Ginette Neveu (París, 11 de agosto de 1919 - Azores, 28 de octubre de 1949) fue una violinista francesa.
Niña prodigio, hizo su debut con siete años y medio interpretando en la Salla Gaveau de París el Concierto para violín de Max Bruch. Se formó con Line Talluel y, después, en el Conservatorio de París con M. Boucher. Profundizó sus estudios con George Enescu y pronto conseguirá numerosos e importantes premios: se recuerda especialmente el primer lugar que logró en 1935 en el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski de Varsovia, delante de David Oistrakh, que obtuvo el segundo. Pronto tuvo un gran éxito en los más importantes escenarios de Europa y América.
Durante la Segunda Guerra Mundial ampliará su repertorio. El director Herbert von Karajan convenció a la casa discográfica EMI y gracias a su patrocinio Neveu pudo grabar importantes obras del repertorio concertístico como los Conciertos de Brahms y Sibelius, Tzigane de Ravel, el Poème op.25 de Chausson, etc.
Murió en un accidente de aviación junto a su hermano en las islas Azores. .
Reconocimientos
Un parque y una calle en el Distrito XVIII de París llevan su nombre en homenaje.
María Dolores Domínguez Palatín conocida como Lola Palatín (Sevilla, 20 de octubre de 1888 - Madrid, 18 de mayo de 1971), fue una violinista española que consiguió el Premio Sarasate de violín en 1917 y destacó como una de las mejores violinistas de su época.
Lola Palatín formaba parte de una extensa estirpe de músicos, los Palatín. Desde el siglo XVI sobresalen alguno de sus miembros.
Empieza sus estudios en Sevilla a los 6 años con el violinista Agustín Lerate Castro, discípulo de su tío Fernando Palatín. A los 10 años de edad, el Ayuntamiento de Sevilla le da una subvención para que se traslade a Madrid con toda su familia, para ampliar estudios en el Conservatorio de Madrid, y allí consiguió, a principios del siglo XX, el Primer Premio de violín y el Diploma de Honor, además de obtener el Premio Ordinario Sarasate, siendo la primera mujer en acceder al galardón.
En 1908, entra como violín concertino en la Orquesta del Teatro de la Zarzuela, siendo la primera mujer en entrar a formar parte de una orquesta profesional. Amplió su formación en París, con el músico José White comenzando su exitosa carrera profesional, que le llevó a colaborar con Joaquín Turina y Federico García Lorca.
En 1922 contrajo matrimonio con el escultor jienense Jacinto Higueras, quien aportó al matrimonio tres hijos. A estos había que sumar los otros tres que concibieron. Lola siguió tocando el violín en diversos conciertos públicos y también se ocupaba de ejercer de secretaria de su esposo.
Por la casa familiar de los Higueras Palatín en Madrid, donde había un excelente ambiente artístico, pasaron el compositor Joaquín Turina, los pianistas José Cubiles, el poeta y dramaturgo Federico García Lorca, el escultor Mariano Benlliure, el pintor Daniel Vázquez Díaz, el violonchelista Juan Ruiz Cassaux y la dramaturga María Lejarraga entre otros; que participaban en las tertulias y conciertos musicales organizados por su anfitriona.
En este ambiente, no es de extrañar las colaboraciones de Lola Palatín en conciertos y obras de teatro de la época: el estreno de "Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín" actuando como actriz en el papel de como "Marcolfa", en la que Santiago Ontañón y Pilar Bascarán actuaron como protagonistas, o sus colaboraciones con la compañía de Margarita Xirgú en el Teatro Español durante la temporada 1931/1932.
La amistad que le unió a Joaquín Turina, sevillano como ella, le llevaron a compartir muchos momentos artísticos, y también a que fuera el padrino de su hija MariLola, que sería una gran arpista. Las Variaciones clásicas op.72, de Turina, están dedicadas a la violinista, quien también fue la encargada de estrenar obras como el cuarteto de “La mocita del barrio”, perteneciente a las Mujeres sevillanas, op.89 e incluso ofreció algunos conciertos con el compositor.
Tras el nacimiento de su hija MariLola, en 1930, Lola Palatín continuó dando conciertos con el repertorio que solía interpretar, que incorporaba los conciertos solísticos del repertorio clásico-romántico centroeuropeo y obras de Purcell, Vivaldi, Corelli, Dvorak, Fauré, Falla y Turina.
Emilie Marie Baroness von Bach (11 de marzo de 1896 -26 de febrero de 1978) fue una pianista, violinista, compositora y artista austríaca.
Marie Bach nació en Viena , Austria hija deEleonore Josepha Maria Theresia Auguste Bach y Robert Bonaventura Michael Wenzel von Bach . En 1897, se mudó con su familia al castillo de Leesdorf, en Baden , Austria . Su padre era abogado, pintor y violinista. Su madre, Elenore, era cantante y compositora y había actuado con los directores Gustav Mahler y Johannes Brahms.. Maríe tenía dos hermanas mayores, Theresa y Katharina, y una hermana menor, llamada Henriette. Theresa escribió poesía que se puso a la música que Marie componía. Katharina se casó con una familia muy aristocrática. Henriette era violonchelista solista. Marie tomó lecciones de piano en la Musikschule Grimm en Baden ya la edad de catorce años comenzó a tomar lecciones de violín.
Marie Bach comenzó a tomar lecciones privadas de piano a la edad de cinco años con un miembro de la facultad de la Escuela de Música Grimm. Más tarde tomaría lecciones con Paul De Conne en 1912. Más tarde también comenzó a tomar lecciones de violín con Jaroslav Suchy de la Ópera de Viena. Tocaba el segundo violín y la viola en el conjunto de cuerdas interno de su padre. Tanto ella como Henriette se las animaba a realizar largas y constantes horas de práctica individual. Las dos hijas solían tener sesiones de lectura musical de tres horas para aprender música de cámara clásica y romántica.
En 1914, Maríe comenzó a componer su primer preludio, al que siguió con canciones y otras piezas para piano. Los domingos, a Maríe y Henriette se les permitía actuar en las veladas de su familia, reuniones donde interpretaban música, cuando adquirían más experiencia con sus instrumentos. En 1917, Maríe Bach compuso "Flohtanz (Danza de la pulga)". En "Flohtanz", el animado solo de piano dura aproximadamente tres minutos.
Marie Bach comenzó a estudiar composición en la Academia de Música de Viena con Joseph Marx en 1919. Bajo la tutela de Marx, María escribió fugas en cuatro partes, breves partituras para piano y analizó la música de Chopin, Debussy y Stravinsky. Marx más tarde ayudaría a Maríe a desarrollar su propio estilo personal de composición. Hizo su debut como compositora en 1921 con Narrenlieder für Tenor und Orchester , un ciclo de canciones que más tarde fue impreso por Schott en Viena.
Mientras estudiaba con Marx, Maríe se especializó en escribir fugas a cuatro voces y partituras breves para piano.
Durante la guerra, el partido nazi estableció prohibiciones musicales en Austria. Debido a su preferencia por la música clásica, que se consideraba conservadora y tradicional, no se permitió la interpretación de composiciones "modernas". Sin embargo, las composiciones de Maríe se consideraron aceptables para ser interpretadas.
Marie Baroness von Bach pintada por Ferdinand Hodler
Durante la década de 1920, Bach desarrolló una relación con Ivan Boutnikoff, un compositor y director de orquesta ruso. Boutnikoff más tarde se convirtió en su mentor en dirección y orquestación. El 7 de octubre de 1952 Maríe se casó con Arturo Ciacelli que era un pintor italiano que enseñó arte en la Escuela Italiana de Viena de 1939 a 1941. Durante su tiempo juntos, Maríe comenzó a pintar paisajes, principalmente de Italia. Después de que comenzó a exhibir, sus pinturas tuvieron casi más éxito que sus composiciones. Ciacelli murió en 1966 y, durante un tiempo, Maríe abandonó los esfuerzos creativos, pero finalmente comenzó a componer nuevamente. Recibió una medalla de oro en composición en 1962 y obtuvo el título de profesora en 1976 con ochenta años.
Maríe Bach murió el 26 de febrero de 1978, posiblemente por la inhalación de una fuga de gas de su horno defectuoso en su apartamento en Viena. Sus documentos se encuentran en la Biblioteca del Ayuntamiento de Viena.
Annette Otterstedt (23 de septiembre de 1951, Erlangen - 6 de septiembre de 2020, Berlín) fue una destacada musicóloga y violinista alemana, reconocida por su investigación en instrumentos de cuerda y viento de los siglos XVII y XVIII.
Otterstedt completó sus estudios secundarios en el Wilhelm-Gymnasium de Hamburgo y más tarde estudió viola da gamba con Johannes Koch en la Universidad de Música de Hamburgo. Posteriormente, amplió su formación en musicología, etnomusicología, estudios judíos y estudios de manuscritos en la Universidad Técnica y la Universidad Libre de Berlín. En 1989, obtuvo su doctorado bajo la dirección de Carl Dahlhaus, con una tesis sobre la lira inglesa, un instrumento de cuerda especializado.
En 1991, fue nombrada conservadora del Museo de Instrumentos Musicales del Instituto Estatal de Investigación Musical de Berlín, donde fue responsable de los instrumentos anteriores a 1800, excluyendo los instrumentos de teclado. Su trabajo en el museo incluyó grandes proyectos de investigación y la organización de exposiciones sobre la historia de los instrumentos, además de la supervisión de grabaciones musicales.
Annette Otterstedt fue una experta en la reconstrucción de instrumentos históricos, especialmente la viola da gamba y la lira inglesa, y sus estudios y escritos sobre estos instrumentos fueron influyentes. En 1994, publicó The Gambe. Historia cultural y guía práctica, una obra fundamental en el campo de la música de cuerda antigua. En 1997, junto con Olga Adelmann, publicó La Escuela Alemana. Fabricación de violines en el siglo XVII en el sur de la Selva Negra y Suiza, un libro pionero en su ámbito. En 2002, lanzó una versión ampliada de su obra The Viol. Historia de un instrumento, que incluyó un capítulo detallado sobre las mujeres que tocaban la viola.
Como curadora, fue responsable de varios proyectos importantes, incluida la investigación sobre los instrumentos del museo y su grabación en CD, que tuvo un gran éxito comercial. También trabajó en exposiciones interactivas y conciertos de debate sobre la práctica histórica de la interpretación musical.
A lo largo de más de 40 años de carrera, Annette Otterstedt también fue una prolífica intérprete, compositora y arreglista. En 2005 y 2006, publicó CD con música inglesa del siglo XVII, arreglada para dos violas de lira o compuesta por ella misma. Su música fue tan fiel al estilo original que incluso los expertos no podían diferenciar sus composiciones de las de los compositores antiguos.
En el ámbito personal, Otterstedt enfrentó numerosas dificultades. Provenía de una familia de médicos y músicos, pero a una temprana edad sufrió un accidente químico que marcó su vida. Sin embargo, su perseverancia la llevó a destacarse en su campo, a pesar de las adversidades económicas y personales.
Durante su carrera, Otterstedt también enfrentó desafíos laborales. A pesar de ser la más cualificada para el cargo de curadora en el Museo de Berlín, se encontró con obstáculos burocráticos que intentaron desacreditarla. Sin embargo, logró ganarse el respeto de sus colegas y dejó una huella profunda en la institución y en el mundo de la musicología.
Annette Otterstedt falleció el 6 de septiembre de 2020, dejando un legado imborrable en el campo de la musicología, especialmente en el estudio y la interpretación de instrumentos antiguos.
Publicaciones
La lira inglesa: instrumento y tecnología. Disertación. Universidad Técnica de Berlín 1987. Bärenreiter, Kassel y otros. 1989 .
La viola: historia cultural y guía práctica. Bärenreiter, Kassel y otros. 1994 .
Con Olga Adelmann : La escuela alemana de fabricación de violines en el siglo XVII en el sur de la Selva Negra y Suiza. 2da edición. Instituto Estatal de Investigación Musical del Patrimonio Cultural Prusiano, Berlín 1997 .
La Viola. Historia de un instrumento. Traducido por Hans Reiners. Bärenreiter, Kassel y otros. 2002 .
Diego Ortiz : Tratado de glosas. Editado por Annette Otterstedt. Traducido por Hans Reiners. Bärenreiter, Kassel 2003, ISBN 3-7618-1594-8 .
Alice Laura Barbi (1 de junio de 1858 – 4 de septiembre de 1948) fue una mezzosoprano y violinista italiana . Tuvo una corta pero exitosa carrera como concertista. Fue amiga de Johannes Brahms .
Alice Barbi nació en Módena , Ducado de Módena y Reggio, el 1 de junio de 1858. Comenzó a estudiar música a temprana edad bajo la guía de su padre Henry. Fue una violinista casi prodigio, debutando a la edad de siete años. Después de permanecer en Egipto, estudió en Bolonia en el Conservatorio Giovanni Battista Martini . Se formó en teoría musical y estudió varios idiomas. Asistió a conferencias de Carlo Verardi. Más tarde se dedicó al canto, estudiando con Luigi Zamboni y Alessandro Busi en Bolonia y más tarde con Luigi Vannuccini en Florencia , donde se había mudado con la ayuda de la familia Corsini .
Barbi comenzó su carrera como cantante junto a Antonio Cotogni y Giovanni Sgambati en un concierto en el Quirinale . Su debut público fue en un concierto organizado por el empresario Andreoli en Milán el 2 de abril de 1882. El programa incluía cuatro arias de Handel , Haydn , Jommelli y Rossini . Schumann y Schubert eran sus especialidades para los recitales. Una reseña de William Beatty-Kingston en The Theatre elogió los dos recitales de música de cámara que dio en el Prince's Hall en julio de 1886. Se refirió a ella como la mejor cantatrice di camera de Europa y describió su canto como "el resultado de una rara y sorprendente combinación de dones naturales y cultivo infatigable". Su programa para los recitales ilustró el desarrollo de la música vocal desde el siglo XVII. Beatty-Kingston escribió que "Todos los adjetivos elogiosos en mi vocabulario son insuficientes para expresar mi sentido de la belleza, la gracia y el sentimiento poético que caracterizan su interpretación de estas composiciones, todas y cada una de ellas". Además de cantar, tocaba ocasionalmente como violinista. Barbi pasó mucho tiempo en el extranjero, viajando a Austria, Alemania, Inglaterra y Rusia.
Barbi encontró un ferviente admirador en el compositor alemán Johannes Brahms y ambos fueron amigos íntimos en sus últimos años. Brahms escribió al compositor austríaco Richard Heuberger sobre Barbi hacia finales de 1890, diciéndole que "De alguien como Barbi todos podemos aprender. Por encima de todo, la dama italiana canta de manera supremamente constante, con un pulso sólido y... proyecta la estructura de cada pieza que canta". Brahms organizó que Barbi visitara a Clara Schumann . La primera vez que la escuchó cantar una de sus canciones, dijo: "Hoy he escuchado mis canciones por primera vez". Brahms acompañaba a Barbi por Venecia. Si bien su relación era platónica, fue tema de chismes y Brahms le dijo a Ignaz Brüll que ella era la única mujer con la que había querido casarse después de la mediana edad.
La carrera de Barbi fue corta. Se retiró de los escenarios el 21 de diciembre de 1893 para casarse con el barón Boris von Wolf- Stomersee (1850-1917). Brahms proporcionó acompañamiento de piano para todo el programa de su concierto de despedida. Barbi tuvo dos hijas, Alexandra (1894-1982), que se convirtió en psicoanalista y se casó con Giuseppe Tomasi di Lampedusa , y Olga (1896-1984), que se casó con el diplomático Augusto Biancheri Chiappori y fue la madre de Boris Biancheri .
Tras la muerte de Stomersee en 1917, Barbi se casó con Pietro della Torreta, embajador italiano en Gran Bretaña, en 1920.
Barbi murió en Roma el 4 de septiembre de 1948 con 90 años .
Lola Bobescu (Lola Violeta Ana-Maria Bobescu (9 de agosto de 1921 - 4 de septiembre de 2003) fue una violinista belga de origen rumano.
Nació en Craiova , Rumania , y comenzó su carrera como una niña prodigio, dando allí su primer recital a los 6 años con su padre, el compositor y director de orquesta Aurel Bobescu. Continuó sus estudios en la Ecole Normale Musique de Paris (1928-1935) con Marcel Chailley (violín) y en el Conservatorio de Paris (1931-1935) con Jules Bucher, donde obtuvo su primer premio en 1934 y se graduó con el "Premio de Excelencia". Tomó lecciones privadas de violín con George Enescu y Jacques Thibaud. Se dio a conocer internacionalmente tras presentarse en París (1936) a los 17 años con la Orquesta Colonne bajo la batuta de Paul Paray , donde interpretó un concierto del compositor rumano Stan Golestan . Al año siguiente, 1937, obtuvo el séptimo premio en el concurso Eugène Ysaÿe .
Aunque se estableció en el extranjero incluso antes del final de la Segunda Guerra Mundial, regresó a Rumania y apareció regularmente en conciertos con la Radio Filarmónica de Bucarest y las provincias de Craiova, Brasov, Iasi y Timișoara.
Fundó dos grupos musicales en Bélgica: en 1958, la Orchestre Royal de Chambre de Wallonie en Lieja ; y en 1990, el cuarteto de cuerda L'Arte del Suono en Bruselas .
También fue profesora en el Conservatorio Real de Bruselas de lengua francesa y profesora de violín en el Conservatorio de Lieja (1962-1974). Formó parte del jurado del Concurso Queen Elizabeth en 1971 y 1993. Grabó sonatas de Beethoven , Gabriel Fauré , Johannes Brahms , César Franck y Claude Debussy , así como música barroca , incluidos conciertos de Bach .
También trabajó con los principales conjuntos orquestales del mundo, entre ellos: las Filarmónicas de Berlín y Londres, la orquesta francesa Colonne, Lamoureux y Pas de loup, la Orquesta Concertgebouw (Ámsterdam), La Suisse Romande (Ginebra) y la Orquesta Accademia Santa Cecilia (Roma). . En conciertos y recitales de música de cámara, la acompañaba a menudo el pianista Jacques Genty .
Violinista de excepcional fuerza artística a pesar de su delicado físico, Bobesco equilibraba el virtuosismo técnico con la sencillez y la austeridad interpretativa. La pureza de la expresión lírica, la entonación clara, el fraseo musical cálido y comunicativo y la originalidad de concepción la sitúan entre las mejores intérpretes internacionales. Grabó para Decca, Columbia, Les Discophiles Français , Nippon Program Arcophon y otros.
Murió en Spa, Bélgica .
La calle 'Rue Lola Bobescu' que rodea el centro cultural del municipio Woluwe-Saint-Lambert lleva su nombre.
Marjorie Olive Hayward (14 de agosto de 1885 - 10 de enero de 1953) fue una violinista y profesora de violín inglesa, destacada durante las primeras décadas del siglo XX.
Marjorie Hayward nació en Greenwich en 1885. Fue una «niña prodigio» y estudió violín con Émile Sauret en la Royal Academy of Music de Londres (1897-1903) y con Otakar Ševčík en Praga (1903-06). Sus dos años en Praga los pagó con la venta de la casa familiar: Hayward expresó más tarde su gratitud por este y otros apoyos de su madre, que era una gran músico.
Tuvo éxitos tempranos en el repertorio de concierto , actuando en Praga, Berlín (donde interpretó el Concierto para violín, trompa y orquesta de Ethel Smyth con Aubrey Brain ), París, Ámsterdam y La Haya, pero más tarde se centró principalmente en la música de cámara .
A ella fue la dedicada de la pieza corta para violín y piano de John Ireland de 1911 titulada Bagatelle . Ella y el compositor estrenaron su Sonata para violín n.º 1 en re menor el 7 de marzo de 1913 en un concierto de cámara de Thomas Dunhill en el Steinway Hall.
También a ella fueron dedicados los 24 Estudios Caprichos , Op. 64, de su maestro Émile Sauret, y de las 3 Piezas para violín y piano , Op. 17, de Thomas Dunhill .
Dirigió el Cuarteto de Cuerdas Inglés (que incluía a Frank Bridge en la viola), y más tarde el Cuarteto Virtuoso , el primer grupo de música de cámara formado específicamente para hacer grabaciones, con Edwin Virgo (segundo violín), Raymond Jeremy (viola) y su fundador Cedric Sharpe (violonchelo). El Cuarteto no se limitó a las grabaciones, sino que también transmitió y realizó giras con frecuencia, y su repertorio se extendió a quintetos con otros artistas .
Marjorie Hayward también tocó en el Marie Dare String Quartet a finales de los años 1930, y creó su propio ensamble, el Marjorie Hayward String Quartet, con Irene Richards (segundo violín), Anatol Mines (viola) y May Mukle (cello). Y estaba el English Ensemble, con May Mukle, Rebecca Clarke (viola) y Kathleen Long (piano). Otros grupos en los que jugó un papel destacado fueron el English Ensemble Piano Quartet y el Kamaran Trio . Este último se formó en 1937, con la violonchelista Antonia Butler y la pianista Kathleen Markwell .
Marjorie Hayward fue una cara frecuente en The Proms , tocando allí 26 veces entre 1909 y 1944, allí el 28 de septiembre de 1920 estrenó el Concierto para violín en mi menor, Op. 33 de York Bowen .
Fue miembro de la Royal Academy of Music (RAM) y se convirtió en profesora allí en 1924. El premio Marjorie Hayward del RAM lleva su nombre en su honor.
Se casó con RGK (Rudolf Gustav Karl) Lempfert CBE (nacido en 1875), director de la Oficina Meteorológica y en 1930-31 presidente de la Royal Meteorological Society . Su hija, Marjorie Lempfert, estudió en la RAM, convirtiéndose en una destacada violaista y, al igual que su madre, profesora de la Academia.
Marjorie Hayward murió en Londres el 10 de enero de 1953, a la edad de 67 años.
Grabaciones
Hay muchas grabaciones de Marjorie Hayward tocando:
Versiones abreviadas de la Sonata "Kreutzer" de Beethoven y de las sonatas de Franck y Elgar , con Una Bourne
Sonatas de Mozart (K. 378) y Grieg (No. 3 en do menor, Op. 45)
Purcell, Sonata en sol menor, Z. 780, con Madame Adami
Mozart: Sonata para violín, K.378, 1. Allegro
Una serie de ilustraciones de conferencias con Sir Walford Davies
Franck, Cuarteto de cuerdas, Cuarteto de cuerdas Virtuoso
Saint-Saëns, Cuarteto para piano en si bemol, Op. 41 – Scherzo (con Mark Hambourg , piano; Frank Bridge , viola; C. Warwick-Evans, violonchelo)
Beethoven, Cuarteto en mi bemol, Op. 127, Cuarteto Virtuoso
Dittersdorf, Minueto en mi bemol
Mozart, "L'amerò, sarò costante", de Il re pastore , con Elisabeth Schumann
También hubo grabaciones de obras más breves de Braga, D'Ambrosio, Fibich, Hubay, Kennedy-Fraser, Marcello, Mendelssohn, Poldini, Raff, Schumann, Simonetti, Stean, Tchaikovsky y Thomé.
Se la puede escuchar en varios enlaces de YouTube:
Smetana, Bohemian Dance, Op. 15 en YouTube con Madame Adami
Ravel, Introducción y Allegro en YouTube , Virtuoso String Quartet, con John Cockerell, arpa; Robert Murchie, flauta; Charles Draper, clarinete
Mendelssohn, Cuarteto en mi bemol, op. 44/3 – Scherzo assai en YouTube
Maria Theodora Paulina (Dora) Pejačević en húngaro: Gróf verőczei Pejácsevich Mária Theodóra Paulina "Dóra"( Budapest, 10 de septiembre de 1885 - Múnich, 5 de marzo de 1923) fue una compositora croata y miembro de la noble familia Pejačević de origen búlgaro. Fue una de las compositoras que introdujo el Lied en la música croata.Los estudiosos consideran que su Sinfonía en fa sostenido menor es la primera sinfonía moderna de la música croata.
Dora Gräfin Pejacevic, o Dora Pejačević, fue una compositora, pianista y violinista croata. Fue una de las primeras compositoras en introducir la canción orquestal en la música croata y en escribir una sinfonía moderna en la música croata Su obra abarca desde el romanticismo hasta el expresionismo y el modernismo, y refleja sus intereses literarios, filosóficos y sociales Entre sus obras más destacadas se encuentran el Concierto para piano en si bemol menor, op. 33 (1913), la Sinfonía en fa sostenido menor, op. 41 (1916-1918), el Cuarteto de cuerda en do mayor, op. 58 (1921) y el ciclo de canciones Lebenslied, op. 39 (1918).
Pejačević pertenecía a una noble familia croata, pero llevó una vida solitaria y dedicada a la música. Se casó en 1921 con Ottomar Lümbe, un ingeniero alemán Murió a los 37 años de edad, posiblemente de una infección renal
"Es una pena que Dora sea una mujer. De lo contrario, podría tener una gran carrera", dijo alguien que admiraba a "Kontesa Dora", como compositora, como escritora, como interlocutora en igualdad de condiciones, en cualquier idioma: Rainer Maria Rilke. .
La condesa croata mantuvo una amistad con Rilke, pero también con Karl Kraus, y también puso música a sus textos. Dora Pejačević es la compositora más famosa de Croacia. Murió a los 37 años, demasiado joven
Dora Pejačević (en documentos antiguos también Pejacsevich) nació en Budapest, Reino de Hungría, hija de la baronesa húngara Elisabeth Josepha Lilla de Vaya, (1860-1941) y el conde húngaro-croata Teodor Pejačević de Virovitica (1844 - 1928) . Su madre fue pianista y la primera en darle lecciones de piano. Es descendiente de la familia noble croata Pejačević por parte de su padre, una de las familias nobles más distinguidas de Eslavonia, la región oriental de Croacia. Su familia materna estuvo vimculada durante siglos con los condes Teleki de Szék, lo que les dio importancia política y económica dentro de la región de Budapest. Gran parte de la prominencia de su madre hizo que Dora prefiriese la música en lugar de un estilo de vida aristocrático.
Pejačević comenzó a componer cuando tenía 12 años. Estudió música de forma privada en Zagreb, Dresde (composición con Percy Sherwood (en)) y Múnich (instrumentación con Walter Courvoisier y violín con Henri Petri ). Sin embargo, fue en gran parte autodidacta.
En 1913, Pejačević compuso un concierto para piano, su primera obra orquestal, convirtiéndola en la primera compositora croata en escribir un concierto. Las composiciones anteriores de Pejačević consistían principalmente en piezas para piano, sonatas y canciones y se consideraban de élite por su naturaleza. Muchas de sus piezas se estrenaron en Alemania, interpretadas por importantes solistas de la época. A lo largo de su vida, las composiciones de Pejačević se interpretaron en Budapest, Viena, Praga, Múnich, Dresde y su ciudad de Nasice. Entre los músicos que tocaron sus obras se encuentran los pianistas Walter Bachmann, Svetislav Stančić y Alice Ripper, los violonistes Juan Manén, Václav Huml y Zlatko Baloković, les directores de orquesta Oskar Nebdal y Edwin Linder y grupos de cámara entre los que se encuentran Thoman Trio, el Cuarteto de cuerdas de Zagreb, la Orquesta filarmónica de Zagreb, la Tonkünstlerorchester de Viena y la Filarmónica de Dresde.
El 14 de septiembre de 1921 se casó con Ottomar Lümbe (1892-1978). Aunque Pejačević llevó una vida solitaria, conoció a muchos músicos y escritores destacados, y se hizo amiga del periodista y escritor austriaco Karl Kraus y de la aristócrata checa y mecenas de las artes, la condesa Sidonie von Thun und Hohenstein.
Pejačević murió en Múnich en 1923, donde pasó los últimos años de su vida. Existen dos versiones contradictorias respecto a su fallecimiento. Por un lado, se afirma que la causa de la muerte de Pejačević fue una insuficiencia renal, que tuvo lugar cuatro semanas después del nacimiento de su hijo, Theo. Otra fuente menciona que su fallecimiento se produjo como resultado de complicaciones durante el parto. Está enterrada en el cementerio de Našice, Croacia. Su lápida, a pedido de ella, tiene su nombre escrito únicamente como "Dora" con la frase corta "Descansa ahora".
Pejačević es considerada una importante compositora croata. Dejó un catálogo considerable de 58 opus (106 composiciones), que incluye canciones, obras para piano, música de cámara y varias composiciones para gran orquesta, posiblemente las mejores. Su estilo estilo romántico tardío, enriquecido con armonías impresionistas, elementos de estilo expresionista y colores orquestales suntuosos, hacen de Dora Pejačević una verdadera hija del Art Nouveau (Jugendstil) en el arte pictórico.
Los estudiosos consideran que su Sinfonía en fa sostenido menor es la primera sinfonía moderna de la música croata. La mayor parte de sus obras aún no han sido publicadas ni grabadas, aunque recientemente se han realizado esfuerzos concertados para corregir esta situación. Por ejemplo, el Centro de Información Musical de Croacia ha publicado algunas de sus partituras, incluidas tres de sus obras orquestales (Concierto para piano, Sinfonía y Fantasía concertante). En 2008, el Centro también publicó una monografía bilingüe (en inglés y croata), escrita por el erudito de Pejačević Koraljka Kos, acompañada de un primer CD de piano y música de cámara de Pejačević. Las obras de madurez de la compositora están igualmente marcadas por su entusiasmo por la música de Wagner y por su poderosa maestría y virtuosismo en la escritura del instrumento para el que compone. Según Kos, ella crea "como un sismógrafo capaz de responder a los estímulos más sutiles", y en sus propias palabras "en un trance de obsesión musical".
En 1993 se lanza la película Countess Dora (en), que retrata su vida. Fue dirigida por Zvonimir Berković y protagonizada por Alma Prica y Rade Šerbedžija .
Lista de obras
Composiciones vocales
"Ein Lied", op. 11 (texto: Paul Wilhelm; 1900)
"Warum?" , Op. 13 (texto: Dora Pejačević; 1901)
"Ave María", Op. 16, para voz, violín y órgano, (1903)
Sieben Lieder, op. 23 (texto: Wilhelmine von Wickenburg-Almasy; 1907; dedicado a Eva van Osten, Melanie Páiffy-Almásy, Julia Culp)
"Sicheres Merkmal"
"Es hat gleich einem Diebe"
"Tenso erst Blauveilchen"
"Es jagen sich Mond und Sonne"
"Du bist der helle Frühlingsmorgen"
"In den Blättern wühlt"
"Es war einmal"
Zwei lieder, op. 27 (Texto: Wilhelmine von Wickenburg-Almasy; Ernst Strauss; 1909)
"Ich schleiche meine Straßen"
"Verweht"
Vier lieder, op. 30 (Texto: Anna Ritter; 1911; dedicado a Marianne Konradsheim)
"Ein Schrei"
"Wie ein Rausch"
"Ich glaub', lieber Schatz"
"Traumgluck"
Verwandlung para voz, violín y órgano, op. 37a (texto: Karl Kraus ; 1915; dedicado a Sidonie Nádherny von Borutin)4
Madchengestalten, op. 42 (texto: Rainer Maria Rilke 1916)
"Als du mich einst gefunden hast"
"Viel Fähren sind auf den Flüssen"
"Ich bin eine Waise"
"Ich war ein Kind und träumte viel"
"Una eine falte", op. 46 (texto: Karl Kraus; 1918; dedicado a Sidonie Nádherny von Borutin)
Drei Gesänge, op. 53 (texto: Friedrich Nietzsche ; 1919-1920)
"venedig"
"Vereinsamt"
"Der Einsamste"
Zwei lieder, op. 55 (Texto: Karl Henckell ; Ricarda Huch ; 1920; dedicado a Rosa Lumbe-Mladota y Juza Lumbe)
"¡Zu dir!"
"Um bei dir zu sein"
Tri dječje pjesme (Tres canciones infantiles), op. 56 (texto: Zmaj Jovan Jovanović; 1921)
"Majčica, moj anđeo" (Mami, mi ángel)
"Dijete i baka" (Niño y abuela)
"Mali Radojica" (Pequeña Radojica)
Con acompañamiento orquestal
Verwandlung, op. 37b (texto: Karl Kraus; 1915)
Liebeslied, Op. 39 (texto: Rainer Maria Rilke; 1915)
Zwei Schmetterlingslieder, op. 52 (texto: Karl Henckell; 1920)
"Goldne Sterne, azul Glöckchen"
"Schwebe, du Schmetterling"
Composiciones para piano solo
Berceuse, Op. 2 (1897)
Gondellied, Op. 4 (En Erinnerung an die gemütlichen Tage in Našice von Dora, Našice, 25 de julio de 1898)
Chanson sans paroles, op. 5, (1898)
Papillon, Op. 6 (1898)
Menuette, Op. 7 (1898)
Improptu, Op. 9a (1899)
Chanson sans paroles, op. 10 (1900; dedicado a la baronesa Else Szentkereszty)
Albumblatt, op. 12 (1901; perdido)
Trauermarsch, Op. 14 (1902)
Sechs Phantasiestücke, op. 17 (1903)
"Sehnsucht"
"Leid"
"Frage"
"Klage"
"Bitte"
"Wahn" (2 versiones: A y B)
Blumenleben – acht Klavierstücke nach der Blütenzeit im Jahresablauf komponiert, op. 19 (1904-1905)
"Schneeglöckchen"
"Veilchen"
"Maiglöckchen"
"Vergissmeinnicht"
"Rose"
"Rote Nelken"
"Lilien"
"Chrysanthemen"
Berceuse, Op. 20 (1906; dedicado a su sobrino, el conde Nikola Pejačević)
Valse de concert, op. 21 (1906)
Erinnerung, op. 24 (1908; dedicado a Marie Therese Schall-Riaucour)
Walzer-Capricen, op. 28 (1910; dedicado a su profesor Percy Sherwood)
"Moderado"
"Grazioso"
"Soy Laendler-tempo"
"Wiegend"
"Lento"
"Tiempo giusto"
"Allegretto"
"Grazioso, allegramente"
"Moderato"
Vertige, Valse-Boston, (24 de mayo de 1906; estilo de salón romántico)
Improptu, Op. 32b (1912; dedicado a la pianista Alice Ripper)
Sonata en si bemol menor, op. 36 (1914; dedicado a Anny von Lange)
"Con fuoco no troppo allegro"
"Andante con molta expressione"
"Allegro risoluto"
Zwei Intermezzi, op. 38 (1915; dedicado a Olga Schulz-Granitz)
"Ruhig und inning"
"Langsam und ausdrucksvoll"
Zwei Klavierskizzen, op. 44 (1918; dedicado a Anny von Lange)
"¡An dich!"
"Vor deinem Bild"
Blütenwirbel, op. 45 (1918; 2 versiones: A y B; dedicada a Sidonie Nádherny von Borutin)
Capricho, Op. 47 (1919; dedicado a la pianista Alice Ripper)
Zwei Nocturnos, op. 50 (1918; 1920)
"Sehr ruhig, mit innigem Ausdruck" (Janowitz, 20-21 de julio de 1918; dedicado a la pianista Alice Ripper)
"Leicht bewegt und ferträumt"
Humoreske und Caprice, op. 54 (1920)
"Humoreske", allegretto vivo
"Caprice", vivace grazioso
Sonata en la bemol mayor, op. 57 (en un movimiento; 1921)
Composiciones de cámara
Rêverie para violín y piano, op. 3 (1897)
Canzonetta en re mayor, para violín y piano, op. 8 (1899; su primera composición impresa; dedicada a Stefi Geyer)
Impromptu, para quinteto de cuerdas con piano, op. 9b (1903; arreglo de Op. 9a)
Trío en re mayor, op. 15 para violín, violonchelo y piano (1902)
Menuett en la mayor, op. 18, para violín y piano (1904; dedicado a Jaroslav Kocian)
Romanza en fa mayor, op. 22, para violín y piano (1907)
Cuarteto en re menor, op. 25 para violín, viola, violonchelo y piano (1908)
Sonata en re mayor, Frühlings-Sonate, op. 26 para violín y piano (1909)
Trío en do mayor, op. 29 para violín, violonchelo y piano (1910)
Cuarteto de cuerda en fa mayor, op. 31 (1911; perdido)
Elegía en mi bemol mayor para violín y piano, op. 34 (1913; dedicado a Johannes Nádherny-Borutin)
Sonata en mi menor, op. 35 para violonchelo y piano (1913; dedicado a Olga y Ernst Schulz)
Quinteto con piano en si menor, op. 40 para 2 violines, viola, violonchelo y piano, (1915-1918)
Sonata en si menor Slawische Sonate para violín y piano, op. 43 (1917; dedicado al violinista Zlatko Baloković)
Meditación para violín y piano, op. 51 (1919; dedicado a Viteszlav Novák)
Cuarteto de cuerda en do mayor , op. 58 (1922)
Composiciones orquestales
Concierto para piano en sol menor, op. 33 (1913)
Sinfonía en fa sostenido menor para gran orquesta, op. 41 (1916 – 1917, rev. 1920; dedicada a su madre la baronesa Lilla Vay de Vaya)
Phantasie concertante en re menor para piano y orquesta, op. 48 (1919; dedicado a la pianista Alice Ripper)
Obertura en re menor para gran orquesta, op. 49 (1919)
Canciones para voz y orquesta (1915-1920)
Verwandlung para voz, violín y orquesta, op. 37b (texto: Karl Kraus)
Liebeslied, Op. 39, (texto: Rainer Maria Rilke; dedicado a su hermana Gabrielle Kochanovsky)
Zwei Schmetterlingslieder, op. 52 (texto: Karl Henckell)
N.º 1, "Gold'ne Sterne, blaue Glöckchen"
N.º 2, "Schwebe du Schmetterling, schwebe vorbei"
Grabaciones
Sinfonía en fa sostenido menor, op. 41; Fantasía concertante en re menor, op. 48 para piano y orquesta, Volker Banfield, piano y la Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz dirigida por Ari Rasilainen (CPO (en) CD#777-418-2)
Trío para piano, op. 29; Sonata para violonchelo, op. 35 (Oliver Triendl, Andrej Bielow, Christian Poltera. CPO 777-419-2)
Quinteto para piano, op.40; Cuarteto con piano, op. 25; Cuarteto de cuerda, op. 58; Improvisado, Op. 9 (Oliver Triendl, Quatuor Sine Nomine. CPO 777-421-2) [2 CD]
Cuarteto de cuerda en do mayor, op. 58 junto con String Sextet de Boris Papandopulo (CD #5558910)
Sonata para violín n.° 1 en re mayor, op. 26 junto con obras de Kunc, Boris Papandopulo y J. Š. Slavenski (CD n.º 5872221)
Vertige, Valse-Boston (20th Century Foxtrots Volumen 3. Número de catálogo GP854)
Concierto para piano, op. 33; Sinfonía, Op. 41; Peter Donohoe (piano), Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por Sakari Oramo, Chandos CHSA 5299 (2022)
Esther Hoppe (4 de marzo de 1978 , Zug ) es una violinista suiza.
Esther Hoppe empezó a tocar el violín a la edad de cuatro años . Mientras aún asistía a la Escuela Cantonal de Zug, se convirtió en una joven estudiante de Thomas Füri en la Academia de Música de Basilea . A la edad de 19 años, fue aceptada en el prestigioso Curtis Institute of Music de Filadelfia y permaneció en Estados Unidos hasta graduarse (Diploma de Artista) en 2000. Sus profesores posteriores fueron Yfrah Neaman ( Guildhall School of Music and Drama London ), 2001-2003, y Nora Chastain ( Universidad de las Artes de Zurich ), 2005-2007.
Esther Hoppe ganó tempranamente premios en concursos de música juvenil en Suiza (1993, 1994, 1995). Después de recibir otros premios de estudio y de desarrollo juvenil, en 2002 ganó el primer premio en el 8º Concurso Internacional Mozart en Salzburgo. Poco después fundó el Tecchler Trio , con el que celebró el éxito internacional, ganó varios concursos (incluido el primer premio en el Concurso Internacional de Música ARD ) y ofreció conciertos intensivos hasta su disolución en 2011.
De 2009 a 2013, Esther Hoppe fue primera concertino de la renombrada Orquesta de Cámara de Múnich .
Desde 2013, Esther Hoppe es profesora de violín en el Mozarteum de Salzburgo . También actúa como solista con orquestas como: B. Orquesta de Cámara de Zúrich , Orquesta de Cámara de Basilea , Orquesta Sinfónica de Basilea , Orquesta de Cámara de Múnich , Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera , Solistas de Cámara de Salzburgo, Orquesta Les Siècles.
Esther Hoppe es invitada regularmente a festivales de renombre; en 2014 fue invitada a los Conciertos de Pentecostés de Ittinger, al Festival de Música de Cámara Lockenhaus , al Festival de Música de Ernen, al Festival de Música de Cámara de Delft y al Festival Menuhin de Gstaad.
Discografía (selección)
Johann Sebastian Bach: Sonatas y Partitas para violín solo ( Claves , 2022)
Mozart & Poulenc: Obras para violín y piano (Claves, 2017)
Mozart, Stravinsky: Obras para violín y piano con Alasdair Beatson (Claves, 2014)
Violín Costa de Mozart: WA Mozart y F. Schubert con Florian Birsak ( Stiftung Mozarteum Salzburg / edición belvedere, 2014)
Wolfgang Amadeus Mozart: Música con vientos con los solistas de cámara suizos ( Clásicos genuinos , 2014)
Tobias PM Schneid: Nuevos trabajos con Maximilian Hornung y Benjamin Engeli (Neos, 2013)
Laura Archera Huxley (2 de noviembre de 1911 - 13 de diciembre de 2007) fue una violinista, escritora, psicoterapeuta y conferenciante. Estuvo casada con Aldous Huxley desde 1956 hasta su muerte en 1963.
Laura Archera nació en Turín , Italia. Comenzó a tocar el violín a los diez años, estudiando en Berlín , París y Roma, donde obtuvo un diploma de enseñanza musical a los 17 años. También estudió en el Curtis Instituto de Música de Filadelfia , tocó en una importante orquesta sinfónica y ante la Reina de Italia a la edad de 14 años, actuando en el Carnegie Hall en su adolescencia.
En 1949, trabajaba como documentalista independiente . Según su obituario en Los Angeles Times , Archera llamó al filósofo y autor Aldous Huxley a su casa y le dijo que John Huston le había prometido financiar su propuesta de película documental sobre el Palio di Siena si lograba que Huxley aceptara escribir el guion. Archera se hizo amiga cercana de Huxley y de su primera esposa María, quien murió en 1955. En 1956, Archera se casó con Huxley.
Laura escribió varios libros de autoayuda sobre las relaciones humanas, incluido You Are Not the Target (1963), con un prólogo escrito por Aldous Huxley.
Después de la muerte en 1963 de su esposo, escribió This Timeless Moment: a personal view of Aldous Huxley (1968), un libro que describe la vida con él.
En 1977 fundó Children: Our Ultimate Investment , también conocida como "Our Ultimate Investment" o simplemente OUI, una organización sin fines de lucro dedicada a la crianza del ser humano posible.
Fue productora de documentales y asistente de edición cinematográfica en RKO . Huxley apareció en Hofmann 's Potion: The Early Years of LSD , un documental del National Film Board of Canada . Laura colaboró en el documental de Mary Ann Braubach de 2010, "Huxley on Huxley" que reflexionaba sobre su matrimonio.
Laura Huxley murió a los 96 años en su casa de Hollywood Hills .
Premios y Reconocimientos
Laura recibió un amplio reconocimiento por sus logros humanitarios , que incluyen:
Doctorado Honoris Causa en Servicios Humanos de la Universidad de La Sierra
Premio de la Fundación Mundial de la Salud para el Desarrollo y la Paz de 1990
El premio Thomas R. Verny de la Asociación de Psicología y Salud Prenatal y Perinatal de 2003 , por sus destacadas contribuciones al campo de la psicología prenatal y perinatal.
Obra
1963 - You Are Not the Target - Metamorphous Press; Reissue edition (August 1995)
1969 - This Timeless Moment - Celestial Arts; New Ed edition (December 2000)
1974 - Between Heaven and Earth - Hay House; Reprint edition (February 1, 1991)
1986 - Oneaday Reason to be Happy - Compcare Publications
1987 - The Child of Your Dreams (with Piero Ferrucci) - Compcare Publications
Domenica Maria Teresa Milanollo ( Savián , 28 de agosto de 1827 - París , 25 de octubre de 1904 ) fue una violinista y compositora piamontesa . Formaba un dúo que se convirtió en famoso con su hermana pequeña María Margherita, que murió joven.
Teresa Milanollo nació en Savian, pueblo piamontés de la provincia de Coni . Su padre era un industrial que fabricaba máquinas para tejer la seda apreciadas en gran parte de Europa . Se dice que fue después de oír tocar un violín durante una misa , el 10 de mayo de 1931, que la joven Teresa pidió insistentemente y vehemente aprender a tocar este instrumento. Como manifestó mucha traza, se convirtió en discípula de Giovanni Ferrera y, más adelante, fue llevada a Turín , para completar los estudios con Gebbaro y Giovanni Morra , dos músicos de la Capilla del rey Carlos Alberto.
Empezó los conciertos en 1836, en Mondovì , cerca de Turín. Las cualidades musicales de su hija incitaron a los padres de Teresa a llevarla a París , uno de los centros musicales más prestigiosos de aquella época. Sin embargo, fue en Marsella donde Teresa hizo su primer concierto triunfal fuera de su país. Una vez llegada a París, fue la alumna de Charles Philippe Lafont , que la alentó a efectuar giras por Bélgica, Países Bajos e Inglaterra entre 1836 y 1837.
En 1838, cuando regresó a Francia, hizo una gira por el norte del país, con su hermana Maria Margherita. En 1841, estudió con François-Antoine Habeneck antes de irse a Bruselas , para seguir las clases de Charles-Auguste de Bériot .
Más tarde, ambas hermanas hicieron varias series de conciertos triunfales por toda Europa hasta 1848. Aquel año se cortó de forma drástica la trayectoria exitosa del dúo a raíz de la muerte de Maria Margherita, enferma de tuberculosis, el 21 de octubre de 1848. Teresa, muy afectada por la pérdida de su hermana pequeña, se aisló en Malzéville , cerca de Nancy , en una propiedad rural que su padre había comprado en 1847. Después de este período de luto, Teresa volvió a los escenarios en 1849 y empezó de nuevo a realizar conciertos, con un éxito constante.
En torno a los 30 años se casó con el general Théodore Parmentier , y detuvo así su carrera de violinista.
Wilhelmine Maria Franziska Neruda (21 de marzo de 1838, Brno, Austria- 15 de abril de 1911 en Berlín, Alemania), también conocida como Wilma Norman-Neruda y Lady Hallé, fue una virtuosa violinista , música de cámara y profesora de Moravia .
Nacido en Brno , Moravia , entonces parte del Imperio Austriaco , Neruda provenía de una familia de músicos. Su tatarabuelo fue el destacado compositor bohemio Johann Baptist Georg Neruda (1708–1780), y su padre, Josef Neruda (1807–1875), fue el organista de la catedral de Brno. Su padre le enseñó piano, pero ella deseaba tocar el violín. En ese momento, el violín se consideraba más adecuado para los hombres y, por lo tanto, era poco común que las mujeres estudiaran violín. Aparentemente, Josef sorprendió a su hija tocando el violín de su hermano mayor en secreto y quedó tan sorprendido de su habilidad natural que le permitió estudiar violín. Neruda, como muchos otros músicos influyentes del siglo XIX, fue una niña prodigio. Varios de los hermanos de Neruda, incluidos Maria Neruda y Franz Xaver Neruda, también fueron niños prodigio por derecho propio y siguieron carreras musicales profesionales en la edad adulta. Durante su carrera como niña prodigio, el año de nacimiento de Neruda se informó en diferentes años, entre 1838 y 1840. Mentir sobre la edad de un niño músico no era raro; la apariencia de ser más jóvenes hacía que sus talentos parecieran más impresionantes.
La familia se mudó a Viena , donde estudió con Leopold Jansa (1795–1875), profesor de la Universidad de Viena . Aparentemente, Jansa escuchó a Wilma tocar el violín mientras visitaba la casa de Neruda e insistió en que estudiara violín con él, a pesar de su edad y sexo. Hizo su primera aparición pública como violinista solista en Viena a la edad de siete años, tocando una sonata para violín de Johann Sebastian Bach . Los talentosos niños Neruda comenzaron a recorrer Europa realizando programas de música de cámara. Estos conciertos fueron recibidos con considerable entusiasmo y el público apreció especialmente las facilidades técnicas y la madurez musical de Wilma.
A la edad de 11 años, Neruda hizo su debut como solista con la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretando un concierto para violín de Charles August de Bériot .
Neruda se casó con el músico sueco Ludvig Norman (1831–1885) en Estocolmo en 1864 y tuvo dos hijos, Franz Ludvig y Felix Wilhelm Waldemar. Su matrimonio resultaría ser infeliz. Sin embargo, como católico devoto, Neruda no creía en el divorcio. A medida que su relación se deterioró aún más, Neruda se mudó a Londres. El resto de su matrimonio pasaría separados, hasta la muerte de Ludvig Norman en 1885.
Neruda se casó con el pianista y director de orquesta germano-inglés Charles Hallé (1819–1895) en 1888. Los dos se habían conocido y actuado juntos años antes en varias giras de música de cámara y mantuvieron correspondencia regular. Cuando fue nombrado caballero más tarde en 1888, Wilma Neruda adoptó el título de Lady Hallé. El segundo matrimonio de Neruda sería feliz, pero desgraciadamente corto. Charles y Lady Hallé realizaron giras como dúo de piano y violín con gran éxito por Europa, Sudáfrica y Australia.
A lo largo de su vida, Wilma Neruda fue una ávida música de cámara. Siguiendo el estímulo de Henri Vieuxtemps, se unió a una serie de conciertos populares de los lunes en Londres con un cuarteto de cuerdas, donde dirigió desde la posición de primer violín excepto cuando su amigo de toda la vida Joseph Joachim estaba de visita y tomó esta posición.
La tragedia golpearía la vida de Neruda a fines del siglo XIX. En 1895, poco después de regresar a Londres tras una gira por Sudáfrica con Lady Hallé, Charles Hallé murió repentinamente. Fue aclamado internacionalmente y su muerte fue considerada una gran pérdida, especialmente para el público británico. El gobierno británico le regaló a Lady Hallé un palacio en Asolo , Italia, donde se mudó a vivir con su hijo, Ludvig, que era alpinista. Una vez más, una muerte súbita y trágica afectaría a Neruda: Ludvig murió en un trágico accidente en 1898 mientras escalaba los Dolomitas .. A pesar de la pérdida de su segundo esposo e hijo, se embarcó en una gira por los Estados Unidos y Canadá el año siguiente a la muerte de Ludvig en 1899 y, según los informes, vistió de negro durante sus actuaciones allí, como tributo a su difunto hijo.
A la edad de sesenta años, Neruda decidió retirarse de los conciertos y posteriormente se mudó a Berlín para comenzar una carrera docente.
Neruda pasó los últimos años de su vida viajando entre Londres y Berlín. La reina Alexandra la nombró violinista de la reina en 1901. Murió en 1911 en Berlín , a los 73 años.
Legado
Debido al tremendo éxito de Neruda como solista internacional, el siglo XX posterior vio una explosión en el número de violinistas. Henri Vieuxtemps , Pablo de Sarasate , James Scott Skinner y Niels Gade le dedicaron composiciones, entre otros compositores.
Neruda fue una solista de primer nivel, y sus actuaciones fueron recibidas con considerables elogios de la crítica. Mientras estaba de gira como solista en Rusia, Neruda, de 14 años, actuó en el mismo concierto que Henryk Wieniawski , de 17 años.en Moscu. Neruda recibió un ramo de flores de Henri Vieuxtemps y el público la ovacionó con entusiasmo. Wieniawski se puso celoso e intentó volver al escenario para demostrar que era un violinista superior, pero algunas personas, incluido un general ruso, lo impidieron. Wieniawski empujó al general con su arco para que se apartara de su camino, una grave afrenta que condujo a la destitución inmediata de Wieniawski de Moscú. Un acto tan irrespetuoso hacia un militar de alto rango podría haber acarreado un castigo mucho peor. Sin embargo, Neruda interpretó regularmente obras de Wieniawski a lo largo de su carrera.
Si bien Neruda poseía varios violines, actuó con mayor frecuencia con un violín Stradivarius de 1709. "Lady Hallé" Stradivarius (como se le conoce hoy) fue propiedad de Heinrich Wilhelm Ernst, antes de caer en sus manos.
Joseph Joachim fue un gran admirador del violín de Neruda; en 1870 le escribió a su esposa: "Me gusta mucho ... Su forma de tocar es más de mi gusto que la de cualquier otro contemporáneo: virgen, pura y musical". También dijo respecto a la forma de tocar de Neruda: "La gente pensará más en ella y menos en mí". Joachim y Neruda interpretaron juntos el Concierto para violín doble de Bach en un concierto popular de los lunes en St James' Hall en abril de 1892. Tanto Joachim como Neruda fueron amigos de toda la vida y se respetaban mucho. Neruda actuó en el servicio conmemorativo de Joachim después de su muerte en 1907.
En Estudio en escarlata de Sir Arthur Conan Doyle , Sherlock Holmes (él mismo un violinista) asiste a una actuación en solitario de Neruda, donde luego se entusiasma con el control de su arco.
Wilma Neruda fue conocida en el público por varios nombres diferentes a lo largo de su vida. Los nombres de Neruda a lo largo de su vida incluyen (en orden cronológico): Wilhelmine Maria Franziska Neruda, Wilma Neruda, Wilma Norman-Neruda, Lady Hallé. Como era práctica común, la mayoría de sus cambios de nombre fueron reflejo de sus matrimonios. Retuvo a Norman-Neruda incluso después de la muerte de su primer marido, Ludvig Norman.
"Jag spelade en konsert af de Beriot, och alltifran den dagen har jag, utan nagra afbrott for studier eller nagot annat, regelbundet spelat openly". 1 de agosto de 1890, vol. 3, no. 31, p. 1) ("Toqué un concierto de De Beriot y desde ese día, excepto cuando tomaba descansos para estudiar u otras cosas, siempre tocaba regularmente en público".) (Traducción: Caroline Fridberg)
Adila Fachiri (26 de febrero de 1886 - 15 de diciembre de 1962) fue una violinista húngara que tuvo una carrera internacional pero que vivió en Inglaterra. Era hermana de la violinista Jelly d'Arányi.
Nacida Adila Arányi de Hunyadvár en Budapest, su primera educación musical fue en la Real Academia de Música de Budapest. Comenzó a estudiar violín con Jenő Hubay cuando tenía diez años. A la edad de 17 años, ganó el diploma de artista, la distinción musical más alta de Hungría. Era sobrina nieta de Joseph Joachim, y estudió con él en Berlín hasta su muerte, siendo posiblemente la única alumna privada que aceptó. Le legó uno de sus violines Stradivarius.
Primero fue a Inglaterra en 1909 y en 1915 se casó con Alexander Fachiri, un abogado inglés que vivía en Londres. Para 1924, había tocado en público en Hungría, Austria, Alemania, Italia, Francia y los Países Bajos, además de aparecer regularmente en conciertos en Londres. Uno de sus acompañantes preferidos fue la pianista Julie Lasdun, madre del arquitecto Denys Lasdun.
Adila Fachiri hizo una grabación de la sonata para violín 10 de Beethoven con Donald Tovey. Fue la dedicataria de las dos sonatas para violín de Béla Bartók y del concierto para violín de 1930 de Sir Arthur Somervell.
El 3 de abril de 1930, ella y su hermana dieron la primera interpretación del Concierto para dos violines de Gustav Holst, en un concierto de la Filarmónica Real en el Queen's Hall, bajo la dirección de Oskar Fried. Holst escribió el concierto para ellos.
En marzo de 1933, las hermanas participaron en una sesión espiritista en Londres, en la que se les reveló la existencia del Concierto para violín en re menor de Robert Schumann a través de las 'voces' del propio Schumann y de su difunto tío abuelo, Joachim.
Maud MacCarthy (Clonmel, 4 de julio de 1882- Isla de Man, 2 de junio de 1967) fue una violinista, cantante, teósofa, escritora, poeta, profesora esotérica y autoridad en música india irlandesa. Fue una de las primeras en iniciar una campaña para abolir el uso del armonio en la música india. Ella notó que los instrumentos con teclas y sus notas rígidas habían causado la disminución de las habilidades vocales en la música occidental.
MacCarthy nació en Clonmel , Condado de Tipperary , Irlanda, hija del Dr. Charles William MacCarthy y su esposa Marion. Sus primeros años los pasó en Sydney , Australia, donde la familia emigró en 1885. Sin embargo, en 1891 había regresado a Gran Bretaña para estudiar violín en el Royal College of Music de Londres, como alumna de Enrique Fernández Arbós. Cuando era niña, actuó en conciertos estándar en el Crystal Palace y el Queen's Hall . También realizó una gira con la Orquesta Sinfónica de Boston y visitó Sudáfrica y Australia.
En 1905 se vio obligada a renunciar a sus ambiciones como solista de concierto por la aparición de una neuritis y se fue a la India como compañera de Annie Besant , donde estudió música india, coleccionando manuscritos e instrumentos, aprendió canto indio y también estudió misticismo indio.
Regresó a Inglaterra en 1909 tras la muerte de su hermano menor. En 1911 se casó con William Mann, un compañero teósofo, cambiando así su nombre a Maud Mann . La pareja tuvo una hija, Joan, en 1912. El matrimonio duró poco, ya que Maud pronto conoció y se enamoró del compositor John Foulds.en 1915. A pesar de la fuerte oposición de familiares y amigos, Maud y John Foulds dejaron a sus respectivos cónyuges y vivieron juntos desde 1918 en adelante. Tuvieron dos hijos, John Patrick (1916–2009) y Marybride (1922–1988). Finalmente se casaron en 1932. Compiló el texto de su Réquiem Mundial , que se representó en el Albert Hall en cuatro Noches de Armisticio consecutivas entre 1923 y 1926.
En 1929, mientras vivían en el East End de Londres , conocieron a un joven en un evento social local al que comúnmente se referían como 'The Boy'. Una figura tranquila pero poderosa que trabajaba en las plantas de gas locales, su verdadero nombre era William (Bill) Coote. 'The Boy' casi instantáneamente comenzó a canalizar a un grupo de seres conocidos como 'The Brothers' quienes dieron profundas enseñanzas espirituales a través de él durante los siguientes 26 años. Maud regresó a la India con John Foulds y William Coote en 1935, donde 'Los Hermanos' continuaron sus enseñanzas a través de 'El Niño', causando un profundo impacto en miles de personas en busca de un significado espiritual. John Foulds murió repentinamente en 1939 y Maud se casó con 'The Boy' en 1942.
Fundó un ashram y publicó poesía bajo el nombre de Tandra Devi . Ella tomó el nombre de Swami Omananda Puri después de la muerte de su esposo cuando tomó sannyas (o renuncia a la vida mundana). Fue bajo este nombre que publicó su autobiografía de sus experiencias con 'The Boy' en The Boy and the Brothers (Londres: Gollancz, 1959). Un segundo libro se publicó póstumamente como Towards the Mysteries (Londres: Neville Spearman, 1968) que amplió aún más las enseñanzas y el mensaje de The Brothers. Sus artículos se encuentran ahora en el Instituto Borthwick dentro de los Archivos de la Universidad de York .
Kathleen Parlow (20 de septiembre de 1890 en Fort Calgary, Alberta - 19 de agosto de 1963 cerca de Toronto, Ontario) fue una niña prodigio con su sobresaliente técnica con el violín, que le valió el sobrenombre de "La dama del arco dorado". Aunque dejó Canadá a la edad de cuatro años y no regresó de forma permanente hasta 1940, Parlow fue a veces catalogada como "La violinista canadiense".
La madre de Parlow, Minnie, la llevó a vivir a San Francisco cuando Kathleen tenía cuatro años. Minnie Parlow le compró a su hija un violín de tamaño medio en San Francisco, y Kathleen comenzó a recibir lecciones de un primo suyo que era profesor de violín profesional, Conrad Coward. Su progreso fue muy rápido con el instrumento y pronto comenzó a recibir lecciones de Henry Holmes.
Para convertirse en un violinista profesional de primer nivel y comenzar una carrera de concierto, Parlow siguió la ruta habitual de los norteamericanos y se mudó a Europa. Kathleen y su madre llegaron a Londres el 1 de enero de 1905. Al asistir a un concierto de Mischa Elman, los Parlow decidieron buscar al maestro de Elman, Leopold Auer. Minnie y Kathleen Parlow habían llegado a Londres con $ 300 recaudados por su iglesia en San Francisco, lo cual no fue suficiente para llevarlas a San Petersburgo, donde Auer era profesor. Para pagar el costo del viaje, los Parlow obtuvieron un préstamo de Lord Strathcona, el Alto Comisionado de Canadá. La pareja viajó a Rusia y, en octubre de 1906, Kathleen Parlow se convirtió en la primera extranjera en asistir al Conservatorio de San Petersburgo. En su clase de cuarenta y cinco estudiantes, Parlow era la única mujer.
A los 17 años, después de haber pasado un año en el conservatorio, Parlow comenzó a realizar representaciones públicas. Dio actuaciones en solitario tanto en San Petersburgo como en Helsinki. Parlow y su madre tenían poco dinero y de otra manera no podrían mantenerse. Poco después, Kathleen hizo su debut profesional en Berlín, y luego comenzó una gira por Alemania, Holanda y Noruega. En Noruega actuó para el rey Haakon y la reina Maud, de quienes se convertiría en una de las favoritas. Allí también conoció a Einar Bjørnson, un rico noruego (hijo del premio Nobel Bjørnstjerne Bjørnson) que se convertiría en su amigo y mecenas. Bjørnson compró para Parlow un violín Guarnerius del Gesù, fabricado en 1735. El violín costaba £ 2000 y anteriormente había sido propiedad de Viotti.
Parlow viajó por Europa con su madre actuando durante cinco años. Auer siguió siendo una fuerte influencia en Parlow, quien se refirió a él como "Papa Auer". Su madre y Auer organizaron conciertos y oportunidades para Kathleen, incluidos conciertos con directores famosos como Thomas Beecham y Bruno Walter.
En noviembre de 1910, Kathleen Parlow regresó a América del Norte para realizar una gira. Parlow actuó en Nueva York, Filadelfia, Montreal, Quebec, Ottawa y Kingston. Su primera actuación con la Orquesta Sinfónica de Toronto fue el 16 de marzo de 1911. Al regresar a su lugar de nacimiento en el oeste de Canadá, Parlow actuó en Calgary, Regina, Moose Jaw, Saskatoon, Edmonton, Vancouver y Victoria. Sus actuaciones fueron alabadas y tanto la madre como la hija Parlow se sintieron complacidas por su acogida positiva en el oeste de Canadá.
Parlow regresó a Inglaterra con su madre en 1911 para más conciertos. Su madre seguiría siendo su constante compañera de viaje hasta bien entrada la edad adulta. Actuó en el Festival de Ostende, preparándose nuevamente con Auer. Parlow mantuvo un intenso programa de giras, cruzando y volviendo a cruzar el Atlántico para recorrer Europa y América del Norte. Participó en un concierto benéfico para los supervivientes del Titanic e hizo su primera grabación a petición de Thomas Edison. Firmó con Columbia Records para producir grabaciones.
Hasta 1912, Parlow había actuado principalmente como solista, pero después de conocer a Ernesto Consolo, un pianista italiano, comenzó a tocar música de cámara.
Los Parlow estaban en Inglaterra cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Durante la guerra, Parlow realizó una gira por naciones neutrales de Europa como Holanda, Dinamarca, Noruega y Suecia. Regresó a América del Norte para realizar una gira en la primavera de 1916, luego volvio a Inglaterra, pero la creciente dificultad para viajar la mantuvo allí hasta 1919. Su antiguo maestro emigró a Nueva York en esta época debido a la situación política en Rusia, pero Parlow trabajaba con él cada vez menos.
Kathleen Parlow comenzó su quinta gira por Norteamérica en diciembre de 1920, y dio su primera actuación en la radio en Seattle en abril de 1922. Después de esto, realizó una gira de 22 meses que incluyó a Hawái, Indonesia, China, Singapur, Corea y Japón. Hizo grabaciones para Nipponophone Company mientras estaba en Japón.
Parlow continuó de gira, regresando a Europa, pero en 1926 se tomó un descanso. Motivada por el estrés de viajar o quizás por una relación rota, dejó de actuar durante un año. Para renovar su carrera, viajó a México para conciertos. Allí fue elogiada por los críticos, pero su situación financiera siguió siendo mala. Su gira por México en 1929 fue la primera sin su madre.
Con su carrera de conciertos no particularmente rentable, Parlow buscó otras opciones profesionales. En 1929, fue nombrada miembro de la facultad de Mills College en Oakland, California. Recibió una maestría honoraria en artes de Mills College en 1933. Mientras estaba en Mills College, comenzó a tocar en cuartetos de cuerda, en los que tocaba el violín, y en 1935 formó el South Mountain Parlow Quartet.
En 1936, Parlow aceptó un puesto en la Juilliard School of Music. Permaneció allí hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando regresó a Canadá y dio una serie de recitales de conferencias en el Conservatorio Real de Música de Toronto. Escribió a Sir Ernest MacMillan sobre un puesto permanente en el Real Conservatorio de Música y obtuvo uno en 1941. Mientras estuvo allí, fue profesora de la cantante Gisèle LaFleche, el violinista Ivan Romanoff y el director Victor Feldbrill.
También se convirtió en una intérprete habitual de la Orquesta Sinfónica de Toronto, lo que le aportó ingresos adicionales. En Toronto, organizó el Canadian Trio, en el que actuó con Zara Nelsova tocando el violonchelo y Sir Ernest MacMillan tocando el piano. El trío debutó con una interpretación del Trío en Si bemol mayor de Schubert, y del Trío en La mayor de Haydn y del Trío en La menor de Tchaikovsky. Recibieron excelentes críticas y el trío continuó actuando en el sur de Ontario, así como en la radio, hasta 1944.
El Canadian Trio ganaba hasta $ 750 por actuación. Inspirada por este éxito, Parlow comenzó su tercer cuarteto de cuerdas en 1942, llamado Parlow String Quartet. El cuarteto también incluyó a Isaac Mamott en violonchelo, Samuel Hersenhoren como segundo violín y el violinista John Dembeck. Parlow hizo todo el trabajo administrativo del cuarteto. El cuarteto ofreció conciertos en Canadá, tanto en vivo como por radio, pero no viajó a ningún otro país. Su primera actuación fue transmitida por la Canadian Broadcasting Corporation en 1943, y permanecieron juntos durante 15 años. Durante este tiempo, Parlow siguió siendo el jefe del cuarteto, pero los otros intérpretes fueron reemplazados ocasionalmente.
A medida que la carrera de Parlow comenzó a decaer, su situación financiera empeoró progresivamente y Godfrey Ridout y otros amigos establecieron un fondo para apoyarla. En octubre de 1959, fue nombrada directora de la Facultad de Música de la Universidad de Western Ontario, que le proporcionaba unos ingresos muy necesarios. Murió el 19 de agosto de 1963 estableciéndose la Beca Kathleen Parlow para intérpretes de instrumentos de cuerda en la Universidad de Toronto, con el dinero de su patrimonio y 40.000 dólares de la venta de su violín.
Una biografía escrita por su prima, Maida Parlow French, apareció en 1967.
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