Acerca de nosotras ·

sábado, 9 de diciembre de 2023

Concepción Gimeno de Flaquer escritora, editora y feminista española



María de la Concepción Gimeno de Flaquer (Alcañiz, 11 de diciembre de 1850-Buenos Aires, 1919) fue una escritora, editora y feminista española.  Trató en sus escritos de favorecer el reconocimiento de las mujeres artistas


Nació en la localidad turolense de Alcañiz el 1850. Su padre Juan Gimeno fue un militar de alto cargo y defensor de la monarquía borbónica. La madre, Maria Francisca Gil Buizán, tras la muerte del marido, se casó con un notario del tribunal de Zaragoza. Por lo tanto, María de la Concepción de Flaquer se educó en Zaragoza y a los 29 años se casó con Francisco de Paula Flaquer, director de las publicaciones La Aurora y El Álbum Ibero-Americano.


Según Manuel Ossorio y Bernard, Gimeno de Flaquer se dio a conocer en las tertulias literarias de Ayguals de Izco​ y colaborando en publicaciones como La Ilustración de la Mujer, ​que fundó y dirigió, La Mujer, El Correo de la Moda de Madrid o El Ramillete de Barcelona, entre otros.​ De comienzos de la década de 1870 se conserva correspondencia suya con el actor Manuel Catalina.​


En el año 1870 se mudó a Madrid donde empezó su carrera como periodista en El Correo de la Moda de Madrid. Para esta revista publicó 16 artículos, pero los más importantes son los que tratan de las mujeres. De hecho, Concepción Gimeno de Flaquer fue una escritora que luchó para los derechos de las mujeres.


Gracias a la revista El Correo de la Moda de Madrid, ingresa al círculo social y literario donde empieza a tener relaciones de amistad con mujeres atentas a la emancipación femenina.


Su éxito y su reconocimiento público empezó en el año 1883 en México. En agosto de 1883,​ marchó a residir a México, con su esposo Francisco de Paula Flaquer,c​ donde fundó la publicación El Álbum de la mujer: Periódico Ilustrado. Durante su estancia en México, Concepción Gimeno de Flaquer se convierte en un verdadero ejemplo para muchas mujeres ya que siempre se ha mostrado luchadora para que las mujeres tengan acceso a la cultura y la educación pública. De vuelta a España «readaptaría» en Madrid la revista mexicana bajo el título El Álbum Ibero-Americano, de 1890. ​En España participa en las tertulias literarias más importantes en aquel momento. A lo largo de su vida viajó por el mundo entre México, Venezuela, Guatemala, El Salvador, Alemania, Italia y Francia. Falleció en Buenos Airesd​ en 1919.


Fue defensora activa de los derechos de la mujer,​ habiéndose afirmado que «adoptó un feminismo conservador en lo ideológico y "furioso" en la expresión, con bastante arraigo y difusión en la alta burguesía».​ Según la propia Gimeno de Flaquer: «El siglo XIX, siglo de las aspiraciones generosas, ha preparado el triunfo de la causa de la mujer; el siglo XX coronará la obra de su predecesor».


Publicó diversas obras, como la novela Victorina ó heroísmo del corazón (1873). Gimeno de Flaquer empieza a escribir novelas que hablan de las infelidades coniugales, abandonos de mujeres y conventos que sirven de refugios. Entre las obras de Gimeno de Flaquer hay La mujer española (1877) —con una carta-prólogo de Leopoldo Augusto de Cueto—, El doctor alemán (1880), Elina Durval (1878), La mujer juzgada por una mujer (1882),​ Madres de hombres célebres (1884),​ que habla de cuanto las madres influyen en el comportamiento de sus hijos desde el punto de vista humanistico, literario, religioso y político. Otras obras son Suplicio de una coqueta (1885), Evangelios de la mujer, Vidas paralelas, Mujeres de regia estirpe​ o Culpa y expiación ​que habla de mujeres provocadoras y modernas que van en contra de los valores tradicionales que tendría que tener una mujer honesta según la sociedad. Concepción Gimeno de Flaquer se mostró una escritora cercana a las mujeres y defensora de su emancipación





 En 1877 escribió en su obra La mujer española. Estudios acerca de su educación y sus facultades intelectuales:


Cuando la mujer reciba en toda su amplitud la ilustración a que es acreedora, cuando se ocupen de facilitarle los conocimientos artísticos de que carece, podrá descollar en las nobles artes. La mujer posee en su alma el sagrado fuego de la inspiración, en su frente la divina chispa que todo lo anima, y en su inteligencia el numen creador e inagotable. […] La mujer nace artista como nace artista el ruiseñor.
Si no se han distinguido todas las mujeres dedicadas al arte de Murillo, es porque no se ha tratado de hacerles adquirir conocimientos, sino de enseñarles habilidades con objeto de hacer vano y ostentoso alarde. La educación pictórica de la mujer ha estado hasta hoy notablemente desatendida: limitada a empíricas instrucciones, difícilmente ha conseguido salir de copista, y muchas han visto morir sus ilusiones sin poder realizar el ideal de los sacerdotes del arte, o sea la composición. (Gimeno de Flaquer 1877: 37-66-67)


Leer más...

viernes, 8 de diciembre de 2023

Sinead O'Connor cantante y compositora irlandesa

 Sinead O’Connor fue una cantante y compositora irlandesa ( Dublín, 8 de diciembre de 1966-26 de julio de 2023 ). Su nombre completo era Sinéad Marie Bernadette O’Connor, pero luego lo cambió por Magda Davitt y finalmente por Shuhada’ Sadaqat al convertirse al islam. Fue la tercera de los cinco hijos de Marie y Sean O’Connor, una pareja que se separó cuando ella tenía ocho años. Sinead tras vivir en un entorno problemático  fue internada en un correccional a los 15 años por robar y faltar a la escuela. Allí desarrolló su pasión por la música y la escritura.

O'Connor fue conocida por su voz, su aspecto característico —frecuentemente rapado— y sus controversias personales y políticas. Era una defensora del feminismo y de la comunidad LGBT, y crítica de la Iglesia católica.

En 1985, tras la muerte de su madre en un accidente, se mudó a Londres y grabó su primer álbum, The Lion and the Cobra, que tuvo éxito internacional. Su segundo álbum, I Do Not Want What I Haven’t Got, salió en 1990 y se convirtió en su mayor éxito, vendiendo más de siete millones de copias en todo el mundo. Su canción más famosa, Nothing Compares 2 U, fue escrita por Prince y le valió un premio Grammy y varios premios MTV. Su estilo musical era una mezcla de rock alternativo, pop, reggae, folk y celta, y su voz era una mezzosoprano con un timbre distintivo.


Sinead O’Connor fue una artista polémica y comprometida con diversas causas sociales y políticas. En 1992, rompió una foto del papa Juan Pablo II en el programa Saturday Night Live, protestando por los abusos sexuales de la Iglesia católica. Esto le acarreó muchas críticas y amenazas, y afectó a su carrera. También se rapó la cabeza, se declaró bisexual, se ordenó sacerdotisa por una orden disidente del catolicismo, apoyó al IRA, criticó a George W. Bush y a Donald Trump, y se convirtió al islam en 2018.

Sinead O’Connor tuvo una vida marcada por la depresión,  y el trastorno bipolar,  que lleva a intentos de suicidio, anorexia y fibromialgia. Buscó ayuda profesional y pública en varias ocasiones, y recibió el apoyo de otros artistas como Miley Cyrus, Peter Gabriel y Bono. También siguió haciendo música y colaborando con otros músicos. Lanzó diez álbumes de estudio, el último en 2023, titulado No Veteran Dies Alone. También participó en películas, conciertos benéficos y programas de televisión.

Sinead O’Connor tuvo cuatro esposos y cuatro hijos. Su primer marido fue el productor musical John Reynolds, con quien tuvo a su hijo Jake en 1987. Se divorciaron en 1991. Su segunda hija, Roisin, nació en 1995, fruto de su relación con el periodista John Waters. Se pelearon por la custodia de la niña y Sinead la cedió a Waters. Su tercer hijo, Shane, nació en 2004, de su relación con el músico Donal Lunny. Su cuarto hijo, Yeshua, nació en 2006, de su relación con el empresario Frank Bonadio. Se casó tres veces más: con el periodista Nick Sommerlad en 2001, con el músico Steve Cooney en 2010 y con el terapeuta Barry Herridge en 2011. Todos sus matrimonios duraron poco y terminaron en divorcio.


Sinead O’Connor falleció el 26 de julio de 2023 en Londres, a los 56 años. su vida había dado un giro de 180 grados en enero de 2022 después del  que su hijo Shane Lunny de 17 años se suicidó ahorcándose.  Sidnead lo había explicado  en Twitter, destacando que su "hermoso" hijo Shane había "decidido poner fin a su lucha terrenal" En aquel momento, ella decidió alejarse de la música.

Fue enterrada en el cementerio Deans Grange de Dublín, junto a su madre. Su legado musical y su personalidad rebelde e irreverente la convirtieron en una de las artistas más influyentes y admiradas de su generación.




Sinéad O'Connor - Biografía, historia y legado musical (buenamusica.com)

Biografía de Sinead O'Connor (Su vida, historia, bio resumida) (buscabiografias.com)

Quién era Sinead O Connor| Telediario México

Biografia de Sinead O'Connor (biografiasyvidas.com)

https://www.elconfidencial.com/cultura/2023-07-26/5-canciones-sinead-oconnor_3708668/

Leer más...

jueves, 7 de diciembre de 2023

Tisa von der Schulenburg artista



Tisa von der Schulenburg (7 de diciembre de 1903, Bobitz, Alemania- 8 de febrero de 2001, Dorsten, Alemania) fue una artista alemana. Nació en una familia aristocrática, estudió escultura en Berlín y París, se casó con un empresario judío, se exilió en Inglaterra, se unió a un convento de monjas y creó obras de arte inspiradas en la realidad social y su fe cristiana.


Su nombre real era Elisabeth Karoline Mary Margarete Veronika Gräfin von der Schulenburg, pero como monja adoptó el nombre de Paula.
Conoció a personalidades como Bertolt Brecht, Albert Einstein, Heinrich y Thomas Mann en el salón del banquero Hugo Simon en Berlín.
Su esposo Fritz Hess fue arrestado por los nazis en 1933 y ella tuvo que huir a Inglaterra con sus dos hijos.
Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como enfermera y ayudó a los refugiados judíos.
En 1946, ingresó al convento de las Ursulinas en Dorsten, donde vivió hasta su muerte en 2001.
Su obra artística abarca dibujos, relieves, esculturas y escritos, que reflejan su compromiso con los pobres, los oprimidos y los marginados.




En 1993, Tisa von der Schulenburg fue la fundadora y la inspiración de la fundación que lleva su nombre. Ella donó su obra artística y literaria a la fundación, que se encarga de conservarla, difundirla y promover a otros artistas que comparten su visión social y espiritual. La fundación también creó el Tisa-Archiv, un archivo que alberga el legado de Tisa y que está abierto al público. Además, la fundación otorga cada tres años el Tisa-Preis, un premio que reconoce a los artistas que se ocupan de los cambios sociales, especialmente en el ámbito laboral. Tisa von der Schulenburg fue una mujer comprometida con su tiempo y con su fe, que dejó una huella imborrable en el arte y en la historia.


El compromiso social formó los objetivos de la fundación. En particular, su propósito es promover las artes, con énfasis en la promoción de artistas que trabajan y representan el mundo del trabajo y los asuntos sociales, de preferencia con un enfoque en mineros y trabajadores industriales. Este objetivo se logra, entre otras cosas, otorgando un premio de patrocinio.


Sus dibujos documentan la vida de la Tisa von der Schulenburg, que cumplió de una manera única su compromiso entre lo social y la creatividad artística.


En 1972 fue nombrada ciudadana honoraria de la ciudad de Dorsten.




Leer más...

miércoles, 6 de diciembre de 2023

Margaret Randall poeta, feminista y revolucionaria

Margaret Randall (6 de diciembre de 1936 en la ciudad de Nueva York , EE. UU.) es una escritora, fotógrafa, activista y académica nacida en Estados Unidos . Nacida en la ciudad de Nueva York, vivió durante muchos años en España, México, Cuba y Nicaragua, y pasó un tiempo en Vietnam del Norte durante los últimos meses de la guerra de Estados Unidos en ese país. Ha escrito extensamente sobre sus experiencias en el extranjero y en los Estados Unidos, y ha enseñado en el Trinity College en Hartford, Connecticut, y en otras universidades.


En 1958 conoció a Elaine de Kooning en Nuevo México, donde la pintora tenía un puesto de profesora y se hicieron amigas. Margaret Randall, siendo fanática de las corridas de toros, llevaría a Elaine a México para ver estos eventos. 

Randall se mudó a México en la década de 1960, se casó con el poeta mexicano Sergio Mondragón y renunció a su ciudadanía estadounidense.  Se mudó a Cuba en 1969, donde profundizó su interés en los temas de la mujer y escribió historias orales principalmente de mujeres, "queriendo entender lo que una revolución socialista podría significar para las mujeres, qué problemas podría resolver y cuáles dejarían". no resuelto." Sus memorias de 2009 Para cambiar el mundo: mis años en Cuba narran ese período de su vida.  Vivió en Managua, Nicaragua, de 1980 a 1984, escribiendo sobre las mujeres nicaragüenses, y regresó a los Estados Unidos después de una ausencia de 23 años. 

Poco después de su regreso en 1984, se ordenó su deportación en virtud de la Ley McCarran-Walter de 1952. El caso del gobierno se basó en dos argumentos. Primero, mientras vivía en México y estaba casada con un ciudadano mexicano, había obtenido la ciudadanía mexicana, por lo que presumiblemente perdió su ciudadanía estadounidense.  Esto fue en 1967. Además, bajo McCarran-Walter, el gobierno afirmó que las opiniones expresadas por Randall en varios de sus libros estaban "en contra del buen orden y la felicidad de los Estados Unidos". La directora distrital del INS justificó que “sus escritos van mucho más allá de la mera disidencia”.  Con el apoyo de muchos escritores conocidos y otros, Randall ganó el Caso de la Junta de Apelaciones de Inmigración en 1989 que ordena al INS que le conceda el ajuste de estatus a la residencia permanente y la restauración de la ciudadanía. 

Ahora vive en Albuquerque, Nuevo México , con su esposa, la pintora Barbara Byers . Viaja mucho para leer y dar conferencias. Fue profesora en Trinity College en Hartford, Connecticut, y también enseñó brevemente en la Universidad de Nuevo México , Macalester College y la Universidad de Delaware .

Entre sus libros más conocidos se encuentran Cuban Women Now , Sandino's Daughters , Sandino's Daughters Revisited y When I Look into the Mirror and see You: Women, Terror and Resistance (todas historias orales con ensayo).



Libros recientes incluyen Che On My Mind (ensayo), The Rhizome as a Field of Broken Bones  (poesía), y Haydée Santamaría, Cuban Revolutionary: She Led by Transgression (ensayos), . Para cambiar el mundo: Mis años en Cuba (memorias, con fotos), Narrativa de poder y Primera risa (ensayo), y Piedras testigos, de espaldas al mar, Mi pueblo, Algo anda mal en la milpa y Ruinas (poemas, con fotos), y As if the empty chair / Como si la silla vacía poemas en homenaje a los desaparecidos de América Latina, (en edición bilingüe, traducciones de Leandro Katz y Diego Guerra).El lenguaje del tiempo: poemas seleccionados 1959-2018 fue publicado por Wing's Press en 2018. En 2020, Duke University Press publicó sus memorias, I Never Left Home: Poet, Feminist, Revolutionary .


Dos de las fotografías de Randall se encuentran en la Colección Capitol en la Casa Redonda en Santa Fe, Nuevo México. En 2017 recibió una medalla a la Trayectoria Literaria por parte del estado de Chihuahua, México, en 2019 Poesía en Paralelo Cero le otorgó su Premio Poeta de Dos Hemisferios, y Casa de las Américas en Cuba le otorgó su prestigiosa medalla Haydée Santamaría. Ese mismo año la Universidad de Nuevo México le otorgó su Doctorado Honoris Causa en Letras. En 2020 ganó el premio George Garrett de AWP y la distinción Paulo Freire de Chapman University.

Los cuatro hijos de Randall son Gregory (1960), Sarah (1963), Ximena (1964) y Ana (1969). Sus diez nietos son: Lía, Martín, Daniel, Ricardo, Sebastián, Juan, Luis Rodrigo, Mariana, Eli y Tolo. Tiene dos bisnietos: Guillermo y Emma Nahui.

El desierto del suroeste de los EE. UU. es su hogar espiritual, y las ruinas antiguas, aquí y en otras partes del mundo, son cada vez más su mayor fuente de inspiración.

https://en.wikipedia.org/wiki/Margaret_Randall

https://latfem.org/margaret-randall-el-feminismo-siempre-ha-sido-una-herramienta-para-examinar-el-poder/

https://www.ipgbook.com/as-if-the-empty-chair-como-si-la-silla-vac--a-products-9781609401597.php

Leer más...

martes, 5 de diciembre de 2023

Joan Didion escritora

 

Fotografía: Irving Penn

Joan Didion (Sacramento, 5 de diciembre de 1934-Manhattan, 23 de diciembre de 2021)​ fue una escritora y periodista estadounidense, conocida por sus ensayos, crónicas y labor periodística. En el plano literario, El año del pensamiento mágico (2006) fue su novela más leída.

Comenzó a escribir textos a la temprana edad de cinco años, pese a que ella afirma que nunca se vio como escritora hasta que se editaron sus obras. Voraz lectora, necesitó un permiso especial de su madre para poder pedir prestados libros de adultos en la biblioteca.

De niña, concurrió al jardín de infantes y primer grado. Debido a que su padre era parte de Cuerpo Aéreo del Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, su familia se estaba mudando constantemente y no fue al colegio regularmente. A la edad de 9 o 10 años, en 1943 o 1944, su familia volvió a mudarse a Sacramento.

En 1956, se graduó en la Universidad de California en Inglés. Ganó un primer lugar en un concurso de ensayos patrocinado por la revista Vogue, cuyo premio era un trabajo en dicha publicación.

En dos años, ascendió de copywriter a editora asociada. Mientras tanto, escribió su primera novela, Run, River, que se publicó en 1963. Volvió a California junto a su nuevo esposo, el escritor John Gregory Dunne, y en 1968 publicó Slouching Towards Bethlehem, su primera obra de no ficción, una colección de notas periodísticas sobre sus experiencias en California.


En 1979, publicó The White Album, otra colección de notas de las revistas Life, Esquire, The Saturday Evening Post, The New York Times y The New York Review of Books.
Play It As It Lays, obra situada en Hollywood, se publicó en 1970, y A Book of Common Prayer, en 1977. Escribió su ensayo de 1983, Salvador, tras dos semanas de viaje con su esposo por El Salvador. Además, escribió Democracy en 1984, que trata sobre su preocupación por la pérdida de los valores tradicionales de la sociedad. Su libro de no ficción de 1987, Miami, trata sobre los cubanos expatriados en Miami. En 1992, publicó After Henry, una colección de doce ensayos geográficos. En 1996, The Last Thing He Wanted, un thriller romántico.



Dunne y Didion trabajaron juntos a lo largo de sus carreras, y de hecho muchas de sus obras están entrelazadas. Junto a Dunne, Didion escribió varios guiones, entre ellas una adaptación de su novela Play It As It Lays. Además pasaron ocho años adaptando la biografía de la periodista Jessica Savitch al filme Up Close & Personal.

Comenzó a escribir The Year of Magical Thinking, una narración de su respuesta a la muerte de su marido y a la grave enfermedad de su hija, Quintana, el 4 de octubre de 2004, y terminó el manuscrito 88 días después, en la víspera de Año Nuevo.

En 2006, Everyman's Library publicó We Tell Ourselves Stories in Order to Live, un compendio de gran parte de la obra de Didion, incluidos sus primeros siete libros de no ficción: Slouching Towards Bethlehem, The White Album, Salvador, Miami, After Henry, Political Fictions, y Where I Was From, con una introducción del crítico John Leonard.

En 2007, comenzó a trabajar en una adaptación de The Year of Magical Thinking. Producida por Scott Rudin, esta obra de teatro fue protagonizada en Broadway por Vanessa Redgrave.

También esbozó los guiones de una película biográfica que iba a ser dirigida por Robert Benton, sobre la famosa periodista y editora Katharine Graham, pero este proyecto quedó sin título y abandonado.

En 2011, la editorial Knopf publica Blue Nights, un ensayo sobre el envejecimiento. Este libro se centra en su hija, Quintana Roo Dunne, que murió poco antes de la publicación de The Year of Magical Thinking.

Mientras trabajaba en Vogue, conoció a su futuro marido, John Gregory Dunne, quien en ese momento escribía para la revista Time. Se casaron en 1964 y se mudaron a Los Ángeles, California, donde vivirían más de veinte años.

En 1979, Didion vivía en Brentwood Park, California, un tranquilo suburbio de Los Ángeles. Antes de mudarse allí, vivió en el área de Hollywood/Los Feliz.​

Dos tragedias golpearon a la escritora en menos de dos años. El 30 de diciembre de 2003, su marido sufrió un ataque cardíaco fatal. Su hija Quintana se encontraba muy enferma en ese momento (choque séptico como consecuencia de una neumonía), y Didion suspendió el funeral por un mes hasta que ella mejorase y pudiese asistir. Poco después, Quintana sufrió hematomas masivos. Le practicaron cirugía cerebral durante seis horas en el Centro Médico UCLA.​ Quintana murió de pancreatitis el 26 de agosto de 2005, a los 39 años.

En los años 70 fue diagnosticada de esclerosis múltiple, permaneciendo en remisión durante toda su vida​. Didion murió debido a complicaciones asociadas a la enfermedad de Parkinson en su casa de Manhattan el 23 de diciembre del 2021 a la edad de 87 años 


«Somos seres mortales imperfectos, conscientes de esa mortalidad incluso cuando la apartamos a empujones, decepcionados por nuestra misma complejidad, tan incorporada que cuando lloramos a nuestros seres queridos también nos estamos llorando a nosotros mismos, para bien o para mal. A quienes éramos. A quienes ya no somos. Y a quienes no seremos definitivamente un día» ("El año del pensamiento mágico")




Obra

Novelas

1963: Run, River (Río revuelto; también traducido como El río en la noche)

1970: Play It as It Lays (Según venga el juego)

1977: A Book of Common Prayer (Una liturgia común)

1984: Democracy

1996: The Last Thing He Wanted (Su último deseo)

No-ficción

1968: Slouching Towards Bethlehem

1979: The White Album

1983: Salvador

1987: Miami

1992: After Henry

2001: Political Fictions

2003: Where I Was From (De donde soy)

2003: Fixed Ideas: America Since 

2004: Vintage Didion

2005: The Year of Magical Thinking (El año del pensamiento mágico)

2006: We Tell Ourselves Stories in Order to Live: Collected Nonfiction

2011: Blue Nights (Noches azules)

2017: South and West: From a Notebook (Sur y Oeste)

2021: Let Me Tell You What I Mean (Lo que quiero decir)

Guion

1971: The Panic in Needle Park

1972: Play It as It Lays

1976: A Star Is Born

1981: True Confessions

1996: Up Close & Personal

2012: As It Happens

Teatro

2006: The Year of Magical Thinking (El año del pensamiento mágico)

Premios y reconocimientos

La obra The Year of Magical Thinking, fue galardonada con el "Premio Nacional a la No Ficción" en 2005.​

En 2007, recibió la "Medalla por contribuciones distinguidas a la Letras estadounidenses" de la Fundación Nacional del Libro. Ese mismo año, ganó el premio Evelyn F. Burkey.​

En 2009, fue premiada con un grado honorario de Doctora en Letras de la Universidad de Harvard. La Universidad de Yale le confirió otro grado honorario de Doctora en Letras en 2011.​

https://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Didion

https://www.facebook.com/photo/?fbid=6943567405683631&set=pb.100064863271173.-2207520000.

Leer más...

lunes, 4 de diciembre de 2023

Flora Volpini actriz, escritora, pintora y política italiana


 Flora Volpini ( Citerna , 5 de diciembre de 1908 - Citerna , 8 de marzo de 2005 ) fue una  actriz, escritora , pintora y política italiana .

Hizo su debut como actriz de cine, siendo a menudo acreditada como Franca Volpini. Compañera de Guido Piovene desde 1943 , saltó a la fama en 1950 gracias a la novela parcialmente autobiográfica La fiorentina , que además de recibir críticas halagadoras se convirtió rápidamente en un éxito de ventas y fue traducida a 7 idiomas.

En los años siguientes se dio a conocer como organizadora de eventos culturales y como protagonista de la vida social romana y milanesa, presentando a todos los grandes autores durante una década. También se acercó a la pintura, realizando exposiciones hasta los 78 años y ganando el Ambrogino d'Oro .

Fue la primera mujer alcaldesa de su ciudad natal de 1965 a 1975. En 1987 fue nombrada caballero por el trabajo. Ciega desde noviembre de 1990, se benefició de la Ley Bacchelli que concedia una ayuda vitalicia a artistas con apuros económicos. En 2014, la biblioteca municipal de su ciudad natal lleva su nombre.



Obras 

El florentino , Bompiani, Milán, 1950.

Los castigados , Bompiani, Milán, 1953.

Pocas historias , Bompiani, Milán, 1956.

Comandos dama , Ediciones Encuentro con el autor, Milán, 1963.



Cine 

Dueto de vagabundos , dirigida por Guglielmo Giannini (1938)

¡Adiós juventud! , dirigida por Ferdinando María Poggioli (1940)

https://it.wikipedia.org/wiki/Flora_Volpini

https://www.lavanguardia.com/peliculas-series/personas/flora-volpini-1474559

https://www.matchnews.it/it/arte-cultura/702-flora-volpini-un-mito-dimenticato-ma-un-esempio-di-vita.html

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Addio_giovinezza!_1940_Flora_Volpini_%28cropped%29.jpg

Leer más...

domingo, 3 de diciembre de 2023

Anna Freud la madre del psicoanálisis

                                         

Anna Freud (Viena, 3 de diciembre de 1895-Londres, 9 de octubre de 1982) fue una psicoanalista austríaca de origen judío. Hija de Sigmund Freud, Anna centró su investigación en la psicología infantil.

Anna fue la sexta y última hija del matrimonio de Martha Bernay y Sigmund Freud. Su madre estaba agotada física y mentalmente, lo que motivó que fuera confiada inmediatamente a los cuidados de la institutriz católica Josefine Cihlarz,​ una joven con la que mantuvo un vínculo privilegiado. Años más tarde, en una correspondencia a Eitingon, Anna se refirió a Josefine como «la relación más antigua y más genuina de mi niñez» y su vínculo con ella inspiraría sus posteriores conceptos de «madre psicológica» y los contenidos del artículo Perder y ser perdido.

Mantuvo una relación distante con su madre y sentimientos de gran ambivalencia con su hermana Sophie, la preferida de Martha  lo que Anna trató de compensar con su desarrollo intelectual.

Anna fue apodada por su padre como Annerl y este recuerda su nacimiento como el inicio de un bienestar económico debido al aumento de su trabajo clínico. También la apodó «Demonio negro», por su carácter aventurero y díscolo dentro del medio familiar y de amigos, no comportándose así en público, donde fue reconocida como reservada y tímida. Uno de sus pasatiempos predilectos era el tejido, que, según recuerdan algunos de sus pacientes, también practicaba mientras atendía. En cuanto a su apariencia, adoptó como vestimenta el Dirndl, tradicional de su país, un ropaje largo y suelto que ocultaba su figura.


En 1912, al finalizar los estudios secundarios en el Lyceum, fue enviada a Merano para descansar y recuperar la pérdida de peso, en vísperas del casamiento de Sophie, al que no asistió por sugerencia de su padre. Esta exclusión formó parte de los malestares y amarguras que ya venía sufriendo. Pasaba períodos de gran fatiga y hablaba de ello como "eso" que la hacía cansarse y "sentirse tonta". De esta manera, definía su recurrencia a las ensoñaciones diurnas e historias fantasiosas, cuestiones estas que tratará en el trabajo Relación entre fantasías de flagelación y sueño diurno, con el que ingresara a la Sociedad Psicoanalítica de Viena en 1922.

En Anna primaban las identificaciones masculinas, no obstante lo cual tuvo varios pretendientes; sin embargo, todos fueron rechazados, unos por ella y otros por su padre, siendo Ernest Jones el más famoso de ellos. A los dieciocho años quedó como única hija en su hogar, acompañando a su padre, que ya tenía sesenta y cinco años y penaba por el alejamiento de sus hijos.

Ingresó al Profesorado de Educación Elemental, y ejerció la docencia hasta caer enferma de tuberculosis, tras lo cual abandonó la docencia en 1920.


Dos años antes, en 1918, había comenzado a analizarse con su propio padre, análisis que se mantuvo hasta 1922 con una frecuencia de seis sesiones semanales. Freud centró este análisis en las fantasías y ensueños de flagelación como inhibidores del trabajo intelectual.

Junto a S. Bernfeld, militante sionista y socialista, Anna apoyó la creación del Asilo e Instituto Baumgarten, para niños judíos huérfanos de guerra. Allí se formó un grupo dedicado a estudiar los problemas de aprendizaje y de psicología del niño, en el que participaron también Willie Hoffer y August Aichhorn. Este último ya tenía experiencia con niños y adolescentes y dejó en Anna huellas de su influencia.

En 1920, la familia Freud sufre la muerte de Sophie, víctima de una epidemia. Anna sobrelleva la pérdida de su gran rival, amada y envidiada, dedicándose al igual que su padre a un intenso trabajo, afianzándose su consagración al psicoanálisis. Recibió de Freud su reconocimiento cuando este le otorgó uno de los anillos de oro grabado que poseían los miembros del Comité de los Siete Anillos, grupo que frecuentaba ya desde los catorce años, cuando se le permitía asistir en silencio a las reuniones de los miércoles.


Se inicia en 1920 cuando asiste como invitada al primer congreso internacional de posguerra en La Haya. Dos años más tarde, a los veintisiete, ingresa en la Sociedad Psicoanalítica de Viena como psicoanalista de niños, pues la clínica con adultos era "vedada" a los profanos. En 1921 había conocido a Lou Andreas Salomé, psicoanalista de origen ruso que ocupa el lugar de "buena madre" y "madre analista", encontrando en ella una imagen femenina y maternal y una valiosa ayuda para la elaboración del citado trabajo sobre las fantasías de flagelación.


En 1923, ya declarada la enfermedad de Freud con su primera operación, decide no instalarse en Berlín y quedarse a su lado. Asiste a las recorridas por el Servicio de Psiquiatría del Centro Hospitalario Universitario de Viena, de Wagner Jauregg, conociendo allí a Heinz Hartmann. Esta experiencia hizo que retomara su análisis con Freud, siendo consciente de las dificultades que implicaba el "manejo de la transferencia". En el otoño de 1925, ya finalizado el análisis con su padre, crea con Max Eitingon un vínculo cuasi-analítico que finaliza en 1930, debido a las resistencias de Anna a profundizar sobre la relación de fuerte apego a su padre. En esta época, Anna estaba inmersa en los conflictos de rivalidad con su madre por el cuidado de la salud de Freud.


Entre sus primeros pacientes se cuentan los hijos de Dorothy Burlingham, a quien la ligaría una relación profunda y compleja por el resto de su vida. Fue su compañera de viaje y de vida, y ejerció con los hijos de ella sus inclinaciones maternales. A pesar de las apariencias, no hay acuerdo entre sus biógrafos acerca del carácter homosexual activo de esta relación, pero Anna se disgustaba frente a los rumores que la señalaban como lesbiana.

Dorothy a Anna


En 1924 ocupa el lugar de Otto Rank en el comité, y en 1925 es designada secretaria del Instituto psicoanalítico de Viena. Allí, impulsó la formación del Kinderseminar, un seminario de investigación sobre psicoanálisis aplicado a la pedagogía y destinado no sólo a psicoanalistas sino también a educadores y trabajadores sociales. En colaboración con otros profesionales del instituto, fueron creados algunos centros de reeducación, jardines de infantes, y la primera escuela para niños que fuera guiada conforme a los principios psicoanalíticos, dirigida por Eva Rosenfeld. Fueron, asimismo, consultados por el municipio de Viena para la orientación de niños con dificultades.

Colaboró en la "Zeitschrift fur Psychoanalitische Pedagogie", publicación dirigida por W.Hoffer, y en 1927 ocupa el cargo de secretaria de la Asociación Psicoanalítica Internacional (IPA).

La única antecesora de Anna en Viena en la práctica del análisis infantil fue Hermine von Hug-Helmuth, maestra jubilada que poseía un doctorado en Filosofía. Pero en realidad su verdadera competidora habría de ser Melanie Klein. El simposio de Londres en 1927, patrocinado por Ernest Jones, es una fiel y clara exposición de las diferencias teóricas y técnicas que prevalecían entre ambas.



Sigmund Freud fue un encarnado defensor de las posiciones adoptadas por Anna, y un detractor de las opiniones de Klein, quien en cambio sí recibió el apoyo de Karl Abraham en primer lugar, y luego el de Ernest Jones.

Mientras Sigmund Freud, en 1934, terminaba su primer borrador de Moisés y la religión monoteísta, Anna iniciaba El Yo y los mecanismos de defensa, regalándole la primera edición a Freud al cumplir este los ochenta años en 1936.

Un año más tarde se inaugura en Viena la guardería Jackson, patrocinada por la estadounidense Edith Jackson, analizada de Freud. Este proyecto, dirigido por Anna, estaba destinado a niños menores de dos años, con el objetivo de informarse acerca de las primeras etapas de la vida a través de la observación directa. Los niños debían pertenecer a familias indigentes.

En 1933 había sido promulgada la ley antisemita, lo que dio origen al éxodo de psicoanalistas alemanes y austríacos, pero es recién en 1938 que la familia Freud decide partir de Viena, tras la invasión de las tropas de Hitler. Jones y Marie Bonaparte, junto a Dorothy Burlingham, organizaron la salida de la familia Freud hacia Inglaterra. Su casa ya había sido allanada en dos oportunidades, y Ana y Martín habían sido llevados por la Gestapo para ser interrogados. Ya en Londres, Anna se ocupó con exclusividad del cuidado de la salud de su padre, quien luchaba contra el cáncer.

Al morir este, Anna enfrenta el duelo trabajando arduamente; organiza entre 1940 y 1942 varias residencias para niños evacuados y refugiados, siendo la guardería Hampstead, que funcionaba en la Hampstead clinic de Londres, la más destacada.

El clima de la Sociedad Británica de Psicoanálisis se enrareció con la llegada de los analistas vieneses. Jones, fundador de la misma y protector de Melanie Klein, se hallaba tironeado por ambas partes, resolviendo tal contradicción con su retiro. Tras la muerte del padre del psicoanálisis, se estableció la lucha por definir cuál de las dos corrientes sería proclamada su heredera.

Anna fue miembro del Consejo Ejecutivo de la IPA en la década de 1950, pero su mayor interés se manifestó en la década de los 60 en torno a la capacitación para el psicoanálisis infantil.

A partir de 1963, empezó a delegar la dirección de la Hampstead Clinic. Estaba preparando su vejez, siempre junto a Dorothy, con quien realizó numerosos viajes. Su principal preocupación se centraba en el futuro de la clínica, y si bien delegaba funciones, nunca lo hacía totalmente.

En 1971 se realiza el Congreso Internacional en Viena, donde se inaugura el museo en el viejo departamento de Bergasse 19. Anna ya tenía setenta y cinco años, y mantenía la esperanza de que en esa oportunidad la IPA aprobara y reconociera oficialmente la formación de los psicoanalistas de niños en la Hampstead Clinic. Pero Leo Rangell, entonces presidente, deseaba un congreso en paz y mocionó para que tal debate se pospusiera para el próximo congreso, y para que la Hampstead clinic fuera aceptada como grupo de estudio. La Sociedad británica de Psicoanálisis temía que la clínica de Anna se convirtiera en una sociedad paralela. Anna presentó entonces su renuncia a la IPA y a Rangell, quien le ofreció el cargo de presidenta honoraria. A partir de 1976, Anna delegó la dirección de la clínica.

Dictó clases en la Facultad de Derecho de Yale, y mantuvo con sus alumnos una relación libre y placentera. Esta experiencia fue recogida en tres volúmenes sobre el niño y el derecho, en coautoría con Goldstein y Solnit.

En 1975 su salud se vio afectada, sin poder llegarse a un diagnóstico preciso. Fue tratada por una anemia, y requirió internaciones periódicas. Durante este tiempo se dedicó a la refutación y desacreditación de teóricos posfreudianos y biógrafos no autorizados, con la ayuda de K. Eissler. También recibió los doctorados honorarios que le confirieron las universidades de Viena, Columbia, Harvard y Franckfort.

Su compañera de siempre, Dorothy, falleció en 1979 a los ochenta y ocho años, hecho que la deprimió sensiblemente. 

Alice Colonna, una ex-analizada de Anna, y Manna Friedman fueron quienes la acompañaron durante sus últimos tiempos. En 1982 padeció un ataque cerebral que afectó su motricidad y habla, no así su lucidez mental. Un año antes, había asistido por última vez a un simposio de la clínica, presentando un trabajo sobre patogénesis. A partir del ataque su estado físico era realmente penoso, y sólo podía ser paseada en silla de ruedas.

Murió mientras dormía en la madrugada del 9 de octubre de 1982. Su cuerpo fue incinerado en el crematorio de Golders Green,​ donde también reposan las cenizas de sus padres y las de Dorothy justo al lado.

 Elizabeth Young-Bruehl, en su biografía de Anna Freud, dice: (...) era la madre del psicoanálisis, y a ella pasó la responsabilidad de preservar su espíritu, de velar por su futuro (...) celosa del psicoanálisis, llegó a ser no sólo la sucesora de su padre por derecho propio, con sus contribuciones teóricas y clínicas, sino también una mujer cuya vida fue por entero dedicada a la teoría psicoanalítica.



https://link.springer.com/chapter/10.1007/978-3-031-13052-6_25

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/freud_anna.htm

https://hayunalesbianaenmisopa.com/2016/08/10/amigas-sin-derecho-a-roce-edicion-vintage-anna-freud-y-dorothy-burlingham/

https://www.iberlibro.com/servlet/BookDetailsPL?bi=31115335031&ref_=ps_ggl_17323291122&cm_mmc=ggl-_-ES_Shopp_TradeNONISBNstd-_-product_id=bi%3A%2031115335031-_-keyword=&gclid=Cj0KCQiA6vaqBhCbARIsACF9M6l35sMNjECo47bXVWoNCwIPvar09bYbpCujy6IoOYtSu51C-KxVH1YaArsZEALw_wcB


Leer más...

sábado, 2 de diciembre de 2023

Odetta la voz de los derechos civiles



Odetta (Odetta Holmes) (31 de diciembre de 1930, Birmingham, Alabama - 2 de diciembre de 2008, Nueva York) fue una cantante estadounidense de folk.


Odetta es recordada como la gran inspiración de Dylan, el modelo para Joan Baez y la adorada de Janis Joplin. Con algunos de ellos compartió actuación en la Marcha Sobre Washington (1963), donde interpretó precisamente el ‘Oh Freedom’ que cierra este álbum, emblema del movimiento por la justicia social
PALOMA HERNÁNDEZ MATELLANO

Aunque nacida en Alabama, tras morir su padre cuando ella contaba con 7 años se trasladó con su madre a Los Ángeles, donde creció. Se inició en el mundo de la música a los 13 años, tomando lecciones de ópera.

Odetta estudió música en el Colegio de la Ciudad de Los Ángeles mientras trabajaba como empleada doméstica. Tenia la esperanza de seguir a Marian Anderson. Su primera experiencia profesional fue en el teatro musical en 1944, como miembro del conjunto durante cuatro años con el Hollywood Turnabout Teatro de Marionetas, trabajando junto a Elsa Lanchester. En 1949, se unió a la compañía nacional de gira del musical Finian's Rainbow.

 Después de 1950 se focalizo en cantar folk. Se hizo famosa cantando en  clubs nocturno de Nueva York, y  San Francisco. En 1954, en San Francisco, Odetta grabó Odetta y Larry con Larry Mohr para Fantasy Records.

Siguió una carrera en solitario, con Odetta Sings Ballads and Blues (1956) y At the Gate of Horn (1957). Odetta Sings Folk Songs fue uno de los álbumes folklóricos más vendidos de 1963.

En 1959 apareció en Tonight con Harry Belafonte, un especial televisado a nivel nacional. Ella cantó "Water Boy" y un dúo con Belafonte, "There's a Hole in the Bucket".




En 1961, Martin Luther King, Jr. la llamó "La Reina de la Música Folk Americana".​ También en 1961 el dúo Harry Belafonte y Odetta hizo el número 32 en el Reino Unido con la canción "There's a Hole in the Bucket". Se la recuerda por su actuación en marzo en Washington, en la manifestación de derechos civiles de 1963, en la que cantó "O Freedom". Ella describió su papel en el movimiento de los derechos civiles como "uno de los soldados privados en un ejército muy grande."

Ampliando su alcance musical, Odetta utilizó arreglos de banda en varios álbumes en lugar de tocar en solitario. Se lanzó a la música de un estilo más "del jazz" en los álbumes como Odetta and The Blues (1962) y Odetta (1967). También es muy recordada su notable actuación en 1968 en el concierto conmemorativo de Woody Guthrie en el Carnegie Hall.


Odetta actuó en varias películas durante este período, incluyendo Cinerama Holiday (1955); una producción cinematográfica de Santuario de William Faulkner (1961); y La autobiografía de Jane Pittman (1974). En 1961 apareció en un episodio de la serie de televisión Have Gun, Will Travel, interpretando a la esposa de un hombre condenado a la horca ("The Hanging of Aaron Gibbs").

Se casó dos veces, primero con Dan Gordon y luego,  con Gary Shead




En mayo de 1975 apareció en el programa Say Brother de la televisión pública, interpretando "Give Me Your Hand" en el estudio. Habló de su espiritualidad, de la tradición musical en la que se inspiró y de su participación en las luchas por los derechos civiles.

En 1976, Odetta actuó en la ópera del bicentenario estadounidense Be Glad Then, America de John La Montaine, como Muse for America; con Donald Gramm, Richard Lewis y el Penn State University Choir y la Sinfónica de Pittsburgh. La producción fue dirigida por Sarah Caldwell quien era la directora de la compañía de ópera de Boston en ese entonces.

Odetta lanzó dos álbumes en el período de 20 años de 1977 a 1997: Movin 'It On, en 1987 y una nueva versión de Christmas Spirituals, producida por Rachel Faro, en 1988.

A partir de 1998, regresó a la grabación y las giras. El nuevo CD To Ella (grabado en vivo y dedicado a su amiga Ella Fitzgerald al enterarse de su muerte antes de salir al escenario),​ fue lanzado en 1998´.  Apareció de invitada en catorce nuevos álbumes de otros artistas entre 1999 y 2006 y la reedición de 45 antiguos álbumes de Odetta y apariciones de compilaciones.

El 29 de septiembre de 1999, el presidente Bill Clinton entregó a Odetta la Medalla Nacional de Artes de la Fundación Nacional para las Artes. En 2004, Odetta fue homenajeada en el Kennedy Center con el "Visionary Award" junto con un homenaje de Tracy Chapman. En 2005, la Biblioteca del Congreso la honró con su "Living Legend Award".

A mediados de septiembre de 2001, Odetta actuó con el Boys 'Choir of Harlem en el Late Show con David Letterman, apareciendo en el primer show después de que Letterman volviera a transmitir, habiendo estado fuera del antena durante varias noches después de los acontecimientos del 11 de septiembre; interpretaron "Esta Pequeña Luz Mía".

El documental de 2005 No Direction Home, dirigido por Martin Scorsese, destaca su influencia musical sobre Bob Dylan. La película contiene un clip de archivo de Odetta interpretando "Waterboy" en la televisión en 1959, así como su "Mule Skinner Blues" y "No More Auction Block for Me".

En 2006, Odetta abrió los espectáculos para la cantante de jazz Madeleine Peyroux, y en 2006 viajó por Estados Unidos, Canadá y Europa acompañada por su pianista, que incluyó ser presentado por la Embajada de Estados Unidos en Letonia como oradora principal en una conferencia de derechos humanos. También hizo un concierto en el histórico milenario Maza Guild Hall de 1.000 años de Riga. En diciembre de 2006, el Festival Folclórico de Winnipeg honró a Odetta con su "Lifetime Achievement Award". En febrero de 2007, la Alianza Folclórica Internacional otorgó a Odetta el título de "Artista Popular Tradicional del Año".




El 24 de marzo de 2007, un concierto de tributo a Odetta fue presentado en el Teatro Rachel Schlesinger por la Asociación Mundial de Música Folclórica con presentaciones en vivo y vídeos de homenaje de Pete Seeger, Madeleine Peyroux, Harry Belafonte, Janis Ian, Sweet Honey in the Rock, Josh White Jr. (Josh White), Peter, Paul y Mary, Oscar Brand, Tom Rush, Jesse Winchester, Eric Andersen, Wavy Gravy, David Amram, Roger McGuinn, Robert Sims, Carolyn Hester, Donal Leace, Side, y Laura McGhee.

En 2007, el álbum de Odetta Gonna Let It Shine fue nominado para un Grammy, y completó una importante gira de conciertos de otoño en el programa "Songs of Spirit", que incluyó a artistas de todo el mundo. Viajó alrededor de Norteamérica a finales de 2006 y a principios de 2007 para apoyar este CD.


El 21 de enero de 2008, Odetta fue la oradora principal en la conmemoración de Martin Luther King, Jr. de San Diego, seguida de conciertos en San Diego, Santa Bárbara, Santa Mónica y Mill Valley, además de ser la única invitado para la noche en PBS-TV, en el Tavis Smiley Show.

Odetta fue honrada el 8 de mayo de 2008 en una noche histórica  en el Banjo Jim en el East Village.


En el verano de 2008, a la edad de 77 años, lanzó una gira norteamericana, donde cantó desde una silla de ruedas. Su set de canciones incluyó "Esta Pequeña Luz de Mina", y los temas de Lead Belly' "The Bourgeois Blues", "(Algo Interior) Tan Fuerte "," A veces me siento como un niño sin madre " y " La Casa del Sol Naciente ".

Ella hizo una aparición el 30 de junio de 2008, en el Bitter End en la calle de Bleecker, en New York para un concierto en tributo a Liam Clancy. Su último gran concierto, antes de miles de personas, fue en el Golden Gate Park de San Francisco el 4 de octubre de 2008, para el Hardly Strictly Bluegrass Festival. Su última actuación fue en Hugh's Room en Toronto el 25 de octubre.


Barack Obama la invitó a participar en su ceremonia de investidura, pero falleció el 2 de diciembre de 2008 a los 77 años de edad a causa de una enfermedad cardíaca en el Hospital Lenox Hill de Nueva York.

En un servicio conmemorativo para ella en febrero de 2009 en la iglesia de la ciudad de Nueva York, los participantes incluyeron a Maya Angelou, a Pete Seeger, a Harry Belafonte, a Steve Earle, a Peter Yarrow, a Maria Muldaur, Josh White, Jr., Emory Joseph, Rattlesnake Annie, el Coro de Cámara de la Escuela Técnica de Brooklyn, y tributos grabados de Tavis Smiley y Joan Baez.

https://es.wikipedia.org/wiki/Odetta

Leer más...

viernes, 1 de diciembre de 2023

Marie Bracquemond pintora, grabadora y ceramista francesa

Marie Bracquemond nacida  Marie Anne Caroline Quivoron, (Landunvez Finisterre; 1 de diciembre de 1840 – Sèvres, Altos del Sena; 17 de enero de 1916), fue una pintora, grabadora y ceramista francesa del siglo XIX. El crítico de arte Gustave Geffroy en su libro Historia del impresionismo, publicado en 1894, la definió como una de “las tres damas del impresionismo” junto con Mary Cassatt y Berthe Morisot.

Nacida en la Bretaña francesa  Marie creció en un clima muy diferente al ambiente intelectual y culto de las otras grandes pintoras del impresionismo. Sus progenitores se unieron bajo un matrimonio de conveniencia, y su padre, capitán de un barco, murió poco tiempo después de su nacimiento. En un corto periodo de tiempo su madre se casó de nuevo con M. Pasquiou y esto hizo que la familia se trasladara continuamente de ciudad en ciudad por motivos laborales de su padrastro. La familia viajó de Bretaña al Jura y de Suiza a Auvernia antes de estacionarse finalmente en la pequeña ciudad de Étampes, al sur de la capital francesa.​

Según las palabras de Berthe Morisot al hijo de Marie, Pierre, su primer trabajo pictórico fue un regalo que hizo a su madre con motivo de su cumpleaños. Para crearlo utilizó como pigmentos los colorantes de los pétalos de algunas flores. Deslumbrado por su agudeza, un amigo de la familia le agasajó con una caja de acuarelas para que continuara su labor. Se inició en el mundo de la pintura junto con su hermana Louise a través de las lecciones de un artista local de la región llamado Sr. Wasser.3 Cuando contaba con diecisiete años participó en el Salón con un dibujo de su madre, su hermana y su profesor. Después de este suceso, un amigo de la familia le presentó al afamado pintor Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867), con quien se formó en el dibujo académico. En palabras de Berthe Morisot, ese pintor mostraba una baja valoración hacia sus alumnas, algo que también defendió Marie, como se aprecia en el manuscrito de su hijo Pierre titulado La vie de Félix et Marie Bracquemond:

"Dudaba del coraje y la perseverancia de las mujeres en el campo de la pintura. Quería imponer límites a las mujeres artistas en el campo de la pintura, encasillarlas en la pintura de flores, de bodegones, de retratos y escenas propias de su sexo"

A pesar de ello, la artista le mostró unos dibujos que había hecho de su hermana Louise, y el maestro asombrado le recomendó que se alejara de los temas banales de su localidad para que se centrara en la representación de la naturaleza. Su encuentro con Ingres reforzó sus deseos por continuar trabajando en el universo de la pintura a pesar de los obstáculos que se le interponían, pues como escribió por esas fechas:

“No quiero pintar flores. Quiero trabajar en la pintura y expresar aquellos sentimientos que el arte me inspira”

Durante su primera etapa, Marie trabajó de forma constante en el Museo del Louvre realizando copias de pinturas por encargo. En 1866, cuando se encontraba acompañada por su madre y por su hermana, conoció a Félix Bracquemond, un arduo defensor de las prácticas tradicionales, con quien se casó en 1869 y con quien tuvo a su hijo Pierre en 1870. Por motivo de la unión, Marie pudo conocer a un gran número de artistas y establecer relaciones cordiales con alguno de ellos, como con  Manet, Degas y Latour; y con pintores impresionistas como Alfred Sisley,  Monet y  Pisarro. Además se relacionó con críticos de arte y coleccionistas de estampas japonesas como Philippe Burty. Monet fue quien animó a la pintora a alejarse de los tonos oscuros utilizados por Ingres para que se acercara a los planteamientos del impresionismo y a la pincelada libre.


La elección de Marie por incluirse dentro de los parámetros defendidos por los impresionistas provocó discrepancias entre el matrimonio. Félix fue uno de los grabadores más afamados de su tiempo y un ceramista reconocido en su época. Además, fue impulsor de la entrada del japonismo y uno de los primeros en divulgar en la capital francesa los grabados japoneses. Es por ello por lo que quiso que su mujer conociese y se relacionase con la obra de los pintores más admirados por él, en especial los de la corriente realista, como Chardin, Bonvin y Ribot. Además, era un crítico feroz de la estética impresionista, pues defendía que la línea era más importante que el color y que la disciplina que otorgaba el trabajo en un estudio no era equiparable a la espontaneidad de la elaboración de las obras al aire libre. Pero al contrario, Marie siguió apostando por el estilo de los nuevos pintores, llegando a declarar sobre Monet lo siguiente:
"Nadie ha llegado nunca a un poder de análisis de los valores tonales tan intenso y dulce al mismo tiempo [...] No puedo explicar hasta qué punto Monet me emociona, produce en mí sensaciones que me hacen feliz y que no hubiera descubierto por mí misma. Me abre los ojos y me hace ver mejor"

En el año 1873, Félix fue nombrado director artístico de la fábrica de cerámicas Haviland de Limoges, en la que Marie diseñó varios elementos de cubertería y donde creó su trabajo más ambicioso hasta el momento: la serie de paneles de gran tamaño bajo el tema de Las Musas del Arte que poco tiempo después, en el año 1878 presentó a la Exposición Universal de 1878. Fueron unas obras alabadas tanto por su compleja composición como por la precisión en el dibujo de los ropajes de las figuras, por lo que gracias al apoyo de Edgar Degas y algunos críticos de arte su serie fue mostrada en la cuarta Exposición impresionista en el año 1879. Su participación en esta exposición le supuso un cambio en su pintura y en su técnica, ya que a partir de ese momento tuvo una mayor relación con el círculo de pintores impresionistas. Sus cuadros crecieron en tamaño, su paleta empezó a plagarse de colores más vivos e intensos y comenzó a pintar al plain-air o aire libre.​


En la terraza de Sévres, Óleo sobre lienzo, 88 x 115 cm Ginebra, Asociation des Amis du Petit Palais.

En 1880 volvió a presentar tres pinturas en la quinta Exposición Impresionista. La primera de ellas era un lienzo titulado La Dama de Blanco, cuyo protagonismo recaía en el retrato de su hermana vestida enteramente de blanco sobre una alfombra rodeada de una masa vegetal. Resulta de una gran maestría el contraste que se produce entre los tonos pálidos con la vitalidad de los colores verdosos y ocres, enfatizados igualmente por los juegos de luminosidad que se perciben dentro del cuadro. El blanco fue uno de los colores que más atrajo a los pintores impresionistas, ya que maestros como Eugene Delacroix y Gustave Courbet les mostraron que los colores cambiaban según los tonos que tienen a su lado, y que no había blanco en la naturaleza: los blancos siempre están coloreados con reflejos que reconstruyen el efecto deseado en la distancia.9​Marie utilizó una composición muy del gusto impresionista, pues se puede establecer una comparación con obras de Monet de fechas coetáneas, como puede ser Mujer con sombrilla (1875) por el juego que se produce entre los blancos y los verdes.

La Dama de Blanco,


El segundo cuadro que expuso se tituló La golondrina. En la pintura aparece su amigo y pintor impresionista Sisley junto a su esposa en una embarcación mientras observan por uno de los laterales, En el fondo de la misma se aprecia una vista de un puente. Se ha hablado que por el empleo de la potente diagonal utilizada en la composición y el uso de la perspectiva recuerda a las obras realizadas por las mismas fechas por Renoir, como se aprecia en El almuerzo de los remeros (1880-1881). Según los datos del crítico Philippe Burty el título de la pintura se debe al nombre del propio transporte, L’Hirondelle.


El que se ha calificado como el cuadro más impresionista de los tres es En la terraza de Sévres. Marie presentó la obra con el nombre de “Estudio del natural”, quizás con la intención de sugerir que se inspiraba de forma directa en la naturaleza. A pesar de ello, su hijo Pierre señaló posteriormente que para su ejecución realizó un gran número de bocetos y dibujos al óleo. La pintura está sumamente cuidada, tanto en composición como en técnica.


Aparecen tres figuras ricamente ataviadas que parecen perdidas en sus pensamientos y colocadas en un primer plano. La mujer de la izquierda es la única que tiene un contacto con el espectador, mientras sujeta de forma sutil unos anteojos en la mano izquierda. La figura de la derecha vestida de blanco apoya su cabeza sobre su mano de forma pensativa, gesto característico de la melancolía. El hombre porta un sombrero de paja sobre su cabeza mirando hacia uno de los laterales. Una de sus manos se encuentra sobre el regazo de sus piernas, mientras que la otra, -apoyada en el respaldo de la silla de su compañera-, sostiene un cigarro. Al fondo del lienzo aparece un escenario vegetal con la presencia de algunos edificios, probablemente de la zona de Sévres, ciudad donde vivía la familia de los Bracquemond. La principal intención de la autora en esta obra es la creación de los diferentes matices de la luz sobre los colores a través de pinceladas rápidas. El vestido blanquecino de la mujer de la derecha está elaborado por medio de pinceladas de tonos azules y rosas, imitando los efectos y las impresiones de la luz del sol brillando a través de la tela.


Marie Bracquemond, Bajo la lámpara, 1887

Los comentarios que los críticos contemporáneos hicieron a la obra de Marie Bracquemond hace pensar que la pintora gozó de un cierto reconocimiento en vida, sobre todo en su etapa más académica. A pesar de ello, parece que los continuos reproches de su marido acabaron desanimando a la artista, haciendo que abandonara totalmente la pintura a partir del año 1890. Se retiró del mundo entre artistas con el que se relacionaba y de las exposiciones, convirtiéndose en una desconocida fuera del limitado campo de personas que estaban al tanto de su producción. De forma paralela, el reconocimiento de Félix Bracquemond siguió creciendo, consiguiendo el nombramiento de Oficial de la Legión de Honor y la Medalla de Honor de la Exposición Universal de 1900.12​ Su hijo Pierre da idea del ambiente opresivo en el que su madre vivía cuando trabajaba en casa:

“Satisfecha con algunos de sus cuadros, quería mostrarlos, deseaba contactar con otros artistas, y soñaba con el éxito y con una vida de lucha y de productividad”

Su trabajo no obtuvo el reconocimiento oficial hasta tres años después de su muerte, en 1919, con motivo de la exposición organizada por su amigo Gustave Geffroy y por su hijo Pierre en la Galerie Berheim-Jeune de París.​ En esta exposición se mostraron al público noventa pinturas de la artista, treinta y cuatro acuarelas, veintitrés dibujos y nueve grabados. Aunque esta misma galería realizó una segunda exposición de Marie en el año 1962, en la que se mostraron 38 pinturas al público, la mayor parte de su inventario es aún desconocido. En la actualidad sigue siendo complicado hacerse una idea del conjunto de su tarea artística, ya que la mayoría de sus obras se encuentran en colecciones particulares y de forma muy repartida. Solo cuando se disponga de un catálogo razonado de su producción será posible valorar de forma completa sus logros como pintora.​

Las pinturas de Marie Bracquemond reúnen las características prototípicas del movimiento impresionista, pero a su vez están cargadas de una individualidad propia que las caracteriza. Gran parte de su producción son retratos de su familia y de amigos combinados con zonas de vegetación y paisajes. Muchas de sus obras ponen de manifiesto un gran interés por la creación de volúmenes y por la apuesta de profundidad en las formas, como se aprecia en La Merienda y en Las Tres Gracias. La paleta cromática que utiliza Marie trasmite el contraste de los tonos más luminosos, -protagonizados por la pureza del blanco-, con los colores más fríos, como son los azules y verdes propios del ambiente natural. La pincelada en todos sus lienzos es suelta y rápida, pero diferente en función de lo representado: los objetos y los personajes suelen estar más definidos y contorneados, a diferencia de los fondos y paisajes que están labrados normalmente a través de manchas.

Es original que los personajes de los cuadros, o bien, desafíen al espectador con la mirada o bien, lo ignoren por completo, dándole la espalda u ofreciendo uno de sus perfiles, como se observa en Bajo la lámpara y En la terraza de Sévres. Su manera de abordar la luz y el color son un reflejo de las clases de Marie sobre el Impresionismo, haciendo que sus pinturas se relacionen con las de Renoir y Monet. Los brillos de las composiciones se concentran en la superficie, conseguidos por el uso directo de los colores puros y de consistencia opaca. En lo que al proceso de creación y de preparación se refiere, Bracquemond siguió siento tradicional en su modo de trabajar, realizando previamente bocetos y estudios perfectamente detallados. Es posible que el campo de la acuarela le permitiera una exploración hacia diferentes tonos de color y variaciones de luz.


 https://es.wikipedia.org/wiki/Marie_Bracquemond

Leer más...
Más