demostró desde la infancia. De la contemplación concienzuda y el estudio teórico de esos libros que llegaron a sus manos, aprendió a asumir el espacio plástico, el color y las bellas formas de la naturaleza, como parte de su conocimiento. Un profundo sentimiento religioso y una vocación por el arte ya completamente expuesta, propician el camino que la lleva al taller de un escultor francés que visitó San Salvador y que la invita a clases de modelado. La arcilla antigua, material tradicional de las culturas ancestrales centroamericanas, como en un acto mágico, despierta en ella un interés especial por el arte precolombino que la lleva a visitar sitios arqueológicos en El Salvador, Guatemala, Honduras, México y Belice.
Movida por el arte y la cultura maya, establece un diálogo con sus antepasados, descubriendo así sus propios medios de expresión y la pintura como vehículo de su lenguaje plástico. Una obra pictórica anclada en estos vínculos con el pasado y traducida en cuarenta y cuatro obras de temática maya, en 1976, a la edad de treinta y nueve años, realizó su primera exposición con gran éxito.
Los años pasan y del período de las pinturas de temas mayas y coloniales, ella se mueve hacia temas folclóricos, campos llenos de flores, las escenas regionales, en un estilo de marcado acento naif. Ya muestra un sólido equilibrio entre formas y colores. La riqueza y exuberancia de ambos, traducidos en los cientos de flores multicolores, hacen que sus superficies canten poéticamente a la naturaleza. Ana María expresó sus estados emocionales a través de esos poemas visuales. Seis de estas pinturas fueron subastadas en Sotheby's en Nueva York. En 1983-1984, con carácter simbólico, introduce paredes en los paisajes, a veces aparecen insectos que, como la abeja, llaman su atención por su laboriosidad y orden. Para ella, el muro era "como las cosas duras de la vida que forman parte de ella". Aquí sentía que empezaba a experimentar un cambio". Buscando perfeccionar su técnica pictórica, se aleja gradualmente de este estilo primitivo, "Empecé a pintar no sólo por necesidad, sino que se me impuso una búsqueda". Ella se adentra en lo imaginario y en su fantasía para crear nuevos temas que resultan en naturalezas muertas.
De 1985 a 1989 se mueve dentro de un romanticismo temático de naturaleza extraña. Mezcla elementos de gran realismo, con elementos oníricos, tomados del universo de lo fantástico. Cestas con flores de raro esplendor de origen desconocido en su interior, volcanes imaginarios en erupción con flores, frutas que se hicieron tan reales que se volvieron imposibles, pero "me concentré tanto en pintarlas que pude percibir su olor y su sabor".
Recibe una invitación del gobierno italiano para participar en el Festival de Arte de Spoletto "Dei Due Mondi" en 1986. El éxito fue inmediato, "después de esa experiencia nunca volví a ser la misma, me influyó tanto que viajé de nuevo para estudiar, volví a los museos, a las galerías, que ya había visitado". Un año intenso, se suceden las exposiciones personales y la participación en importantes colectivos. Se añade otro bello acontecimiento, la publicación del libro titulado "Tierra de Infancia", con narraciones de la ilustre poetisa salvadoreña Claudia Lars e ilustraciones de Ana María.
Después de 1989, entra en otra etapa, que ella misma llamará Teatro. Aquí combina el tema, definitivamente en la línea de las naturalezas muertas, con la refinada técnica que ha desarrollado magistralmente a fuerza de estudio y trabajo duro. En relación con esto, ella sintió lo que quería, sabía que su hermano, Ernesto, había logrado crear una pintura impecable, pero ... "Lloré porque no sabía cómo hacerlo, sabía lo que quería, pero no cómo hacerlo. Preparaba mis telas y luego pintaba con ceras, con medios que surgían de mis investigaciones, y luego le daba lo que yo llamo el acabado, lo último que hago es una cera mezclada con acrílico y otros materiales químicos, es un pequeño gran secreto que guardo." Concentra el tema en una especie de visión aumentada de las formas en primer plano. La pintura se convertirá en una superficie eliminando cualquier perspectiva accesoria. Ahora se centra en una composición que elimina los códigos convencionales. Puede ser dirigida en diferentes ejes de composición, pero ... "al mismo tiempo quiero ofrecer un misterio, que cuando la gente lo vea esté lista para soñar, muchas veces no he querido encontrar la naturaleza muerta tradicional, a veces sale, a veces no, quería algo que parecía caer del cielo, de acuerdo con una enorme mutación que estamos experimentando."
Su obra artística
Su trabajo se compara a menudo con los Primitivos flamencos del siglo xvii por su dominio de la luz y el arte del "claroscuro", la técnica de contrastar luces y sombras para mejorar la forma, la forma , textura y transparencia.3
Las naranjas, su indiscutible objeto de enfoque artístico, se centran en la mayoría de sus cuadros actuales por sus inconfundibles tonalidades multicolores con las que juega Ana María, delatando su sentimiento de sensualidad al explorar las infinitas posibilidades de textura y color en sus delicadas trazas sobre el lienzo. Ana María no pretende hacer una copia fotográfica de la fruta natural en sus pinturas actuales, más bien pretende capturar su esencia surrealista a través de una composición racional de puntos, difuminaciones, manchas, luces y sombras, entrando en el mundo del hiperrealismo mágico de Ana María, una realidad que sólo existe en su imaginación, que se entrega a su público, mostrando también con elegancia su profundo conocimiento y uso del claroscuro . Algo parecido ocurre al contemplar sus "uvas", representadas tridimensionalmente con todo su esplendor ... "y, asimismo, cada cuadro guarda sus secretos ...".
Período Primitivo
Comenzó su carrera a finales de 1960 en lo que se conoce en español como su "Época Primitiva", comenzando después de que ella participara en un curso de modelado de arcilla patrocinado por la embajada de Francia en San Salvador (1967- 1968), donde hizo moldes y coladas policromadas que utilizan muchas técnicas que incluyen encáusticas, que ella utilizaría más adelante en la pintura, en combinación con otras técnicas y materiales contemporáneos. Fue durante este tiempo que Ana María, inspirado en el arte maya y colonial, comenzó la búsqueda de un estilo propio en el que pudiera comenzar a expresar su mensaje de "paz espiritual y la alegría de vivir". Ella se centra en los paisajes regionales y las tradiciones del folclore salvadoreño y sus alrededores, campos de flores y escenas con grandes ideas, todas arquitectónicas ejecutadas con gran precisión. En este período, continuando hasta alrededor de 1982, evoluciona muy rápidamente, mezclando colores con la magia de la artista.
Período de Paredes
En la siguiente, aunque breve, periodo (1983-1984), conocido en español como el "Época de Muros". Ana María busca evolucionar con otros conceptos y pinta obras que siempre contienen paredes con la que expresa las dificultades técnicas que necesitaba para vencer. Sus técnicas de pincel encuentran un escenario donde la atención se centra este elemento arquitectónico, de una pared que debe ser superado para llegar a ser como una ventana por excelencia que tiene que se abre para dejar entrar la naturaleza floral de su entorno. Ella usa muchos animales durante este tiempo, principalmente abejas, que en un juego irónico de los acontecimientos en la vida presagia un acontecimiento trágico que sufriría junto a su marido.
Época Romántica
La "Época Romántica" (1986-1989), es cuando Ana María deja su primitivismo casual y se inicia dentro de la creación de formas armoniosas y sofisticadas. Sus composiciones son una mezcla de elementos elevados de realidad con flores de gran esplendor, frutos exquisitos y volcanes en erupción. Así de fascinante es su obra de arte que se publica, para reflejar la poesía de la escritore salvadoreño, Claudia Lars (nombre real Carmen Brannon), en Tierra de Infancia. Es a través de esta técnica recién descubierta que crea un estilo único de la transparencia y la textura el logro de la perfección de acrílico. La mezcla imaginativa de colores y texturas le permiten pintar sus naranjas icónicas, en toda su brillantez, mezclado con la transparencia de sus uvas como símbolo de la abundancia artística de la gran pintar salvadoreña.
Período Final o Auge
Esto lleva a su último período como artista, a partir de la década de 1990, cuando Ana María ha estado desarrollando una nueva técnica utilizando colores acrílicos y ceras, que le permitió pintar imágenes de gran transparencia y lograr un acabado único. En sus pinturas de "naturaleza muerta" y otras composiciones, Ana María desea expresar la abundancia de este mundo en esos momentos, en el tiempo: el crecimiento de las personas, el tráfico, la alta producción, luces, sonidos y todo lo que afectan a las personas en su vida ordinaria. Por este principio, a veces, algunas de sus composiciones casi toca las fronteras de la opulencia, aunque siempre manteniendo su elegancia y armonía, donde desea exponer el sentido de pertenencia a una época de ideas metafísicas a través de una fuerte dosis de simbolismo.
Reconocimientos
La obra de Ana María no solo ha trascendido las barreras geográficas, sino que su obra ha sido considerada dentro de la de grandes maestros latinoamericanos, y más recientemente formó parte de la colección permanente del Museo de Arte del Condado de Nassau en Nueva York en enero de 2010.4 "Teatro de Naranjas (Teatro de las Naranjas) (1991) de la salvadoreña Ana María de Martínez hace honor a su título presentando el tema de la naturaleza muerta de una manera muy teatral5
A lo largo de su carrera artística Ana María ha recibido importantes reconocimientos a su trabajo, como "Visitante Distinguida" por parte del alcalde de Miami, Florida, USA; "Certificado de reconocimiento" de la ciudad de Coral Gables, Florida, Estados Unidos por su participación en el desarrollo del arte y la cultura.67 Además, su obra ha sido subastada con éxito en prestigiosas galerías de todo el mundo, como Sotheby's y Christie's New York, entre otras.6
https://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Mar%C3%ADa_Avil%C3%A9s_de_Mart%C3%ADnez
martes, 16 de diciembre de 2025
Augusta Holmès pianista y compositora francesa
Augusta Mary Anne Holmès (París, 16 de diciembre de 1847 - París, 28 de enero de 1903) fue una pianista y compositora francesa.
Augusta Mary Anne Holmès era hija de padres irlandeses. Fue niña prodigio del piano, pues a los cuatro años ofrecía conciertos públicos con elevada técnica y sentimiento sonoro y llegó luego a ser alumna muy predilecta de los maestros Henri Lambert, Hyacinthe Klosé y César Franck; desde entonces escribió letra y música de sus obras, usando el seudónimo de Hermann Zeuta.
Falleció el 28 de enero de 1903 en París.
Obras
Entre sus obras se encuentran las óperas Hero y Leandro, Astarté, Lancelot del lago, La montaña negra, el salmo In exitu, las sinfonías Orlando furioso, Lutecia, y también Los argonautas; los poemas sinfónicos Irlanda, Palagne y Andrómeda; la suite sinfónica El país azul; obras corales y gran cantidad de piezas para orquesta y canciones artísticas.
https://www.last.fm/es/music/Augusta+Holm%C3%A8s/+wiki
lunes, 15 de diciembre de 2025
Muriel Rukeyser poeta y activista política
domingo, 14 de diciembre de 2025
Miss Mara ó María del Pino Papadopoulos Vaquero
sábado, 13 de diciembre de 2025
Alice Brill pintora, fotógrafa y crítica de arte germanobrasileña.
Alice Brill (Colonia, 13 de diciembre de 1920 - Itu, 29 de junio de 2013) fue una pintora, fotógrafa y crítica de arte germanobrasileña.
Nació en una familia judía que huyendo del nazismo se fue refugiando en España, Italia y Holanda antes de asentarse definitivamente en Brasil. Su padre murió en el campo de concentración Jungfernhof en 1942.
Con 16 años estudió con el pintor Paulo Rossi Osir, que influenció su producción de fotografías y pinturas en batik. Participó en el Grupo Santa Helena, asociación informal de pintores paulistas, donde conoció a Mario Zanini o Alfredo Volpi. En 1946, ganó una beca de la Fundación Hillel para estudiar en la Universidad de Nuevo México y en la Art Students League of New York.
Al regresar a Brasil, continuó sus estudios con maestros como Yolanda Mohaly. Comenzó entonces una larga serie de exposiciones, tanto colectivas (entre ellas la I Bienal de São Paulo, en 1949) como individuales, en Brasil y en el extranjero. Hoy en día, sus obras forman parte de las colecciones de importantes museos.
Pero también es conocida por su trabajo como fotógrafa, que ejerció durante 10 años, en la década de 1950, y cuyas imágenes obtuvieron un gran reconocimiento en la década de 1990. Alice fue una de las homenajeadas de la Colección Pirelli/MASP de fotografías (1997), tiene imágenes en la colección digitalizada del Itaú Cultural y, en el año 2000, su archivo de negativos fue donado al Instituto Moreira Salles. Además de la exposición fotográfica itinerante El mundo de Alice Brill, del IMS, en 2005, la exposición Transeuntes, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC/USP), le dedicó una sala.
Fundadora del Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM/SP), del Club de Artistas y Amigos del Arte de São Paulo y de la Asociación Brasileña de Investigadores en Arte, Alice se licenció en Filosofía Pura por la PUC/SP en 1975, y posteriormente realizó un máster y un doctorado en Estética en la USP.
Es autora de tres libros: «Mário Zanini e seu Tempo» (Ed. Perspectiva, 1984), resultado de su tesis de maestría, «Da Arte e da Linguagem» (Ed. Perspectiva - 1988) y «Flexor» (Edusp, 1990), galardonado como Mejor Libro del Año 1990 por la Asociación Paulista de Críticos de Arte y reeditado en 2005. Su tesis doctoral, «Viagens Imaginárias - transformação de uma técnica milenar em linguagem contemporânea» (Viajes imaginarios: transformación de una técnica milenaria en lenguaje contemporáneo), sobre el batik, sigue sin publicarse. Entre otras colaboraciones, Alice también es autora del capítulo sobre artes plásticas del libro «O Expressionismo» (El expresionismo), organizado por Jacó Guinsburg (Ed. Perspectiva, 2002).
Además de tantas actividades profesionales, Alice, estuvo casada más de 50 años, y fue madre de cuatro hijos . También ha impartido clases de arte en las Facultades de Filosofía, Ciencias y Letras Nossa Senhora do Patrocínio, en Itu, y en la Facultad Santa Marcelina, en São Paulo, además de tener algunos alumnos en su taller.
Reconocimientos
Obtuvo más de diez premios, como el Premio Adquisición del XIV Salón Paulista de Arte Moderno de São Paulo (Pintura - 1964).
https://historiadaparte.wordpress.com/alice-brill/
https://es.wikipedia.org/wiki/Alice_Brill
https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2014/03/pintores-brasilenos-alice-brill.html
https://www.itu.com.br/cultura/noticia/biografia-alice-brill-20100202
viernes, 12 de diciembre de 2025
Violeta Rojo investigadora y ensayista
Reconocimientos
Violeta Rojo fue objeto de innumerables homenajes, el último de los cuales fue la concesión del Botón Filuc, máximo reconocimiento de la Feria Internacional del Libro de la Universidad de Carabobo, el 25 de octubre de 2024 .
https://www.anle.us/nuestra-academia/miembros/academicos-correspondientes/violeta-rojo/
https://www.elnacional.com/entretenimiento/murio-la-investigadora-y-ensayista-violeta-rojo/
https://cultura-urbana.com/autores/violeta-rojo/
jueves, 11 de diciembre de 2025
MS Subbulakshmi cantante referente en la música del sur de la India
miércoles, 10 de diciembre de 2025
Isel Rivero poeta
Isel Rivero nació en La Habana en 1941, salió de Cuba en 1961 y, como resultado de este exilio y de su trabajo en misiones de paz y desarrollo de Naciones Unidas, vivió en Nueva York, Viena, Namibia, Honduras y Ruanda hasta su establecimiento en Madrid en 1996. Sus inicios poéticos estuvieron vinculados al grupo literario El puente, que fundó junto a José Mario Rodríguez.
Fuera de Cuba entró en contacto con autores tan destacados como Anais Nin, Julio Cortázar o la poeta y feminista estadounidense Robin Morgan. Ha publicado una decena de poemarios, tres de ellos escritos en inglés y recogidos en este libro: Songs (1968), Night rained her (1972) y Palm Sunday (1981).
Su poesía ha sido incluida en numerosas antologías y se encuentra traducida al francés y al alemán. Relato del horizonte (Madrid, 2003) reunió su obra en español, en la que podrían destacarse libros como La marcha de los hurones (1960) y Tundra (1963). En 2006 se publicó en Madrid Las noches del cuervo.
En 2007 Relato del horizonte reunió su poesía en castellano. Una edición bilingüe de su escritura en inglés se publicó en 2010 con el título Las palabras son testigos.
Polaris (Olé Libros, 2021), la primera antología de su poesía, es una selección que revisita y toma en cuenta el conjunto de su obra.
Polaris
Por el microscopio
en la invertebrada luz
encontramos nuestras caras a billones de lunas de distancia
al rebuscar huesos en el centro de la tierra
El viento barrió vela y globo
sobre las llanuras
Dos ríos se juntan
donde no hay principio ni fin
donde caemos unas en otras
y nos sumergimos hasta el fondo del mar
Segundos después
me levanto al pie de un volcán que emerge
con el nacimiento de los Andes
Araña digo la fronda del bosque
y con rechinar los dientes
su magma se eleva
sobre la torsión de placas
sobre continentes
Sí, se eleva evolucionado
diferente
erguido
contra las secuoyas
un implante
el delfín blanco del Yangtsé
En aquel tiempo
la huella de un pie
y otra más
excavada en arcilla y piedra arenisca
de Olduvai
Hay que rastrear aún el último nudillo
el diente de sable
En una corriente de agua ondula
la piel blanca
el arroyo abierta ahora
mi mano
aquí
un signo del ser
Reconocimientos
En 2006 recibió de la Federación Española de Mujeres Progresistas el Premio Julia Mayoral en reconocimiento de su destacada labor internacional en favor de la mujer.
https://www.insularismagazine.com/esp/iselrivero-lamarchadeloshuronesyotrospoemas
https://olelibros.com/autores/coleccion-ites/isel-rivero/
https://www.heroinas.net/2017/08/andrea-dworkin-escritora-y-activista.html
martes, 9 de diciembre de 2025
Anna Heer fundadora de la Escuela Suiza de Enfermería
Anna Heer (22 de marzo de 1863 en Olten - 9 de diciembre de 1918 en Zurich ) fue una médica suiza , fundadora de la Escuela Suiza de Enfermería con un hospital de mujeres en Zurich, cofundadora de la Asociación Suiza de Enfermería y su primera presidenta.
Anna Heer creció en Olten hasta 1875 como la mayor de once hermanos (siete de los cuales alcanzaron la edad adulta), luego vivió en Suhr . Posteriormente estudió medicina en la Universidad de Zurich y completó sus estudios con un doctorado en 1892 . Presentó su tesis doctoral sobre el tema de las fracturas de la base del cráneo a Rudolf Ulrich Krönlein , quien probablemente también la apoyó.
Su área de actividad como especialista era menos ginecología o pediatría y más cirugía. Se la considera la primera cirujana suiza. Estaba fuertemente comprometida con el desarrollo y la profesionalización de la enfermería (sin obligaciones religiosas para quienes trabajan en estas profesiones) en Suiza.
Hija de Josephine de soltera Klein y de Isaac Heer, fabricante de calzado, Anna Heer pasó su infancia en Olten y en 1879 se mudó a Zúrich, donde pudo asistir a la escuela secundaria para niñas gracias al apoyo de su padre adoptivo, el secretario de educación Johann Kaspar Grob . En 1881 se matriculó en la Facultad de Medicina de la Universidad de Zúrich, aprobó el examen estatal en 1888 y se doctoró en 1892. En 1889 abrió una consulta ginecológica en Zúrich y fue la primera mujer en Suiza que también ejerció la cirugía. A partir de 1893, Heer intentó profesionalizar la enfermería . En 1896, en el primer Congreso sobre los Intereses de la Mujer en Ginebra, presentó un programa para mejorar la formación de enfermeras. Obtuvo el apoyo de la Asociación Suiza de Mujeres sin fines de lucro , cuya junta le otorgó la presidencia de la comisión de enfermería y le encomendó la planificación de una escuela. La escuela de enfermería se inauguró en 1901 con el hospital de mujeres anexo en Zúrich y desde el principio estuvo dirigida por mujeres. Heer trabajó como médica jefa en el hospital de mujeres y como profesora en la escuela hasta el final de su vida. Junto con su compañera Ida Schneider, superiora de la escuela de enfermería, impulsó la organización profesional del personal de enfermería. En 1909 fundó la Asociación de Enfermería de Zurich (en colaboración con la Cruz Roja) y en 1910 la Asociación Suiza de Enfermería, que presidió hasta 1916.
Ademas de haber fundado en 1901 con su colega Marie Heim-Vögtlin la Escuela Suiza de Enfermería y un hospital para mujeres en Zúrich . Junto con el médico Walter Sahli (1860-1916), en 1899 fundó en Berna la Escuela Lindenhof para las Hermanas de la Cruz Roja Suiza .
De la Asociación Suiza de Enfermería cuya primera presidenta fue Anna Heer, surgió en 1945 la Asociación Suiza de Enfermeras y Auxiliares de Enfermería Graduadas, mediante fusión con la Asociación Nacional de Hermanas Graduadas de Escuelas Reconocidas de Suiza, fundada en 1936 , organización precursora de la Asociación Suiza de Enfermeras y Auxiliares de Enfermería. Asociación Profesional de Especialistas en Enfermería .
Una calle de Zurich y otra de Suhr llevan el nombre de Anna Heer, quien contribuyó a dar forma a la reforma de la enfermería suiza a finales del siglo XIX. En 1963, el Correo Suizo emitió un sello especial “ Pro Patria ” en memoria de Anna Heer.
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| Anna Heer (izquierda) junto con Ida Schneider. Fotografía realizada entre 1901 y 1914 en el estudio de Wilhelm Schrader en Zúrich (archivo de la Fundación Gosteli, Worblaufen). |
lunes, 8 de diciembre de 2025
Zina Aita artista brasileña
Zina Aita (1900-1967) fue una artista brasileña que practicó el modernismo temprano dentro de la cultura brasileña. Trabajó duro con muchos artistas en este tiempo tratando de cautivar y realzar la cultura única de Brasil para el público, algo que era exclusivamente brasileño. Participó en La Semana del Arte Moderno . Practicó el primer modernismo brasileño hasta que se mudó a Italia, donde se dedicó a la acuarela y la cerámica hasta sus últimos días, muriendo por causas naturales.
Zina Aita pasó la mayor parte de su infancia en Nápoles , Italia . Nació en una familia impulsada por el arte, rodeada del negocio de cerámica de su familia italiana. Se mudó a Brasil cuando se hizo adulta, momento en el que el modernismo temprano en Brasil estaba en su apogeo. Se involucró mucho en el movimiento y, a lo largo del movimiento modernista temprano, se movió intensamente con múltiples técnicas y estilos artísticos, trabajando con acuarelas, tapices, óleo sobre lienzo, dibujos y cerámica. Trabajó con el modernismo y participó en celebraciones sobre la cultura única de Brasil. Hacia el final de su vida, regresó a Italia, donde se hizo cargo del negocio familiar de cerámica.
Aita estuvo muy involucrada en el movimiento modernista en Brasil a lo largo de su carrera junto con muchos otros artistas. Los artistas trabajaron con el modernismo como una forma de romper y rechazar el estilo artístico académico.
En 1922 participó en un evento artístico llamado Semana de Arte Moderna. El evento tenía como objetivo resaltar el trabajo modernista que los artistas estaban haciendo en Brasil en ese momento. Muchos artistas conocidos como Tarsila Amaral y muchos más participaron en este evento.
Aita trabajó principalmente con paisajes y autorretratos. A través de estas conexiones y su obra de arte única, fue invitada a participar en muchos eventos artísticos.
Exposiciones
1922 – Semana de Arte Moderno (São Paulo, SP)
1952 – Exposición Angelicum (São Paulo, SP)
1954 – Arte Contemporáneo: exposición de la colección del Museo de Arte Moderno de São Paulo (São Paulo, SP)
1972 – La Semana del 22: antecedentes y consecuencias (São Paulo, SP)
1979 – Retratos de Mario de Andrade (São Paulo), SP)
1982 – Del Modernismo a la Bienal (São Paulo, SP)
2010 – sp-arte (São Paulo, SP)
https://hhmagazine.com.br/zina-aita-sobre-o-potencial-de-metamorfose-na-trajetoria-individual/
https://en.wikipedia.org/wiki/Zina_Aita
https://boveripintoreslatinoamericanos.blogspot.com/2013/10/pintores-brasilenos-zina-aita.html
https://fcs.mg.gov.br/historia-da-arte-e-modernismo-no-brasil-caso-do-desaparecimento-de-zina-aita/
https://literalmeida.blogspot.com/2008/02/zina-aita-modernista-mineira-esquecida.html
https://pt.wikipedia.org/wiki/Zina_Aita
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoas/7646-zina-aita
domingo, 7 de diciembre de 2025
Gabrielle Buffet-Picabia música , crítica de arte y escritora francesa asociada con el dadaísmo
Gabrielle Buffet era hija de Laure Hugueteau de Chaillé y su esposo Alphée Buffet. A la edad de 17 años decidió convertirse en compositora y aplicó al tradicional Conservatorio de París . Sin embargo, dado que las mujeres a menudo solo eran aceptadas en las clases vocales o instrumentales en ese momento, fue rechazada. En 1898 hizo una audición para la Schola Cantorum de París, pudo convencer en la prueba de aptitud y fue la única mujer del año en ser admitida en la clase de composición. Estudió allí con Vincent d'Indy y se graduó en 1906. Empujada por su familia y las convenciones sociales para finalmente casarse con un hombre, Gabrielle Buffet dejó París ese mismo año para escapar de esta influencia. Fue a Berlín, donde tocó por primera vez en una orquesta de posada. A través de una carta de recomendación de su antiguo maestro, d'Indy, fue admitida en la clase de composición de Ferruccio Busoni .
Durante la Primera Guerra Mundial, se ofreció como voluntaria para la Cruz Roja.. Temiendo el servicio militar obligatorio, Picabia, cuyo padre trabajaba en la embajada de Cuba, hizo un viaje a Cuba y Nueva York. En 1915, Gabrielle Buffet-Picabia lo siguió y llevó algunas de sus pinturas a Nueva York para la inauguración de la galería de su esposo. [8] La pareja se quedó en Nueva York y viajó a España en 1916/17, donde vivieron en Barcelona durante ocho meses. Aquí Gabrielle Buffet-Picabia trabajó para la revista "391" , fundada por su marido y Marie Laurencin , como autora, secretaria editorial y directora de producción. En 1917 regresaron a Nueva York, donde Francis había formado un círculo de artistas.
El matrimonio con Francis Picabia, que tuvo cuatro hijos, terminó en divorcio en 1930. Los hijos fueron: Laure-Marie (* 1910), Pancho (* 1911), Gabriele-Cécile, llamada Jeanine (* 1913) y Lorenzo, llamado Vicente (* 1919).
Desde 1941, durante la Segunda Guerra Mundial , Gabrielle Buffet-Picabia fue miembro de la Résistance en París junto a Samuel Beckett , Mary Reynolds , Suzanne Picabia y otros.
Gabrielle Buffet-Picabia murió en París a la edad de 104 años.
En 2017 sus bisnietas Claire y Anne Berest, descendientes de la hija de Vicente (Lélia), publicaron una novela biográfica sobre su vida, que se remonta a 1919.
Publicaciones
Impresionismo musical . En: La Section d'Or , nº 1, 9 de octubre de 1912
El arte moderno y el público . En: Camera Work , junio de 1913, págs. 10–14 ( copia digital , Biblioteca de la Universidad de Heidelberg)
Musique d'aujourd'hui . En: Les Soirées de Paris , No. 22, marzo de 1914
Jean Arp , ensayo. En: L'Art abstract , Presses littéraires de France, 1952
Aires abstractos . Pierre Cailler Éditeur, Ginebra 1957 (prólogo de Jean Arp)
Picabia, l'inventeur . En: L'Œil , No. 18, junio de 1956
DADA. Sellos de los Fundadores. Poemas dadá de Andre Breton, Gabrielle Buffet, F. Hardekopf, Emmy Hennings, J. van Hoddis, R. Huelsenbeck, Marcel Janco, W. Kandinsky, Francis Picabia, Walter Serner, Ph. Soupault, Tristan Tzara. Peter Schifferli Verlags AG Die Arche, Zúrich 1957
https://www.amazon.es/Gabri%C3%ABle-Litt%C3%A9rature-Anne-Berest/dp/2253906638
https://de.wikipedia.org/wiki/Gabrielle_Buffet-Picabia
https://www.lefigaro.fr/arts-expositions/gabriele-buffet-picabia-femme-d-avant-garde-20220430



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